1. Facultad de Negocios
Hotel and Restaurant Management
Por:
Herminda Oro L.
8-882-1086
Historia del Arte I
Proyecto Final
El Arte en Panamá
Profesora:
Irma Sánchez
14/VIII/2013

2. Historia del arte desde el período Republicano
En 1903 inicia una nueva época y con Roberto Gerónimo Lewis García De Paredes
“cabe afirmar que se inicia con rigor
el movimiento pictórico en nuestro
país”. Nace en la ciudad de Panamá
en 1874 y realiza estudios primarios
y secundarios en Panamá y Francia
respectivamente. Terminados sus
estudios secundarios regresa al país
en donde se dedica a negocios
familiares, luego de esa breve
estadía regresa a París en donde
estudia con Leon Bonnat más
académico (1833-1923) y
posteriormente con Albert Dubois-
Pillet claro postimpresionista (1846-
1930). Estas relaciones marcan decididamente su posterior desarrollo estético y
estilístico. Por una parte la persistencia del virtuosismo del dibujo y la exaltación de
temas alegóricos con un gran dominio de las formas, heredado del clasicismo y, por otra,
el efecto de las líneas y trazos sobre una superficie que le sirve de receptáculo en el que
logra la condensación de la luz y el color y, ofrecer así, una atmósfera de transparencias
e instantaneidad, principal finalidad del postimpresionismo.
De vuelta al país se le comisiona para que realice una serie de obras que deberían
exaltar la majestuosidad de algunos edificios públicos. La arquitectura neoclásica
introducida por Genaro Ruggieri es la “arquitectura oficial” de la época y se plasma en
obras como el Teatro Nacional (ver imagen), el Palacio de Gobierno, el Palacio de
Justicia, El Cabildo y el Instituto Nacional. El clasicismo de Lewis será paralelamente la
“pintura oficial” de la época y dará inicio a una expresión singular de la pintura en
nuestro medio. De ese periodo data el telón de boca, el plafón y el foyer del Teatro
Nacional (1907). “Estos trabajos demuestran una rara maestría del dibujo y el
escorzo —sobre todo en el encadenamiento circular de cuerpos seráficos que se elevan
para festejar el nacimiento de la república.” Demostró Lewis una excelente disposición
para el paisaje y el retrato, trabajos en los cuales se desembaraza de los exigente
cánones del clasicismo y una serie de cuadros admirables “de suave tonalidad en que los
ocres y amarillos se combinan diestramente con los grises y azules —tan difíciles—
para lograr la luz de nuestro cielo y el sin par colorido del paisaje marinero.” En 1936, y
con el mismo espíritu, pinta una serie mural en el Aula Máxima de la Escuela Normal
Juan Demóstenes Arosemena, en la que trata de plasmar la historia de la humanidad,
obra que quedó inconclusa.
A principios del siglo XX destaca la arquitectura canalera, siguiendo el diseño
americano de la ciudad jardín combinándolo con amplias avenidas simulando el Paseo
del Prado en Madrid, España. Se destacan las arcadas continuas para uso peatonal, el

