2. Aún sabiendo que nuestra mirada no es
neutra, intentaremos entender cuáles
podrían ser las emociones y la
motivación que llevaron al artista a
hacer las siguientes obras.
3. “Para producir una perla perfecta, la ostra necesita
algún trozo de materia, un granito de arena o una
pequeña chispa para formarse a su alrededor. Sin este
núcleo puede convertirse en una masa informe. Si el
sentir del artista respecto a las formas y los colores
tiene que cristalizar en una obra perfecta, también
necesita un núcleo sólido, una intención determinada
en la cual pueda desplegar sus dones.”
Ernest H. Gombrich
5. «Tres mujeres caminan rígidamente hacia el cementerio por la
mañana muy temprano. Todavía no ha amanecido y la luna, alta en el
firmamento, aún permanece, aunque ya no ilumina el paisaje y no
arroja sombras. Los viejos árboles al lado del camino están echando
yemas y en los campos se ven los verdes brotes que han sobrevivido
al invierno. La naturaleza celebra su despertar»
Wilhel Wegener
Friedrich nació en Greifswald, un pequeño pueblo situado en la ribera del
Báltico. Friedrich no dejó de viajar, buscando el encuentro con la
naturaleza, volviendo una y otra vez a su tierra natal.
Loa paisajes de Friedrich, silenciosos y de una profunda quietud,
contienen un simbolismo alusivo a la vida y a la esperanza que el artista
plasma a través de una iconografía personal.
7. “No me interesan las relaciones del color, ni de la forma, ni nada;
lo único que me importa es expresar mis
emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte. La gente
que llora ante mis cuadros tiene la misma
experiencia religiosa que yo cuando los pinté."
Mark Rothko
Rothko quería transmitir con sus obras una intensidad espiritual que
llevara al espectador a la contemplación y a la meditación.
Pinta sobre grandes formatos pero no por pretensión de elocuencia,
sobre ello comenta: “La razón (...) es precisamente que quiero ser íntimo
y humano. Pintar un cuadro pequeño implica colocarse fuera de la
experiencia, considerar una experiencia como una vista estereoscópica, o
con un vidrio reductor. Sin embargo, si pintas un cuadro más grande,
estás dentro de él (1951: 74).
Robert Rosenblum, que encuentra parecidos entre la pintura de Rothko y
la de Friedrich, pintor romántico que acabamos de ver y que vivió dos
siglos antes, expresa: “Buscan lo que es sagrado en un mundo profano”
9. “Atrapar un instante de la vida en toda su violencia, en
toda su belleza. Esto equivaldría a lograr el cuadro
definitivo."
Francis Bacon
El cuadro es el retrato de George Dyer, el amante de Bacon durante años.
La pintura convulsa y agitada de Bacon tiene que ver con las dificultades con que
tuvo que enfrentarse durante su vida; su dependencia del alcohol, su
homosexualidad, sus problemas de asma, sus extravagancias, su inclinación al
juego...
A Bacon siempre le interesó el aspecto más amargo de la existencia y sus obras
son metáforas de la lucha del ser humano con su entorno. Su personal lenguaje
pictórico mostra los aspectos más misteriosos y inquietantes de la condición
humana; sus retratos no buscan el parecido de las facciones del modelo sino su
condición espiritual.
11. "Así como un niño nos imita en su juego, así también los
artistas imitamos en el juego del arte a las fuerzas
que han creado y siguen creando el mundo".
Paul Klee
Klee ve la ciudad como un sitio donde se imponen la ley y el orden, donde la
naturaleza es modificada por el hombre. Introduce un elemento dinámico
en la concepción geométrica de las casas y hace que giren alrededor de un
centro como si imitaran la rotación de una rueda.
Se le ha considerado uno de los pioneros del arte abstracto, pero su obra no
es del todo abstracta; siempre hay un diálogo con la naturaleza.
13. “Amo Arles, aunque Gauguin la haya nombrado la ciudad
más sucia del Midi Francés.”
Vincent Van Gogh
Van Gogh había puesto muchas esperanzas en la visita que iba a hacerle
Gaugin. Pensaba compartir con él experiencias sobre la pintura y así sentirse
menos solo.
Parece que al ver que las cosas no iban como esperava se apoderó de Vincent
una tremenda tensión que estalló en una noche en que vio a su amigo salir de
casa. Se mutiló la oreja derecha con una navaja de afeitar.
Después de estos hechos ingresó voluntariamente en un sanatorio.
15. “Antes que nadie lo supiera, antes incluso de ser
escultor, yo ya había escogido este sitio (…) En esta
obra busqué la relación directa con la naturaleza, y
quizás lo conseguí, más que en otras ocasiones.”
Eduardo Chillida
A Chillida le interesaba el tema del espacio y la materia. Nos dice que no
son, de hecho, tan distantes; la única diferencia apreciable es que la
materia es más lenta, o bien el espacio más rápido.
