1. Pintura
barroca
Pintura barroca 1

2. Características
Naturalismo.
Afán de movimiento conseguido por composiciones complejas
de grandes líneas diagonales, oblicuas y quebradas.
Gusto por lo efectista: pinturas de aparatosos escenarios y
arquitecturas fingidas en bóvedas y paredes.
Teatralidad en gestos y expresiones.
Cuando se representa el espacio: perspectiva aérea.
Luz que delimita las formas de un modo escultórico o
efectista.
Contrastes y claroscuros.
Se pierde la idea de equilibrio y simetría clásicas. Siempre un
lado de la composición es más acentuado que el otro.
Falta de claridad en la representación.
Pintura barroca 2

3. Temas
Temas religiosos de los dogmas de la Contrarreforma
en las cortes católicas, tendentes a fijar los dogmas de
la contrarreforma. Escenas de la Biblia en las cortes
protestantes. Se representan como escenas de género.
Escenas de género, y dentro de ellas escenas de
interior.
Vanitas.
Bodegones y naturalezas muertas.
Temas mitológicos.
Paisaje como tema autónomo, marinas.
Retrato en las cortes reales, los nobles, y en el mundo
burgués. Se generaliza el retrato de cuerpo entero y
nace el retrato de grupo.
Pintura barroca 3

4. Italia
A finales del siglo XVI aparece el barroco, el naturalismo
de Caravaggio, al que se contrapone el arte académico
e intelectual de los Carracci. Se crea una propaganda
del dogma católico contrarreformista: santos que se
representan como personajes populares con el fin de
que el pueblo se identifique con ellos y asuma la
doctrina eclesiástica. La iglesia vuelve a ser, junto con
las monarquías absolutas y católicas, el gran cliente del
arte, su impulsor y también su dirigente.
Se fija una iconografía que pervivirá durante mucho
tiempo: Inmaculadas, martirios y éxtasis de santos. Pero
también retratos, bodegones y paisajes,escenas de
género, mitológicos o alegóricos.
Pintura barroca 4

5. Caravaggio (1573-1610)
Nace cerca de Milán. Llega a Roma en 1593. Allí
empezó a pintar bodegones, naturalezas muertas,
escenas de género y religiosas, que vendió en los
mercados. Pronto fue descubierto por mecenas
(cardenales y aristócratas) para los que pintó durante
los 13 años que permaneció en Roma, De personalidad
extravagante y violenta, metido en peleas callejeras en
las que hirió a varios y mató a algunos, por lo cual tuvo
que huir de Roma en 1606, pasando a Nápoles, donde
permaneció algún tiempo, más tarde pasó a Malta,
donde fue nombrado caballero de la Orden de San
Juan, pero hirió a un juez y huyó de nuevo a Nápoles,
donde cayó herido en una nueva pelea y murió de
malaria en 1610, cuando volvía a Roma, donde había
conseguido que se le perdonaran sus crímenes.
Pintura barroca 5

6. CARACTERÍSTICAS
Creador del Naturalismo: representación de la realidad sin
obviar sus defectos. Modelos de ínfima clase social.
Creador del Tenebrismo (profundo claroscuro): luz artificiosa.
Pintaba en un sótano: iluminación muy alta y única a fin de que
las paredes permanecieran en sombra. Los cuerpos son
alcanzados por poderosos rayos de luz que los resaltan
fuertemente sobre fondos totalmente oscuros.
Trabaja sin bocetos, directamente en la tela.
Evita la representación del espacio.
Colores definidos con precisión.
Composiciones complejas en base a la luz.
Representación exacta de las calidades y texturas de la materia.
Cuadros religiosos y mitológicos tratados como escenas de
género, en los que no faltan detalles anecdóticos perfectamente
descritos. También realiza escenas de género y bodegones.
Pintura barroca 6

7. Bodegón
Pintura barroca 7

8. Baco.
Ufizzi
Pintura barroca 8

9. Joven
Pintura barroca 9

10. David y
Goliat
Pintura barroca 10

11. Vocación de San Mateo
Pintura barroca 11

12. VOCACIÓN DE SAN MATEO (1601)
Tema: momento en que Cristo llama a San Mateo a
seguirlo. Por la derecha entra Cristo con San Pedro,
y con su mano extendida señala a Mateo. Es un
tema religiosos pero representado como una escena
de género (de taberna).Su realismo, sin embargo, es
teatralizado por el gran valor de los gestos del rostro
y de las manos y por la utilización artificiosa de la luz.
Composición: Es una composición estática en
horizontal, con pocos personajes y fondo neutro. Es
la luz la que define la composición: la escena está
iluminada por dos focos exteriores, de modo que
aparecen iluminadas algunas partes y el resto queda
en penumbra. Se establece con ello agudos
contrastes entre luces y sombras. El papel de la luz
es doble: consigue resaltar las figuras que más
interesan y ayuda a dramatizar el contenido del
cuadro.
Pintura barroca 12

13. Vocación
de San
Pablo
Pintura barroca 13

14. Muerte de la Virgen
Louvre
Las figuras casi tienen tamaño
real. El centro de atención del
cuadro es la figura de la Virgen.
Tomó como modelo el cadáver
de una prostituta muerta
ahogada. Alrededor de la
Virgen se encuentran María
Magdalena y los apóstoles, que
dan muestras de dolor. La
escena transcurre en un
ambiente humilde. Los colores
son muy oscuros, con los
únicos toques luminosos del
rojo de la ropa de la muerta y
un gran telón rojo que pende
por la parte superior del lienzo.
Pintura barroca 14