3. trazado regular de la trama urbana, grandes cubiertas y ventanas rítmicas.
Leonardo Villanueva Meyer, arquitecto de origen peruano sigue el patrón de Ruggieri y
se convierte en el arquitecto oficial del Gobierno. Esto lo plasma en el edificio de los
Archivos Nacionales, la antigua casa Arias Feraud o casa de la Municipalidad y el
Palacio de Gobierno o Palacio de las Garzas, donde colaboró con Lewis quien
confeccionó todos los frescos, destacándose los del Salón Amarillo y el Salón los
Tamarindos.
En los años 30 aparecen las nuevas barriadas de la Exposición y Bella Vista, al igual
que un nuevo estilo: el “neocolonialismo” (también conocido como “arquitectura
bellavistina”). En esta época también aparecen Humberto Ivaldi y Juan Manuel Cedeño
iniciando un nuevo ciclo en el acontecer plástico en nuestro país. Discípulos de Roberto
Lewis, estos dos nuevos maestros van a señalar vertientes distintas en las concepciones
estéticas y técnicas en el desarrollo de la pintura panameña.
Humberto Ivaldi nace en 1909 y muere joven en 1947, dejando inconclusa una carrera
prometedora y de gran proyección. Ivaldi es un artista temperamental, hecho que se
refleja en la diversidad de su obra que recoge paisajes, retratos y bodegones de una gran
lucidez y espontaneidad. Heredero de una tradición academicista reforzada con sus
estudios en la Academia de San Fernando, sus retratos y paisajes son ejemplos de un
delicado uso del detalle y de gran vocación por el dibujo. No obstante, y con mucha
frecuencia, la inconformidad con esta influencia lo conducen a cambiar proyectos que
se limitaron a simples bocetos. Se destacan entre sus obras “Viento en la loma”, cuadro
costumbrista de una extraordinaria luminosidad lograda con el uso de colores pasteles
que parecen vibrar en el fondo de la escena. Estudiante de Lewis, completó su
aprendizaje en Madrid y dirigió la academia de su maestro entre 1939 hasta su muerte.
En su pintura combinó el estilo tradicional con el postimpresionista. Tanto en sus clases
como en su pintura adoptó los principios académicos con las ideas más progresistas,
contribuyó a que se formara la primera generación de pintores modernos en Panamá.
Juan Manuel Cedeño, nacido en 1916, recibe una preferencia por la retratística y por el
detalle de la academia, lo cual es canalizado a otras formas de expresión, especialmente
mediante el uso de formas geométricas, luego de sus estudios en el Art Institute of
Chicago. Oriundo de los Santos y con experiencia como maestro rural que lo pone en
contacto con la rica tradición vernácula que vemos plasmada con insistencia en muchas
de sus obras. Se convirtió en el eslabón entre la época de Lewis y la nueva generación
de arte moderno panameño. Enseñó en la Escuela Nacional de Pintura y en la Facultad
de Arquitectura. Sus retratos eran realistas y académicos, pero experimentó diferentes
estilos: desde el naturalismo más tradicional hasta su propia versión del puntillismo.
Pintó alegorías históricas y escenas costumbristas de la vida rural panameña. A partir de
1950 creó pinturas caracterizadas por configuraciones geométricas, influenciado por el
cubismo. Ayudó a desarrollar un nuevo enfoque en el arte.
Las pinturas cubistas de Cedeño están emparentadas con las de Eudoro Silvera es el
artista que con mayor fuerza y singularidad caracteriza la evolución final de esta
generación. Nace en 1917. Estudia en la Escuela Nacional de Pintura entre los años
1935 a 1937, estudios que alterna con la música y el canto. Luego se traslada a Nueva
York en donde realiza estudios en la “Cooper Union” en donde expone en 1942. Las

4. obras de Silvera anuncian una conformación geométrica de la figura que les da una
característica dramática.
De los 50s a la invasión (1950-1990)
En este período aparecen las
influencias internacionales de la
arquitectura orgánica a través de
Calvin Stempel y del funcionalismo
en obras como la Ciudad
Universitaria Octavio Méndez
Pereira, el Hotel Panamá y el Hotel
Continental.
La década de 1950, precisamente
con la conmemoración de los
primeros cincuenta años de
republica, es “un periodo de revisión
crítica" en el cual no sólo se propone
la renovación de nuestra actividad
artística tomando como referentes
los grandes movimientos en el arte
mundial y aclarando los criterios estéticos prevalecientes y que, para esa época, ya
habían sido agotados en el resto del planeta. Fue el punto de partida a las innovadoras
propuestas y, sobre todo, al auge y difusión de la pintura panameña en las décadas
siguientes.
Uno de los artistas más representativos de esa llamada generación crítica es Alfredo
Sinclair Ballesteros, coetáneo con Juan Manuel Cedeño, quien por su actividad plástica
corresponde a un grupo de entusiastas empeñados en introducir nuevas técnicas y
concepciones en la pintura panameña, en un esfuerzo por lograr su actualización con las
nuevas corrientes dominantes en Europa y el resto de América.
Nace Sinclair en 1915, pero su ingreso al mundo del arte no ocurre sino hasta 1941
cuando inicia estudios en la Escuela de Bellas Artes bajo la orientación de Humberto
Ivaldi y Roberto Lewis. Posteriormente, en 1946 viaja a Argentina en donde realiza
estudios en la Academia Ernesto de Cárcova y otros centros de arte. Argentina es en esa
época la sede de la pintura abstracta en América Latina. Innovadores por excelencia, los
artistas argentinos se empeñan en renovar las corrientes abstractas europeas y darle, por
otra parte, una nueva visión al arte figurativo, contrariamente con lo que acontece en
México con la secuela dejada por el muralismo, donde predomina una versión del
neofigurativismo con un profundo contenido social. Fue el primero en experimentar la
pintura abstracta en Panamá. Influenciado por Jackson Pollock, además utilizaba vidrio
molido en sus obras.
Preocupado por la iluminación, su obra se caracteriza por el uso de una fuerza lumínica

