Nuestro arte

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Nuestro Arte

Contenidos
Artículos
Nuestros Musicos argentinos 1
Música 1
Música de Argentina 6
Rockeros argentinos 15
Gustavo Cordera 15
Pappo 17
Fabiana Cantilo 23
Sandra Mihanovich 31
Joaquín Levinton 35
Luis Alberto Spinetta 38
León Gieco 59
Folklore Argentino 66
Los Nocheros 66
Mercedes Sosa 69
Víctor Heredia 90
Tangos Argentinos 93
Mariano Mores 93
Astor Piazzolla 97
Cacho Castaña 108
Nuestros pintores 112
Pintura de Argentina 112
Antonio Berni 120
Florencio Molina Campos 127
Marta Minujín 129
Nuestros Escritores 133
Leopoldo Lugones 133
Enrique Larreta 138
Adolfo Bioy Casares 140
Jorge Luis Borges 145

Julio Cortázar 179
María Elena Walsh 187
Roberto Fontanarrosa 200
Referencias
Fuentes y contribuyentes del artículo 205
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 208
Licencias de artículos
Licencia 212

1
Nuestros Musicos argentinos
Música
El canto de los ángeles (obra de William Bouguereau (Siglo XIX).
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē
[téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición
tradicional del término, el arte de organizar sensible y
lógicamente una combinación coherente de sonidos y
silencios utilizando los principios fundamentales de la
melodía, la armonía y el ritmo, mediante la
intervención de complejos procesos psico-anímicos. El
concepto de música ha ido evolucionando desde su
origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin
distinción a la poesía, la música y la danza como arte
unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más
compleja la definición de qué es y qué no es la música,
ya que destacados compositores, en el marco de
diversas experiencias artísticas fronterizas, han
realizado obras que, si bien podrían considerarse
musicales, expanden los límites de la definición de este
arte.
La música, como toda manifestación artística, es un
producto cultural. El fin de este arte es suscitar una
experiencia estética en el oyente, y expresar
sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La
música es un estímulo que afecta el campo perceptivo
del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con
variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, etc.).

Música 2
Definición de la música
La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura
basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el
vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la
forma de las figuras musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las
culturas, y así, el sentido de las expresiones
musicales se ve afectado por cuestiones
psicológicas, sociales, culturales e históricas. De
esta forma, surgen múltiples y diversas
definiciones que pueden ser válidas en el momento
de expresar qué se entiende por música. Ninguna,
sin embargo, puede ser considerada como perfecta
o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que
música es sonoridad organizada (según una
formulación perceptible, coherente y significativa).
Esta definición parte de que —en aquello a lo que
consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función
de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran
que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos,
que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en
cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la
función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser
música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función
"estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al
funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su
Dictionnaire de la Musique,
[1]
la definió como "Arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído".
[2]
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro
que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor".
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: "la música es el arte del bien
combinar los sonidos en el tiempo". Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay
combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal
(melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música
está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la
arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos
coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos
teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Música 3
Parámetros del sonido
Distribución de las notas musicales en el teclado de un piano. Cada nota
representa una frecuencia de sonido distinta.
La música está compuesta por dos elementos
básicos: los sonidos y los «silencios».
El sonido es la sensación percibida por el oído al
recibir las variaciones de presión generadas por
el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros.
Se transmite por el medio que los envuelve, que
generalmente es el aire de la atmósfera. La
ausencia perceptible de sonido es el silencio,
aunque es una sensación relativa, ya que el
silencio absoluto no se da en la naturaleza.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
• La altura es el resultado de la frecuencia que
produce un cuerpo sonoro; es decir, de la
cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden
definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido.
La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo
estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
• La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está
relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga.
• La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene
representada en una onda por la amplitud.
• El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén
produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es
decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros
percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda
que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se
representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se
representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El
espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada
una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido
resultante.
Elementos de la música
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros
fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican
estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).
• La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan
sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio.
También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El
resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si
una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías
simultáneas se denomina contrapunto.
• La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la
concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.

Música 4
• La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos
fuertes o débiles y silencios en una composición.
• El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy
general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes
dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.
Cultura y música
Violinista en la catedral de Dublín.
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones
musicales. Algunas especies animales también son capaces de
producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de
los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta"
(o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una
práctica de los seres humanos dentro de un grupo social
determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de
diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no
perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos
utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la
voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y -sobre todo- en cuanto a la función que desempeña la
música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la
música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las
funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser más precisos a la
hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que
no son las de nuestra sociedad.
La Música - alegoriado representación de música
(Varsovia, diseñado por Józef Gosławski)
La mayoría de las definiciones de música sólo toman en cuenta
algunas músicas producidas durante determinado lapso en
Occidente, creyendo que sus características son "universales", es
decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y
de todos los tiempos
[cita requerida]
. Muchos piensan que la música
es un lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos,
como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación
entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son
plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los
humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente
capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o
soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un
hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor
aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental
[cita requerida]
porque representa un estadio más
"avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música.
Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del
trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro
quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta
de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en
donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo

Música 5
más "universal") es que creador e intérprete sean la misma persona.
La notación musical occidental
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo,
es a partir de la música de la edad media (principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos
con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los
usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical
que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto de
cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una "clave" que tiene la función de atribuir a una de las líneas del
pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave de Sol en segunda línea
nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido
que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los
sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera
línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del piano), la de Sol en segunda (que se
refiere al Sol que está una quinta por encima del Do central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta
por debajo del Do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa
el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una
fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de
abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo blanco), la
blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo
negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), la
semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la
blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc..
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos
fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2,
cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc.. Así, una partitura
encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y
cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc..
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de blanca, etc..
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la
subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos". Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la
mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure, además de su
valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de
prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos convencionales,
generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una
p (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la
partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Música 6
Referencias
[1] Dictionnaire de la Musique (Paris: Duchesne, 1768)
[2] Jean-Jacques Rousseau: Diccionario de Música (Madrid: Akal, 2007), 281-288
Bibliografía
• Eugenio Trías (2007). El canto de las sirenas: argumentos musicales. Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-701-6.
• Ulrich Michels (1985). Atlas de música. Alianza Editorial. ISBN 84-206-6999-7.
• Peter Kivy (2001). Nuevos ensayos sobre la comprensión musical. Paidós. ISBN 978-84-493-1742-2.
• Aaron Copland. Como escuchar música. Fondo de Cultura Económica. ISBN 13: 9789681641511.
Enlaces externos
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• Wikcionario tiene definiciones para música.Wikcionario
Música de Argentina
La música de Argentina más conocida internacionalmente es el tango, que se desarrolló principalmente en la ciudad
de Buenos Aires y alrededores. En lo que se denomina interior del país (las provincias) es más fuerte la música
folclórica. A partir de la década de 60 se desarrolló una variante propia del rock, cantado en español, conocido como
rock nacional; en la misma década comenzó a cultivarse ampliamente la balada romántica latinoamericana.
La música clásica y la ópera tiene un amplio espacio, con compositores e intérpretes de fama mundial y el Teatro
Colón de Buenos Aires, como eje de la actividad.
Otros estilos musicales cultivados en Argentina son la música de los pueblos originarios, el bolero, el jazz, el reggae,
la música electrónica, la cumbia, el punk, el heavy metal, la música infantil, etc.

Balada romántica latinoamericana
Sandro en el filme Gitano (1970).
Plantilla:APtkymjth+ La balada romántica encuentra su origen
en el bolero latinoamericano de los años 50, pero también en la
canción romántica italiana (Nicola Di Bari), y francesa (Charles
Aznavour) de los años 60 y 70.
Argentina tiene intérpretes de fama internacional como Sandro,
Leonardo Favio, Facundo Cabral, Valeria Lynch, Axel Patricio
Oscar Fernando Walter Blanco Witteveen Chaplin Pardo, Diego
Torres, Patricia Sosa, etc.
Bolero
Entre los intérpretes de bolero se destacan Mario Clavell, María
Marta Serra Lima, Chico Novarro, etc.
Clásica
La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires está establecida en el
Teatro Colón (Buenos Aires). Fundada en 1946, es considerada
una de las orquestas más prestigiosas de la nación y de latinoamerica. Ha recibido varios honores en sus 60 años de
vida. Otra orquesta de prestigio es la Orquesta Sinfónica Nacional Argentina.
Músicos Argentinos conocidos por este estilo incluyen Alberto Williams, conocido por su fusión de estilos nativos
con música clásica, y Alberto Ginastera, el compositor considerado uno de los más importantes contribuidores latino
americanos de música clásica. Otros músicos de nota incluyen pianista Martha Argerich, violinista Alberto Lysy,
guitarrista María Isabel Siewers, tenor José Cura, mezzo-soprano Margherita Zimmermann, y pianist / director
Daniel Barenboim, que ha dirigido la Orquesta de París, la Orquesta Sinfónica de Chicago y la Staatsoper Unter den
Linden (Ópera del Estado de Berlín). En la actualidad, se destaca la labor del joven compositor Mauricio
Annunziata, creador de un verdadero panorama musical argentino.
Breve Historia
Con la conquista española se produjo el ingreso de los primeros instrumentos musicales europeos, mientras que en el
período colonial la actividad musical se tornó más intensa, merced a la intervención de las órdenes religiosas. A
comienzos del siglo XVIII se propició la enseñanza y se intensificó el aporte del viejo continente a través de la visita
de músicos y de la importación de partituras y libros de música. En 1757 se construyó en Buenos Aires el primer
teatro de óperas y comedias y en 1783 se inauguró el Teatro de la Ranchería. Con el movimiento emancipador de
Mayo, se renovó la canción patriótica, destacándose figuras como Blas Parera, Luis Ambrosio Morante o José
Picazarri. A ellos le siguieron los denominados precursores, primeros compositores nacidos en suelo argentino: Juan
Pedro Esnaola, Amancio Alcorta y Juan Baustista Alberdi. No se trataba de profesionales sino de aficionados, que
alternaban su vocación musical con otras actividades. Los géneros en boga eran la música de salón, concebida para la
danza, y la canción; al igual que en Europa, la música de cámara formaba parte de la vida cotidiana. La generación
siguiente incluyó a músicos ya profesionales: son los nacidos entre 1860 y 1875, entre cuyos representantes más
notables figuran Alberto Williams, Julián Aguirre y Arturo Berutti. A esta generación le sigue un conjunto destacado
de músicos nacidos entre 1875 a 1890, que estudiaron en Europa y al regresar desarrollaron su actividad como
creadores, docentes, fundadores de institutos o directores de sociedades musicales. Su formación los llevó a
incursionar en todos los géneros y a adoptar una actitud más conciente ante la recolección folklórica. Entre ellos se
destacan Felipe Boero, Ernesto Drangosch, Floro Ugarte y Carlos López Buchardo, director–fundador en 1924 del
Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico que hoy lleva su nombre. A partir de fines de la década del 20 se