15. Caravaggio. Peregrinos de Emaús
Pintura barroca 15

16. LOS CARRACCI
Ludovico Carracci (1555-1619) crea un estilo ecléctico, que
impondrá, junto a sus dos hermanos Anibale (1560-1609) y
Agostino (1557-1602), en Italia y en el extranjero.
Fundaron La Academia en 1585 (centro que sirve de modelo a
las Escuelas de Bellas Artes), con lo que reemplazan el viejo
sistema de aprendizaje a través de un taller. En la Academia se
enseñan técnicas pictóricas, disciplinas teóricas y clases de
anatomía. Se premia a los alumnos más aventajados.
Eclecticismo se inspiración en Rafael, Miguel Ángel y los
Venecianos. Volvieron a la práctica tradicional del dibujo previo.
Clasicismo: Formas idealizadas. Organización compositiva.
Perspectiva lineal y representación del espacio. Predominio de la
línea. Colores brillantes.
Pintan al fresco varios palacios en Bolonia y marchan a Roma
llamados por el cardenal Farnesio.
Pintura barroca 16

17. Carracci.
Frescos
Palacio
Farnesio.
Pintura barroca 17

18. Carracci. Triunfo de Baco
Pintura barroca 18

19. PALACIO FARNESIO
Realizado por Miguel Ángel y Giacomo della Porta
(1573) fue la residencia romana de esta gran familia y el
cardenal Odoardo llamó a Anibale Carraci en 1595. Se
terminaron los frescos de la bóveda en 1600. La función
de la estancia era servir para recepciones y albergar la
colección de estatuas clásicas de los Farnesio. Los
trabajos preliminares comprendieron más de un millar
de bocetos. El tema era mitológico: a través de él se
ilustraba la fuerza del amor. Cuerpos modelados con
claridad escultórica y formas de Miguel Ángel, además
del estudio del natural y de las esculturas antiguas.
Colores intensos y luminosos. Ilusionismo arquitectónico
que compartimenta el espacio.
Pintura barroca 19

20. PINTURA BARROCA
FLAMENCA CATÓLICA
Pintura barroca 20

21. Rubens 1577-1639
Pasó su niñez en Colonia y recibió su primera formación
artística en Amberes. Ya maestro, marcha a Italia,
donde permaneció 8 años (1600-1608) al servicio del
duque de Mantua. De vuelta a Amberes, fue nombrado
pintor de los archiduques que le encomendaron incluso
cuestiones diplomáticas, con las que viajó a España
influyendo en Velázquez. Hombre equilibrado, positivo,
optimista, de extensa cultura y carácter agradable, con
una increíble vitalidad que le hacía atender al mismo
tiempo cuestiones muy dispares. Como pintor triunfó en
Europa y sus obras fueron solicitadas por las principales
cortes de su tiempo.
Pintura barroca 21

22. Caracteríticas
Influencias: formación flamenca. Influencia italiana:
clasicismo, naturalismo de Caravaggio, concepción
heroica de la figura humana. Su aportación personal:
sensualidad.
Facultad para la composición trabando el movimiento
de los personajes en líneas de fuerza diagonales que
recorren los cuadros.
Sentido exultante (luminosos y brillante) del color y de
la luz.
Exuberancia formal.
Pincelada larga, toques sueltos cargados de pasta.
Pintó todos los géneros: retratos oficiales (teatrales) y
privados (de gusto burgués); pintura religiosa; historias;
mitologías; alegorías; paisajes; bodegones...
Pintura barroca 22

23. Rubens. Descendimiento. Catedral de
Amberes
Pintura barroca 23

24. Descendimiento
TEMA religioso tratado con grandilocuencia y teatralidad.
COMPOSICIÓN: Rompe cualquier tipo de equilibrio y resalta el
desbordamiento de la escena más allá del espacio pictórico.
Composición en diagonal, predominio de las curvas y
contracurvas, superposición de planos empleando recursos
efectistas (pies cortados de María Magdalena y María Salomé,
escorzos violentos). Búsqueda de efectos teatrales (posturas
forzadas, gestos).
LUZ: afianza la diagonal. No hay iluminación uniforme: masas de
luz y de sombras.
COLOR: unas veces es más intenso que otras contribuye a dar
sensación de movimiento. Una amplia zona oscura ocupa el
fondo del cuadro y la mayoría de las figuras que rodean a Cristo.
En esa zona sobresale una rica gama de colores fríos iluminados
solamente parcialmente. Otra zona iluminada donde predomina el
violento contraste cromático: los colores cálidos ocupan el centro
Pintura barroca 24
del cuadro.

25. Rubens.
Tres
Gracias.
Museo
del Prado
Pintura barroca 25

26. LAS TRES GRACIAS (1636)
Rubens guardó en su propia casa este
cuadro. Se detiene con deleite en la
descripción de la piel transparente de las
Gracias, en las flores, en los cortinajes que
les sirven de dosel, y en el armonioso
paisaje. Las Gracias tiene la belleza
opulenta típica de Rubens. Sus siluetas
enlazadas se recortan con un ritmo sinuoso
de curvas y contracurvas. Escena
luminosa, alegre y muy sensual.
Pintura barroca 26

27. Barroco protestante: características
La Iglesia protestante prohibía el arte de orientación
católica, pero sin dirigir el arte. Se concedió al artista
mayor libertad pero las historias bíblicas no son muy
representadas. Se prefiere representar la vida real y
cotidiana, el cuadro de costumbres, el retrato, el paisaje,
el bodegón, el cuadro de interior y la arquitectura.
Naturalismo sencillo y con representaciones objetivas.
Pequeños formatos burgueses frente a los grandes
formatos de las monarquías europeas.
Los clientes del arte son burgueses y funcionarios y
asociaciones de los municipios (corporaciones de
hospicios, hospitales, médicos etc.)•
Pintura barroca 27