5. que se abre paso para establecer los puntos focales que delimitan el espacio y hacen
resaltar los volúmenes. Apasionado por el color, Sinclair hace gala de un dominio
extraordinario del claroscuro sobre las superficies segmentadas por las manchas
cromáticas, lo que proporciona un efecto metálico sobre las superficies. Los chorros de
luz que iluminan desde el fondo sus trabajos de abstracción y con los cuales hace saltar
la imagen hacia el espectador, se presentan medidas y domesticadas en el texto
figurativo, proporcionando una incursión mesurada en el contexto de la imagen. Color e
iluminación es la preocupación de Sinclair, y es con estos elementos que se aventura a
conquistar la escena de la plástica nacional. Contrario a los designios academicistas que
habían hecho sentir su influencia durante casi medio siglo, introduce el uso de
elementos y materiales sintéticos para incorporarlos a las masas que en forma de
"collage" organiza sobre el lienzo.
Si la maestría en el uso de la luz y el color han distinguido su obra, no menos
importante han sido los procedimientos que le dan a la textura un especial acabado
vítreo. Esas superficies cristalinas que difuminan la luminosidad interna del cuadro, en
el presente trabajo configuran paneles de intenso colorido que le proporciona al lienzo
esa sugerente disposición de los vitrales renacentistas, lo que hace de su trabajo una rica
carga expresiva de lirismo y emoción, de lustrosa tersura y luminosidad que recuerdan
el arte de los vitrales. Sus pinturas de fines de los 70 y de los 80 se caracterizaron por
composiciones rítmicas y llenas de color, y la ausencia de elementos anecdóticos o
descriptivos (ver imagen).
Guillermo Trujillo nace en 1927, su obra representa uno de los más importantes aportes
en el esfuerzo por renovar la plástica nacional a partir de los elementos preexistentes
dominados por el academicismo. Realizó estudios de arquitectura en la Universidad de
Panamá y posteriormente realiza estudios en la Academia de San Fernando, en Madrid;
la Escuela de Cerámica en Moncloa y la Escuela Superior de Arquitectura. Retorna
Trujillo a la tradicional coloración de nuestras artesanías, especialmente las indígenas,
para estructurar una forma de composición en que integra lo simbólico-mítico con los
problemas de la existencia cotidiana. En sus pinturas, cuyas pinceladas cuidadosas y
uniformes recurren con insistencia a la geometrización, induce a reconstruir otra forma
de percibir al mundo a través de figuraciones fantásticas, muchas de ellas extraídas de
los mitos ancestrales que forman parte de nuestra vida inconsciente. La obra de Trujillo
puede ser considerada la más amplia totalización de la plástica nacional. Su producción
registra las más variadas incursiones en técnicas, estilos y temas, procurando siempre el
logro de un lenguaje personal y diferente. Sus personajes —chamanes, apariciones y
brujos— recorren un mundo fantástico, extraído de nuestros ancestros. Danzantes
eróticos, levitadores concupiscentes, madonas impúdicas, o híbridas deformaciones se
pasean en sus lienzos acompañados de espantos y bestias que participan de un
permanente duelo de luz y color. Imágenes y colores que recrean la intensidad del
trópico y la pasión por la naturaleza forman parte del mundo de lo imaginario forjado
por el maestro Trujillo.
Contemporáneo con Trujillo, Manuel Chong Neto es el pintor de la sensualidad y la
forma, nace en 1927 y muere en 2010, estudia en la Escuela Nacional de Pintura bajo la
Dirección de Juan Manuel Cedeño. En 1963 ingresa a la Academia de San Carlos de la