produjo la irrupción de lenguajes neoclásicos en la música culta argentina, lo que significó la primera aparición de
una vanguardia que cambió el rumbo de la generación anterior. La producción argentina en las décadas del 40 y del
50 estuvo a cargo de los primeros egresados del Conservatorio Nacional y en este escenario, dos músicos
representaron las dos tendencias en pugna: Alberto Ginastera y Carlos Guastavino. Los comienzos de la década del
60 generan cambios experimentales de relevancia y destacan Alicia Terzian, Guillermo Graetzer y Roberto García
Morillo. En la actualidad, los creadores argentinos que no desdeñan la exploración instrumental, la electroacústica, y
la apropiación de nuevas tecnologías, consolidan una trayectoria musical que prestigia al país. Por citar sólo algunos:
Oscar Di Lisia, Carlos Carmona, Gabriel Senanes o Ricardo de Armas. Otros, han preferido ser más conservadores
en la elección de la instrumentación, pero de fuerte inspiración e innovadora estética armónica como Mauricio
Annunziata.
Cuarteto
• El cuarteto cordobés, en un comienzo, un ritmo rechazado por la clase media y alta por el simple hecho ser tocado
por gente pobre
[cita requerida]
, pero poco a poco aceptado en Córdoba y más tarde en todo el país. Su importante
expansión a nivel nacional a partir de la década de 1980 lo convirtió en uno de los ritmos más populares del país.
Sus figuras más reconocidas son La Mona Jiménez y Rodrigo Bueno. Bandas y solistas como Gary, Damián
Córdoba, La Fiesta, Ulises Bueno, La Barra, Tru-la-lá, La Konga, Sabroso, Banda XXI, entre otros, hace años
vienen desempeñandose en la música de cuarteto, logrando cada vez más fans y llegar cada vez más lejos.
Cumbia
La cumbia argentina es un estilo relativamente nuevo a diferencia de otros géneros que ganaron popularidad entre los
años 70 y 80. Influenciada por el folclore nacional, la música andina, ritmos caribeños, y la misma cumbia
colombiana ganó gran popularidad en los años 90 de la mano de solistas como Gilda Alcides , Antonio Ríos, Pocho
la Pantera, y grupos como Adrián y los Dados Negros, Grupo Sombras, Ráfaga, Los Chakales, Los Leales, Amar
Azul, y Los Charros presentando en su mayor parte letras románticas o describiendo problemas de la vida normal y
el agregado de bajos, guitarras, instrumentos de percusión (como timbales), de viento (trompetas o quenas) o de
percusión (como güiros).
Durante las crisis económicas que fueron desde los años 99 a 2001, la tonalidad y estilo en este género fue agregando
diversos elementos, y otros cambios como letras simples o la inclusión de droga, pobreza y delincuencia. Así
surgieron otros géneros como la Cumbia Villera, liderados por agrupaciones como Yerba Brava, Damas Gratis y Los
Pibes Chorross con letras describiendo situaciones de pobreza, criminalidad o drogas. Tiempo después el mismo
género fue cambiado a letras menos explícitas, en ocasiones humorísticas con sólo ritmos bailables por Supermerk2
con un marcado éxito.
En la actualidad, es un estilo popular en Argentina sobre todo entre los sectores bajos y medios. Debido a que los
grupos argentinos de cumbia obtienen la mayoría de sus ganancias dando presentaciones en vivo, éstos no tienen una
posición explícitamente contraria a la piratería de discos.

Electrónica
Las fiestas electrónicas y los shows como Creamfields convocan a miles de jóvenes.
En los años 90 la banda de Hip House The Sacados tuvo éxito en Argentina e Hispanoamérica.
[1]
En el nuevo
milenio bandas de indietronica como Entre Ríos u otras como Bajofondo y Lourdes también han conseguido
popularidad.
Folklore
Escenario Atahualpa Yupanqui, del tradicional Festival de Cosquín de música
folklórica de Argentina.
La música folklórica de Argentina tiene
una historia milenaria que encuentra sus
raíces en las culturas indígenas originarias.
Tres grandes acontecimientos
histórico-culturales la fueron moldeando: la
colonización española (siglos XVI-XVIII),
la inmigración europea (1850-1930), la
migración interna (1930-1980).
Aunque estrictamente "folklore" sólo es
aquella expresión cultural que reúne los
requisitos de ser anónima, popular y
tradicional, en Argentina se conoce como
folklore o música folklórica a la música
popular de autor conocido, inspirada en
ritmos y estilos característicos de las
culturas provinciales, mayormente de raíces
indígenas y afro-hispano colonial. Técnicamente, la denominación adecuada es música de proyección folklórica de
Argentina.
[2]
En Argentina, la música de proyección folklórica, comenzó a adquirir popularidad en las década de 1930 y 1940, en
coincidencia con una gran ola de migración interna del campo a la ciudad y de las provincias a Buenos Aires, para
instalarse en la década de 1950, con el boom del folklore, como género principal de la música popular nacional junto
al tango.
En las décadas de 1960 y 1970 se expandió la popularidad del folklore argentino y se vinculó a otras expresiones
similares de América Latina, de la mano de diversos movimientos de renovación musical y lírica, y la aparición de
grandes festivales del género, en particular del Festival Nacional de Folklore de Cosquín, uno de los más importantes
del mundo en ese campo.
La evolución histórica fue conformando cuatro grandes regiones en la música folklórica argentina: la
cordobesa-noroeste, la cuyana, la litoralena y la surera pampeano-patagónica, a su vez influenciadas por e
influyentes en las culturas musicales de los países fronterizos: Bolivia, sur de Brasil, Chile, Paraguay y Uruguay.
Atahualpa Yupanqui es unánimemente considerado como el artista más importante de la historia de la música
folklórica del Argentina.
[3]

Jazz
El jazz en Argentina ha tenido un amplio desarrollo con músicos de fama internacional como el Gato Barbieri, Lalo
Schifrin y Los Cinco Latinos. Entre los músicos de jazz destacados se encuentran los pianistas Enrique Mono
Villegas, René Cóspito, Manolo Juárez y Fernando Otero, los guitarristas Oscar Alemán, Rodolfo Carlos Alchourrón
y Tito Francia, los bateristas Tito Alberti y Norberto Minichillo, los trompetistas Roy Granata, Rubén Barbieri, Fats
Fernández, Gustavo Bergalli y Ricardo Romero, los saxofonistas Horacio “Chivo” Borraro y Sergio Petravich, el
trombonista Eddie Pequenino, el flautista Ara Tokatlian, el contrabajista Alfredo Remus, Juan Carlos "Mono"
Fontana, la cantante Lois Blue, etc.
Entre los conjuntos se han destacado la Orquesta de Jazz de Tito Alberti, The Georgian´s Jazz Band, la Porteña Jazz
Band, la Antigua Jazz Band, La Banda Elástica, etc.
Entre los compositores se destacan también Jorge López Ruiz -con sus obras El grito (1967) y ''Bronca Buenos
Aires'' (1970), Lalo Schifrin, Fernando Otero, Alberto Favero, etc. Entre las obras del jazz argentino, también debe
mencionarse el álbum Tribute to Ellington, del pianista clásico Daniel Barenboim.
Desde fines de la década de 1990 han surgido algunas corrientes de jazz orientada a establecer un jazz con identidad
argentina, incorporando elementos del tango, el folklore, el rock nacional, y otros ritmos de la música popular
argentina. Entre los músicos jóvenes se destacan Adrián Iaies y Luis Salinas, Luis Nacht, Fernando Tarrés, Ricardo
Cavalli, el grupo Escalandrum, el Quinteto Urbano, Ernesto Jodos, El Terceto, Javier Malosetti, Daniel Tinte, Leonel
Kaplan, etc.
[4]
El jazz ha influenciado poderosamente también los otros géneros que se interpretan en el país. En el tango, músicos
como Astor Piazzolla, Atilio Stampone, Horacio Salgán, reconocen en su obra la influencia del jazz, y en ocasiones
han interpretado música de jazz. En el rock nacional, bandas como Alma y Vida y músicos como Pedro Aznar y Ara
Tokatlian, se han destacado por sus vínculos con el jazz. En la música folklórica se destacó Carlos Lagos y sus
folkloréishons, que a la manera de las jam sessions del jazz, solía reunír al propio Lagos, con Astor Piazzolla y Hugo
Díaz, con otros músicos como Domingo Cura, Oscar Cardozo Ocampo, Alfredo Remus y Oscar López Ruíz, entre
otros.
mote con huesillo
Música de los pueblos originarios
Una quena de los indígenas
argentinos, un instrumento
tradicional andino.
Los pueblos originarios que habitan en Argentina poseen, cada uno, una cultura musical
propia, desarrollada en forma limitada y con dificultad por la falta de apoyo económico y
posibilidades comerciales. En muchas ocasciones, la música de los pueblos originarios,
está relacionada estrechamente con la llamada música folklórica de Argentina.
Entre las actividades relacionadas con la música de los pueblos originarios, se destacan
las ediciones discográficas del Instituto de Cultura Indígena Argentina,
[5]
mediante el
sello discográfico indígena de Argentina Piedra Azul, producido por el músico
mapuche-aymara Juan Namuncurá. Argentina Piedra Azul recibió en 2007 el Premio
Gardel, por el rescate y relevamiento de la música de raíz indígena en Argentina, y su
trabajo ha sido declarado de interés nacional por parte de la Cámara de Senadores de la Nación argentina.
Pop Es la música que se escucha en el momento. Todos los años va cambiando dependiendo segun de las bandas que
puedan surgir y escucharse. Por ejemplo: En los años 1990 se escuchaban canciones como, por ejem., "El rock de la
cárcel", en aquellas epocas esta cancion se escuchaba mucho, y asi es su momento fue popular quiere decir Pop. Hoy
en día también se puede decir que se escuchan muchas canciones, todas ellas son música pop. Algo en que se puede
confundir es diciendo que la musica pop es un genero musical, esto estaria mal ya que la musica pop puede ser
cualquier genero por ejem.: Rock-Pop, este es mas conocido asi lo llaman al Rock que esta de moda peo esta mal

