Il corso è destinato a principianti che vogliono saperne di più sull'imprenditoria culturale, in particolare nel settore musicale, nonché sulla produzione di musica elettronica dal punto di vista imprenditoriale. Gli argomenti principali del corso sono: Parte I - imprenditorialità culturale - Produzione di musica dal vivo. Come preparare un evento dal vivo; - Gestione durante un evento; - Marketing musicale - creazione del proprio marchio; - Cooperazione nel campo della musica; - Sviluppare le competenze professionali; - Sfide per giovani musicisti nell'era del COVID-19 - Sviluppo del pubblico per i giovani musicisti nell'era digitale; - Come guadagnare denaro dalla musica da giovane musicista; - Proprietà intellettuale e gestione dei diritti d'autore; - I bisogni dei giovani musicisti ei benefici della musica; - Soluzioni online per l'imprenditoria culturale. Parte II - produttore di musica elettronica - Guida alla carriera per gli imprenditori della musica elettronica; - Come diventare un imprenditore di musica elettronica; - I modi migliori per promuovere come musicista elettronico; - Suggerimenti finanziari per guadagnare denaro. Questo corso è stato elaborato nell'ambito del programma Erasmus+, durante il progetto #SoundBeatsTime.

4. Gli autori Ana Simona NEGOMIREANU
Simona HERCZEG
Progetto Sound Beats Time
soundbeatstime@gmail.com
soundbeatstime.com
I partner Yellow Shirts – Romania
Institutul Român de Educație a Adulților – Romania
Giovani senza Frontiere – Italy
Disclaimer Questo progetto è stato finanziato con il sostegno della Commissione
Europea.
Questa pubblicazione riflette solo le opinioni dell'autore e la Commissione
non può essere ritenuta responsabile per qualsiasi uso che possa essere
fatto delle informazioni in essa contenute.
Questo manuale è stato elaborato durante il progetto “SoundBeatsTime”
(con il rif. n. 2020–1–RO01–KA227–YOU–095777), finanziato dall'Unione
Europea attraverso l'Agenzia Nazionale Rumena, nell'ambito dell'Erasmus+
KA2 – Azione Cooperazione per l'innovazione e lo scambio di buone
pratiche, sotto-azione Collaborazione per la creatività.

5. CONTENUTI
PARTE I – IMPRENDITORIALITÀ CULTURALE
Definizione di imprenditorialità culturale ..................................................................... 5
Produzione musicale dal vivo: come preparare un evento dal vivo/online .. 15
La gestione durante l'evento ........................................................................................... 20
Marketing musicale: creare il proprio marchio ......................................................... 25
Cooperazione in campo musicale: come interagire con altri musicisti del
proprio paese e/o dell'estero. ......................................................................................... 30
Sviluppare le competenze professionali ..................................................................... 36
Superare le sfide: i giovani musicisti e il ruolo della realtà virtuale nell'era
COVID-19 ................................................................................................................................. 39
Sviluppo del pubblico per i giovani musicisti nell'era digitale ........................... 43
Come guadagnare con la musica come giovane musicista ................................. 46
Gestione della proprietà intellettuale e dei diritti d'autore ................................. 53

6. Le esigenze dei giovani musicisti e i benefici della musica per i giovani ........ 58
Soluzioni online per l'imprenditoria culturale .......................................................... 63
Conclusione ........................................................................................................................... 68
PARTE II – MUSICA ELETTRONICA
Guida alla carriera per produttori di musica elettronica ....................................... 70
Come diventare imprenditore come artista di musica elettronica ................... 82
I modi migliori per promuoversi come artista di musica elettronica utilizzando
gli strumenti digitali ............................................................................................................ 92
Consigli finanziari per guadagnare come artista di musica elettronica ........ 104
Bibliografia ........................................................................................................................... 112

7. 5
PARTE I – IMPRENDITORIALITÀ CULTURALE
La ricerca condotta per la seconda parte dell'imprenditorialità, dedicata all'imprenditorialità
culturale, ha portato a una struttura incentrata su argomenti di grande interesse per i
giovani musicisti o per i giovani che vogliono intraprendere una carriera nel campo della
musica. Abbiamo organizzato gli argomenti come segue:
DEFINIZIONE DI IMPRENDITORIALITÀ CULTURALE
L'imprenditorialità culturale si caratterizza come un campo in continua evoluzione situato
all'intersezione tra arte, cultura e business.
Data la complessità del settore, chi vi lavora è spesso una persona lungimirante, capace di
assumersi dei rischi e di mediare, gestire e interpretare una serie di processi complessi e
contraddittori.
Dalla generazione di idee, alla loro realizzazione o implementazione, fino alla
commercializzazione di questi prodotti culturali o allo sviluppo di meccanismi specifici per
renderli redditizi, gli imprenditori culturali sono solitamente coinvolti in tutti i processi
sopra menzionati.
Il processo di creazione di imprese culturali coinvolge diversi fattori legati alla generazione
di idee e contenuti creativi e rilevanti, oltre a una buona comprensione dei contesti sociali
che possono fornire prospettive per il successo delle proposte culturali. Senza
comprendere le realtà socio-economiche, gli imprenditori culturali non possono generare
idee utilizzabili.
Il contesto o i contesti in cui operano le imprese culturali di solito dettano il
funzionamento di questo tipo di imprese. Anche se parliamo di imprenditorialità creativa,
questo tipo di impresa non può operare senza essere strettamente legata alle realtà sociali
immediate.
Poiché non esistono regole particolari che gli imprenditori devono seguire per la
creazione di prodotti culturali, il loro valore può essere confermato o negato solo una
volta immessi sul mercato. Come già detto, la loro convalida è strettamente legata ai
contesti sociali in cui hanno luogo o si sviluppano.
In termini di rischi associati a questo tipo di attività, va notato che l'imprenditoria culturale
comporta un alto grado di rischio proprio per la mancanza di ricette commerciali classiche.
Quanto meglio gli imprenditori comprendono le specificità in cui operano, tanto maggiori

8. 6
sono le loro possibilità di successo. L'imprenditorialità culturale può essere
concettualizzata come il processo di creazione, gestione e promozione di prodotti, servizi
o iniziative culturali con una mentalità imprenditoriale. Si tratta di applicare principi e
strategie imprenditoriali nelle industrie culturali e creative per generare valore culturale ed
economico.
L'imprenditorialità culturale comprende la fusione di creatività, innovazione e senso degli
affari per sfruttare le risorse artistiche e culturali per lo sviluppo di imprese sostenibili.
Comporta l'identificazione di opportunità culturali, la conduzione di ricerche, la
pianificazione e l'attuazione di idee che rispondono a lacune o esigenze culturali
all'interno di una comunità o di un settore specifico.
L'imprenditore culturale agisce come catalizzatore di cambiamenti culturali e sociali,
creando un ponte tra il mondo dell'arte, della cultura e dell'economia. Si tratta di individui
o organizzazioni che si assumono rischi, pensano in modo creativo e applicano il pensiero
imprenditoriale nelle loro iniziative culturali. Gli imprenditori culturali sono motivati dalla
passione per l'espressione culturale e cercano di creare imprese che non solo generano
redditività economica, ma contribuiscono anche al tessuto culturale della società.