6. Universidad Nacional Autónoma de México. En sus primeras obras, en la década de los
sesenta, encontramos trabajos donde hace gala de un dramático claroscuro con una capa
pastosa de pintura que ofrece un sugerente entorno de las figuras, y el color se desplaza
sin mucha rigurosidad sobre el lienzo. Su preocupación es sobre todo afectiva y no
necesariamente visual.
Posteriormente, su evolución hacia nuevas formas de figuración lo conducen a adoptar
temas llenos de voluptuosidad. Llegó a ser conocido por la figura femenina, voluminosa
y sensual. Generalmente está rodeada de hombres misteriosos, fisgones, búhos y pájaros,
parece a veces expresar un mensaje irónico del artista acerca de los aspectos maliciosos
de la naturaleza humana, y otras, un juguetón erotismo y sentido del humor. Sus
"gordas" han llenado una época de la plástica nacional. La belleza de las gordas radica
precisamente en la contingencia de la carne, que se revela como una forma natural y
bella de ser. El afloramiento de la carne, la voluptuosidad de las formas y la sensualidad
del cuerpo son las secretas motivaciones que caracterizan la obra de Manuel Chong
Neto. Con una evidente intención de provocación, el artista las hace posar, vestidas o
desnudas, como aquellas Majas de Francisco Goya. Solas o acompañadas con esos
personajes ya conocidos -cuervos, gnomos, arlequines- las majas de Chong Neto
dominan el espacio, definen los entornos y se posesionan del lienzo para imponer su
presencia cargada de ternura, y es que el artista, con una poética de la forma y el
volumen nos invita a compartir un pasaje, una escena, que estaría vedada a los ojos
profanos de quienes no comparten los secretos del arte.
Julio Zachrisson nace en 1930, es el cronista de la fábula y la fantasía, del mito y la
tragedia. La presencia de lo grotesco y el absurdo en su concepción figurativa y el
tortuoso llamamiento que hace a través de sus personajes aproximan su formulación
simbólica a los grabados de Goya y a las abigarradas estructuras surrealistas de El
Bosco, de donde extrae la sustancia que alimenta la tragedia y la burla subyacente en su
trabajo. Decidido prácticamente por el grabado, en donde logra efectos fantásticos
mediante el uso de tintes creados por él mismo, logra trasladar al papel ese mismo
temperamento único de sus pinturas en nuevas formas y discurso expresivo. Delicado en
el uso de las trazos, aprovecha todo recurso para exaltar el diseño. Nuevas concepciones
estéticas acompañadas de incorporaciones técnicas de variadas procedencias han ido
caracterizando la obra de Julio Zachrisson, permitiendo que el color, la iconografía
indígena y la libertad figurativa constituyan elementos medulares de su obra más
reciente, que tanto mérito ha recibido en Europa, en especial en España, en donde ha
fijado su residencia.
En la obra de Coqui Calderón (1937), busca la síntesis entre la figuración y la
abstracción, recurriendo al trazado de líneas cromáticas transversales, con las cuales
suspende o trastoca el realismo de la imagen para reducirlo a la vivencia cromática. La
representación del mundo cede al antojadizo juego de simulaciones abstractas, pero la
abstracción se sostiene en la propia representación. En esa ambigüedad entre la
representación y la abstracción conduce su trabajo hacia la disposición o empatía del
espectador, dándole esa particularidad de “obra abierta” que caracteriza al arte
contemporáneo.
Teresa Icaza (1940) de la “Generación Xerox” es una artista autodidacta. Sus primeras