28. REMBRANDT (1606-1669).
Nació en Leiden de familia burguesa. Allí abrió
su primer taller. En 1631 se trasladó a
Amsterdam donde fue un afamado pintor de
retratos y llevó una vida burguesa hasta la
muerte de su esposa. Después su vida fue en
declive viviendo por encima de sus posibilidades
llegando a la ruina económica. Sobrevivió a su
segunda esposa y a sus dos hijos, y viejo y
arruinado, a su muerte fue enterrado en una
tumba sin nombre
Pintura barroca 28

29. Características
 Composiciones en diagonal, espiral, curvas y
contracurvas.
 Estudio de luces y sombras. Claroscuro ambiental
intimista. Luces doradas.
 Realismo.
 Color de tonalidades doradas.
 Pincelada muy suelta: llega a la desintegración de la
forma mediante el tratamiento de la pasta pictórica.
 No representa el espacio.
 Temas: Históricos, mitológicos, religiosos, paisaje,
naturaleza muerta, retratos, de género: todos tratados
de una manera íntima y personal del hombre de la
Reforma. Grabados Pintura barroca 29

30. Lección de Anatomía del doctor Tulp
Pintura barroca 30

31. Lección de Anatomía 1632
Primer retrato en grupo realizado por Rembrandt.
Encargado por el gremio de cirujanos para conmemorar una
lección pública que impartió el doctor Tulp, ante el cadáver de
un ajusticiado. Cada retratado mantiene una posición y una
expresión distinta, concentrándose la luz en aquellos rostros o
zonas del cuerpo que el artista quiere resaltar. El contraste
entre las zonas iluminadas y las penumbras aumenta con el
traje negro característico de la época y un tratamiento
vaporoso de ciertas texturas gracias a una suave pincelada.
La fuerza del cuadro se concentra en la diagonal formada por
los cuatro personajes que se sitúan en dirección hacia las
pinzas del doctor . Para evitar distraer la atención del
espectador, el fondo es neutro y no tiene apenas definición. La
lección fue pública y la lista de los alumnos está consignada
en el papel que sujeta uno de ellos.
Pintura barroca 31

32. Ronda de Noche 1642
Pintura barroca 32

33. Líneas de composición
Pintura barroca 33

34. RONDA DE NOCHE
Retrato colectivo de la corporación de arcabuceros
Capta al grupo a la salida de una callejuela, en el momento en
que éste inicia su marcha, y subordina la condición individual de
los personajes a la dinámica del momento: composición muy viva
en la que cada figura en movimiento está situada en un plano de
luz diferente y en una actitud diversa. Al grupo se unen elementos
que nada tienen que ver con el grupo: una niña intensamente
iluminada, un enano, un perro.
Gracias a la luz y a las actitudes, se resaltan algunos personajes
y tapa a otros, por lo que los que encargaron el cuadro no
estuvieron de acuerdo con el modo de ser representados.
La ronda en realidad no es nocturna, la oscuridad se debe a la
suciedad de varias capas de barniz.
Utilización de la luz como máximo recurso expresivo, y crea la
composición, confirma volúmenes, transforma el color y disuelve
los contornos. Pintura barroca 34

35. Rembrandt. Autorretratos. 22 años y el año
de su muerte
Pintura barroca 35

36. Rembrandt.
Sacrificio de
Isaac. Museo del
Hermitage. San
Petesburgo
Pintura barroca 36

37. Francia.
Naturalismo: Georges La Tour
– Magadalena.
– San José y Cristo niño.
Academicismo: Poussin
– Muerte de Germánico.
– Rapto de las Sabinas.
Paisajista: Claudio de Lorena.
Pintura barroca 37

38. Poussin. Rapto de las Sabinas. Museo
Metropolitano Nueva York
Pintura barroca 38

39. Rapto de las Sabinas
Tema mítico. Rómulo, debido a la falta de mujeres,
invita a los sabinos, sus vecinos, a una fiesta en la
ciudad. A su señal, cada romano se hace con una
sabina, eliminando cualquier resistencia posible de los
hombres. Éste es el momento que recrea Poussin, con
el rey haciendo la señal, con un cortejo de dos
senadores, a la izquierda en alto, frente al templo de
Júpiter Máximo. La escena es de una gran agitación
pero los gestos se subordinan al mensaje. Este efecto
se ve reforzado por una exagerada perspectiva, con tres
puntos de convergencia hacia los que se dirige la vista.
Es un ejercicio complicado de matemática, con el que
Poussin busca someter una escena de violentas
pasiones a un orden intelectual.
Pintura barroca 39

40. PINTURA BARROCA
ESPAÑOLA
SIGLO XVII
Pintura barroca 40

41. Marco Histórico
Época de Felipe III, Felipe IV y Carlos II.
Crisis económica y política: Validos: Duque de Lerma,
Duque de Uceda, Conde-Duque de Olivares.
Coleccionismo de los reyes: importación de obras de
arte italianas y flamencas. Estancias de Rubens en la
Corte (1603 y 1621) y de otro pintores italianos que
inauguran la pintura al fresco en España. Visita o
estancia de los pintores españoles en Italia: Ribera vive
en Nápoles, Velázquez viaja por dos veces a Italia.
La corte y la iglesia son los principales clientes del
arte.
Como escuelas destacan la madrileña (por la corte) y
Sevilla por su monopolio con el comercio americano.
Pintura barroca 41