9. 7
Questi individui o organizzazioni possono lavorare in vari campi, come le arti visive, le arti
dello spettacolo, la conservazione del patrimonio, il turismo culturale, le industrie creative,
l'imprenditoria sociale o lo sviluppo della comunità. Le loro iniziative possono spaziare
dalla creazione e promozione di opere d'arte, festival ed eventi culturali, alla
conservazione del patrimonio culturale, ai progetti di turismo culturale, alle start-up
creative o agli sforzi culturali con impatto sociale.
Pertanto, l'imprenditorialità culturale comporta l'esplorazione, lo sviluppo e la gestione
imprenditoriale di iniziative culturali, combinando la visione artistica con le strategie
commerciali per creare imprese sostenibili che generano valore sia culturale che
economico.
L'imprenditorialità culturale è radicata nel riconoscimento e nell'apprezzamento della
cultura come risorsa preziosa che può stimolare la crescita economica, la coesione sociale
e l'empowerment individuale. Va oltre la visione tradizionale della cultura come
espressione esclusivamente artistica o estetica e adotta una prospettiva più ampia che
comprende il patrimonio culturale, la diversità, la creatività e l'innovazione.
Un aspetto chiave dell'imprenditorialità culturale è la capacità di identificare e
capitalizzare le opportunità culturali. Gli imprenditori culturali hanno un'acuta capacità di
identificare le lacune o le aree poco servite all'interno del panorama culturale e cercano di
colmare queste lacune con prodotti, servizi o esperienze culturali innovativi. Spesso si

10. 8
impegnano in ricerche di mercato, analisi del pubblico e monitoraggio delle tendenze per
capire le esigenze e le preferenze del loro pubblico di riferimento.
L'imprenditorialità culturale comporta l'applicazione dei principi aziendali alle iniziative
culturali. Gli imprenditori culturali sviluppano modelli di business, creano strategie di
marketing, gestiscono bilanci e finanze, stabiliscono partnership e si muovono in contesti
legali e normativi. Sfruttano competenze imprenditoriali come l'assunzione di rischi, il
networking, la creatività e l'adattabilità per garantire la redditività e la sostenibilità delle
loro attività culturali.
Inoltre, l'imprenditorialità culturale spesso implica la collaborazione e l'impegno della
comunità. Gli imprenditori culturali cercano attivamente partnership con artisti,
organizzazioni culturali, gruppi comunitari e altre parti interessate per sfruttare risorse,
competenze e reti. Si relazionano con la comunità per garantire che le loro iniziative siano
in linea con i valori, le aspirazioni e le esigenze locali, promuovendo un senso di
appartenenza e partecipazione. L'impatto dell'imprenditoria culturale va oltre i guadagni
economici.

11. 9
Gli imprenditori culturali contribuiscono alla conservazione e alla promozione del
patrimonio culturale, alla rivitalizzazione delle arti e dei mestieri tradizionali, alla
promozione della diversità culturale e all'emancipazione delle comunità emarginate.
Creano piattaforme per lo scambio culturale, il dialogo e la comprensione, promuovendo
la coesione sociale e migliorando la qualità della vita nelle comunità.
In conclusione, l'imprenditorialità culturale è un processo dinamico e multidimensionale
che combina creatività, innovazione e intuizione per creare imprese culturali sostenibili.
Comporta l'identificazione di opportunità culturali, l'applicazione di strategie
imprenditoriali, la collaborazione con le parti interessate e un impatto positivo sullo
sviluppo culturale, sociale ed economico.
Gli imprenditori culturali svolgono un ruolo fondamentale nel plasmare e arricchire il
panorama culturale delle società. Quando ci si rivolge a giovani musicisti, in particolare nel
contesto dell'imprenditoria culturale, ci sono diverse considerazioni e strategie chiave che
possono essere utili:
• Istruzione e sviluppo delle competenze: i giovani musicisti dovrebbero
concentrarsi sull'affinamento delle proprie competenze e conoscenze musicali
attraverso l'istruzione formale, le lezioni di musica, i workshop e i programmi di
mentorship. È essenziale cercare continuamente opportunità di crescita, esplorare
diversi generi e sviluppare un repertorio musicale vario.
• Mentalità imprenditoriale: incoraggiare i giovani musicisti ad adottare una
mentalità imprenditoriale fin dall'inizio. Ciò comporta la coltivazione di una forte
etica del lavoro, l'accettazione dell'innovazione, l'assunzione di rischi calcolati e la
disponibilità a esplorare nuove strade per la loro musica al di là dei contesti
tradizionali di esecuzione.
• Networking e collaborazione: costruire una rete di contatti nell'industria musicale
è fondamentale per i giovani musicisti. Incoraggiateli a partecipare a eventi
musicali, conferenze e festival, dove possono incontrare professionisti del settore,
colleghi musicisti e potenziali collaboratori. Le collaborazioni con artisti di generi o
forme d'arte diversi possono portare a progetti unici e innovativi.
• Branding e promozione: lo sviluppo di un forte marchio personale è essenziale
per i giovani musicisti. Incoraggiateli a creare un'identità artistica convincente, che
comprenda un sito web professionale, una presenza sui social media e materiali
promozionali di alta qualità. Sfruttare le piattaforme digitali e i social network può
aiutare i giovani musicisti a raggiungere un pubblico più ampio e a costruire una
base di fan dedicati.
• Opportunità imprenditoriali: incoraggiare i giovani musicisti a esplorare diverse
opportunità imprenditoriali nel settore musicale. Tra queste, l'organizzazione di
concerti o eventi musicali, la formazione di una band o di un ensemble, la
composizione e la registrazione di musica originale, l'offerta di lezioni di musica o
la collaborazione con marchi per sponsorizzazioni o donazioni. Incoraggiateli a