7. pinturas fueron abstractas, se caracterizaban por estructuras geométricas, colores
neutrales, uso del collage y texturas gruesas. En su obra reciente interpreta el paisaje en
tonos vibrantes y, a menudo, otoñales. Los paisajes, más que recurrir a una
convergencia de la percepción con la realidad, resultan ser un juego antojadizo de la
imaginación con la re-creación visual. Estos paisajes recreados, es decir re-inventados,
son una especie de ensueños en los que la actividad creadora encuentra el corolario de
sus sublimaciones. Es posible encontrar en sus arboledas, senderos, perspectivas y
recodos, ciertas imágenes que generan una inefable empatía con recuerdos ya perdidos.
La cuidadosa precisión en los detalles y el apego a una disciplina formal en el uso del
dibujo, hace de la obra de Amalia Tapia (1946), una singular expresión de lo cotidiano
con la riqueza del recurso imaginativo, que acompañada por el control ejercido sobre el
espacio gracias a una calculada composición, van a dar un signo muy personal dentro de
la pintura joven en Panamá. Con la reducción de la imagen dentro de un espacio que
propende a la indeterminación, las pequeñas estructuras que toman forma en los núcleos
temáticos adquieren la densidad y consistencia que define la totalidad del conjunto.
Empezó pintando acuarelas de flores y paisajes locales, sobre todo escenas de la isla de
Taboga. Estudió con Cedeño, pasó a explorar el realismo en naturalezas muertas con
elementos de la vida cotidiana. Pese a su sencillez, sus imágenes tienen significados que
trascienden la apariencia de los objetos. Son visiones poéticas de objetos cotidianos,
obras que parecen flotar en la frontera entre la ilusión y realidad.
Arte de los 90s hasta nuestros días
Las obras arquitectónicas actuales están
influenciadas por las tendencias internacionales y
la nueva tecnología (Ejemplo, los edificios
inteligentes). El representante principal del arte
panameño actual es Brooke Alfaro (1949). Ha ido
incorporando en su obra las lecciones aprendidas
de los grandes maestros del arte… Se burla de las
imágenes católicas, el poder político y las
peculiaridades de la sociedad latinoamericana. El
sentido de su obra se encuentra más allá de los
simples corolarios estéticos tradicionales
empeñados en caracterizar la naturaleza de la obra
de arte. Su obra es un pandemónium de recursos e
ideas. Aparece la ironía, el efecto de
caricaturización y el afán por lo grotesco, lo cual asume el artista con dominio de la
técnica y el conocimiento del color y la forma. De esta manera lo absurdo y lo grotesco
se revelan con la gracia y la ingenuidad de las historias de santos, milagros y hechizados.
Sus obras están repletas de figuras, en una especie de exhuberancia barroca. Logra
efectos de deformación de la imagen, el afloramiento de los rasgos psicológicos de los

8. personajes con naturalidad y sin necesidad de una carga excesiva de elementos
simbólicos (ver imagen).
Al igual que hemos visto en el arte internacional, hoy en día en Panamá las
instalaciones que buscan llevar un mensaje al público forman parte de la plástica actual.
Al fin y al cabo, a través del tiempo, ese ha sido el objetivo principal del artista.

9. Época republicana
a) Arquitectura
1. Leonardo Villanueva Meyer
Entre sus principales obras figuran:
La remodelación del Palacio
presidencial
Edificio del Archivo Nacional
La remodelación de la iglesia de
San Francisco de Asís
La reconstrucción de la Plaza de
Francia.
2. Rogelio Navarro
Algunas obras del Arquitecto Rogelio Navarro son:
La Iglesia de Cristo
El Cuartel Central de Policía
Instituto Nacional de Cultura
3. Carlos Fábregas, Jesús María Sosa
y P. Casselli
Entre sus obras se destacan:
El Hospital Amador
Guerrero de la Ciudad de
Colón
La Piscina Olímpica en la
Ciudad de Panamá

10. b) Escultura
1. Rubén Contreras
Obras:
Mulatas Panameñas
2. Roberto Lewis
Obras:
3. Carlos Arboleda
Obra:
Monumento de la Cabeza de Einstein