42. CARACTERÍSTICAS
Predominio de la pintura religiosa católica.
Realismo alejado de lo anecdótico y lo recargado.
Gran interés por la luz: tenebrismo. Iluminación intensa
y artificial que proviene de un único foco.
Perspectiva aérea.
Pincelada suelta.
Composiciones en torno a líneas oblicuas o
diagonales.
Temas: RELIGIOSOS con rica iconografía: vírgenes
con niño, Inmaculada, milagros de santos. Son tratados
con religiosidad íntima o con un sentido barroco
espectacular y todos con el sentido propagandístico de
la Contrarreforma. RETRATOS, MITOLÓGICOS,
BODEGONES, PAISAJES. barroca
Pintura 42

43. JOSÉ RIBERA (1591-1652)
Nació en Játiva, pero se traslada con su familia
a Italia. A los 20 años se encontraba en Roma,
donde se le conoce como el "Spagnoletto" por
su pequeña estatura. Allí se le define como
seguidor de Caravaggio. Abandonó Roma
perseguido por sus acreedores. Se instala en
Nápoles bajo el mecenazgo de los reyes,
alcanzando una posición social y económica
desahogada. En 1616 pertenece ya a la
Academia de San Lucas. Fue visitado por
Velázquez en 1631.
Pintura barroca 43

44. Características
Evoluciona desde el tenebrismo hasta los fondos luminosos
de tonos amarillos, azules y plateados.
Composiciones sosegadas, serenas, con un equilibrio entre
los volúmenes y el vacío.
Personajes muy humildes pero dotados de gran dignidad.
Realismoi temático y técnico: le preocupa el acabado perfecto
y detallado. Intenta conseguir las calidades exactas de los
objetos, las deformaciones de la piel, mediante una pincelada
pastosa que modela la superficie.
Temas religiosos de la Contrarreforma: martirios de santos,
éxtasis, Inmaculadas. Sus santos anacoretas son figuras de
pobres, mendigos y pícaros. Pero también pinta temas
mitológicos, retratos, paisajes, escenas de género con tipos
populares, personajes de la Historia o naturalezas muertas.
Pintura barroca 44

45. Ribera. San Andrés.
Patrón de los
pescadores
Pintura barroca 45

46. SAN ANDRÉS. Museo del Prado
Es un hombre como todos, un anciano con los rasgos
propios de la vejez y su miseria, que le ha encanecido el
cabello y arrugado la piel. El físico real cobra gran
importancia, se subrayan los aspectos negativos: los
santos son como todos los humanos: todos podemos
ser santos sublimando la miseria que nos rodea.
La pintura tenebrista cumple así muchas funciones:
permite que el fiel se identifique con estas figuras
modélicas y ejemplares y que subordine los problemas
terrenos a cuestiones de más alto rango espiritual. Al
ser colocados en los altares el modelo de vida que
proponían era el del sacrificio y las penalidades
Pintura barroca 46

47. San
Sebastián
Pintura barroca 47

48. Ribera.
Arquímedes
Museo del
Prado
Pintura barroca 48

49. Martirio de San Felipe. Museo del Prado
Pintura barroca 49

50. Martirio de San Felipe
El Martirio de San Felipe pudo ser pintado por Ribera
para el rey Felipe IV. San Felipe fue crucificado cuando
predicaba en Asia Menor, siendo sus manos amarradas
al travesaño de la cruz. La composición está dominada
por diagonales y violentos escorzos. La figura del santo
ha sido realizada con todo lujo de detalles, su rostro,
muy realista, debe corresponder al de alguna persona
cercana al maestro. Tampoco están exentas de belleza
y realismo las figuras de los sayones, destacando el
esfuerzo físico que realizan al izar el travesaño de la
cruz. La escena se desarrolla al aire libre, las figuras
reciben la luz del sol, que en el caso de las mujeres de
la zona izquierda desdibuja los contornos, dando
sensación de atmósfera.
Pintura barroca 50

51. Patizambo.
Representa un joven mendigo
con un pie deforme que sonríe al
espectador. De un modo realista
Muestra en una mano un papel
que era la autorización necesaria
en el reino de Nápoles para ser
un pordiosero. El mendigo se
mantiene en pie frente a un cielo
claro y luminoso, llenando el
lienzo con una luz casi natural.
La figura en su conjunto se
representa de forma casi
monumental, desde un punto de
vista muy bajo, propio de los
teatros reales, lo que dota a la
figura del mendigo de gran
dignidad. Pintura barroca 51

52. Sueño de Jacob Museo del Prado
Pintura barroca 52

53. Sueño de Jacob
Jacob vio en su sueño una escalera celestial por
la que subían y bajaban ángeles. Casi no puede
observarse la escalera celestial, insinuada por la
luz fuerte y clara que ilumina el rostro de Jacob.
Aquí radicaría la originalidad de la escena. El
escorzo de la figura y las diagonales que
organizan la composición demuestran el
acentuado barroquismo del pintor. Pero ahora
abandona claramente su tenebrismo inicial para
darnos una visión muy luminosa, sin apenas
producir contrastes de luz y sombra, en la que la
influencia veneciana es significativa.
Pintura barroca 53

54. Magdalena
Museo del
Prado
Pintura barroca 54

55. Ribera.
La mujer
barbuda.
Pintura barroca 55

56. FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)
Nacido en Fuente de Cantos (Badajoz). Aprende en Sevilla,
pero se instala en Llerena. Realiza San Hugo en el Refectorio. En
1626 vive en Sevilla donde para realizar los cuadros del convento
de dominicos. En ellos se interesa ya por el análisis de los
rostros, las naturalezas muertas y la distribución de escenas
mediante luces y sombras: tenebrismo, luz blanca de los hábitos,
figuras monumentales.
En 1634 es llamado a la Corte para participar en la decoración
del Salón de los Reinos del Palacio del Buen Retiro, pinta los
Trabajos de Hércules (únicos cuadros mitológicos, tratados con
un estilo académico y clasicista) y su único cuadro histórico La
Defensa de Cádiz.
En 1636-40 regresa a Sevilla donde le encargan los ciclos
monásticos para la Cartuja de Jerez de la Frontera y para los
Jerónimos de Guadalupe; y realiza numerosos cuadros de Santas
Mártires.
En1645 comienza su declive por la competencia de Murillo. 56
Pintura barroca