12. 10
pensare fuori dagli schemi e a trovare modi innovativi per monetizzare il loro
talento e la loro passione.
• Gestione commerciale e finanziaria: i giovani musicisti devono familiarizzare con
i concetti di base della gestione commerciale e finanziaria. Dovrebbero imparare a
conoscere il budget, i contratti, i diritti d'autore, le licenze, le tasse e altri aspetti
legali e finanziari dell'industria musicale. Queste conoscenze li aiuteranno a
prendere decisioni informate e a proteggere i loro diritti di musicisti.
• Apprendimento e adattamento continui: l'industria musicale è in continua
evoluzione, quindi incoraggiate i giovani musicisti a tenersi aggiornati sulle
tendenze del settore, sui progressi tecnologici e sui cambiamenti nelle preferenze
del pubblico. Sottolineate l'importanza dell'adattabilità e della disponibilità ad
accogliere nuove opportunità e sfide.
• Mentorship e orientamento: l'accesso alla mentorship e all'orientamento da parte
di professionisti esperti può essere molto vantaggioso per i giovani musicisti.
Incoraggiateli a cercare mentorship da parte di musicisti affermati, educatori
musicali o imprenditori culturali che possano fornire prospettive, consigli e
sostegno preziosi durante il loro percorso imprenditoriale.
Affrontando questi aspetti e adottando una visione imprenditoriale culturale, i giovani
musicisti possono navigare nell'industria musicale con una mentalità strategica, creare
opportunità uniche per se stessi e contribuire al panorama culturale e artistico mentre
perseguono la loro passione per la musica.
Pertanto, l'imprenditorialità culturale si riferisce al processo di creazione, gestione e
promozione di prodotti, servizi o iniziative culturali con una mentalità imprenditoriale. Si
tratta di combinare creatività, innovazione e strategie commerciali per generare valore
culturale ed economico nell'ambito delle industrie culturali e creative.
Gli imprenditori culturali mirano a sfruttare le risorse artistiche e culturali per sviluppare
imprese sostenibili e contribuire al tessuto culturale e sociale di una società. Ecco alcune
fasi e approcci comunemente associati all'imprenditorialità culturale:
• Identificazione delle opportunità culturali: gli imprenditori culturali iniziano
identificando le lacune, i bisogni o le opportunità culturali all'interno di una
specifica comunità o settore. Esplorano le aree potenziali in cui è possibile
sviluppare prodotti, servizi o esperienze culturali per colmare tali lacune.
• Ricerca e pianificazione: una volta identificata l'opportunità, gli imprenditori
culturali conducono una ricerca approfondita per comprendere il pubblico target e
le tendenze del mercato.
• Creare valore: gli imprenditori culturali si concentrano sulla creazione di valore
attraverso le loro offerte culturali. Sviluppano idee uniche e innovative che
risuonano con il loro pubblico di riferimento, sia che si tratti di una nuova forma
d'arte, di un'esperienza culturale immersiva, di un'iniziativa di turismo culturale o di
un progetto di impatto sociale.

13. 11
• Costruire partnership e reti: la collaborazione è essenziale nell'imprenditoria
culturale. Gli imprenditori culturali cercano attivamente partenariati e
collaborazioni con artisti, organizzazioni culturali, gruppi comunitari, imprese e altri
soggetti interessati. Questi partenariati aiutano a far leva su risorse, competenze e
reti, promuovendo un ecosistema di sostegno.
• Assicurarsi i finanziamenti: le imprese culturali hanno spesso bisogno di un
sostegno finanziario per avviare o sostenere le loro attività. Gli imprenditori
culturali esplorano varie fonti di finanziamento come sovvenzioni,
sponsorizzazioni, crowdfunding, investimenti o flussi di reddito. Sviluppano
proposte e presentazioni convincenti per ottenere finanziamenti da fonti
pubbliche e private.
• Attuazione e gestione: gli imprenditori culturali danno vita alle loro idee attuando
i piani e gestendo le operazioni quotidiane delle loro imprese. Ciò comporta

14. 12
l'assunzione di talenti, la gestione del budget, il marketing e la promozione di
prodotti o servizi culturali e la garanzia di un'esecuzione di alta qualità.
• Valutazione e adattamento: la valutazione continua è fondamentale per gli
imprenditori culturali per valutare l'impatto e l'efficacia delle loro iniziative.
Raccolgono feedback, misurano i risultati e apportano le modifiche necessarie per
migliorare le loro offerte, i modelli di business o le strategie sulla base delle
informazioni ottenute.
Approcci all'imprenditorialità culturale
• Preservare il patrimonio culturale: gli imprenditori culturali possono concentrarsi
sulla conservazione e sulla rivitalizzazione di arti, mestieri, rituali o siti del
patrimonio tradizionali. Creano modelli di business sostenibili che generano
reddito per le comunità locali salvaguardando le pratiche culturali.
• Turismo culturale: gli imprenditori culturali sviluppano iniziative turistiche che
mettono in risalto gli attributi culturali unici di una regione o di una comunità.
Questo approccio promuove lo scambio culturale, genera benefici economici e
aumenta la consapevolezza delle tradizioni e dei costumi locali.
• Imprenditoria sociale: gli imprenditori culturali combinano le loro iniziative
culturali con una missione sociale, affrontando sfide sociali o ambientali. Il loro
obiettivo è creare un impatto sociale positivo insieme alla sostenibilità economica,
utilizzando la cultura come strumento per lo sviluppo e l'emancipazione della
comunità.
• Industrie creative e start-up: gli imprenditori culturali possono creare imprese
creative in settori come il cinema, la musica, l'editoria, la moda, il design o il gioco.
Applicano strategie imprenditoriali per sviluppare prodotti o servizi culturali
commercialmente validi, spesso incorporando tecnologia e innovazione.
• Impegno e collaborazione con la comunità: gli imprenditori culturali
promuovono l'impegno e la partecipazione della comunità alle iniziative culturali.
Coinvolgono le comunità locali nei processi decisionali, nella co-creazione e nella
condivisione delle conoscenze, assicurando che i progetti culturali riflettano i valori
e le esigenze della comunità.
Questi passaggi e approcci forniscono un quadro generale per l'imprenditoria culturale,
ma è importante adattarli a contesti specifici e alle singole imprese. L'imprenditorialità
culturale richiede una combinazione di visione artistica, acume commerciale, pensiero
strategico e profonda comprensione del panorama culturale.
Chi si qualifica come imprenditore culturale?
Un imprenditore culturale può essere un individuo o un'organizzazione coinvolta nella
creazione e nella gestione di prodotti e servizi culturali. Questi comprendono vari settori,