11. c) Pintura
1. Manuel Chong Neto
Obras:
Paisaje en rojo
Patio, Tapia y Basura
2. Alfredo Sinclair
Obra:
Jungla Azul
3. Guillermo Trujillo
Obra:
Del Clásico Napakanti

12. Museo de Arte Contemporáneo
El Museo de Arte Contemporáneo (MAC) es el único Museo de Arte Contemporáneo
que existe en Panamá. Es una Organización no-gubernamental (ONG) sin fines de lucro,
que cuenta con personería jurídica.
Tiene como misión ser la punta de lanza de las artes visuales en la adquisición,
conservación, investigación y divulgación de las artes del continente latinoamericano,
con énfasis en lo nacional.
Recuperar nuestro patrimonio artístico y promoverlo a través de la experiencia sensorial
y espiritual del contacto con el Arte en el Museo.
Sensibilizar a personas de todas las edades, con énfasis en los niños, por medio de
educación informal en el Arte.
El Museo de Arte Contemporáneo (MAC) es mucho más que una Colección de Arte, es
un lugar en donde todas las personas pueden disfrutar, aprender e investigar sobre Arte
en general y sobre Arte panameño en especial.
La entidad responsable del Museo es su Junta Directiva que se rige por Estatutos y
Reglamentos. Con un Presidente, siete Directores y cinco Vocales, es asistida en
ocasiones especiales por el Patronato, grupo de ex-directores o personalidades
interesados en apoyar y llevar a cabo la misión del Museo. La Asamblea General es
convocada cada dos años para elegir la Junta Directiva y tiene la potestad de reformar
los Estatutos. Las funciones curatoriales son llevadas a cabo por el Consejo Técnico, un
grupo autónomo de especialistas conocedores de la historia y el desarrollo del ARTE.
Las nuevas obras que entran a formar parte de la Colección Permanente tienen que
contar con su aprobación, lo mismo que la selección de las exposiciones que se llevan a
cabo en el Museo.
La Administración del Museo la lleva a cabo un(a) Director(a) Ejecutivo(a) con la
asistencia de un(a) Director(a) de Desarrollo y un(a) Curador(a) con su equipo de
montaje. Muy importante es el departamento de Educación en Arte que lleva a cabo
talleres y cursos para niños, jóvenes y adultos.
El Museo es una entidad privada, que se mantiene gracias a la ayuda de empresas y
amantes del arte que lo apoyan anualmente con su patrocinio. Tiene convenios con el
Ministerio de
Educación el
Instituto Nacional de
Cultura (INAC) que
comparten su interés
en su misión
educativa.

13. Galeria Mateo Sariel
Ubicada en el tradicional barrio de San Francisco, la galería MATEO SARIEL abrió
sus puertas en diciembre de 1996. Dedicada a la promoción y difusión del arte
contemporáneo latinoamericano, Mateo Sariel se ha convertido en un referente
fundamental de la evolución del arte en Panamá y en la región. Desde su inauguración,
Mateo Sariel ha presentado 84 muestras individuales y colectivas de los artistas
nacionales y latinoamericanos más influyentes del momento así como las prometedoras
propuestas de artistas emergentes.
Mateo Sariel ha participado en importantes ferias de arte y muestras internacionales y
representa a los artistas más relevantes de la escena plástica nacional como Juan Carlos
Marcos, Alicia Viteri, Amalia Tapia, Lezlie Milson, Carlos Rodaniche, Ana Elena
Garuz y Miky Fábrega. Adicionalmente, ha tenido el honor de presentar muestras
individuales de destacados artistas como Ignacio Esplá, Vicky Neumann, Walterio
Iraheta y Eleomar Puente; así como de reconocidos maestros de la talla de Alfredo
Sinclair, Isabel de Obaldía, Olga Sinclair, José Bedia y Víctor Rodriguez.
Mateo Sariel introduce periódicamente nuevos artistas que presenten propuestas
originales y pujantes que sirven para estimular al público y enfrentar a los coleccionistas
a nuevos lenguajes artísticos. De esta manera, Mateo Sariel sirve como foco de
crecimiento integral tanto para los que viven este espacio como para los que lo visitan.
Galerías de Arte
Legacy Fine Art Gallery
Avenida Balboa Marbella
Allegro
Calle 73, San Francisco, Panamá, Panamá
Arlene Lachman Galeria
Edificio Bahía Balboa en Avenida Balboa y Vía Italia en Punta Paitilla, local 4
Arte Balboa
Calle 50 y 46 Bella Vista, Panamá