57. Características
Figuras monumentales. Defectos de perspectiva.
Temas: Pintor de monjes y frailes. Santas que representa
como jóvenes de la alta sociedad sevillana; la Virgen niña,
Trabajos de Hércules, La defensa de Cádiz y bodegones.
Tenebrista: la luz procede de las figuras mismas, emana de los
cuerpos y objetos no de un foco real.
El pintor se concentra en rostros (captación psicológica) y
manos: a veces las figuras no aparecen completas e
intencionadamente secciona los bordes, así parece que el
cuadro se continua por los lados.
Blancos muy luminosos contrastados con los fondos oscuros.
Intensos claroscuros.
Naturalismo: los objetos secundarios son tan importantes como
los principales: telas blancas, terciopelos rojos, bordados,
piezas de orfebrería y cerámica, flores y frutas.
Bodegones muy ordenados. barroca
Pintura 57

58. Zurbarán.
Inmaculada.
Pintura barroca 58

59. Cristo en la
cruz
Pintura barroca 59

60. Zurbarán. Bodegón
Pintura barroca 60

61. Bodegón museo del Prado
Pintura barroca 61

62. Bodegón
1.Predilección por las cosas pequeñas y sencillas.
2.Composición muy simple, las piezas se alinean con
claridad sobre un plano, individualizadas, autónomas
unas de las otras.
3.Las texturas permiten al pintor experimentar los
diferentes modos de responder cada una de las piezas
a la iluminación.
4.Colorido pobre, en consonancia con la austeridad
general, se reduce a varias tonalidades parduscas, pero
muy vibrantes, a causa de la iluminación.
5.La Luz, es tenebrista, intensa, contrastada y dura,
hace resaltar vivamente los objetos sobre un fondo
oscuro. Pintura barroca 62

63. Bartolomé Esteban Murillo 1618-1682
Nacido en Sevilla en una familia numerosa, quedó
huérfano con 9 meses. Aprendió en el taller de un pintor
mediocre. Muy pronto logró hacerse con una amplia
clientela que le permite llevar una holgada posición
económica. Hombre modesto, de carácter afable y
bondadoso, se casó en 1648, pero tuvo dificultades
emocionales debido a la muerte de su esposa. Su fama
trascendió las fronteras españolas y era conocido en
Europa. Funda una academia de dibujo y pintura donde
se forman los principales autores sevillanos; y muere a
consecuencia de un accidente sufrido en el andamio en
que pinta el retablo de los Capuchinos de Cádiz.
Pintura barroca 63

64. Características
Durante los comienzos de su vida artística está ligado al
tenebrismo influenciado por Ribera y Zurbarán.
Temática es religiosa (pintor de conventos), y escenas de
género: pícaros, mendigos, enfermos de los barrios bajos.
Dinámico e impetuoso.
Colorido muy luminoso.
Pintura dulce, amable, sentimental, delicada. Se aleja del
realismo y representa solamente la belleza que tiende más a lo
amable y gracioso que a la idealización clásica: naturalismo
idealizado, como forma de evasión de un realidad circundante
decadente y fea.
Pecisión de calidades y texturas de las naturalezas muertas.
Sencillez y fervor religiosos.
Apoteosis celestiales: agitación de ángeles.
Perspectiva aérea.
Vírgenes, niños, Sagradas Familias, Inmaculadas.
Pintura barroca 64

65. Autorretrato 1670
Pintura barroca 65

66. Murillo. Joven
espulgándose.
Museo de
Louvre
Pintura barroca 66

67. Murillo. Pillos
comiendo
fruta
Alte
Pinakothek
Munich
Pintura barroca 67

68. Adoración de los Reyes Museo del Prado
Pintura barroca 68

69. Inmaculada.
Museo del Prado
Pintura barroca 69

70. Inmaculada
Representa a la Virgen como una joven morena, bella,
tierna y dulce, flotando sobre nubes, en un gran
rompimiento de gloria. Está vestida con túnica blanca y
manto azul, con las manos juntas sobre el pecho en
actitud de plegaria y la cabeza ladeada mirando al cielo.
Composición dinámica. En el centro está la Virgen, de
canon estilizado y rodeándola, en movimiento curvo, los
angelitos. Destacan las líneas ondulantes en los abultados
pliegues del manto y las diagonales. Es un estilo dinámico
y teatral. Luz: Sobre el fondo dorado, se recorta la figura
de la Virgen, envuelta en luz para indicar su carácter
celeste. Su rostro y vestido blanco irradian luz. Color:
Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con
los fríos todos muy matizados. Las pinceladas son sueltas,
espontáneas, vaporosas, fluidas. Estilo: contrastes de
luces y sombras; realismo y gusto por el detalle.
Pintura barroca 70

71. Murillo.
Buen Pastor
Mueso del
Prado
Pintura barroca 71

72. Buen Pastor
En el Evangelio de San Juan (10, 11-14) se compara al
Cristo con el Buen Pastor. El Niño Jesús se sitúa en un
paisaje con una referencia arquitectónica al fondo,
sentado sobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su
mirada al espectador. En la mano derecha lleva la vara
del pastor y con la izquierda acaricia al cordero, quien
también dirige la mirada hacia nosotros. La composición
se estructura con una pirámide característica del
Renacimiento, mientras que la pierna y la vara se
ubican en diagonal para reforzar el ritmo del conjunto.
La atmósfera creada gracias a la iluminación y el
colorido recuerdan a la escuela veneciana, aportando el
maestro sevillano una idealización de la figura.
Pintura barroca 72