15. 13
tra cui l'arte, il patrimonio, i media e l'intrattenimento, con finalità commerciali o sociali.
Un attributo fondamentale per gli imprenditori culturali è la capacità di identificare le
opportunità di trasformare le risorse culturali in prodotti o servizi redditizi.
Secondo i regolamenti dell'UE, i settori culturali e creativi comprendono attività quali lo
sviluppo, la creazione, la produzione, la diffusione e la conservazione di beni e servizi che
incorporano espressioni culturali, artistiche o creative.
Pertanto, tutto ciò che rientra in questo ambito può essere un esempio di
imprenditorialità culturale. Gli imprenditori culturali svolgono un ruolo cruciale nel
promuovere la creatività, l'innovazione e la diversità culturale all'interno delle loro
comunità. Tuttavia, il loro lavoro è spesso impegnativo e richiede un delicato equilibrio tra
integrità artistica e redditività commerciale.

16. 14
Quali competenze sono fondamentali per gli imprenditori culturali?
• Creatività e ideazione: generare idee fresche e innovative per prodotti, servizi e
imprese è essenziale per gli imprenditori culturali. Le culture sono in continua
evoluzione e le imprese culturali devono essere aggiornate con i cambiamenti per
rimanere rilevanti.
• Storytelling: una comunicazione efficace e persuasiva è fondamentale per gli
imprenditori culturali per attrarre clienti, partner e investitori. Le imprese culturali
nascono da storie, tradizioni e luoghi reali e richiedono messaggi convincenti per
catturare il pubblico di riferimento.
• Pitching: la capacità di presentare in modo convincente le idee e di persuadere gli
altri a fornire sostegno è fondamentale per gli imprenditori culturali, soprattutto
quando cercano capitali. Una forte capacità di presentazione può influenzare in
modo significativo il successo dei loro sforzi.
• Consapevolezza e comprensione culturale: gli imprenditori culturali richiedono
una profonda comprensione del settore culturale, comprese le tendenze e le
tecnologie emergenti. La cultura è un'entità dinamica e le aspettative e le esigenze
dei gruppi target si evolvono continuamente. Sviluppare la consapevolezza
culturale è una competenza indispensabile per chiunque operi nel settore
culturale.
• Flessibilità e adattabilità: data la natura in continua evoluzione del settore
creativo, l'adattabilità è la chiave del successo di un imprenditore culturale. È
essenziale la capacità di cambiare e adattare le strategie in risposta a circostanze
mutevoli.
• Networking: la cultura implica intrinsecamente interazioni sociali in quanto si
forma collettivamente. Pertanto, coltivare le relazioni con gli altri è particolarmente
importante per gli imprenditori culturali. Costruire una rete solida può fornire un
valido supporto e opportunità di collaborazione. Lo sviluppo di un solido piano
aziendale è fondamentale per le imprese culturali, poiché le idee stesse hanno
poco valore senza un'adeguata esecuzione.
• Impegno e resilienza: il settore culturale deve spesso affrontare vincoli finanziari e
instabilità per sua stessa natura. Pertanto, per avere successo, gli imprenditori
culturali devono dimostrare un impegno costante nei confronti dei loro progetti.
In sintesi, i quattro principali domini di competenze per gli imprenditori culturali sono la
comunicazione efficace (sia esterna che interna), il pensiero visionario (creatività e
innovazione), la determinazione (tenacia e pianificazione strategica) e le capacità di ricerca
(curiosità e pensiero analitico).

17. 15
PRODUZIONE MUSICALE DAL VIVO: come preparare un evento
dal vivo/online
Che siate artisti emergenti, organizzatori di eventi o semplici appassionati di musica,
questo argomento fornirà consigli pratici e linee guida per aiutarvi a creare esperienze
musicali memorabili.
Gli eventi musicali dal vivo o online rappresentano una straordinaria opportunità per far
incontrare artisti e pubblico, creare forti legami e trasmettere emozioni uniche attraverso
la musica. Tuttavia, l'organizzazione di un evento di questo tipo richiede un'attenta
pianificazione, un coordinamento e una preparazione adeguata.
Di seguito esploreremo vari aspetti della produzione musicale dal vivo e online. Inizieremo
guidandovi attraverso il processo di pianificazione e preparazione dell'evento, prendendo
in considerazione aspetti quali la scelta del luogo, il budget, la selezione degli artisti e la
promozione efficace.
Vi forniremo preziosi consigli per assicurarvi sponsorizzazioni e partnership, creare un
programma coeso e coinvolgente e garantire una logistica fluida per il successo
dell'evento.
Inoltre, approfondiremo gli aspetti tecnici della produzione musicale dal vivo e online,
come il suono, le luci, la scenografia e gli elementi visivi. Verranno fornite informazioni
sulle attrezzature necessarie, sulle tecniche di mixaggio audio, sulla progettazione delle
luci e sugli aspetti dello streaming online per creare un'esperienza sonora e visiva di
grande impatto per il pubblico.
Oltre agli aspetti tecnici, discuteremo della gestione dell'evento, del coordinamento del
team e della garanzia di una comunicazione efficace tra tutte le parti coinvolte.
Affronteremo anche gli aspetti legati alla sicurezza del pubblico e alla conformità con le
normative e gli standard.
Se state pensando di organizzare un concerto dal vivo in una sala da concerto, in un luogo
all'aperto o in un evento online, queste informazioni vi forniranno gli strumenti e le
conoscenze per prepararvi adeguatamente e avere successo nella produzione di musica
dal vivo.
Intraprendiamo quindi questo emozionante viaggio nel mondo della produzione musicale
dal vivo e online!
Come gestire le risorse necessarie all'organizzazione
Se siete un imprenditore culturale, un organizzatore di eventi o un produttore di eventi,
dovreste sapere che l'organizzazione di un concerto fisico comporta diversi livelli di
coordinamento e logistica, a seconda dell'evento.