decir que éste es un genero musical.
Rock
Rock nacional
Desde los años sesenta, el rock nacional tiene una enorme proliferación entre las capas medias de jóvenes y adultos.
Sus bandas más representativas: Almendra, Manal, Los Gatos en los '60 y en sus comienzos; Sui Generis, Serú
Girán, La Máquina de Hacer Pájaros y Vox Dei en los ´70; posteriormente en el rock argentino moderno, Virus,
Patricio Rey y sus Rendonditos de Ricota, Los Abuelos de la Nada, Sumo, Rata Blanca y Soda Stereo; y actualmente
La Renga, Intoxicados, Los Piojos, El Bordo, Babasónicos, Los Fabulosos Cadillacs, Bersuit Vergarabat, Los
Auténticos Decadentes, y Attaque 77. Sin embargo, esto es solo un pequeña muestra del escenario actual del rock
argentino, ya que hoy en día se habla de una "nueva ola" de rock nacional con bandas como Los Tipitos, Guasones,
Callejeros, Estelares, Ella es tan cargosa, y Jóvenes Pordioseros entre otros.
Por otra parte, la Argentina también cuenta con una larga tradición de músicos de rock solistas (muchos de estos
fundadores del género), como: Norberto Nappolitano (Pappo),-Indio Solari- Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta,
Charly García, Miguel Mateos, Lito Nebbia, Tanguito, Miguel Abuelo, Pedro Aznar, León Gieco, Andrés Calamaro
y Fito Páez; entre los más famosos.
Heavy metal
El heavy metal de Argentina también cuenta y contó con grandes exponentes, siendo V8 y Riff los propulsores del
género y el mayor exponente Hermética (banda formada por el ex V8 Ricardo Iorio). Además existen bandas
legendarias de ex miembros de V8 como Rata Blanca, Horcas y Logos.Luego de la separación de Hermética, Iorio
formó Almafuerte, y el resto de la banda fundó Malón dos de las bandas con mayor popularidad actualmente. Por
último cabe destacar bandas como Tren Loco, Plan 4 y Serpentor.
Nu metal
La escena del Nu Metal Argentina comenzó con la banda A.N.I.M.A.L. la separacion de su última formacion
integrada por Andres Gimenez, Andres Vilanova y Marcelo Corvalan dio lugar a la creacion de 2 bandas actuales de
la escena del Nu Metal Nacional, D-Mente formada por Andres Gimenez, y CARAJO formada por los restantes,
Andres Vilanova y Marcelo Corvalan, actualmente además las ya nombradas, existen bandas como Bruthal 6 entre
las mas conocidas.
Rock progresivo
El Rock progresivo argentino, es un género de importancia internacional que ha dado grandes exponentes.
Desde los comienzos, con bandas como La Máquina de Hacer Pájaros con Charly García, hasta Pescado Rabioso
Luis Alberto Spinetta, o Aquelarre, Crucis, Contraluz, Espíritu y muchas otras, el rock progresivo marcó toda una
época y un claro estilo argentino.
Posteriormente el género declinó, hasta que en la actualidad se produjo un gran resurgimiento. La ciudad de La Plata
encabeza hoy el movimiento de esta música con exponentes como: Baalbek, Big Machine, Farenheit y Akenathon
Akenathon (Rock Progresivo).
Rosario con bandas como Láquesis, Dánae, La gota y otras,es el otro polo claro de desarrollo de este género.

Punk
Desde los años ochenta, el Punk tuvo cierta repercusión también, con bandas como Alerta Roja, Attaque 77, Los
Violadores, Flema, Dos Minutos, Sin Ley, Restos Fósiles; y más actualmente, Ácidos Populares, Nihilismo y Cadena
Perpetua.
Rock tropical
La murga fue durante años una muy fuerte expresión de sectores barriales de la ciudad de Buenos Aires. Ejemplo
claro de murga son Los Fabulosos Cadillacs, Los Auténticos Decadentes y Bersuit Vergarabat, los cuales tienen y
tuvieron gran éxito.
Rock rolinga (o barrial)
The Rolling Stones tuvo una gran influencia en diversos grupos musicales, como Ratones Paranoicos, Blues Motel,
Heroicos Sobrevivientes y Viejas Locas. Estos grupos consiguieron y mantienen hasta el día de hoy gran
popularidad. Luego otras agrupaciones como Guasones y La 25 aparecerían en escena.
Reggae
El Reggae también haría su aparición a fines de los '80 en bandas como Sumo y Los Pericos. Hoy en día entre sus
mayores exponentes se encuentran Los Cafres , Nonpalidece, Fidel Nadal, Verde kabeza e' kata y Dread Mar-I y al
mismo tiempo surgen grupos nuevos como Resistencia Suburbana, La Perra que los Parió y Zona Ganjah, grupo de
origen argentino-chileno.
Música contemporánea
Athy en Concierto, Moscú, Rusia 2011.
Nuevas formas de instrumentación. Nuevos conceptos musicales, en
géneros y composiciones surgen en Argentina en las últimas décadas,
influyendo en el panorama nacional e internacional. Resalta el trabajo
del arpista Athy, ejecutante de arpa eléctrica, pionero en Argentina,
reconocido internacionalmente, quien con sus composiciones y su
desafiante estética personal renueva la historia del arpa argentina.

Tango
Tango, fileteado de Martiniano Arce (2006).
El tango es un estilo musical y una danza rioplatense,
característica de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo,
[6]
de
naturaleza netamente urbana y renombre internacional.
Musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de
4/4 (a pesar de que se le llama «el ritmo del dos por cuatro»).
Clásicamente se interpreta mediante orquesta típica o sexteto y
reconoce el bandoneón como su instrumento esencial.
La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es
sumamente sensual y compleja. Las letras están compuestas con
base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las
tristezas, especialmente «en las cosas del amor»,
[7]
que sienten los
hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta
en cierto modo con el blues, sin que por ello opte para el
tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y políticas.
Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al
tango como «un pensamiento triste que se baila».
[8]
A partir de 1880, con la incorporación de corrientes de
inmigrantes, la música en argentina se enriquece. Con su
contribución, en los suburbios de Buenos Aires se fue modelando el tango en arrabales y prostíbulos. En tiempos
iniciales se interpretaba con violín, guitarra y flauta, pero hacia 1900 ésta fue reemplazada por el bandoneón, traído
por los inmigrantes alemanes. La danza fue un elemento esencial para la difusión del género y se desarrolló sobre
dos vertientes: la de ritmo alegre, veloz y vivaz; y la triste, sentimental y reconcentrada. En esta segunda etapa cobró
importancia la letra, a la que daba su impronta personal cada cantante. Entre los más destacados brilló Carlos Gardel,
"el zorzal criollo", incuestionable divulgador del tango. En la década del 40, con el aporte de músicos y poetas
provenientes del interior, los solistas recurrieron a temas evocativos, familiares, amorosos o testimoniales. La
radiofonía y el cine nacionales contribuyeron notablemente a llevar al tango a un período de esplendor hasta
iniciados los años 50, con letristas, cantantes y músicos de la talla de Osvaldo Pugliese, Francisco Canaro, Enrique
Cadícamo, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Homero Manzi, Edmundo Rivero y los hermanos Virgilio y Homero
Expósito. Entre los años 60 y 70, las preferencias populares se orientaron hacia otros géneros. Sin embargo, el tango
conoció un momento de especial fecundidad con variantes modernas como las del Sexteto Mayor, el Cuarteto de
Colángelo y especialmente con Astor Piazzolla. Las especies más tradicionales se conservarán, aunque renovadas
con el aporte de personales intérpretes como Julio Sosa y Roberto Goyeneche. Actualmente el género ha despertado
el interés de las generaciones más jóvenes y han surgido compositores que cultivan incluso, el tango electrónico.

Fuentes
Referencias
[1] http://www.rock.com.ar/bios/0/289.shtml
[5] Instituto de Cultura Indigena Argentina (http://www.icia.org.ar).
[6] «El historidor Ricardo García Blaya sostiene que el tango nació en la zona del Río de la Plata, después de mediados del siglo XIX, en las
ciudad de Buenos Aires. García Blaya, Ricardo (2003), Historia del tango y la milonga, Buenos Aires: El Ateneo Yenny S.A. Otros autores
sostienen que la ciudad de nacimiento es Montevideo. Jorge Luis Borges ha dicho que «Rosario, Montevideo y Buenos Aires, son los tres
lugares que se han disputado el nacimiento del tango». Jorge Luis Borges, en el prólogo al libro Carlos Gardel de Carlos Zubillaga).
[7] Del tango Qué me van a hablar de amor (1946), con música de Héctor Stamponi (1913-1997) y letra de Homero Expósito.
[8] Ernesto Sabato: Tango: discusión y clave (pág. 11). Buenos Aires: Losada, 1963.
Enlaces externos
• Música del litoral de argentina (http://www.duotapekua.com.ar)
• Ranking de música argentina (http://www.rankingargentino.com)
• "Vientos de tierra de vientos", ejemplos de música e instrumentos andinos (http://www.cronicasdelosvientos.
blogspot.com)
• (http://www.darito.com.ar) (cantautor argentino)
• Historia de la música argentina en Argentina.ar (http://www.argentina.ar/sw_seccion.php?id=24)
• Tango Argentino en Italia por Claudia Peter (http://www.losgoges.com/news/2009/Claudia_Peter.
php?lingua=es)

15
Rockeros argentinos
Gustavo Cordera
Gustavo Cordera
Cordera en Lollapalooza Chile 2012.
Datos generales
Nombre real Gustavo Edgardo Cordera
Nacimiento 15 de setiembre de 1961, 51 años
Origen Argentina
Ocupación Músico
Información artística
Otros nombres Pelado
Género(s) Rock
Instrumento(s) Voz
Guitarra
Período de actividad 1988-presente
Discográfica(s) Universal
Surco
Artistas relacionados Bersuit Vergarabat
Web
Sitio web
Gustavo Cordera
[1]
Gustavo Cordera (n. Avellaneda, Buenos Aires, 15 de setiembre de 1961) es un músico argentino, conocido por ser
el exvocalista del grupo de rock Bersuit Vergarabat. Reside en La Paloma, Uruguay.

Gustavo Cordera 16
Biografía
Comienzos
En 1987 Gustavo Cordera cursaba las últimas materias de la carrera de comunicación social en la Universidad
Nacional de Lomas de Zamora y vendía autos en su propia agencia, "Cordera Hnos.". En el verano de 1988 fue de
vacaciones al carnaval de Río de Janeiro. De regreso a su Avellaneda natal se rapó, dejó los estudios, vendió la
agencia de autos y comenzó a vivir solo.
Luego, entró como cantante a un grupo que había conocido en la "La Casa de las Artes de la Vieja Avellaneda",
lugar de encuentro de músicos y artistas donde había conocido a Juan Subirá, Carlos Martín y Pepe Céspedes, con
quienes había improvisado "Masturbación en masa" (inédito) y "Hociquito de Ratón".
Bersuit Vergarabat
Un año más tarde el grupo se constituía con cinco miembros, teniendo a Gustavo Cordera en voz. Así se dio origen
al grupo que en un principio se llamó "Henry y la Palangana". A partir de 1990 casi se llama "Aparrata Vergi"
aunque finalmente se decidieron por "Bersuit Vergarabat Van de Ir" quedándose luego solo con "Bersuit
Vergarabat".
Cordera en 2006.
Junto a la banda Cordera lanza nueve discos hasta su separación en
junio de 2009. "Podemos no volver, porque de repente este camino
(solista) nos encanta. Y es como la pareja, cuando vivís otras
situaciones y te gusta, no volvés", dijo Cordera en junio de ese año
al diario "El País" de Uruguay. Pese a compromisos pactados que
la banda tenía hasta diciembre de 2009, todo fue cancelado.
"Cordera fue víctima de su egocentrismo y todo fue cancelado sin
tomar dimensión de lo que ello acarrearía", afirmaron los
miembros de "Bersuit Vergarabat".
Desde el año 2006 está radicado en La Paloma (Uruguay), donde
luego de la separación de la banda, continuó su carrera solista.
[2]
Carrera solista
En mayo de 2009 se edita su primer disco solista, Cordera Suelto y a fines de 2010 se edita su segundo álbum, La
Caravana Mágica, continuado en junio de 2012 con La Caravana Mágica Volumen 2.
[3]
Discografía
Bersuit Vergarabat
• 1992 - Y Punto (DBN)
• 1993 - Asquerosa Alegría (DBN)
• 1996 - Don Leopardo (Universal)
• 1998 - Libertinaje (Universal)
• 2000 - Hijos del Culo (Universal)
• 2002 - De la cabeza con Bersuit Vergarabat (vivo) (Universal)
• 2004 - La Argentinidad al Palo (se es) + (lo que se es) (Universal)
• 2005 - Testosterona (Universal)
• 2006 - Lados BV
• 2007 - ? (Universal)