La dicotomia entre cóncavo y convexo está muy presente en su obra, con
ello se pregunta: “¿Por qué razón cuando yo hago una curva la prioridad
es por la forma cóncava y si la hace Miró la prioridad es por la convexa?”
17. “Entiendo que un artista es alguien que, entre el silencio de los
demás, utiliza su voz para decir algo, y que tiene la obligación
que este algo no sea inútil, sino que sirva a los hombres.”
Joan Miró
b
Los últimos juicios sumarísimos de los años de la dictadura no dejan
indiferente a Joan Miró, que pinta el tríptico La esperanza del condenado a
muerte en 1974, cuando se esperaba una medida de gracia para el joven
anarquista Salvador Puig Antich. Acaba la obra el mismo día en que Salvador
Puig Antich es ejecutado.
Miró expresó su sentimiento ante la injusticia con los medios que tenía a su
alcance: la pintura. Con el gesto tenso, que delimita un círculo que la muerte
no permitirá que se acabe de cerrar, Miró intenta transmitir al espectador la
tensión y la crispación del momento.
19. “Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber
todo lo que podía de su arte… Cambió mi vida, desde
entonces pude ver al arte del modo que siempre quise
verlo”.
Mary Cassatt
Este texto hace referencia a la profunda admiración que la pintura de Edgar
Degas despertaba en Mary Cassatt. La trayectoria de esta pintora estuvo
ligada al movimento impresionista.
Dedicó su vida al arte (no se casó ni tuvo hijos), a pesar de las dificultades
que le comportó el hecho de ser mujer.
Las escenas maternales con un tratamiento suave y emotivo son una
constante en su obra.
21. “Me gustaría que el espectador entrara en la obra de arte como
un actor entra en su propia escena… Me gustaría que quien
acude a una exposición, ya sea un museo o una galería, se
comportara como si fuera un actor, un actor inmóvil..”
Juan Muñoz
Es uno de los grandes escultores del siglo XX. Su obra invita al espectador
a dejar de serlo, de manera que acaba formando parte de la obra que
está observando. Uno de los temas repetitivos de su obra es la dualidad,
el mundo de los contrarios. En la misma obra pueden coexistir
determinados aspectos aparentemente opuestos entre sí, pero que al
mismo tiempo resultan complementarios: ruido y silencio; multitud y
soledad; ausencia y presencia; familiaridad y desubicación; estatismo y
mobilidad.
23. “La necesidad de pintar y aportar amor a mis sueños,
mis formas, mis colores y quizás esta facultad que me
ha sido dada y que yo mismo no sé expresar muy bien,
guía mi mano”
Marc Chagall
La pintura El aniversario se realizó en 1915, año en que se casó con Bella.
En esta época Chagall pinta cuadros donde aparecen él y su mujer
sobrevolando los tejados de la ciudad, haciendo de su amor uno de los
motivos principales de su obra.
Otro de los motivos recurrentes en la obra de Chagall son los que hacen
referencia a sus orígenes judíos y a su querida Rúsia. Nos transporta al
mundo de su infancia a partir de imágenes de tejados, vacas, luces de
petróleo y violinistas.
25. “He decidido hacer pública la carta y esto me ha hecho
sentir muy bien. Me he cuidado, tal y como me
pidió...”
Sophie
Calle
El punto de partida de esta obra es una carta de ruptura que recicibió
Sophie Calle de quien hasta entonces era su pareja. El texto estaba muy
bien escrito y expresaba la necesidad de romper la relación que
consideraba imposible de forma definitiva. La carta terminaba diciendo:
“Cuídate”
Sohie Calle crea una obra a partir de la carta. La entrega a 107 mujeres de
diferentes profesiones, edades y condiciones, y les pide que reaccionen
desde su subjetividad y desde su profesión. Estos materiales son
presentados en una instalación de la Bienal de Venecia.
27. “Sientese en la silla y permanezca sentado/a
hasta que la muerte les separe.”
Esther Ferrer
Este es el cartel que lleva la silla que la artista traduce a diferentes idiomas
según el país donde se expone la obra. Esther Ferrer realiza su primera
performance en 1967, y desde entonces la práctica efímera se convierte en el
hilo conductor de su obra. La artista pretende provocar una toma de
conciencia, una reflexión crítica a partir de las performances.
Intenta transmitir la conciencia del paso del tiempo. El tiempo, el espacio (que
incluye el espacio mental) y la presencia (suya y de los demás) son elementos
que manipula en sus acciones, en las que suele trabajar con objetos ordinarios
y cotidianos: martillos, relojes, mesas, sillas, marcos, hilos, zapatos, etc.
28. Las imágenes han sido cedidas por el
Museo Thyssen- Bornemisza de
Madrid, por el MACBA, Museu d’Art
contemporani de Barcelona y por la
Fundació Miró.