18. 16
Preparazione degli artisti per l'evento
La preparazione degli artisti agli eventi è simile sia per gli eventi fisici che per quelli online:
il rispetto e la dedizione al pubblico sono essenziali in entrambe le situazioni.
Indipendentemente dal tipo di musica eseguita, l'artista, che si esibisca individualmente o
come parte di un gruppo, deve prepararsi per il concerto. Ciò implica le prove prima del
concerto e la preparazione di una coreografia, se del caso.
Ad esempio, nel caso degli strumentisti di musica classica che non eseguono il proprio
repertorio, devono studiare le opere selezionate per il concerto. Il numero di prove varia a
seconda del tipo di evento, ma una prova finale prima del concerto è essenziale per tutti i
giovani musicisti, spesso sul palco dove si terrà il concerto.
Inoltre, nel processo di preparazione del concerto, è importante che il musicista sia
consapevole delle esigenze e delle aspettative del pubblico davanti al quale si esibisce, sia
fisicamente che online, al fine di adattare la propria presentazione artistica (che si tratti di
un festival, di un evento più formale, di una festa, ecc.)

19. 17
L'allestimento tecnico e il sound-check
Oltre alle prove, una parte cruciale della preparazione di un concerto dal vivo è
l'allestimento tecnico e il sound check. È il momento in cui le apparecchiature audio
vengono testate e regolate per garantire la migliore qualità del suono per la performance.
In un locale dal vivo, ciò comporta l'allestimento del palco, il posizionamento dei
microfoni, l'accordatura degli strumenti e la regolazione dei livelli sonori sul mixer.
Per un concerto online, il controllo del suono è altrettanto importante. I musicisti devono
testare le loro apparecchiature audio, come microfoni e cuffie, per garantire la migliore
qualità del suono per il pubblico online. Potrebbero anche dover controllare la
connessione a Internet per evitare problemi di streaming durante il concerto.
Marketing e promozione
Un altro aspetto cruciale dell'organizzazione di un concerto è il marketing e la
promozione. Si tratta di creare consapevolezza sul concerto e incoraggiare le persone a
partecipare. Nel caso di un concerto fisico, ciò potrebbe comportare la distribuzione di
volantini, l'affissione di manifesti o la pubblicità sui media locali.
Per un evento online, il marketing potrebbe prevedere la promozione del concerto sui
social media, l'invio di newsletter informative via e-mail o la creazione di una pagina
dell'evento su piattaforme come Facebook o Eventbrite. Gli artisti possono anche
utilizzare piattaforme come Instagram Live o YouTube Live per coinvolgere il proprio
pubblico e promuovere l'evento.
Vendita di biglietti e gestione del pubblico
Per un concerto fisico, la vendita dei biglietti e la gestione del pubblico sono una parte
importante del processo. Si tratta di stabilire i prezzi dei biglietti, venderli e gestire il
pubblico il giorno dell'evento.
Per un concerto online, la vendita dei biglietti può essere gestita attraverso piattaforme
come Zoom, Eventbrite o anche piattaforme di social media che offrono funzioni di live
streaming. La gestione del pubblico può anche comportare la moderazione dei commenti
durante il live streaming e il coinvolgimento del pubblico attraverso sessioni di domande
e risposte o funzioni interattive.
Considerazioni legali
L'organizzazione di un concerto comporta alcune considerazioni di carattere legale.
Queste possono includere l'ottenimento dei permessi necessari per un evento dal vivo, la
garanzia di conformità alle norme sul rumore e l'ottenimento dei permessi di copyright
per le canzoni che verranno eseguite.

20. 18
I concerti online comportano anche considerazioni di carattere legale, soprattutto per
quanto riguarda il diritto d'autore. I musicisti devono assicurarsi di avere i diritti per
eseguire tutta la musica che intendono suonare durante il concerto, poiché le piattaforme
possono silenziare o rimuovere i flussi che violano le leggi sul copyright.
Accessibilità
Che l'evento sia dal vivo o online, gli organizzatori devono considerare l'accessibilità. Per
gli eventi dal vivo, ciò potrebbe comportare la fornitura di rampe per le persone in sedia a
rotelle o di interpreti del linguaggio dei segni per coloro che hanno problemi di udito. Per
gli eventi online, può essere utile assicurarsi che la piattaforma utilizzata sia accessibile a
tutti e prendere in considerazione opzioni per i sottotitoli o gli interpreti del linguaggio
dei segni.
Considerando questi aspetti aggiuntivi nell'organizzazione di un concerto dal vivo o
online, i musicisti possono assicurarsi un evento di successo e ben gestito.
Infine, oltre alla preparazione tecnica dei musicisti e ad altri aspetti tecnici e organizzativi,
è importante considerare l'aspetto della salute mentale dei musicisti, la loro capacità di
sentirsi a proprio agio sul palco e di connettersi con il pubblico, sia in un concerto fisico
che online.
Finché il musicista si sente a suo agio e si trova in uno stato di equilibrio emotivo, otterrà
risultati migliori in termini di prestazioni artistiche. La pandemia ha evidenziato il fatto che
i musicisti devono affrontare molti problemi di salute mentale, resi ancora più significativi
dall'isolamento e dall'incertezza professionale.

21. 19
Per il benessere dei musicisti, consigliamo alcune risorse:
• www.musichealth.com – La guida GO-TO dei musicisti per la salute, il benessere e
la prevenzione degli infortuni;
• music.depaul.edu/resources/career-services/Documents/The%20Healthy%20
Musician.pdf – THE HEALTHY MUSICIAN: Taking Care of your Mind and Body;
• www.rcm.ac.uk/upbeat/articles/healthymusician.aspx – Essere un musicista sano;
• artists.spotify.com/en/blog/a-psychologists-take-on-mental-health-for-musicians –
Spotify for Artist – A Psychologist's Take on Mental Health for Musicians;
• www.helpmusicians.org.uk/get-advice/health-wellbeing/musicians-
health/musicians-health – Aiuto ai musicisti – salute per i musicisti/
Le istituzioni/organizzazioni e i collaboratori da coinvolgere
Quando un giovane musicista vuole organizzare un concerto e non c'è un organizzatore,
deve gestire l'interazione e il coordinamento con un intero team di produzione e logistica.
Il giovane musicista deve individuare il luogo del concerto (al chiuso o all'aperto) e
stabilire i termini della collaborazione con i proprietari del locale.
Devono stipulare un contratto che stabilisca i termini della collaborazione tra il musicista,
in quanto organizzatore, e gli organizzatori del concerto. Il musicista deve anche
assicurarsi che lo spazio sia sicuro, non solo per sé e per gli altri membri della band, ma
anche per il pubblico.
Quando il concerto è organizzato online, il giovane musicista ha meno elementi da
considerare. Nessun'altra istituzione è coinvolta online; si tratta di un ambiente molto più
libero, in cui il musicista deve solo rispettare le politiche sul copyright (per evitare
violazioni del diritto d'autore).