Gustavo Cordera 17
Solista
• 2009 - Suelto (Sony Music)
• 2010 - En la Caravana Mágica (Sony Music/Columbia)
• 2012 - En la Caravana Mágica Vol.2 (Sony Music)
Referencias
[1] http://www.gustavocordera.com/
[2] La palomez al palo. (http://ladiaria.com.uy/articulo/2011/12/la-palomez-al-palo/)
Enlaces externos
• Canal oficial de YouTube (http://www.youtube.com/user/corderasuelto)
• Bersuit Vergarabat (http://www.rock.com.ar/artistas/bersuit-vergarabat)
Pappo
Pappo
Datos generales
Nombre real Norberto Aníbal Napolitano
Nacimiento 10 de marzo de 1950
La Paternal, Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Muerte 25 de febrero de 2005 (54 años)
Luján, Buenos Aires, Argentina
Ocupación Cantante
guitarrista
compositor
Otros nombres Pappo
El Carpo
Género(s) Blues
Hard rock
Rock
Heavy metal
Instrumento(s) Guitarra
Voz
Piano flauta
Período de actividad 1967 – 2005

Pappo 18
Artistas relacionados Pappo's Blues
La Renga
Riff
V8
Los Gatos
Los Abuelos de la Nada
Aeroblus
Charly García
Luis Alberto Spinetta
BB King
Norberto Aníbal Napolitano (10 de marzo de 1950 – 25 de febrero de 2005), más conocido como Pappo y
apodado «El Carpo», fue un guitarrista, cantante y compositor argentino de rock, heavy metal blues.
Fue integrante del grupo Los Abuelos de la Nada, Engranaje, Los Gatos, Conexión Nº 5, Aeroblus y La Pesada del
Rock and Roll. Fundó Pappo's Blues en la década del '70 y Riff en los '80.
Biografía
Nació en el barrio de La Paternal de la ciudad de Buenos Aires el 10 de marzo de 1950, de lo que dejan constancia
palabras del mismo Pappo en numerosas notas periodísticas, la placa conmemorativa que allí se colocó y la famosa
biografía de Sergio Marchi Pappo, el hombre suburbano, donde entrevistó a su hermana, Liliana Napolitano; lo que
viene a desmitificar aquel célebre juego de palabras que Pappo hiciera alguna vez con respecto al pueblo de Santa
Isabel, provincia de Santa Fe, donde nació su padre, Carlos.
Inicios
Norberto «Pappo» Napolitano fue uno de los fundadores del género musical conocido como Rock de Argentina, a
fines de los años '60.
En 1967, Miguel Abuelo formó Los Abuelos de la Nada. Un año después editaron el simple Diana Divaga, en el que
Claudio Gabis tocó en el tema que da nombre al sencillo y Pappo en "Tema en flu".
[1]
Éste último junto con "La
Estación" (editado sólo en distintas recopilaciones) conforman los únicos registros oficiales del paso de Pappo por el
grupo, ya que al tiempo renunciaría a Los Abuelos por no poder imprimirle un estilo definitivamente «blusero» como
él quería.
Llegó el verano y el grupo se fue para Mar del Plata, ya que tocarían en "Mandioca", donde casualmente también se
presentaba Manal, el de blues integrado por Javier Martínez, Alejandro Medina y Claudio Gabis. Manal le propuso a
Pappo ser invitado permanente por toda la temporada, a lo que Pappo respondió con un "sí" rotundo.
A mediados de 1968 Carlos Bisso lo convocó para Conexión Nº 5, un grupo que hacía versiones de temas
extranjeros. Además grabó el tema "Nunca lo sabrán" para el compilado Pidamos Peras a Mandioca, de Mandioca,
la discográfica independiente que lideraba Jorge Álvarez. En esta canción lo acompañaron Luis Alberto Spinetta en
segunda guitarra, Edelmiro Molinari en bajo, Rodolfo García en batería y Pomo en pandereta. También grabó el bajo
en "El Oso", el conocido tema del primer disco de Moris, 30 minutos de vida.
En 1969, con 19 años, Pappo fue convocado por Lito Nebbia para reemplazar al guitarrista Kay Galifi en la banda
Los Gatos, que ya era un conjunto icónico del rock argentino. Con ellos grabó dos discos: Beat Nº1 y Rock de la
Mujer Perdida. El nombre del segundo LP debió ser modificado por la censura existente en el país, ya que iba a
llamarse "Rock de la Mujer Podrida".

Pappo 19
Pappo en vivo.
Pappo's Blues
Tras su paso por Los Gatos, Pappo formó Pappo's Blues junto a
David Lebón en bajo y el baterista Black Amaya. El grupo sufrió
constantes cambios en su alineación: Lebón y Amaya registraron
el primer disco en 1971; en el segundo, de 1972, tocaron Juan
Pignatta en el bajo y Amaya y Luis Gambolini en batería; para el
tercer álbum, la alineación fue Pomo en batería y Machi Rufino en
bajo y coros; para grabar la cuarta placa, en 1974, retornaron
David Lebón (pero en guitarra) y Black Amaya (batería) y se
incorporaron Alejandro Medina en bajo e Isa Portugheis en
percusión.
Entre 1977 y 1978 toco Darío Mandinga Fernandez en la batería
(ex Tren Plateado) y Botafogo en guitarra, volvió de Europa, y
formó Pappo's Blues, con Conejo Jolivet en guitarra, Julio Candia
en bajo y Marcelo Pucci en batería. Compraron un colectivo, e iniciaron una gira por la costa atlántica: tocaron en
Necochea sin ensayar, dado el conocimiento de los integrantes de la música de Pappo; en Rafael Castillo, para Luci,
un conocido empresario del rock; en Lanús y Avellaneda; se presentaron en el programa de Leo Rivas, para Canal 2;
tocaron en Baradero y se desarmaron.
Tras la fugaz experiencia de Aeroblus con el ex Manal Alejandro Medina y el baterista brasileño Rolando Castello
Junior a fines de los años 1970, en los años 1980 fundó su segunda gran banda, Riff, integrada por Michel Peyronel,
Boff, Vitico y en algunos discos con JAF, donde dejó de lado el blues y se acercó al hard rock y rock and roll. Con
Pirimpimpin Geniso como productor de Riff y también de Dulces 16, las dos bandas tocaron juntas en el Cine
Premier de la avenida Corrientes.
Pappo tocó con importantes músicos de rock y del blues argentino e internacional, entre ellos, John Bonham de Led
Zeppelin
[cita requerida]
, Lemmy Kilmister de Motörhead
[cita requerida]
y el bluesman estadounidense B. B. King, quien
lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1993.
[2]

Pappo 20
Pappo fue miembro de una de las formaciones de Los
Gatos; luego lideró Pappo's Blues y Riff (junto a
Michel Peyronel). Esta foto fue publicada por la revista
Pelo en 1977.
A fines de los ochenta Pappo emigró a Los Ángeles y regresó en
1989 con una banda integrada por músicos estadounidenses: Ric
Ness (segunda guitarra), Dave Hatlee (bajo) y Saint Bongosto
(batería), llamada Widowmakers. Tras una gira por Argentina y
algunos países sudamericanos la banda se disolvió. Rearmó de
vuelta Pappo's Blues y Riff, y durante los años 1990 tocó con estas
bandas o como solista simultáneamente.
En los años 1990, Pappo's Blues fue telonero de B.B. King en sus
siete funciones en el Teatro Gran Rex, de la Ciudad de Buenos
Aires. También tocó en el programa Ritmo de La Noche junto a
Hubert Sumlin, guitarrista de Howlin' Wolf. Pappo también tocó
en el Estadio Obras Sanitarias junto con Mick Taylor, guitarrista
de John Mayall & the Bluesbreakers en los '60 y de The Rolling
Stones en los '70 invitados por los Ratones Paranoicos. Pappo,
Tony Coleman (baterista de BB King) y Conejo Jolivet, junto a
Hubert Sumlin y Adrián Flores en el Samovar de Rasputín,
grabaron un CD, que se regaló a Jimmy Page, guitarra de Led
Zeppelin, y a Robert Plant. En el Teatro Ópera de Buenos Aires
Pappo zapó con James Cotton (armónica de Muddy Waters),
Conejo Jolivet, Luis Robinson, Botafogo y Adrián Flores ante un
público en el que se encontraban Jimmy Page y Robert Plant.
Muerte
Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad bonaerense
de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito ocurrido en la ruta 5 a la altura del kilómetro 71, a pocos
kilómetros de una casa-quinta en el Barrio Hostería San Antonio que el músico había alquilado para pasar la
temporada de verano.
Según fuentes policiales, el guitarrista viajaba alcoholizado en su motocicleta Harley Davidson seguido por otra
moto en la que viajaban su hijo Luciano y su nuera, tras haber cenado en un restaurante. Al llegar al paraje Estancia
La Blanqueada, ambos vehículos se rozaron haciendo que Pappo perdiera el control, cayendo al pavimento y siendo
arrollado por otro vehículo que venía de la mano contraria provocándole la muerte.
[3]
Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita
(Capital Federal, Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó de corear sus
canciones y su nombre.
[4]
En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un monumento a su memoria, situado en la plazoleta
Roque Sáenz Peña (Juan B. Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas).
[5]
La radio FM Rock & Pop inauguró un estudio que lleva su nombre con un show de Divididos en agosto del 2008. El
nombre del estudio fue elegido por los oyentes de la radio.
[6]