73. Diego De Silva Velázquez.
1599-1660
Nacido en Sevilla de familia se hidalgos. Inicia su
aprendizaje con Francisco de Herrera el Viejo,
con quien no debió de estar mucho tiempo, pues
a los 12 años entra en el taller de Francisco
Pacheco, donde permaneció 5 años y, tras el
correspondiente examen, es maestro en 1617.
Se casó con la hija de Pacheco.
Pintura barroca 73

74. Autorretrato 1650
Pintura barroca 74

75. Primera etapa 1617-1622
Interés por el naturalismo (copia del natural) que le
lleva a la pintura de género, en la que podía
experimentar con figuras vivas (un muchacho le servía
de modelo, además de los miembros de su familia).
Otra preocupación es la luz, en estos momentos es
tenebristas, siguiendo la estética de la época; y la
reproducción exacta de calidades y texturas de
vasijas, recipientes y alimentos.
Vieja friendo huevos.
Aguador
Jesús en casa de Marta y María
Adoración de los Magos
Pintura barroca 75

76. Aguador
de Sevilla
Pintura barroca 76

77. Aguador de Sevilla. Apsley house
Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un
niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo
que se ha sugerido que podría representar las tres
edades del hombre.
Realismo, como demuestra en la mancha de agua que
aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal
en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o los
golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se
observa en las dos figuras principales que se recortan
sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los
efectos de luz y sombra. El colorido que utiliza sigue una
gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones. La
influencia tenebrista de Caravaggio se hace notar
posiblemente por grabados y copias que llegaban a
Sevilla procedentes de Italia.barroca
Pintura 77

78. Vieja friendo huevos Galería Nacional de
Escocia
Pintura barroca 78

79. Vieja friendo huevos 1618
En primer plano vemos a una anciana cocinando unos
huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho
que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Ambas
figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para
destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra,
una de las características que le sitúan en la órbita del
naturalismo tenebrista. En la zona de la derecha
contemplamos uno de los mejores bodegones del arte
español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de
cerámica y una cebolla colorada. Para que el espectador
pueda contemplar con más facilidad estos elementos, el
maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de
barro, empleando de esta manera una doble perspectiva .
Se piensa que la anciana podría ser el retrato de su
suegra, y el muchacho sería un ayudante de su taller.
Minuciosidad de la pincelada, a base de pequeños toques.
Pintura barroca 79

80. Velázquez.
Adoración de
los Magos.
Museo del
Prado
Pintura barroca 80

81. Adoración de los magos
Un foco de luz ilumina desde el lado izquierdo el cuerpo
del niño Jesús oscureciendo el resto del cuadro, tanto
que el fondo se aprecia con dificultad. Los
representados en el cuadro son miembros de su familia,
así la Virgen sería su esposa el Niño Jesús en realidad
sería la propia hija del artista y el Rey Mago que
aparece con barba sería su propio maestro, Francisco
Pacheco. Gaspar sería el propio Velázquez. Velázquez
llevaba dos años ejerciendo como maestro de pintura y
un año casado con Juana Pacheco cuando realiza esta
obra. Es muy destacable la calidad de los ropajes, los
plegados y el brillo de los objetos metálicos y de cristal
que portan los Magos para ofrecer al niño al igual que
en otras obras de etapa sevillana.
Pintura barroca 81

82. Cristo en casa de Marta y María
National Galery Londres
Pintura barroca 82

83. Segunda etapa (1623-1629)
Llega a Madrid en 1622, pero vuelve a Sevilla donde es
llamado por el Conde-Duque de Olivares para que pinte
un retrato de Felipe IV (1624), quien inmediatamente le
nombró pintor real. Allí realiza los primeros retratos de
la Corte: INFANTE DON CARLOS, VALIDO GASPAR
DE GUZMÁN, en los que aún quedan ideas tenebristas.
En la corte conoce a Rubens (1628) con quien visita las
colecciones reales. Pinta su primer cuadro mitológico
EL TRIUNFO DE BACO: en esta obra aún se observan
detalles arcaizantes: interés naturalista por la
representación de objetos de uso cotidiano, tipos
humanos populares que acercan los dioses al plano
humano, escena mitológica tratada como escena de
género.
Pintura barroca 83

84. Velázquez. Retratos de
Felipe IV
Pintura barroca 84

85. El triunfo de Baco Museo del Prado
Pintura barroca 85

86. Triunfo de Baco 1623
El cuadro representa al dios Baco coronando con hojas de vid a
uno de los siete borrachos que lo rodean, mientras otro
personaje mitológico observa la escena. Algunos personajes
miran al espectador mientras sonríen.
La escena puede dividirse en dos mitades. La de la izquierda, con
la figura de Baco muy iluminada, está cercana al estilo italiano
inspirado en Caravaggio. Baco y el personaje que queda detrás
aluden al mito y están representados de la manera clásica, con
idealización en el rostro del dios y la luz clara que lo ilumina. La
parte de la derecha, presenta a hombres de la calle que nos
invitan a participar en su fiesta, con un aire muy similar a Ribera.
No hay en ellos ninguna idealización, sino que presentan rostros
avejentados y desgastados. Tampoco se mantiene en este lado la
clara luz que ilumina a Baco, sino que estas figuras están
sumidas en un claroscuro. Además, lo trata con una pincelada
más suelta.
Hay varios elementos que dan naturalismo a la obra como son la
botella y el jarro que aparecen en el suelo junto a los pies del
dios, cuyos brillos les confieren relieve, textura y calidad, similar
Pintura barroca 86
a los bodegones.

