La Edad Moderna se define como el periodo entre la Edad Media y la Edad Contemporánea, en que triunfaron valores como el progreso, la comunicación y la razón. Se integraron el Viejo Mundo y el Nuevo Mundo. La Edad Contemporánea intensificó la tendencia a la modernización con características diferentes, marcando el triunfo socioeconómico y cultural. El arte moderno surgió como reacción al academicismo de la Edad Moderna, dando origen a movimientos como el cubismo y el futurismo.

1. Licdo. Lanner Díaz Rodríguez

2. La Edad Moderna es el tercero de los periodos históricos en los que se
divide Occidente en la Historia Universal. Un periodo en que triunfan
los valores de la modernidad (el progreso, la comunicación, la razón)
frente al periodo anterior: la Edad Media, que se identifica con una
Edad Oscura o paréntesis de atraso, aislamiento y oscurantismo.
El espíritu de la Edad Moderna buscaría su referente en un pasado
anterior, la Edad Antigua identificada como Época Clásica. Se
integraron los dos mundos humanos que habían permanecido aislados
desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (América) y el Viejo Mundo
(Euroasia y África).

3. Esta época en el transcurso del tiempo se ha ido alejando de la
presente que suele añadirse como una cuarta edad, la Edad
Contemporánea, que no sólo se aparta, sino que intensifica
extraordinariamente la tendencia a la modernización, lo hace con
características sensibles diferentes, fundamentalmente porque
significa el momento de triunfo y desarrollo socioeconómico y cultural.
Adán y Eva de Alberto
Durero (1471- 1528).
El
antropocentrismo
humanista simboliza
la modernidad en la
Filosofía, la Ciencia y
el Arte.

4. Lo que hoy consideramos arte moderno no es la producción artística
de la Edad Moderna, sino nuestro arte contemporáneo: las vanguardias
europeas en torno a 1900, que de hecho significan una reacción contra
el arte europeo de la Edad Moderna, que se consideraba acartonado
por el academicismo y limitado por la sujeción al principio de imitación
a la naturaleza; no así contra el arte extra-europeo, que se recibe con
admiración por su exotismo (estampas japonesas y tallas africanas).

6. Las dos primeras décadas del siglo XX fueron de grandes cambios para la
humanidad. Cambios sociopolíticos, culturales, económicos y científicos
que transformaron el comercio y la industria, como la llegada del
automóvil (1896). Gracias a estos cambios las artes visuales
experimentan una serie de revoluciones creativas. El diseño tipográfico
también evoluciono y estuvo relacionado con la pintura, poesía y la
arquitectura.
El cubismo inicio con una nueva tradición artística. La génesis de este
movimiento es Las Señóritas de Avignon 1907, de Picasso (1881-1973),
con bases en la estilizaciones geométricas de la escultura africana. Las
figuras se abstraen geométricamente y rompen las normas clásicas de la
figura humana.

7. Uno de los cuadros que más han
marcado en la historia de la
pintura es Las señoritas de
Avignon de Picasso, que es
tomado como el primer cuadro
cubista y que ha marcado una
ruptura en el sentido de la
perspectiva y los planos.

8. El Cubismo analítico: nombre dado al trabajo de Picasso y George
Braque, entre los años 1910-1912, donde analizaron diferentes
puntos de vista y elaboraron una pintura compuesta por planos
geométricos rítmicos.
A diferencia de Picasso, que plasmó
con frecuencia la figura humana,
Braque prefirió, a lo largo de toda su
trayectoria artística, la naturaleza
muerta, en la que introdujo novedades
significativas, como el empleo del
collage o la incorporación de letras y
números

9. Georges Braque: Violine and Pipe (1913)

11. Futurismo: Fue fundado por el poeta y editor italiano Marinetti (1876 –
1944), como un movimiento revolucionario en todas las artes para
poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de
la sociedad científica e industrial.
Diseño urbanístico futurista
de Antonio Sant„Elia arquitecto
italiano.

12. En el año 1910 cinco artistas se unieron a Filippo Marinetti y publicaron
el “manifiesto de los pintores futuristas” declararon su intención de:
1. Destruir el culto del pasado.
2. Invalidar totalmente toda clase de imitaciones Elevar todos los
atentados al rango de originalidad.
3. Considerar a los críticos del arte como inútiles y peligrosos.
4. Dejar limpio el campo entero del arte de todos los temas y asuntos
que han sido utilizados en el pasado.