Pappo 21
Controversias
En el año 2011 un supermercado chino borró un mural que había sido realizado por el artista Alejandro Amaro.
Dicho mural combinaba imágenes de diversas canciones de Pappo, entre ellas un reloj representativo de "El tren de
las 16", su Les Paul negra, el Cadillac de "Susy Cadillac" y un triángulo como referencia al disco de Pappo's Blues
Volumen 5, Triángulo. La violación a esta obra fue, posiblemente, debido a que en el contrato de alquiler del local
(que funcionaba como taller y sala de ensayo del Carpo, en posesión actual de su hermana Liliana) no figuraba
ninguna claúsula estipulando que la obra debía ser preservada.
[7]
Las tratativas para que se rehaga la pintura fueron
iniciadas por el hijo de Pappo, Luciano Napolitano, quién propuso un proyecto de ley en el que la obra sea
preservada y la plaza Roque Sáenz Peña de La Paternal pase a llamarse "Plaza Pappo".
En ese mismo año Luciano Napolitano publicó una carta con la que deseaba aclarar algunos aspectos poco conocidos
sobre la trágica noche del 24 de febrero de 2005, cuando Pappo falleció. En ella se refería a la biografía de Sergio
Marchi sobre Pappo, Pappo, el hombre suburbano, en la que acusaba a éste de haber realizado una especulación
amarillista sobre la muerte de su padre, y de "hacer dinero divulgando infundíos", con respecto a la versión de
Marchi de los detalles poco conocidos del caso.
[8]
Discografía
Disco Banda Año Tipo
Diana Divaga Los Abuelos de la Nada 1967 Simple
La Estación Los Abuelos de la Nada 1968 Estudio, sólo editado en compilados
Beat Nº1 Los Gatos 1969 Estudio
Rock de la mujer perdida Los Gatos 1970 Estudio
Nunca lo sabrán Solista 1970 Estudio, sólo editado en compilados
Volumen 1 Pappo's Blues 1971 Estudio
Volumen 5, Triángulo Pappo's Blues 1974 Estudio
Aeroblus Aeroblus 1977 Estudio
Ruedas de metal Riff 1981 Estudio
Macadam 3...2...1...0 Riff 1981 Estudio
Contenidos Riff 1982 Estudio
En acción Riff 1983 En vivo
Épico Riff 1984 Recopilación
Pappo En Concierto Solista 1984 En vivo
Patrulha 85 Patrulha do Espaço 1985 Estudio
Riff VII Riff 1985 Estudio
Riff'n Roll Riff 1987 En vivo
Plan Diabólico Hoy No Es Hoy 1987 Estudio
Cabeza de martillo y Captain Modulator Pappo & Widowmaker 1989 Sólo editado en compilados y en "El Riff"

Pappo 22
El Riff Patrulha do Espaço - Pappo & Widowmaker 1990 Reedición de "Patrulha 85" con bonus tracks
Blues Local Solista 1992 Estudio
Zona de nadie Riff 1992 Estudio
Pappo & Deacon Jones Solista 1993 En vivo
Pappo sigue vivo Solista 1994 En vivo
Pappo's Blues Volumen 8, Caso cerrado Pappo's Blues 1995 Estudio
En vivo en Obras Riff 1995 En vivo
Palladium 86 Riff 1996 En vivo
En La Plata Riff 1996 En vivo
Que sea rock Riff 1997 Estudio
El auto rojo Pappo's Blues 1999 Estudio
Pappo y amigos Solista 2000 Estudio
Buscando un amor Solista 2003 Estudio
Tributo a BB King Pappo y Tony Coleman 2004 En vivo
La historia vol. 1 y 2 Riff 2005 DVD
Pappo por siempre vol. 1 y 2 Pappo 2006 DVD
Referencias
[1] Historia de Los Abuelos de la Nada (http://www.rock.com.ar/artistas/los-abuelos-de-la-nada.shtml)
[2] youtube.com, Pappo y B. B. King (http://www.youtube.com/watch?v=U2mFxhJ9HFs&feature=PlayList&p=C8F97B11276497A6&
playnext=1&playnext_from=PL&index=34)
[3] Nota en Infobae.com (http://www.infobae.com/notas/nota.php?Idx=168956&IdxSeccion=100438)
[4] Simplemente Pappo (http://www.elacople.com/wp/index.php/2006/02/28/simplemente-pappo-2/)
[5] Ley 2009 (http://www.cedom.gov.ar/es/legislacion/normas/leyes/ley2009.html)
[6] Divididos inauguró el estudio Norberto Napolitano en la Rock and Pop (http://www.svc.com.ar/vermas_plantilla_audioevento.
php?idev=35)
[7] http://comunasenbaires.com.ar/?p=1315
[8] Rock.com.ar - Luciano y su relato sobre el accidente de Pappo (http://www.rock.com.ar/blog/
luciano-y-su-relato-sobre-el-accidente-de-pappo/)
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Pappo. Wikiquote
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre PappoCommons.

Fabiana Cantilo 23
Fabiana Cantilo
Fabiana Cantilo
Fabiana Cantilo en un concierto en la casa rosada.
Datos generales
Nombre real Fabiana Cantilo
Nacimiento 3 de marzo de 1959, 54 años
Origen Buenos Aires, Argentina
Tipo de voz Contralto
Género(s) rock, Pop, blues
Período de actividad 1980 - actualidad
Discográfica(s) Universal (1985-1992)
Warner (1993-1999)
Sony Music (2002-presente)
Web
Sitio web
Fabiana Cantilo
[1]
Fabiana Cantilo, (nacida en Buenos Aires, Argentina; el 3 de marzo de 1959) es una cantante y compositora de rock
y pop argentina. Es conocida como la gran voz femenina del rock nacional. En toda su carrera vendió
aproximadamente 6 millones de discos.
Biografía
Nació en Buenos Aires, el 3 de marzo de 1959 es hija de Silvina Pueyrredon y Gabriel Cantilo. A los 8 años ya
estudiaba guitarra. Su primer gran presentación la tuvo en un acto escolar en el Instituto Bayard, allí interpretaba
“Balada para un loco” frente a nada más y nada menos que a Astor Piazzolla y a Amelita Baltar que se encontraban
entre el público. Con su familia, Fabiana se mudó a una quinta cercana a Ezeiza y empezó el secundario en el
Colegio San Marcos de Monte Grande. Al terminar el colegio, fue becada en Estados Unidos para seguir la carrera
de Bellas Artes, pero dos meses luego, regreso a la Argentina. Comenzó a cantar en el Viejo Café, un pub en el que
su padre exponía sus pinturas, con un repertorio que incluía canciones de Yes, Génesis, The Beatles. Allí canto con
Sueter, por donde conoció a algunos de sus compañeros de ruta, como Miguel Zavaleta, Daniel Melingo y Andres
Calamaro. Tiempo después, Zavaleta la contacta con Viviana Tellas, quien la convence de integrar el grupo "las Bay
Biscuits".

Fabiana Cantilo 24
Años ochenta
Comenzó su carrera a principios de los 80 como miembro de las "Bay Biscuits", un grupo de rock teatral que
participaban en shows de bandas de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán, Patricio Rey y Sus Redonditos de
Ricota (los cuales la convocaron para su demo de 1981, en el tema "Superlogico"). En 1982, Daniel Melingo la
invita a integrar Los Twist junto a Pipo Cipolatti, Polo Corbella, Eduardo Cano y Gonzalo Palacios. Ese mismo año
grabará voces para "Transatlántico art-decó" en Pubis angelical el primer disco solista de Charly García.
Paralelamente, también formaría parte de la banda Metrópoli.
En el año 1983, Charly García la convoca para ser corista en su tercer disco solista "Clics modernos". Allí conoce a
Fito Páez, comienzan una relación amorosa e inaugura un periodo de excesos.
Los Twist
Fabiana fue la primera voz femenina de uno de las bandas fundadoras del nuevo rock argentino de la década de los
80, Los Twist. Fue creada por Pipo Cipolatti en guitarras y Daniel Melingo en saxo, coros y clarinete, en el año
1982, integrada por Gonzalo Palacios en vientos, Eduardo Cano en guitarras y Polo Corbella en batería. Tocaban en
distintos lugares de la Ciudad de Buenos Aires, en especial el viejo Café Einstein, donde también se presentaban
con Sumo, Soda Stereo y Virus. En 1983, grabaron su primer disco, La dicha en movimiento, el cual fue un éxito
grabado en 29hs, vendió mas de 120.000 unidades, convirtiéndolo en disco platino. Con hits como "Cleopatra la
reina del Twist", "Pensé que se trataba de cieguitos", "Ritmo Colocado", "Jabones Flotadores", entre otros, de este
último tema, se realizo un vídeo clip con la participación de Miguel Abuelo. Fue producido por Charly Garcia, quien
junto a Andres Calamaro, participaron en el disco, en teclados. Después de una gira por todo el país presentando su
primer disco, la banda viajó a Europa con el objeto de grabar un álbum nuevo. Era el mejor momento de la banda
cuando Cantilo, les anunció la decisión de abandonarlos. El golpe fue duro de superar y hasta puso en jaque la
continuidad del grupo. Fue reemplazada por otras cantantes, pero la banda se seguía reuniendo de vez en cuando,
como en los años 1988, 1991, 1992, 1996, y mas. En 1991, es invitada a participar en el disco Cataratas Musicales,
poniendo su voz en el tema Ricardo Ruben.
Inicio carrera solista
En 1985 graba su primer disco solista, Detectives, producido por Charly García, con temas escritos por él, Fito,
Spinetta y dos en los que Fabiana comparte autoría. Contó para la grabación con una banda formada por Oscar Moro,
Richard Coleman, Daniel Melingo, Gustavo Bazterrica, Mediavilla, Rinaldo Rafanelli, Negro Garcia Lopez, Polo
Corbella y Fernando Samalea. La presentación se llevó a cabo en el Pub Gracias Nena, con la banda de Páez.
Durante 1986 y 1989 estudió canto. Trabajó como corista de Charly y Fito, entre otros artistas. Hizo coros para el
disco Prive, de Luis Alberto Spinetta, y para La la la, de Spinetta y Páez. Armó su propio grupo soporte, Los Perros
Calientes, con Gabriel Carámbula. Con ellos grabó su segundo álbum en 1988 y con el apoyo de su pareja por
aquellos años, Fito Páez en la producción artística. Destacando los temas Nada, Sólo dame un poco y Empire State.
El álbum se reeditó sin booklet en 2006, con un comentario de Marcelo Fernández Bitar.
En 1989, Pete Seeger, el padre de la música folk y protesta, tocó junto a León Gieco en Buenos Aires en el Teatro
Opera el 12, 13 y 15 de Octubre. En este concierto participaron Fabiana, Baglietto, Fito y otros músicos, invitados
por León. El dinero recaudado fue donado a un hospital de Nicaragua donde vive la hija de Seeger
Ese mismo año, compuso "A punto de Caer" con Garcia, el cual fue integrado en el disco Cómo conseguir chicas.