22. 20
LA GESTIONE DURANTE L'EVENTO
Scegliere la sede di uno spettacolo o di un concerto
Una volta definito il pubblico di riferimento, è importante trovare l'ambientazione giusta
per l'evento. Le opzioni disponibili sono molte: sale polivalenti, sale da concerto, spazi
pubblici, strade...
Pertanto, il giovane musicista deve assicurarsi di scegliere una location adatta alla natura
dell'evento. Infatti, uno spazio all'aperto può essere più appropriato di una sala e
viceversa, considerando i diversi contesti.
Allo stesso modo, è necessario scegliere un luogo in base allo scopo della presenza e alle
dimensioni dell'evento. In ogni caso, è importante verificare se il luogo in cui si terrà lo
spettacolo o il concerto è conforme alle normative vigenti, soprattutto per quanto
riguarda l'accessibilità, la sicurezza e l'accoglienza del pubblico.
Gli artisti coinvolti devono essere volontari o retribuiti?
Il giovane musicista sceglierà gli artisti o le band che parteciperanno all'evento, insieme
alla propria band. Il giovane musicista che organizza uno spettacolo o un concerto ha
quindi due opzioni: coinvolgere artisti volontari o richiedere i servizi di artisti a
pagamento.
Da un lato, se coinvolgono artisti volontari, diventa uno spettacolo amatoriale. In questo
caso, devono rispettare le disposizioni delle leggi che regolano questo tipo di eventi
culturali (ogni musicista ha l'obbligo di verificare la legislazione vigente nel Paese in cui si
prepara il concerto).
D'altra parte, possono gestire artisti a pagamento se c'è un budget o la prospettiva di
vendita dei biglietti. In ogni caso, in qualità di organizzatore, il musicista deve firmare un
contratto con tutti gli altri musicisti coinvolti nel concerto. Si tratta di un'attività
obbligatoria che facilita la realizzazione legale del concerto.
Definizione del budget per l'evento associativo
Certamente, il giovane organizzatore/musicista non deve dimenticare di stabilire il budget
per il suo evento associativo. Dall'acquisto o noleggio di attrezzature audiovisive alla
prenotazione dell'auditorium, fino all'eventuale assunzione di intermediari, al compenso
per gli artisti e al pagamento di tasse e imposte, non bisogna trascurare nulla, nemmeno i
più piccoli dettagli. Si raccomanda inoltre di prevedere un margine per le spese
impreviste.

23. 21
Per quanto riguarda il finanziamento dei preparativi del proprio evento artistico, il
musicista/organizzatore può contare sul proprio budget complessivo. Tuttavia, nulla vieta
di esplorare alternative per finanziare il proprio spettacolo o concerto. Si possono cercare
sponsorizzazioni o patrocini.
Formalità amministrative obbligatorie da espletare
L'organizzazione di uno spettacolo o di un concerto è soggetta a determinati obblighi
legali. Il giovane musicista di solito deve creare una società o un'associazione che avvii il
progetto, e questa organizzazione è responsabile di diverse procedure amministrative.
Completamento delle formalità di dichiarazione richieste:
• Natura, numero, durata e data dell'evento;
• Il numero di dipendenti assunti;
• Logo, nome (denominazione commerciale), indirizzo (sede legale) e forma giuridica
del gestore del locale e del produttore (promotore).
Si noti che per alcuni spettacoli (ad esempio, in Romania, per gli spettacoli all'aperto o che
superano una certa capienza), gli organizzatori sono tenuti a presentare una dichiarazione
al comune o alla prefettura. Questa dichiarazione deve in genere includere le seguenti
informazioni e dettagli:
• Identità dell'organizzatore;
• Sede e data dell'evento, nonché orario di inizio e fine;
• Presenza;

24. 22
• Capacità della sede;
• Descrizione delle misure di sicurezza e del servizio di ordine pubblico previsti.
Richiedere i permessi necessari alle autorità competenti
A seconda della situazione, i giovani musicisti che utilizzano la società o l'associazione
devono ottenere il permesso dal comune o dalla prefettura per organizzare un evento
artistico, un concerto. La domanda deve includere:
• Nomi, indirizzi e informazioni di contatto dei membri del comitato organizzatore
dell'evento
• Scopo del concerto
• Luogo, data e ora dello spettacolo o del concerto
• Firma del presidente dell'associazione o di un rappresentante autorizzato
Altri permessi necessari
Per l'organizzazione di un evento artistico possono essere necessari ulteriori permessi.
Ecco alcuni esempi:
• Allestimento di un bar: Richiedere una licenza per alcolici almeno 15 giorni prima
dello spettacolo o del concerto;
• Installazione di una tenda: Dichiarazione che specifica il luogo, la data
dell'evento, la capienza e le caratteristiche tecniche della tenda;
• Trasmissione di musica e uso pubblico di opere protette da copyright (musica
di un determinato compositore): Richiesta di autorizzazione e pagamento dei diritti
necessari;
• Utilizzo di un impianto audio in uno spazio pubblico: L'organizzatore deve
presentare una richiesta preventiva al Comune.
Dal montaggio allo smontaggio delle strutture, è fondamentale assicurare le persone, le
proprietà e gli spazi contro qualsiasi potenziale danno che possa verificarsi prima, durante
e dopo lo spettacolo o il concerto. La polizza assicurativa deve comprendere:
• Assicurazione di responsabilità civile per coprire l'organizzatore in caso di danni
a terzi o a un membro dell'associazione;
• Copertura degli infortuni personali per risarcire i membri, i dirigenti e i volontari
dell'organizzazione che subiscono lesioni personali;
• Assicurazione materiale all-risk;

25. 23
• Garanzia di annullamento in caso di cancellazione dell'evento artistico a causa di
uno sciopero o di condizioni meteorologiche sfavorevoli.
Certo, per un giovane musicista un'assicurazione di questo tipo può non essere
conveniente in termini di budget, ma è davvero necessaria se si considera che imprevisti e
incidenti tragici possono verificarsi quando meno ce lo si aspetta.
Il ruolo dello staff dell'evento
Oltre agli artisti e ai musicisti, un evento di successo richiede un team di personale e
volontari per gestire i vari aspetti dell'evento.