14. Arte-Servicios
Edificio Olivella, Ave. Samuel Lewis. , Panamá, Panamá
Arteconsult
Calle 50, Panamá, Panamá
Artegma
Calle Abel Bravo #59 y calle San Felipe, Edificio Deco Plaza, Panamá
Arts & Antiques
Calle Uruguay y 47 Bella Vista, Panamá, Panamá
Bernheim Gallery
Calle 50, Edificio Tronlap, Planta Baja, Panamá
Escuela Nacional de Artes Plásticas
Directora: Prof.: Sandra Díaz de Alaín
Sub Director: Prof.: Luis Aguilar Olaciregui
Data del año 1904, cuando la primera Convención Nacional de Constituyente, mediante
Decreto N°23 de 13 de mayo, crea la Escuela Nacional de Música y Declamación y
junto a ella se considera anexar la creación inmediata de una Escuela de Artes Plásticas,
que da un gran empuje a la pintura panameña. De la unión de la dos se llamó "Instituto
Nacional de Bellas Artes". Con el Decreto N°.79 del 26 de junio de 1913 se funda en
forma oficial como Escuela de Dibujo y Pintura, durante la administración del Dr.
Guillermo Andreve, siendo su primera sede en el Instituto Nacional. El nacimiento de la
Escuela Nacional de Artes Plásticas se debió al esfuerzo del maestro Roberto Lewis,
Pintor y valor innato de las artes plásticas panameñas, quien ocupó el cargo de primer
Director del plantel. La Escuela Nacional de Artes Plásticas desde su creación ha tenido
su sede provisionalmente en distintos lugares. En 1913, (su primera sede) fue en el
Instituto Nacional; posteriormente en el Taller de Pintura del Maestro Roberto Lewis,
también llamado La Casa del Arte, ubicada en la Ave. B; en 1965 en los Correos
Nacionales (Hoy Museo del Canal) ubicada en la Catedral; desde 1975 hasta 1982 se
muda a Paitilla, frente al Colegio Richard Neumann, y desde 1982 hasta el 2012, se
encontraba ubicada en el Edificio de la Lotería Nacional, entre la Ave. Central y la Ave.
B. Actualmente se encuentra ubicada en el Corregimiento de San Francisco, calle 65.
Centro Superior de Estudios de Bellas Artes Verísimo Castillo, Puerto Armuelles
Director: Prof: Osman Samudio
Reseña Histórica:
En este centro se dicta la carrera en Técnica Superior en Artes Plásticas con Orientación
e Iniciación Musical. Su Director es el Profesor Stanley Bonilla, quien ha realizado

15. diversas actividades en beneficio de dicho Centro caracterizado por su entusiasmo en las
diversas actividades y dirección de dicha escuela, a pesar de los pocos recursos
designados. Durante el verano se dictan cursos de distintos niveles. Como participación
de mayor impacto mencionamos: Exposición Navideña en la Feria de San Antonio
(Barú). Exposiciones e intercambio de experiencias, con estudiantes de Arquitectura de
la Universidad Santa María la Antigua (USMA).
En conmemoración del XXVII aniversario del INAC, se realizaron talleres al aire libre,
"convivium cultural", para intercambiar experiencias con profesores y estudiantes;
exposiciones pictóricas infantiles y la inauguración de la Galería de Arte "Pinceladas".
Universidad del Arte Ganexa
Es una institución creada para cultivar la imaginación y la creatividad del hombre, como
forma de expresión artística.
Fundada en 1980 que ha brindado desde entonces su servicio continuo y esmerado en la
enseñanza y promoción del Arte y Cultura que de hecho la ha convertido en el Principal
Centro de Bellas Artes por excelencia de Panamá. Diseño de Modas, Diseño Gráfico
con énfasis en Publicidad, Fotografía, Artes Plásticas, Gastronomía, Bachiller en Artes
y Cursos variados forman parte de su oferta académica.
Forma profesionales de las artes y el diseño responsables de su papel ante la sociedad a
la cual se deben y de la cual se nutren para la creación de todas sus obras de arte y de su
trabajo técnico, poniendo a su servicio una enseñanza moderna acorde con los cambios
y exigencias del mundo, promoviendo un conocimiento universal pero a su vez,
dispuestos a defender, difundir y perpetuar la historia y la conciencia de nuestra nación
y la proyección futura de Panamá, con miras a un mundo que exige cada día, ser más
competitivo.
Fortalece científicamente la enseñanza del arte y las carreras afines, con proyección
hacia un crecimiento continuo sin límites, empleando todos los recursos que nos ofrece
la ventajosa posición geográfica de Panamá y su economía en continuo crecimiento,
poniendo a disposición de los estudiantes una actualización constante, renovadora y de
punta.

16. Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá
La Facultad de Bellas Artes se crea el 28 de octubre de 1992, mediante acuerdo del
Consejo Académico No.35-92. Su base legal se sustenta en los artículos 87 y 88 de la
Constitución Nacional vigente que definen los grandes principios sobre los cuales
descansa la educación panameña "para el desarrollo de la persona humana y de la
familia' 'y en el marco del ''fortalecimiento de la nación panameña como comunidad
cultural y política". Se sigue señalando en dichos artículos la necesidad del desarrollo
armónico e integral del educando", atendiendo los aspectos físicos, intelectuales,
morales, estéticos y cívicos del educando'.
La ley 11 de la Universidad de Panamá establece entre sus fines en el capítulo l, en su
artículo 2: "la continuidad, incremento, difusión y divulgación de la cultura nacional
con miras a formar científicos, profesionales y técnicos dotados de conciencia social, en
aras del fortalecimiento de la independencia nacional y el desarrollo integral del País".
Con este marco de principios se definen los valores que deben servir de norte a la
Facultad:
Excelencia Artística: virtud para sobresalir positivamente en las bellas artes'.
Dedicación: consagración del tiempo necesario para la elaboración y desarrollo de un
contenido artístico de calidad'.
Armonía: es el concierto de las ideas y los proyectos en su interacción hacia un
objetivo común'.
Flexibilidad: capacidad humana que permite el acoplamiento al cambio permanente.
Creatividad: aptitud de innovar en cada una de las etapas de crecimiento y desarrollo
del ser humano.
Proyección cultural: presencia de las manifestaciones artísticas y culturales en la
comunidad.
Reconocimiento: valoración permanente del talento en todas las forma del quehacer y
expresión de la actividad artística.
La Facultad otorga el título de
Licenciatura en Bellas Artes con
especialización en Música,
lnstrumento Musical o Canto,
„Artes Visuales' Arte Teatral y
Danza, así como la Licenciatura en
Docencia de Música'.

17. Diseño alternativo
Diseño Alternativo: Es aquel que cubre necesidades reales del receptor del mensaje,
más que crearle nuevas necesidades; el diseño alternativo se inserta en ámbitos
encaminados a lograr el bienestar social en conjunto y no sólo el de ciertos estratos
sociales.
A lo largo de la historia, uno de los campos más relevantes en el diseño y la edificación,
es decir, la arquitectura ha mostrado diversas caras en su amplio rango durante la
evolución. Pero hoy en día este nuevo estilo de arte está revolucionando todos los países.
La arquitectura alternativa es un término muy amplio que designa el conjunto de
corrientes o estilos de la arquitectura que se han desarrollado a lo largo del siglo XX en
todo el mundo. Se caracterizó por la simplificación de las formas, la ausencia de
ornamento y la renuncia consciente a la composición académica clásica, que fue
sustituida por una estética con referencias a las distintas tendencias del denominado arte
moderno (cubismo, expresionismo, futurismo, etc.).
Ejemplos en Panamá
Museo de la Biodiversidad
Edificio de APEDE