Fabiana Cantilo 25
Años noventa
En 1990 compuso con Charly García el tema "Siempre puedes olvidar", incluido (en versión cantada por ambos) en
el álbum publicado ese mismo año, Filosofía barata y zapatos de goma, de Garcia. En el mismo año participó de "Mi
Buenos Aires Rock", concierto organizado por la Municipalidad de Buenos Aires, que convocó a cien mil personas
en la 9 de Julio, junto a Charly García, Luis Alberto Spinetta y La Portuaria.
Su trabajo más exitoso fue en el año 1991 con Algo Mejor. Con la realización artística y dirección general de Fito
Páez, el disco contó con una amplia repercusión gracias al corte Mi enfermedad, de Andrés Calamaro, y otros temas
como Mary Poppins y el deshollinador, Una chica torpe en la gran ciudad, Kitty, Arcos (guitarras de Gustavo
Cerati), Cosas que pasan y Algo mejor.
Su carrera continuó como vocalista invitada de los shows de Charly García, Los Twist y Fito Páez, y como telonera
de Roxette en Vélez en 1992.
En 1992, Pipo Cipolatti le ofreció a Cantilo participar en su nuevo programa: "Boro Boro", nombre que Telefe saco
de uno de los temas de Los Twist. Comenzó en 1992, y fue sacado del aire al poco tiempo. Fabiana hacia el papel de
la simpatica "Doctora Cantilo", tuvo las participaciones de Pappo, Carolina Peleritti y Nathán Pinzón.
En 1994 Cantilo recorrió el país presentando Golpes al Vacío, en el cual no hay temas ni de Páez ni de García. «No
hay temas de ellos, que son mis papás, justamente para demostrarle a la gente lo que soy por mí misma» (H. Vargas,
pág. 125). Tuvo poca repercusión. Los videos de este álbum fueron: Un Pasaje Hasta Ahí y Amor Equivocado.
En febrero de 1995 se presentó en el "Festival Internacional de la Canción", en Mar del Plata, junto a Charly Garcia
y Paralamas, entre otros. Con la producción de Pedro Aznar presentó su último LP, "Sol en Cinco", con invitados
como Fito Páez, Gabriel Carámbula y David Lebón. De este álbum destaca la balada Nada es para siempre, cuya
letra y música es de Páez y el cover en español de la canción del primer álbum solista de Annie Lennox, Diva, de
1992, Money Can´t Buy It, traducido como Nada lo compra. Los videos de Sol en Cinco son: Ya Fue, Querida Totó
y Nada es para siempre.
En 1997 salieron dos compilados no oficiales. Lo Mejor, que contiene sus grandes éxitos hasta ese año, con dos
temas inéditos, Dulce condena, de Andrés Calamaro y Ariel Roth y una versión dance del tema Nada es para
siempre (Forever radio edit); el otro cd de la colección: "Libre Acceso: Ya No Creo en tu Amor, con 10 temas de sus
respectivos dos primeros discos como solistas: Detectives y Fabiana Cantilo y los Perros Calientes.
En 1998 lanzó "De Qué Se Ríen?, producido por Ulises Butrón, el cual Fabiana confiesa que fue su primer álbum
más personal, con una portada en la que se la ve con un vestido y rodeada de chanchos, que es el animal que le
corresponde en el horóscopo chino. Del álbum se destacaba el primer corte, y único video clip: Júpiter, con la
dirección de Nahuel Lerena. Sorpresivamente, el 17 de diciembre obtuvo el premio MTV al Mejor Video Femenino.
Así, Fabiana Cantilo se convirtió en la primera cantante argentina en ganar este premio.
En 1999 salió un segundo CD con grandes éxitos titulado "Lo Mejor de Fabiana Cantilo". Ella y varios artistas
realizaron un CD conteniendo los más notables himnos escolares, El Grito Sagrado, que fue presentada en el Teatro
Colón ante alumnos de diferentes colegios. Fabiana hizo la versión de Canción a mi bandera.
Decada 2000
En abril del 2001, a raíz de la visita del músico español Alejandro Sanz, Fabi Cantilo fue convocada para abrir el
espectáculo que brindo el cantante en el Estadio de Vélez.
A fines del 2002, luego de cuatro años sin material nuevo y de haberse mudado a San Martín de los Andes, presentó
Información Celeste, un disco de canciones propias y autobiográficas, con doce temas con el ritmo que la
caracteriza. El video de promoción es Destino Marcado. El álbum obtuvo muy buena aceptación de la crítica y del
público y realizó una gira por todo el país por dos años.

Fabiana Cantilo 26
En el 2003, Fabi incursiona en la música electrónica poniendo su voz a los temas de sus amigos del grupo
"Stimulation" grupo paralelo de "Las manos de Filippi". Se grabó un demo con alrededor de 5 temas en ingles que
solo algunos fans pudieron conseguir. También en este año participo como telonera de la colombiana Shakira, en el
estadio Vélez Sarfield.
En noviembre del 2004, Fabiana participa como artista invitada en el recital de Gustavo Cerati que se realizó en
Puerto Madero, juntos interpretaron el tema “Te llevo para que me lleves”, con una gran ovación del público.
Inconsciente Colectivo (2005) es un homenaje al rock argentino. Cuenta con la participación de Gustavo Cerati, Fito
Páez e Hilda Lizarazu, e incluye canciones de Luis Alberto Spinetta, Divididos, Suéter (banda), Charly García, Fito
Páez, Los Redonditos de Ricota y Andrés Calamaro. El disco superó el status de Disco de platino con más de 60.000
unidades vendidas, y además de recibir el Premio Konex 2005, el Premio Gardel 2006 y dos nominaciones a los
premios Latin Grammy 2006. Este álbum tuvo la participación de sus fans y gente que votó oficialmente de un
listado de más de 30 canciones clásicas del rock argentino, logrando quedar en el listado final sólo 17 canciones. El
disco se destaca por su originalidad en los arreglos y la intervención de Gustavo Cerati en Eiti Leda. Fue filmado el
proceso de grabación y se encuentra en el DVD titulado Inconsciente Colectivo con los 17 temas y algunos extras.
Lo acompañó una extensa gira por todo el país que duro casi 2 años, y fue durante ese tiempo que escribió y preparó
"Hija del rigor".
Fabiana Cantilo presentando "Inconsciente
Colectivo" en un especial de Much Music.
En el 2007 apareció en un papel de la segunda película de Comedia de
Fito Páez, ¿De quién es el portaligas?, filmada en Rosario, junto a
Romina Ricci, Julieta Cardinali y Leonora Balcarce de la productora
Circo Beat.
"Hija del rigor" (2007) es el noveno álbum de estudio de Fabiana
Cantilo y refleja su consagración no sólo como la gran voz femenina
del rock nacional, sino también como compositora. El primer corte de
difusión fue Una tregua. Incluye 14 nuevas canciones. Dos de las
canciones del disco (Tercas Palanganas y Viento del Oeste) fueron
escritas por Silvina Luro, la mamá de Fabiana. Son poemas que Fabi
encontró y decidió ponerles música para convertirlos en canciones.
Según Cantilo, a este disco “se le huele la madera y la
verdad”
[cita requerida]
. Con respecto al título, Fabiana prefiere que no
sea asociado con la idea de víctima, sino “como cada mujer pueda
interpretar esa frase. “Todos somos hijos del rigor en algún momento o
de alguna manera”.
El 2008 fue un año ambivalente para la cantante, por un lado Hija del
rigor le valió el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores
trabajos del rock argentino a cargo de una solista femenina y por el
otro cuestiones personales hicieron que deba ser internada motu proprio en una clínica psiquiátrica. "La gente
después de 'pasar la tormenta' me recibió muy bien, con muy buena onda, mimos y mucho afecto. Los fans siempre
están al mango, muchas personas cuando uno tiene una crisis y la sobrevive son bastante solidarias. Cuando salí de la
clínica bajé un par de cambios. Sé que hablo mucho menos, estoy mucho más callada y meditativa, pero lo demás
sigue igual"
[cita requerida]
, indicó. Una vez dada de alta volvió a los escenarios con shows en La Trastienda y el ND
Ateneo.
En 2009 lanza su nuevo trabajo discográfico titulado En la vereda del sol, una continuidad de su exitoso
Inconsciente Colectivo. El repertorio está formado por temas de: Charly García, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez,
Andrés Calamaro, Soda Stereo, Los Abuelos de la Nada, Los Pericos, León Gieco, Serú Girán, Invisible, Attaque 77,
Intoxicados y Virus. Además, cuenta con la participación, en voces, de dos invitados: Kevin Johansen y Gustavo

Fabiana Cantilo 27
Cordera. En la vereda del sol fue grabado en el estudio El Santito y mezclado en los estudios Panda durante los
meses de junio, julio y agosto de 2009. Fue producido por Maximiliano Moran Diuorno y Marcelo Capasso. La
ingeniería de grabación y la masterización estuvo a cargo de Nicolás Kalwill. Inconsciente colectivo es el primer
single de difusión del nuevo álbum. Si bien esa misma canción sirvió como título de un álbum anterior, la canción
propiamente dicha no había sido grabada en esa oportunidad ni había sido incluida en la lista de temas del disco.
Actualidad
En diciembre de 2010 participa del Festival El Abrazo, junto a Charly Garcia, Fito Páez, Luis Alberto Spinetta, León
Gieco, Gustavo Cordera, Gustavo Santaolalla, Vicentico, los Babasónicos, Bahiano y todo el rock de Chile
En el 2011, Cantilo saco su disco numero 11 llamado "Ahora", con temas de su autoria. Lo presentara con una
extensa gira en el 2012.
En 2012, es nominada a los Premios Gardel, como mejor Album Artista de Rock, por su último disco Ahora. Este
mismo año, participo en el la gira de Fito Páez titulada XX después del amor, como invitada a tocar en el Planetario
porteño, junto a Charly Garcia y Celeste Carballo.
Desde 2006 su manager es Margarita Bruzzone.
Fabiana Cantilo brindando un recital en 2008.
Discografía
con Los Twist
• La dicha en movimiento (1983)
• Cataratas Musicales (1991)
Solista

Fabiana Cantilo 28
Lanzamiento Título Productor(es)
1985 Detectives Charly Garcia
1987 Fabiana Cantilo y los Perros Calientes Fito Paez
1991 Algo Mejor Fito Paez
1993 Golpes al Vacío Carlos Alomar
1995 Sol en Cinco Pedro Aznar
1998 De Qué Se Ríen? Ulises Butrón
2002 Información Celeste Cay Gutierrez y Marcelo Capasso
2005 Inconsciente Colectivo Afo Verde
2007 Hija del rigor Cay Gutierrez y Marcelo Capasso
2009 En la Vereda del Sol Afo Verde
2011 Ahora Cay Gutierrez y Marcelo Capasso
Compilaciones
• Lo Mejor (1997)
• Libre Acceso: Ya No Creo en tu Amor (1997)
• Lo Mejor de Fabiana Cantilo (1999)
Colaboraciones
Título Artista Año
Pubis angelical Charly García (1982)
Gulp! (coros en demo de Superlogico en 1981) Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (1981)
Corista en Clics modernos Charly García (1983)
Piano bar Charly García (1984)
Del 63 Fito Paez (1984)
Giros Fito Paez (1985)
Privé Luis Alberto Spinetta (1986)
La la lá Luis Alberto Spinetta y Fito Paez (1986)
Ciudad de pobres corazones Fito Paez (1987)
Parte de la religión Charly García (1987)
Ey! Fito Paez (1988)
Cómo conseguir chicas Charly García (1989)
Esa Fulanita Liliana Herrero (1989)
Grito en el cielo Leda Valladares (1989)
Grito en el cielo 2 Leda Valladares (1990)
Filosofía barata y zapatos de goma Charly García (1990)
Tercer mundo Fito Paez (1990)
El amor después del amor Fito Paez (1992)
Prix D`ami (Buen Sonido) Andres Calamaro (1994)