87. (1629-1631) Primer viaje a Italia
Enviado por el rey con el fin de aprender y comprar cuadros. En
Venecia conoció los cuadros de Tiziano, en Roma le asombraron
los Frescos de Miguel Ángel y Rafael y en Nápoles se relacionó
con Ribera. Trajo cuadros de Tiziano y Bassano, copias hechas
por él de Tintoretto y pintó su segundo cuadro mitológico LA
FRAGUA DE VULCANO: En él desaparece el tenebrismo y la
precisión de la forma comienza a ceder ante el interés por la
perspectiva aérea y por la pincelada suelta. Continúa la tradición
naturalista (son tipos populares, la escena está representado
como escena de género), pero la figura de Apolo ya es casi
idealizada y más clásica; la construcción del espacio está más
estudiada. El tema, narrado por Ovidio, está tratado con
discreción, elegancia y naturalidad, sin mofarse del burlado
Vulcano (Apolo le anuncia a Vulcano la infidelidad de su esposa
Venus con Marte). El cuadro es un canto al desnudo y al color.
Pintura barroca 87

88. La fragua de Vulcano Museo del Prado
Pintura barroca 88

89. SEGUNDA ETAPA CORTESANA (1631-1649)
Realiza la decoración del Salón de Reinos del Palacio
del Buen Retiro. Pinta varios retratos ecuestres Felipe
IV (que sirvió de modelo a la estatua de bronce hecha
por Pietro Tacca en la Plaza de Oriente), el Príncipe
Baltasar Carlos (hijo de Isabel de Borbón que murió a
los 17 años), y el CONDE-DUQUE DE OLIVARES en
todos ellos demuestra el dominio de la figura y del
paisaje, conocedor de la anatomía y del movimiento del
caballo. Y el cuadro de historia LA RENDICIÓN DE
BREDA Tambien comienza con la pintura realista de los
bufones. PABLILLLOS DE VALLADOLID, EL NIÑO DE
VALLECAS, EL BOBO DE CORIA Es el momento
también de sus irónicas aproximaciones al mundo
clásico MARTE DIOS DE LA GUERRA, ESOPO,
MENIPO. Pintura barroca 89

90. Retrato ecuestre
del Conde-Duque
de Olivares Museo
del Prado
Pintura barroca 90

91. Retrato ecuestre Conde Duque de Olivares
Dentro del estilo de Velázquez, este cuadro se considera una excepción, ya
que su diseño y colorido resultan más movidos y pomposos de lo habitual en
los retratos del artista, más sobrios.
Olivares es retratado a lomos de un caballo, un honor reservado a los
monarcas .
El conde duque mira al espectador, asegurándose de que sea testigo de su
hazaña. La figura se ve desde un punto de vista bajo y su torso se gira hacia
atrás, con lo que parece más esbelto, ya que era muy corpulento. El caballo
alza sus patas delanteras, realizando una cabriola, y mira hacia el campo de
batalla trazando una diagonal con respecto a las colinas que se aprecian en el
paisaje, composición que proporciona energía al retrato y que, por su
dinamismo, recuerda a Rubens. Este esquema de retrato ecuestre se
diferencia de los realizados para la familia real, y se cree que fue sugerido por
Olivares. El noble viste un sombrero de ala ancha emplumado y la banda del
estado; en la mano sostiene un bastón de mariscal con el que marca la
dirección de la batalla.
Rico cromatismo y estudio de la luz, que resalta la teatralidad de la escena
La batalla en la lejanía está tratada con pequeñas manchas, con pincelada
suelta. El paisaje es muy esquemático pues Velázquez no definió edificios ni
personajes. Las colinas se difuminan en tonos verdes y azules,
proporcionando sensación de lejanía; por ello se dice que tiene una
perspectiva aérea muy acusada. Pintura barroca 91

92. Rendición de Breda Museo del Prado
Pintura barroca 92

93. Juan de
Calabazas
“calabacillas”
Pintura barroca 93

94. Bufones
En la Corte de Felipe IV había una gran cantidad
de bufones que el rey mandaba buscar por todos
los rincones de su reino: eran seres deformes o
locos, que resultaban graciosos en el ambiente
rígido cortesano. Velázquez los retrata de cuerpo
entero, como si fueran reyes o nobles,
dotándoles de gran dignidad, sin obviar sus
características físicas o psicológicas. Son sus
cuadros más libres en los que renuncia al
espacio y su pincelada es más suelta.
Pintura barroca 94

95. SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649-1651)
Se embarca en misión oficial a Italia para adquirir obras
de arte, ya como un gran artista. En 1650 es aceptado
como miembro de la Academia de San Lucas de Roma.
Viaja a Nápoles donde visita de nuevo a Ribera, y en
Roma realiza en retrato de su ayudante mulato Juan de
Pareja y del Pontífice Inocencio X. También pintó LA
VENUS DEL ESPEJO: cuadro sensual y bello en el que
el reflejo de Venus en el espejo evoca la sugestión de
profundidad al tiempo que aumenta su grado de
intimidad. Pinta sus dos únicos paisajes, cuadros de
pequeño formato que en su época pasaron casi
desapercibidos: los jardines de la Villa de Medici,
pintados al natural, con una pincelada muy suelta.
Pintura barroca 95