13. Umberto Boccioni: Pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente
del movimiento futurista.
Dinamismo di un ciclista,1913

14. Dinamismo de un jugador de fútbol, 1911

15. Carlo Carrà: Pintor italiano, uno de los líderes del movimiento futurista
que floreció en Italia a principios del siglo XX. Además de sus numerosas
pinturas, escribió diversos libros relacionados con el arte.
"Caballo y jinete", 1913

16. Luigi Russolo: Pintor futurista y compositor italiano, y autor del
manifiesto futurista El arte de los ruidos (1913).
Dinamismo de un automóvil,
1912-1913.
Guerra a la pintura, 1915.

17. Giacomo Balla: Pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del
movimiento futurista.
Construcción escultórica del ruido
y la velocidad, 1914-1915.
Velocidad del automóvil, 1910

18. Gino Severini: Pintor italiano, supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y
fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva
cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del
futurismo con los constructivos del cubismo.
Cañones en acción, esta
pintura formaba parte de
un grupo que realizó entre
1914 y 1918, durante la
primera guerra mundial

19. El Dadaísmo: se desarrolló 1916 como un movimiento literario. Los
dadaístas ni si quieran estaban de acuerdo en sus orígenes con el
nombre
“dada”. Nació como una protesta , pero sus actividades
destructoras y exhibicionistas se volvieron absurdas y extremas al
terminar el conflicto armado.
Póster del Matinée Dada 1923

20. Dadaísmo: Fue creado en el Cabaret Voltaire con fines artísticos y
políticos en Suiza entre 1916 y 1922 con Hugo Ball (actor y poeta alemán)
como fundador, reunidos artistas de distintas nacionalidades como
refugiados durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue
adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más
representativa.
Placa situada en la pared del
antiguo Cabaret Voltaire.

21. Marcel Janco (1895-1984) fue un importante pintor y arquitecto israelí.
Tuvo una fuerte concepción en que el caos, el Nihilismo y la falta de
racionalidad iban a hacer del mundo un mejor lugar para vivir. Con
apenas 17 años, comenzó a publicar junto a Tristán Tzara e Ion Vinea
una publicación llamada Symbol.

22. La Entrada al Paraíso, 1919

23. Hans Richter (1888-1976) fue un pintor y cineasta alemán, nacionalizado
más tarde estadounidense. Sus primeras obras se insertan dentro del
expresionismo. Se dedicó al arte abstracto y al cine de este género.
Autorretrato Visionario, 1917

24. Marcel Duchamp (1887 -1968) fue un artista y ajedrecista francés, Su
periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que
desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy
prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo de movimientos
artísticos como : surrealismo, dadá y Pop Art.
Desnudo bajando una escalera (1912)
expresa el movimiento continuo a
través de una cadena de figuras
cubistas superpuestas.

25. Ducham fue el primero en
realizar el Ready-made:
consiste en sacar un objeto
cotidiano
de
su
sitio
habitual y colocarlo en un
espacio de exhibición, con
el fin de cambiar la forma
en que lo vemos y darle otro
significado.

26. "Fuente" de Duchamp
“L.H.O.O.Q.” mejor conocida como
“La Gioconda con bigotes”

27. Francis Picabia (1879-1953) Artista y escritor que nació en París, de padre
cubano y madre francesa. Su obra puede insertarse dentro de varios
estilos: cubismo, fauvismo, dadaísmo, surrealismo y arte abstracto.
También utilizó distintas técnicas: óleo, acrílico, dibujo y collage.

28. Man Ray (1890-1976) Pintor y fotógrafo estadounidense. Bajo la influencia
de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como
por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies.
Obras de Ray que llamó “objetos de mi afecto”.

29. Desarrolló los rayogramas, consistentes en imágenes abstractas realizadas
mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz.
También, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y
sombra de la fotografía. Pasó sus últimos años en Francia, donde
experimentó con las nuevas técnicas de fotografía. Murió en 1976.
Rayogramas, 1923

30. Desarrolló los rayogramas, consistentes en imágenes abstractas realizadas
mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz.
También, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y
sombra de la fotografía. Pasó sus últimos años en Francia, donde
experimentó con las nuevas técnicas de fotografía. Murió en 1976.
Rayogramas, 1923

31. El Dadaísmo en Alemania.
Es en Alemania donde el Dadaísmo adquiere un apariencia más
marcadamente político. Ideológicamente, las posturas de los artistas
dadaístas eran comunistas, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra,
Alemania entra en una situación crítica. Con toda esa agitación social un
grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el
Movimiento dadaísta.