Fabiana Cantilo 29
Circo Beat Fito Paez (1995)
Enemigos íntimos Fito Paez y Joaquín Sabina (1998)
Demasiado ego Charly García (1999)
Calamaro querido! Cantando al salmón homenaje a Andrés Calamaro (2006)
Gieco querido! Cantando al leon homenaje a Leon Gieco (2008)
Dicho y hecho Iván Noble (2009)
Confiá Fito Paez (2010)
Canciones para aliens Fito Paez (2011)
Sinfonía para catedrales vivas homenaje a Litto Nebbia (2012)
Videoclips
• Jabones Flotadores (Los Twist)
• Bailando hasta que se vaya la noche (Fito Paez)
• Track Track (Fito Paez)
• Nada mas preciado (Fito Paez)
•
• Solo dame un poco
• Solo los chicos (Fito Paez)
•
• Mary Poppins y el deshollinador
•
• Amor equivocado
•
• Un pasaje hasta ahí
• Soy un hippie (Fito Paez)
•
• Ya fue
•
• Querida Toto
•
• Nada es para siempre
•
• Júpiter
•
• Destino Marcado
•
• Fue amor
•
• Canción de Alicia en el país
•
• Una tregua
•
• Hija del rigor
•
• Brillante sobre el Mic
•
• Inconsciente Colectivo
•
• Pupilas lejanas
•
• Una vez mas
•
• Micron de segundo

Fabiana Cantilo 30
Participaciones en TV y peliculas
• 1992: Boro Boro, con Pipo Cipolatti
•
• 1996: El mundo contra mi, del director Beda Docampo Feijoo
•
• 1998: A.P.H.U. "Sorpresa y media" (participacion especial)
•
• 2006: El refugio, emitida por Canal 13 (participacion especial)
• 2007: ¿De quién es el portaligas?, de Fito Páez
• 2012: Soñando por Cantar, (participación especial)
• 2012: Graduados, emitida por Telefe (participación especial)
Referencias
• Los Twist, Rock.com.ar
[2]
• http://www.rock.com.ar/discos/1/1179.shtml La dicha en movimiento
• http://www.rock.com.ar/artistas/fabiana-cantilo
• http://www.cmtv.com.ar/biografia/show.php?bnid=59
• http://sonora.terra.com.ar/artista/1529/fabiana_cantilo
• http://www.sonymusic.com.ar/DetArtista.asp?int_codigo=12753
• http://www.qmusica.tv/artista/fabiana-cantilo
• http://teatroindependientelaplata.blogspot.com.ar/2005/12/el-rock-nacional-tiene-cara-de-mujer.html
• http://comunidadpaezperu.blogspot.com.ar/2011/10/fito-paez-y-fabiana-cantilo.html
• http://www.foro-rock.com.ar/fabiana-cantilo-hablo-de-cerati-t3590.html
• http://diario.latercera.com/2010/08/27/01/contenido/cultura-entretencion/
30-36788-9-paez-y-cantilo-la-dulce-complicidad-que-presencio-santiago.shtml
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fabiana Cantilo. Commons
Referencias
[1] http://www.fabiana-cantilo.com/
[2] http://www.rock.com.ar/bios/0/449.shtml

Sandra Mihanovich
Sandra Mihanovich
Sandra Mihanovich en 1977
Datos generales
Nombre real Sandra Mihanovich
Nacimiento 24 de abril de 1957 (56 años)
Buenos Aires, Argentina
Ocupación Cantante
Compositora
Actriz
Tipo de voz Contralto
Género(s) Balada
Rock
Instrumento(s) Voz
Guitarra
Período de actividad 1977- presente
Artistas relacionados Patricia Sosa
Alejandro Lerner
Marilina Ross
Celeste Carballo
Web
Sitio web [1]
Sandra Mihanovich (Buenos Aires, 24 de abril de 1957) es una cantante y actriz argentina.
Es la hija de Mónica Cahen D'Anvers. Hereda de su abuelo paterno, un reconocido empresario naviero croata de
Buenos Aires, la pasión por la música de jazz. No obstante, su estilo musical es bastante amplio llegando a
interpretar rock, baladas y jazz, entre otras temáticas a las que se amolda con facilidad. Destaca por su potente y
afinada voz, como también por su forma de transmitir los sentimientos expresados en las letras de los temas que
interpreta.

Cronología de su carrera
Sandra Mihanovich durante un recital en Buenos Aires, el 1º de
mayo de 2010.
El talento y la pasión por la música provienen de la
familia Mihanovich. Su abuelo paterno tenía en su casa
(Montevideo 1780) un sótano en el que se reunían a
tocar todos los músicos de jazz que llegaban a la
Argentina. Allí Sandra cantó sus primeras canciones, a
la edad de 4 años. Su tía Sonia le enseñó a cantar
"Laura" y "I got it bad" dos canciones que ella sabía
tocar en el piano. Después vino la guitarra, y su tío
Sergio y su tío Raúl las acompañaban. Generalmente,
estos shows tenían lugar en la casa de su abuela
Máxima (Delia Berro Madero de Mihanovich) donde
estaba el famoso sótano familiar. Allí tocaron los
Mackymacs, Nini Marshall, Boy Olmi (padre) y los
músicos que llegaban a hacer shows a Buenos Aires,
tales como Maurice Chevalier y Ella Fitzgerald, entre
otros.
Sandra Mihanovich cursó sus estudios escolares en el Colegio Northlands en Olivos, el mismo colegio al que había
asistido su madre. Al término de su educación media, estudió música en la UCA. A los 15, estuvo de novia con un
muchacho de San Isidro llamado Santiago Galizia.
• En marzo de 1976 estudió teatro en el Conservatorio de Arte Dramático y canta en distintos pubs de la ciudad. Su
1ª presentación fue el 20 de mayo de 1976 en un lugar llamado "La Ciudad", acompañada de una banda de 6
músicos con arreglos de Baby López Furst
[2]
• Cantando en los pubs conoce a músicos como Alejandro Lerner, Marilina Ross, Celeste Carballo, Horacio
Fontova, Rubén Rada, autores de los que posteriormente grabaría algunos de sus temas. En ese mismo año el
productor Ricardo Kleinman la ve en su actuación en la Universidad de Belgrano y comienza a producirla. Graba
"Y hoy te ví" del músico uruguayo Eduardo Mateo, canción incluida por Raúl de la Torre en su película "Sola".
• En 1979 forma parte del elenco de "La Isla" una película de Alejandro Doria, y bajo las órdenes del mismo
director filma en 1980 "Los miedos" junto a María Leal y Soledad Silveyra, entre otros. Incursiona en la
actuación teatral de la mano de Pepito Cibrián ("Aquí no podemos hacerlo") y continúa tocando en pubs (como en
el conocido de la época "Old House").
• Diciembre de 1981 graba "Puerto Pollensa", material de sus canciones y de los autores que fue conociendo.
• 1982, ciclo de grabaciones anuales.
• El 2 de octubre de 1982 llena el "Obras" (estadio del Club Obras Sanitarias de la Nación, Av. del Libertador,
catedral del rock & roll argentino). Fue la primera mujer en cantar allí e hizo dos funciones consecutivas. Hizo
dos shows porque las entradas para la primera función se agotaron varios días antes. En total acudieron 10.000
personas. Sin lugar a dudas, esa noche fue la consagración de Sandra como cantante.
• En 1985 participó en el la película argentina La búsqueda con los temas "Soy lo que soy" y "Para volver a creer",
esta última de autores, letra y música de Angel Mahler y Martín Bianchedi.
• 1986 participa del "Festival internacional de Viña del Mar", Chile, donde obtiene la "Antorcha de Plata".
• En 1987 se presenta en Mar del Plata junto con Celeste Carballo y Ludovica Squirru. Sigue en dúo con Celeste
hasta 1990. Hace "Somos mucho más que dos" y "Mujer contra mujer".
• 1988: sale "Somos mucho más que dos", el primer disco que grabó junto con Celeste Carballo.
• Diciembre de 1990: se va a Europa y reside en 1991 con su abuelo materno. Como solista canta en una sala de
UNESCO.
• 1990: edita el disco "Mujer contra mujer" el segundo y último disco que grabó a dúo con Celeste Carballo.

• 1992: edita el disco "Todo brilla", que gana el premio ACE en la categoría mejor baladista femenina.
• 1994: aparece "Cambio de planes", premio ACE categoría mejor baladista femenina.
• 1995: protagoniza una obra teatral con canciones de María Elena Walsh "El país del no me acuerdo". Es
conductora de TV en "Latin Music" por Much Music. El programa gana el "Martín Fierro 1996": mejor programa
de música latina. Obtiene el Premio Konex de Platino como Mejor Cantante Femenina de Pop/Balada de la
década en la Argentina.
• 1998: en teatro con la obra "Manuelita de Pehuajó". Conduce "Otro Cantar", en FM La Isla, miércoles de 22 a 24,
junto a su hermano, el músico Vane Mihanovich.
• 1999: participa en la exitosa serie de TV "Vulnerables".
• 2000: sale el CD "Todo tiene un lugar".
• 2003: participa como actriz y como solista, en TV, con Costumbres Argentinas. Sale el CD "Sin tu Amor".
• 2005: en "Radio Mega", graba con Patricia Sosa el Himno Nacional Argentino. Actúa también en este año en la
miniserie de TV "Criminal".
• 2005 El 22 de mayo, y en concordancia con sus treinta años de trayectoria, la Legislatura de la Ciudad de Buenos
Aires la declara “Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Obtuvo el Premio Konex -
Diploma al Mérito como una de las cinco mejores Solista Femenina de Pop / Balada de la década en la Argentina.
• 2006 junto a Andrea del Boca actúa en "Gladiadores de Pompeya.
• 2007: cumple 30 años junto a la música y sus 50 años, edita disco en vivo grabado en el Teatro Opera con sus
clásicos. Del mismo promete editar su primer DVD.
• 2010 participa del unitario histórico Lo que el tiempo nos dejó en el capítulo “Los niños que escriben en el cielo”
de Telefé.
• 2011 participa del jurado de Talento Argentino por telefé.
• 2012 Es nominada a los Premios Estrella de Mar en la categoría "Mejor Espectáculo Musical" de la temporada
2011-12.
• 2012 Ha realizado desde el 2011 hasta el momento, numerosas presentaciones en la sala “Velma Café”, con un
espectáculo intimista, donde su potente y afinada voz y su encanto personal confluyen en un show inolvidable.
Actualmente se encuentra en la edición de su nuevo trabajo discográfico “Vuelvo a estar con vos”.
• 2012 El 29 de abril se presentó junto a Marisela Verena en el Miami Dade County Auditorium, Miami, Florida,
EE. UU.
• 2012: En mayo y junio se ha presentado en diversos programas televisivos de gran rating en Argentina, tales
como: Soñando por cantar de Canal 13 y Gracias por venir de Telefé como así también tuvo una participación en
la telenovela Graduados. Así mismo, colaboró en el festejo del Día de la Bandera organizado por el Gobierno de
la Ciudad de Buenos Aires en "Una Bandera de Color de Cielo", junto a artistas de la talla de Jairo, el Bahiano,
Ana María Cores y Julia Zenko, entre otros. La cobertura de este evento completo y los videos pueden disfrutarse
en exclusiva en la web oficial de Sandra Mihanovich.
• En 2012 la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales y Musicales le otorga la Distinción a la Música por el
mejor espectáculo en cartel para ese año. .
[3]