96. Venus del Espejo National Galery Londres
Pintura barroca 96

97. Venus del Espejo
La obra representa a la diosa Venus, tumbada sobre una
cama y mirando a un espejo que sostiene cupido. Es un tema
mitológico al que Velázquez trata como si fuera una mujer real.
Ell reflejo de Venus en el espejo consigue aumentar la
profundidad, al modo de Van Eyck en el Matrimonio Arnolfini.
En este espejo, la diosa mira hacia el espectador, y en él el
rostro de la diosa aparece totalmente difuminado y borroso, lo
que algunos críticos entienden como alusión a la capacidad
engañosa de la belleza.
Los pliegues de las sábanas de la cama resaltan el cuerpo de
la diosa. La composición usa principalmente tonos de rojo,
blanco, y gris, empleados incluso en la piel de Venus. Los
colores luminosos de la piel contrastan con los grises oscuros y
el negro de laseda sobre la que reposa, y con el marrón de la
pared detrás de su cara.
Velázquez es capaz de conseguir profundidad gracias a la
composición. Coloca objetos y cuerpos unos detrás de otros:
las diferentes sábanas, cuerpo de la Venus, el espejo, Cupido,
la cortina en diagonal, y la pared del fondo, hacen que
Pintura barroca 97

98. Tercera estancia en la corte (1651-1660)
LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNÉ: fue pintada para Pedro de
Arce, montero del rey. Representa una escena de la Metamorfosis de Ovidio
en el que Minerva condena a Aracné por haber tejido un tapiz en el que
representaba una aventura morosa de Júpiter. El tema literario se confunde
con la realidad inmediata de las hilanderas absortas en su trabajo.
Divide la obra en planos de luz y de sombra. Consigue que nuestra vista pase
de la hilandera iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por
encima de la que se agacha en la penumbra hasta la escena del fondo. Allí,
una de las mujeres se vuelve hacia el espectador como si se sorprendiese de
nuestra incursión en la escena.
Usa paleta casi monocroma. Utiliza tonos ocres, tierras y óxidos, aplicados
muy diluidos , transformando una mancha en figura, según la distancia del
espectador. Usa una pincelada suelta.
Perspectiva aérea, consiguiendo un efecto «atmosférico» consigue crear la
sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y las
difumina, logra captar el espacio,.
Dinamismo, da sensación de movimiento, sobre todo en el giro de la rueda,
cuyos radios no alcanzamos a ver por la velocidad a la que está girando y
también en el personaje de la derecha, que devana la lana con tanta rapidez
Pintura barroca 98
que parece que tiene seis dedos.

99. Fábula de Aracné. Museo del Prado
Pintura barroca 99

100. Velázquez. Las Hilanderas. Fábula de
Aracné
Pintura barroca 100

101. Las Meninas
Museo del
Prado
Pintura barroca 101

102. Las Meninas.
Museo del
Prado
1. Infanta Margarita
2. Agustina Sarmiento de
Sotomayor
3. Isabel de Velasco
4. Mari Bárbola
5. Nicolasito Pertusato 10 11
6. Marcela de Ulloa 9 7 6
8
7. Diego Ruiz Azcona 3
8. Velázquez
4 5
9. José Nieto Velázquez 2 1
10. Mariana de Austria
11. Felipe IV
Pintura barroca 102

103. Ejes de
composición
Amarillo: ejes del
centro de la
imagen. Azul: eje
del tercio de la
imagen. Verde:
Punto de fuga
geométrico. Rojo:
Punto de fuga de
los Reyes.
Pintura barroca 103

104. Pintura barroca 104

105. LAS MENINAS (1656)
Retrato de grupo familiar. Representa una escena
aparentemente casual: el momento en que la infanta Margarita
irrumpe con sus damas y bufones en el estudio del pintor cuando
estaba retratando a los soberanos, que sólo aparecen en la
escena reflejados en el espejo del fondo (van Eyck).
Es un cuadro confuso, plenamente barroco. El tema central no ocupa
el centro ni el primer plano del cuadro, sólo se percibe a través de la
sugerencia. La composición se basa en la luz: hay dos entradas de luz:
la de la puerta del fondo que sirve para iluminar con toda la fuerza al
aposentador, y la de la ventana lateral, más tenue, que ilumina las
figuras situadas en primer plano. Este juego de luces y sombras
configura la escena: En primer plano aparecen las figuras iluminadas
por la ventana lateral que, al recibir directamente la luz, presentan unos
colores más nítidos y unos perfiles más definidos. EL segundo plano
está en penumbra, en él están representados la Dueña y el guarda-
dama. El espejo y la puerta configuran un tercer plano, el cuarto plano
lo ocupa el aposentador, figura recortada por la fuerte luz del fondo, y
aún en un quinto plano aparecen las figuras reflejadas en el espejo.
Pintura barroca 105

106. ESPACIOS: La mitad superior de la obra está dominada por un
espacio vacío, en el que Velázquez pinta el aire. Hay además,
un espacio virtual hacia donde mira el pintor y en el que se
supone que están los reyes o los espectadores. Otro espacio
importante es el del punto de fuga del fondo del cuadro, muy
luminoso, donde un personaje huye de la intimidad del
momento. Un cuarto espacio es el pequeño espejo que refleja a
los reyes; y finalmente, está el espacio delimitado por la luz
dorada que se aprecia en las figuras de la infanta, las meninas,
la enana y el perro. Son espacios reales y virtuales que
conforman la realidad fantástica del cuadro.
Tema: Un retrato de la Infanta. La Infanta llama la atención de
otras figuras, tiene una posición central en el cuadro y, además,
existe una tensión especial en relación al foco brillante.
Un autorretrato de Velázquez. El pintor aparece como una torre
y destaca sobre las otras figuras de la pintura.
Un retrato de grupo o familiar. Además, está presente la pareja
real como un reflejo que surge de la superficie del espejo
situado en la pared del fondo.22barroca
Pintura 106