32. Kurt Schwitters (1887 –1948) fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta
y diseñador gráfico. En sus obras incorporó esculturas realizadas con
materiales de desecho, es conocido principalmente por sus collages. Sus
primeros cuadros se insertan en el estilo expresionista, pero en 1919
empezó a realizar collages, incorporando a sus trabajos elementos, no
considerados hasta entonces como materiales artísticos, tales como
boletos de tren, estampillas postales y recortes de periódicos.

33. John Heartfield (1891 -1968) artista alemán dadaísta, especializado en el
fotomontaje. Después de diseñar diversas escenografías en su ciudad
natal en contra de los nazis en 1933, viajó Checoslovaquia y más tarde a
Inglaterra. Retornó a su país en 1950, para instalarse en Berlín, donde se
dedicó nuevamente al diseño escenográfico y al fotomontaje.
Fotomontaje dadá, 1920

34. John Heartfield. No Pasarán 1936

35. Hannah Höch (1889-1978) fue una artista plástica y fotógrafa alemana
integrada en el movimiento dadá que utilizó como modo de expresión el
fotomontaje, considerada como pionera y precursora en esta técnica
fotográfica. Con su obra ejerció una fuerte crítica a la sociedad alemana.
Más tarde profundizó más en la abstracción, finalmente, retomó el tema
de la mujer; mujeres en estado de miseria física o espiritual.

37. Raoul Hausmann (1886 -1971) artista y escritor austríaco. Con el
seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado papel como dadaísta
creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas
institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos
guerras mundiales.

39. Características generales del dadaísmo:
• Trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa
una negación intelectual violenta, un acto extremo de
antidogmatismo.
• Se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla.
• Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto
que va más allá de los puros canales de expresión artística para
manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma
sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación
contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u
ortodoxia.
• De aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para
hacer públicas sus acciones.

40. El cartel europeo de la primera mitad del siglo XX es una continuación de
los anuncios de la década del año 1890, pero su rumbo fue
poderosamente afectado por los movimientos artísticos modernos y por
las necesidades de comunicación de las dos Guerras Mundiales.

41. Influenciados por el cubismo y por el constructivismo, conocedores de la
necesidad de mantener una referencia gráfica si sus carteles deseaban
comunicarse persuasivamente con el público en general, los diseñadores
gráficos comprometidos con el cartel caminaron por la cuerda floja entre
la creación de imágenes expresivas y simbólicas, su interés por la
organización visual total del plano ilustrado.

42. El Cartel en Berlín:
Lucien Bernhard (1883-1972) diseñador gráfico, de tipos y de interiores
alemán, además profesor. Había llevado al cartel visual un paso adelante
en el proceso de simplificación y reducción del naturalismo en el lenguaje
gráfico de las formas; estableció una proposición del cartel al emplear
formas de colores lisos, el nombre y la imagen del producto.

43. Bernhard desarrolló un estilo de letras sans-serif, realizadas en
pinceladas gruesas. Creó un alfabeto compacto de caracteres únicos en
su género. Era un innovador. su labor debe ser considerada como la
conclusión lógica del movimiento del cartel. Al mismo tiempo, el énfasis
en la reducción, la forma minimalista y la simplificación anticiparon el
movimiento constructivista.

45. Julius Klinger nació en Dornbach cerca de Viena. 1896 pasó a Munich ,
donde trabajó como ilustrador para el Blätter Meggendorfer y otros. De
1897 a 1902 fue colaborador del mismo nombre Jugendstil revista Die
Jugend. En 1897 se trasladó a Berlín, su estilo osciló desde el art
nouveau floral hasta las formas bidimensionales decorativas de colores
claros, brillantes y una rotulación sencilla y concisa.
Meggendorfer Blätter, 1930

47. EL CARTEL DE LA GUERRA:
El cartel logró la cima de su importancia como medio de comunicación
durante la Primera Guerra Mundial. El proceso tipográfico había sido
perfeccionado y la radio y otros instrumentos electrónicos de
comunicación pública aún no ganaban importancia. En este conflicto
mundial, los gobiernos recurrieron al cartel como la forma principal de
propaganda y de persuasión visual.

48. En los carteles bélicos Bernhard tuvo un enfoque muy gótico. Por otro
lado La propaganda bélica de Julius Klinger fue reducida a simples
símbolos gráficos de guerra. Los carteles británicos hacían un llamado a
la necesidad de proteger los valores tradicionales, el hogar y la familia
La propaganda bélica de
Klinger fue reducida a
símbolos, mientras
Bernhard adoptó un
enfoque muy gótico.