Vida privada
Fotografía para la portada de Soy lo que soy
(Microfon, 1984).
Si bien fue de público conocimiento su relación con la cantautora
Celeste Carballo en los años 80, Sandra Mihanovich se ha negado a
realizar declaraciones públicas. Consideraba que la sociedad aún no
está preparada para hablar sobre "el tema homosexual" y que prefiere
la integración antes que los ghettos.
[4]
El 13 de agosto de 2012, Sandra donó un riñón a su ahijada de
bautismo, Sonsoles Rey Obligado. Además de ser su ahijada, Sonsoles
Rey es la hija de su actual pareja (desde 2008) María Paz Novaro,
conocida como Marita. La intervención tuvo lugar en el Hospital
Alemán de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Fue considerado por
la prensa y la opinión pública como un gran gesto de amor
incondicional, de generosidad y solidaridad.
[5]
Discografía
• Vuelvo a estar con vos (2012)
[6][7]
• Honrar la Vida - Homenaje a Eladia Blázquez (2009)
• Creciendo. En vivo en el Opera (2007)
• Sin tu amor (2003)
• Todo tiene un lugar (2000)
• De todas las maneras (1999)
• Manuelita, la tortuga de Pehuajó (1998)
• Cambio de planes (1994)
• Todo brilla (1992)
• Si somos gente (1991)
• En el paraíso (1986)
• Sandra en Shams (1985)
• Como la primera vez (1985)
• Soy lo que soy (1984)
• Hagamos el amor (1983)
• Puerto Pollensa (1982)
• Pienso en vos (1977)
Participaciones discográficas
Mihanovich realizó diversas participaciones en discos de otros artistas: grabó junto a Luis Eduardo Aute, Patricia
Sosa, Marilina Ross y Axel Fernando, entre otros cantantes. Su voz, su calidad interpretativa y su carácter generoso
y sencillo, hacen de ella una de las artistas más versátiles y reconocidas de la música argentina y latinoamericana.
Algunas de estas participaciones fueron las siguientes:
•
• Argentina es nuestro hogar
•
• Buenas y Santas de Cuty y Roberto Carabajal
•
• Despiértate Nena de Sirimarco
•
• Folklore por los chicos
•
• Nasser Dúos

•
• La memoria del tiempo de Lito Vitale
•
• Un viaje nuevo de Manu
•
• 20 canciones de amor y un poema desesperado de Luis E. Aute
•
• Tiempo de Encrucijada, Soles y Más que un Sueño de Marilina Ross
•
• Pasos al costado de Axel
•
• Patricia Sosa en Vivo en el Gran Rex de Patricia Sosa
Referencias
[1] http://www.sandramihanovich.com.ar
[5] (http://www.sandramihanovich.com/menunoticias/item/175-sandraysugestodeamor.html)
[6] (http://ar.noticias.yahoo.com/sandra-mihanovich-presenta-vuelvo-vos-opera-154000139.html)
[7] (http://www.sandramihanovich.com.ar/discos/item/178-vuelvoaestarconvos.html)
Enlaces externos
• Sitio Oficial (http://www.sandramihanovich.com)
• Perfil de Sandra Mihanovich (http://www.facebook.com/SandraMihanovich.Oficial) Facebook
Joaquín Levinton
Joaquín Levinton
Datos generales
Nacimiento 3 de marzo de 1977 (36 años)
Origen Buenos Aires, Argentina
Hijos Ninguno
Género(s) Rock
Pop
New Wave
Pop rock
Rock n' Roll
Instrumento(s) Guitarra, voz, Pandereta
Período de actividad 1990 - actualidad
Discográfica(s) Sony BMG
Artistas relacionados Turf, Juana la loca, Sponsors
Joaquín Levinton es un músico y compositor argentino. Fue el líder de Turf, ahora lidera Sponsors. Es el creador de
canciones como: "Pasos al costado", "Loco un poco", "Yo no me quiero casar y usted?", "No se llama amor", "Nada"
y "Los que te quieren de verdad".

Biografía
Niñez Cuando era niño tuvo una enfermedad que le impedía hablar, por lo que lo hizo recién a los 4 años de edad.
Posteriormente, él comentó que su mamá le contó que iban en el auto a hacer compras y de pronto comenzó a cantar
una canción con dificultad. Escuchaba bandas como The Rolling Stones, Oasis y Sui Generis. Siempre fue
influenciado por grandes bandas,lo que siempre se reflejó en su música. Estuvo en pareja con celeste cid, y fueron
tapa de revistas por sus problemas con las drogas. Actualmente esta en pareja con la joven actriz Julieta Caputo.
Bandas
Juana La Loca
Comenzó su carrera como miembro de la banda "Juana la loca", con quienes grabó el álbum Revolución (1995).
Turf
En 1995 decidió formar una nueva banda con su amigo Leandro Lopatín, para salir a tocar por el circuito under de
Buenos Aires. La banda se llamó Turf y debutaron en Dr. Jeckill como soportes del grupo Demonios de Tasmania el
20 de diciembre de este mismo año, haciendo covers de Charly García y Los Ratones Paranoicos.
En agosto de 1997, grabaron su primer disco de estudio llamado "un pila de vida". En el mismo participó Charly
García en el tema "Despiole generacional". Los dos cortes de difusión fueron "Casanova" y "Crónica Te Ve".
En 1999, luego que la discográfica Universal les rescindiera el contrato, editaron su segundo disco llamado "Siempre
libre" ayudados por la compañía Musimundo. También en este álbum colaboró García en el tema "Esa luz". Este
álbum refleja una contrariedad con el primero ya que su sonido es completamente distinto, más alegre, psicodélico
en algunos momentos.
Su tercer disco grabado en 2001, se llamó Turfshow y tuvo un sonido más Pop. En el año siguiente eligen a
Turfshow como mejor disco del año y a Loco un poco mejor canción. Otros temas importantes fueron "Yo no me
quiero casar y usted?" y "Vago".
Su cuarto y último disco de estudio fue "Para mi para vos" en 2004, donde demuestran ser una banda consolidadas,
en Pop Rock. Con temas como: "No se llama amor", "Pasos al costado", "Magia blanca" y "Oh Dios!" se convierten
en una de las bandas más importantes del Quilmes Rock de ese año.Contó con la participación de Charly García en
el tema "Nos vacían la casa".
En 2007 la banda se separa debido a diferencias entre Joaquin y el resto de la banda.
Sponsors
Actual banda de Joaquín Levinton, la cuál grabó su primer disco de estudio en junio de 2008, llamado "110%".
Seguido de "A todo trapo" en 2011, influenciado por artistas como Pappo y Supergrass.
•
• Formación:
•
• Joaquín Levinton Voz y guitarras.
•
• Agustin "Agus" Della Croce Teclados.
•
• Rodrigo "Pica" Bosco Bajo.
•
• Gonzalo "Gutty" Gutierrez Guitarras.
•
• Juan "Mr. Ganja" Lorenzo Batería.

Discografía
•
• Con Juana la Loca:
• 1995 - Revolución
•
• Con Turf:
• 1997 - Una pila de vida
• 1999 - Siempre libre
• 2001 - Turfshow
• 2002 - Turf EP
• 2004 - Para mí, para vos
• 2005 - Para mí para vos: Reversiones
• 2006 - Turf
•
• Con Sponsors
• 2008 - 110%
• 2011 - A todo trapo
Singles
•
• Con Sponsors:
•
• Nada
•
• Momentos De Gloria
•
• Presente
•
• La Amistad
•
• Afuera Llueve
•
• Hay Que Bancar
Enlaces externos
• Página de Sponsors
[1]
• Página de Turf
[2]
• Entrevista de la revista Rolling Stone
[3]
Referencias
[1] http://www.sponsorsite.com.ar/
[2] http://www.turfrock.com.ar/
[3] http://www.rollingstone.com.ar/nota.asp?nota_id=1011877/

Datos generales
Nombre real Luis Alberto Spinetta
Nacimiento 23 de enero de 1950
Muerte 8 de febrero de 2012 (62 años)
Cónyuge Patricia Salazar
Hijos Dante, Catarina, Valentino y Vera.
Ocupación guitarrista, cantante y compositor
Otros nombres El Flaco, Luigi, Luisito.
Género(s) rock progresivo, blues, jazz, jazz rock
Instrumento(s) guitarra criolla, guitarra eléctrica, bajo, piano, teclados, y voz
Período de actividad 1967-2011

Artistas relacionados Almendra
Pescado Rabioso
Invisible
Spinetta Jade
Spinetta y los Socios del Desierto
Aquelarre
Color Humano
Huinca
Astor Piazzolla
Rodolfo Mederos
Rodolfo Alchourron
Charly García
Serú Girán
Miguel Abuelo
Tanguito
Pappo
David Lebón
Pedro Aznar
León Gieco
Gustavo Cerati
Fito Paez
Andrés Calamaro
Spinetta/García
Litto Nebbia
Moris
Emilio del Guercio
Edelmiro Molinari
Rodolfo García
Black Amaya
Carlos Cutaia

Osvaldo "Bocón" Frascino
Carlos Alberto "Machi" Rufino
Héctor "Pomo" Lorenzo
Juan Carlos "Mono" Fontana
Gustavo Spinetta
Javier Malosetti
Claudio Cardone
Nerina Nicotra
Sergio Verdinelli
A-Tirador Láser
Lucas Martí
Illya Kuryaki and the Valderramas
Dante Spinetta
Geo Ramma
Fabiana Cantilo
Leo Sujatovich
Diego Rapoport
Beto Satragni
Juan Del Barrio
Nico Cota
César Franov
Lito Vitale
Lito Epumer
Bernardo Baraj
Paul Dourge
Hugo Fattoruso
Osvaldo Fattoruso
Frank Ojstersek
Rafael Arcaute
Eduardo Martí
Carlos Franzetti
Graciela Cosceri
Nicolás Ibarburu
Guillermo Arrom
Jota Morelli
Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - 8 de febrero de 2012), conocido como El Flaco, fue un
cantante, guitarrista, poeta, compositor argentino de rock, jazz-rock, rock progresivo, considerado uno de los más
importantes en su país. La gran riqueza instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en
Latinoamérica y el mundo.
Es considerado uno de los padres del rock argentino y precursor de esa categoría -más afín con la lógica de las
megadiscográficas- llamada rock latino. Fue líder del grupo Almendra, considerada como una de las bandas
fundadoras del rock nacional argentino, así como de Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los
Socios del Desierto. En sus letras hay influencia de escritores, poetas, artistas y pensadores como Rimbaud, Van
Gogh, Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Castaneda y Artaud.
En 2005 obtuvo el Premio Konex de Platino como el más destacado Solista Masculino de Rock de la década en la
Argentina, mismo premio que ganó en 1995 como Cantante Masculino de Rock y 1985 como Autor/Compositor de
Rock. En 2009, ganó el Gardel de Oro, el más importante del país en lo musical. Su álbum Artaud, fue considerado
por la revista Rolling Stone como el mejor de la historia del rock argentino.
[]
Además, otros ocho de sus álbumes
fueron incluidos también en la lista de los 100 mejores (Almendra I, Pescado 2, Kamikaze, El jardín de los
presentes, Almendra II, La la la con Páez, Invisible y Bajo Belgrano).
[]
Su canción «Muchacha (ojos de papel)» fue considerada en 2002 por la revista Rolling Stone y la cadena MTV como
la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino y la 28.ª del rock hispanoamericano, por el sitio

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