49. Julius Gipkens (1883 -1968) artista gráfico alemán, dibujante y pintor ,
que principalmente como un artista comercial y cartelista fue exitosa.
Mantuvo un estilo de dibujos fluidos y líneas que lo caracterizan.

50. Paul Verrees (1889-1942) pintor, diseñador e ilustrador belga, realizó
anuncios para promover los jardines de la victoria en 1918, una acción
publica, cultivo de legumbre en huertas familiares que estaba ligada
directamente con La derrota del enemigo.

51. EL DISIDENTE DE MUNICH:
Ludwig Holwein (1874-1949) creció junto con las condiciones sociales
cambiantes. Se imspiro primero en los hermanos, durante los años
anteriores a la Primera Guerra Mundial, Holwein accedía a reducir sus
imágenes a formas planas. A diferencia de los Berggarstaff en sus
imágenes aplicó una rica gama de texturas y modelos decorativos.

52. Holwein tenia un estilo militar e
imperialista bien delineado de
formas sólidas, pesadas y de
fuertes contrastes tonales.

53. EL MODERNISMO GRÁFICO POSCUBISTA:
Paul Colin (1892 -1985 ) es el diseñador más integro en las propuestas
del Art Deco o del modernismo pictórico del diseño gráfico. Se hizo
famoso en 1925 por el cartel de la Revue Nègre, que ayudó a lanzar la
carrera de la actriz Josephine.

54. Joseph Binder (1898-1927) diseñador austriaco, combinaba influencias,
incluyendo a Kolomon Moser y al cubismo, en un estilo de diseño gráfico
ilustrado con una poderosa fuerza comunicativa. El sello de su obra
consistía en reducir las imágenes naturales a formas y figuras básicas
como el cubo, la esfera y el cono, así como en utilizar, de lado a lado,
formas de dos colores planos, uno junto al otro, para representar las
partes de luz y sombra de una figura u objeto.

55. El art deco era un estilo de diseño dominante en las décadas entre las
dos Guerras Mundiales. Una geometría aerodinámica, en zigzag,
moderna y decorativa, técnicas que expresaban los deseos de
interpretar la era moderna de las máquinas, al mismo tiempo, satisfacer
la pasión por la decoración

56. En Alemania muchos diseñadores gráficos emplearon el color y el plano
para construir imágenes gráficas. El modernismo pictórico europeo
constituía una propuesta diseñada para la creación de ilustraciones
gráficas, dirigidas a la integración total de la palabra y de la imagen.

57. El modernismo gráfico no fue la única corriente importante del diseño
gráfico en Europa Mientras que en Inglaterra Kauffer exploraba la
aplicación de los planos del cubismo sintético al cartel, en Holanda y
Rusia, hubo un enfoque más tipográfico y formal del diseño gráfico, los
artistas veían claramente las implicaciones del cubismo.
Con la invención de la forma pura, el arte visual avanzó más allá del
umbral del conjunto de las imágenes gráficas. Las figuras y las ideas
acerca del espacio compositivo desarrolladas en la pintura y en la
escultura fueron aplicadas rápidamente a problemas de diseño.

58. Edward McKnight Kauffer (1890-1954) diseñador estadounidense de
origen influyente, artista destacado por ser vanguardista en el diseño
gráfico y el arte del cartel donde supo fusionar magistralmente el arte y
la publicidad, sobre todo en Inglaterra donde supo

59. EL SUPREMATISMO Y EL CONSTRUCTIVISMO RUSO:
Durante la turbulencia de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución
Rusa, en Rusia hubo un florecimiento del arte creativo, el arte ruso
ejerció una influencia internacional en el diseño grafico y la tipografía
del siglo XX. La década, iniciada en el año 1910 con las conferencias de
Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas
ideas del el termino cubo futurismo. Simbólicamente, los libros
futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia
zarista.
Natalia Goncharova. Ciclista, 1913.

60. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación grafico, ya
que Malevich buscaba " la expresión suprema de los sentimiento, sin
buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida". Pensador
lógico con un conocimiento lucido, Malevich se dio cuenta, que la
esencia de al experiencia artística es el efecto perceptivo del color.
Demostrandolo, en el año 1913 con un cuadrado negro pintado sobre
un fondo blanco.
Cuadrado Negro 1915,
Galeria Tretiakov

61. Kazimir Severínovich Malévich (1878-1935) pintor ruso, creador del
Suprematismo, movimiento de vanguardia rusa del siglo XX. Planteado es
la tarea colosal de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condiciones
de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje
cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo".
Cruz Negra y Roja, 1918,
Museo Stedelijk
Supremus No. 58, 1916.
Museo de Arte Krasnodar

62. Malevich después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo,
creo una abstracción geométrica elementa nueva, no objetiva y pura.
Cruz Negra 1915.
Cuadrado Rojo 1915.
Círculo Negro 1915.

63. La Bauhaus: fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura
fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar, Alemania. Cerrada por
las autoridades prusianas en manos del partido nazi en 1933. Su
nombre se deriva de la unión de dos palabras alemanas Bau:
"construcción", y Haus: "casa".
Edificio de la escuela en Dessau,1925-26, en primer
plano el volumen con los talleres y la emblemática
tipografía diseñada en los propios talleres

64. FASES - ETAPAS:
1. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica.
2. La segunda (1923-1925) mucho más racionalista.
3. La tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento,
coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la
dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió
por completo la orientación de su programa de enseñanza.
Kandinsky con Walter Gropius y J.J.P.
Oud en la Bauhaus de Weimar en
agosto de 1923. Colección del Museo
Nacional de Arte Moderno, París.

65. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy
conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de
la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y
fueron concebidas dentro de esta escuela.

66. Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos caracterizados por Gropius
de la escuela, donde manifestó:
"La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva,
elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar
comercializar los productos que, integrados en la producción industrial,
se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público"
fue una manara de independizarse y comenzar a vender los productos
por la propia escuela para dejar de depender del Estado que hasta ese
momento era quien los subsidiaba.

67. Paul Klee (1879-1940) Suizo-Alemán, llegó a la escuela en 1920.
Violinista, pintor muy culto interesado por los problemas teóricos del
arte. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que,
según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas
formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las
clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron
publicados en forma de libro.
Su estilo varía entre el surrealismo,
el expresionismo y la abstracción.

68. Vasili Kandinsky (1866-1944) pintor ruso precursor de la abstracción. En
1922 se incorporó al proyecto. Su prestigio, tras la publicación de De lo
espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era
por entonces un artista grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de
pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su
mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más
intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para
esculpirla en la tela con rasgos abstractos.
Línea Intacta - 1923
Composición VIII - 1923

69. Segunda época (1923-1925)
En 1923 Theo Van Doesburg (1883-1931) pintor, arquitecto, teórico y
poeta neerlandés, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo,, creó
en Holanda la revista y movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar,
ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que
acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
De Stijl, 1921. Vol. 4, no.11
Composición VII, 1917
(las tres gracias)

70. A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia Expresionista por la
Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque
mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La
incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy
cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las
ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por
un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
La Noche, 1919.
Max Beckmann, pintor alemán

71. László Moholy Nagy (1895 - 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha
pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y
teóricos del arte y de la fotografía en la Bauhaus. Su publicación “Pintura,
Fotografía, Film” en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de
la Bauhaus” y uno de los principales pilares de la fotografía en la historia
del arte.

72. Lázar Márkovich Lisitski (1890-1941), fue un artista ruso, diseñador,
fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más
importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del
suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, y diseñó
numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética.
Cubierta de la revista Merz
vol. 2, n.º 8, 1924.

73. Vladímir Yevgráfovich Tatlin (1885-1953) pintor y escultor ruso,
constructivista, que abarcó múltiples facetas como: escultura, pintura,
proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño y decorados
teatrales. En 1914 fundó el Constructivismo, siendo el principal
inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS, junto
con el Futurismo.
Proyecto de Monumento a la
Tercera Internacional

74. Tercera época (1925-1933)
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la
Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo
de docentes y alumnos de tendencia comunista. En 1933 el partido nazi
decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la
Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de
contratos.

75. La escuela, situada esta vez en un antiguo edificio de telefonía,
sobreviviría solo hasta Abril de ese mismo año. Fueron inútiles las
protestas de Van der Rohe, que insistía en presentarse como patriota y
veterano de guerra y defendía que su trabajo no tenía implicaciones
políticas.

76. La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño de
Alemania, Bauhaus (1919-1933). Se emplearon casi exclusivamente las
fuentes de Sans-serif y Bayer diseñó un tipo universal que redujo el
alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional.

77. Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia
los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación
de la Bauhaus hasta la Guerra Fría.
László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhaus. De las
nuevas encarnaciones de la escuela, esta sería la que respetaría más
fielmente el plan de estudios original.
En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los
lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal
Alemana) la Escuela Superior de Proyección, que recupera pronto la
denominación de Bauhaus o Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual
fue director entre 1954–1966 el pintor, teórico y diseñador argentino
Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y
racionalista aplicado en las artes.

78. Tomás Maldonado 1922, pintor, diseñador industrial y teórico del diseño
argentino. Es conocido por su considerable influencia en el pensamiento
y la práctica del diseño en la segunda mitad del siglo XX y es considerado
como uno de los principales teóricos del llamado enfoque científico del
diseño. Fue miembro fundador del Movimiento de Arte Concreto y uno de
los protagonistas de la renovación plástica de la década de los 40 en la
Argentina.
Maqueta para el estudio de
la forma continua del taller
de Tomás Maldonado.
Portada de la revista Nueva
Visión (1955), dirigida por
Maldonado.

79. El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico a mediado
del siglo XX. Es un producto típicamente norteamericano, aunque
también se desarrolló en 1950 en Inglaterra, que aspiraba a ser un arte
testimonial del tiempo que se vivía. Se caracteriza por inspirarse en la
vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos
masivos de la cultura, es figurativo y emplea objetos de uso diario de la
sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras,
autos, comics, personajes del cine y la canción.

80. el Arte Pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.
Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos,
el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos
del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores
del movimiento Pop Art están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man
Ray.
Primera obra de Pop Art. ¿Qué es lo que
hace que los hogares de hoy sean tan
diferentes,
tan
llamativos?.
Richard
Hamilton, pintor británico.

81. Kurt Schwitters (1887–1948) artista alemán, pintor, escultor, poeta y
diseñador gráfico. Excluido del movimiento Dadá Berlin, reacciona
fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el
apoliticismo, en contrapuesición de las concepciones del grupo Dadá en
Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente, por
lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista
Merz y el arte del mismo nombre.

82. Man Ray seudónimo de Emmanuel Radnitzky (1890-1976) artista
modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en
París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y
surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales.
Produjo grandes obras de medios de comunicación, pero se consideraba
un pintor, pero reconocido en el mundo del arte por sus fotogramas.

83. En el Reino Unido: el Grupo Independiente: fundado en Londres en 1952,
es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un
grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos
que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva
tradicional de ver las Bellas artes. El término Arte Pop fue acuñado
finalmente por John Mc Hale en 1954.

84. Eduardo Luigi Paolozzi (1924 – 2005) escultor y artista escocés. Sus
acercamientos al color, particularmente con la serie de posters que
realizó entre 1965-67 compilados bajo el título Vacío Electrónico
Universal, que parecen explotar la relación hombre-máquina a través de
la producción serializada de patrones geométricos generados por
computadora. En las décadas de los 60 y 70, su trabajo se enfoca más en
las técnicas gráficas, produciendo una amplia cantidad de impresiones
serigráficas.

85. El Arte Pop Estadounidense: Aunque el movimiento comenzó a finales de
1950, en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de
1960. En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado
muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un
nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de América tenían
que buscar más profundidad en los estilos dramáticos, distanciándose
del arte de los materiales bien diseñados e inteligente comerciales.

86. Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario del Arte
Pop de Estados Unidos fueron Jasper Johns y Robert Rauschenberg. De
igual manera se destacaron artistas como, Andy Warhol, C. Oldenburg,
George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.

87. Robert Rauschenberg (1925-2008) pintor y artista estadounidense, que
alcanzó reputación en 1950 durante la transición desde el expresionismo
abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes
en su país.
Retroactive I, 1964,
Óleo y serigrafía sobre lienzo,

88. Jasper Johns (Georgia, 15 de mayo de 1930) pintor, escultor y artista
gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una
serie de elementos del Arte Pop.

89. Andrew Warhol (1928 -1987) artista plástico y cineasta estadounidense
que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop
Art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol
adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de
vanguardia y literatura, que la vino respaldada por una hábil relación con
los medios y por su roll como gurú de la modernidad.
En su obra destacan retratos magníficos de personajes que han trascendido
las décadas, además de algunos otros que ya son toda una leyenda.

90. La Lata de Sopa Campbelles es una de las obras más famosas.

91. Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) pintor estadounidense de Arte Pop,
artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a
gran escala del arte del cómic.

92. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y
mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador
contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga
visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo
de la publicidad.

93. Asimismo, colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación y
combinación de la pintura con objetos reales integrados en la
composición o combine painting), la utilización de materiales como la
gomaespuma y una constante provocación llena de humor son algunas
de las características más relevantes de este movimiento vanguardista.