26. 24
Questo team può comprendere personale di sicurezza, direttori di scena, tecnici del
suono, tecnici delle luci e personale di sala. Queste persone sono fondamentali per il buon
funzionamento dell'evento, in quanto assicurano che tutti gli aspetti tecnici siano in
ordine, che l'evento si svolga puntualmente e che qualsiasi problema venga risolto
rapidamente.
Fornire un servizio di sicurezza e di emergenza
Infatti, l'associazione organizzatrice deve prendere tutte le misure necessarie per garantire
la sicurezza dell'evento che sta organizzando, specialmente se raccoglie più di 500
persone. Pertanto, il giovane musicista deve organizzare un servizio di sicurezza, la cui
realizzazione deve essere dichiarata al Comune o alla Prefettura con largo anticipo rispetto
alla data dello spettacolo o del concerto.
La dichiarazione deve contenere le seguenti informazioni:
• Identità e dati di contatto dell'organizzatore;
• Natura dell'evento artistico;
• Data e ora;
• La sede e la sua capacità;
• Numero di persone che partecipano (soci, volontari, fornitori, ecc.);
• Numero di spettatori previsto.
Misure di sicurezza dettagliate e ordine di servizio
Per quanto riguarda i servizi di emergenza, potrebbero non essere obbligatori per eventi
di piccole dimensioni. Tuttavia, è consigliabile avere a portata di mano un kit di pronto
soccorso e un elenco di numeri di emergenza. Per gli spettacoli e i concerti su larga scala,
invece, è indispensabile la presenza di paramedici, vigili del fuoco o della Croce Rossa
locale. Questo per garantire la sicurezza dei visitatori e del personale.
La salute e la sicurezza sono considerazioni cruciali nella gestione di un evento. Ciò
include la garanzia che la sede sia sicura e che tutte le attrezzature siano installate
correttamente per evitare incidenti. Inoltre, devono essere previste procedure per gestire
le situazioni di emergenza, come ad esempio i piani di primo soccorso e di evacuazione.
Per gli eventi online, anche se la sicurezza fisica è un problema minore, è importante
garantire che l'evento si svolga in un ambiente rispettoso e inclusivo. Ciò può comportare
l'adozione di un codice di condotta per i partecipanti e i moderatori per gestire eventuali
comportamenti inappropriati.

27. 25
MARKETING MUSICALE: Creare il proprio marchio
Come selezionare e indirizzare il pubblico
Le discussioni sul pubblico e sul pubblico sono di grande attualità, soprattutto nel periodo
post-Covida. La cultura e gli artisti contribuiscono alla qualità della nostra vita, rendendo
ogni giorno migliore e più significativo.
La cultura non è una tendenza o una stravaganza, ma una necessità. Il contesto causato
dalla pandemia COVID-19 ha inciso profondamente sulle attività del settore creativo, sia
istituzionale che indipendente.
In questo contesto, i giovani musicisti, in quanto rappresentanti del settore culturale
musicale, stanno esplorando diversi approcci volti a rivitalizzarlo e a promuovere una
migliore cooperazione tra i suoi attori, nonché a stabilire un'autentica riconnessione con il
pubblico.
Dopo la pandemia, i musicisti devono trovare soluzioni per riconnettersi con il pubblico,
che ha perso l'abitudine di assistere ai concerti dal vivo. Pertanto, una soluzione
frequentemente adottata è l'organizzazione di eventi in spazi pubblici per garantire
l'accesso a una maggiore diversità di pubblico, compresi quelli abituali, quelli nuovi e
quelli occasionali che altrimenti non parteciperebbero a quei concerti.
Per i giovani musicisti che non lavorano con un manager e che non possono contare
sull'esperienza di un organizzatore di eventi, è fondamentale capire il pubblico che hanno
di fronte. Ogni invito deve essere ben studiato e ogni apparizione deve essere analizzata in
relazione al pubblico presente.
Soluzioni per l'identificazione del pubblico e lo sviluppo di relazioni con il pubblico:
• Perché lo sviluppo del pubblico è una parte fondamentale del marketing mix?
– questo articolo analizza l'importanza dello sviluppo del pubblico nel marketing
mix e fornisce informazioni utili su come attirare e mantenere un pubblico fedele.
Potete trovare maggiori dettagli qui:
www.plusmusicpr.com/post/guest-post-why-is-audience-development-a-vital-
part-of-the-marketing-mix
• Guida allo sviluppo del pubblico per la musica classica – Questa guida si
concentra sullo sviluppo del pubblico per la musica classica, offrendo strategie e
consigli pratici per attirare e coinvolgere nuovi spettatori. È possibile consultare la
guida qui:
www.culturehive.co.uk/resources/a-guide-to-developing-audiences-for-classical-
music

28. 26
• Cosa influenza l'esperienza del pubblico con la musica? – Questa risorsa
esamina i fattori che influenzano l'esperienza del pubblico con la musica e fornisce
indicazioni su come migliorare la connessione con il pubblico. Ulteriori
informazioni sono disponibili qui:
www.newaud.org/working-communities/experiencing-music
• Online con il pubblico – questo articolo parla dello streaming online dei concerti e
dell'uso di piattaforme di social media come Facebook e Twitter come modi
eccellenti per creare interazione tra il pubblico e gli artisti. Ulteriori informazioni
sono disponibili qui:
www.newaud.org/working-communities/online-with-your-audience
• 4 passi per trovare il vostro pubblico di riferimento o la vostra nicchia come
musicisti per far crescere una fanbase – Questo articolo fornisce quattro passi
per aiutarvi a trovare il vostro pubblico di riferimento o la vostra nicchia come
musicisti e a far crescere una forte fanbase. Potete accedere alla guida qui:
d4musicmarketing.com/find-target-audience-niche
• Guida del musicista alla ricerca di un mercato di riferimento – questa risorsa
offre una guida passo passo alla ricerca di un mercato di riferimento e
all'identificazione del pubblico appropriato per la vostra musica. Ulteriori
informazioni sono disponibili qui:
www.cyberprmusic.com/find-your-niche
• Come trovare un pubblico di riferimento per la vostra musica – questa guida
completa fornisce informazioni e strategie per trovare il vostro pubblico di
riferimento e sviluppare una base di fan. È possibile accedere alla guida qui:
bestfriendsclub.ca/how-to-find-a-target-audience-for-your-music
Strumenti utili per la promozione online
Il mondo di oggi è un mondo digitale, in cui una parte significativa della nostra vita si è
spostata online. Pertanto, la maggior parte delle professioni richiede un'esposizione
online, e questo è particolarmente vero per l'industria musicale. Il periodo COVID-19 ha
evidenziato che i musicisti possono ancora rimanere rilevanti utilizzando le risorse online
per connettersi con il loro pubblico.
Ecco alcuni esempi di risorse che possono essere utili per una promozione efficace dei
giovani musicisti:
• Strategie di pubblicazione e promozione digitale per musicisti – questo corso
di LinkedIn Learning fornisce approfondimenti sulle strategie di pubblicazione e
promozione digitale specificamente pensate per i musicisti. Ulteriori informazioni
sono disponibili qui:

29. 27
www.linkedin.com/learning/digital-release-and-promotion-strategies-for-
musicians.
• Come promuovere la musica nel 2021 – questo articolo offre consigli e strategie
per promuovere la musica nel 2021. Copre vari aspetti della promozione e del
marketing online. Potete leggerlo qui:
www.mi.edu/in-the-know/promote-music-2021.
• Unione musicisti – promuovere se stessi e la propria musica online – L'Unione
musicisti fornisce una guida sulla promozione di se stessi e della propria musica
online. Offre consigli pratici e suggerimenti per una promozione online efficace. È
possibile accedere alla guida qui:
musiciansunion.org.uk/career-development/career-guides/marketing-and-
promotion/promoting-yourself-and-your-music-online.
• Come promuovere la propria musica in modo indipendente nel 2022 – questo
articolo di Ditto Music fornisce spunti e strategie ai musicisti indipendenti per
promuovere efficacemente la propria musica. Ulteriori informazioni sono
disponibili qui:
dittomusic.com/it/blog/how-to-promote-your-music-independently.
Strumenti di marketing
● Spotify per gli artisti;
● Classifiche sonore;
● ReverbNation;

30. 28
● Hubspot (CRM);
● Show.co;
● ToneDen;
● Amplificare;
● Buzzstream;
● I bot di Facebook.
Tipi di piattaforme di marketing musicale:
● I social media;
● Pubblicità;
● CRM: Comunicazione diretta ai fan;
● Fornitori di servizi digitali;
● Media e pubblicazioni.
Piattaforme per la promozione e la vendita di prodotti musicali
• YouTube;
• Twitter, Facebook e Instagram;
• Spotify;
• TikTok;
• Spotify Audio Ads e Pandora AMP;
• Radio.
Come creare l'immagine e la storia del vostro marchio
Una parte fondamentale del marketing musicale è la creazione del proprio marchio, che
rappresenta essenzialmente la personalità del musicista o del gruppo. Si tratta di creare
una narrazione e un'immagine che risuoni con il vostro pubblico di riferimento, autentica
e distinta.
Identificare la vostra proposta di vendita unica: il primo passo per costruire il vostro
marchio personale è capire cosa vi distingue dagli altri musicisti. Potrebbe trattarsi del
vostro suono unico, della vostra storia, della vostra estetica o anche dei vostri valori. È

31. 29
fondamentale identificare questa proposta di vendita unica e integrarla nel vostro
marchio.
Sviluppare l'identità visiva: l'identità visiva, che comprende il logo, le copertine degli
album, il design del sito web e l'estetica dei social media, svolge un ruolo importante nel
definire l'immagine del marchio. Questa identità visiva deve essere coerente su tutte le
piattaforme per garantire un riconoscimento immediato.
Creare la vostra storia: la vostra storia è uno strumento potente per entrare in contatto
con il vostro pubblico a livello emotivo. Dovrebbe spiegare chi siete, da dove venite, cosa
vi ispira e cosa rappresenta la vostra musica. Incorporare questa narrazione nelle vostre
strategie di marketing può rendere il vostro marchio più relazionabile e accattivante.
Allineare il marchio con la musica: l'immagine del marchio e la musica devono essere in
armonia tra loro. Le emozioni e i messaggi trasmessi attraverso la musica devono riflettersi
nell'immagine del marchio e viceversa.
La coerenza è la chiave: che si tratti di post sui social media, video musicali o esibizioni
dal vivo, la coerenza nella presentazione del vostro marchio è essenziale. Un branding
coerente rafforza la vostra immagine e vi rende più memorabili.
Ulteriori letture sulla creazione di un marchio unico nell'industria musicale:
• blog.landr.com;
• www.synchtank.com/blog/5-essential-branding-tips;
• bandzoogle.com/blog.

32. 30
COOPERAZIONE IN CAMPO MUSICALE: come interagire con altri
musicisti del proprio paese e/o dell'estero.
In che modo la cooperazione può migliorare le prospettive di ottenere
risultati migliori nell'industria musicale?
Il periodo della pandemia ha mostrato la vulnerabilità del settore musicale, dimostrando
che le attività di collaborazione sono essenziali in tempi difficili. I musicisti hanno trovato
molto difficile continuare le loro attività musicali, anche online, e i progetti di
collaborazione hanno dimostrato la loro funzionalità in questo periodo di crisi.
Musicisti di tutta Europa si sono riuniti su varie piattaforme attraverso le quali hanno
presentato concerti e creato vari eventi musicali, che hanno avuto un impatto e raccolto
visualizzazioni nelle prime fasi della pandemia, subendo un calo di popolarità poco dopo.
Inoltre, a causa del fatto che durante la pandemia la maggior parte dei musicisti ha perso i
precedenti impegni finanziari, si sono trovati nella condizione di dover cercare soluzioni
finanziarie alternative. Alcuni musicisti si sono spostati e hanno accettato lavori in altri
settori per sopravvivere finanziariamente in questo periodo difficile.
Infine, i musicisti si sono organizzati in questo periodo per ottenere il sostegno del
governo attraverso sovvenzioni e assistenza finanziaria. I governi di Romania, Italia,
Spagna, Francia, Germania e altri Paesi europei hanno fornito sostegno ai musicisti e agli
operatori culturali in generale attraverso sovvenzioni mensili e programmi di supporto.
In Romania, ad esempio, il governo è venuto in aiuto degli artisti offrendo agevolazioni
fiscali simili a quelle dei congedi (indennità per i contratti di copyright), sono state aperte
linee di finanziamento per sostenere il settore indipendente (Ministero della Cultura
attraverso il programma Access Online o BRD attraverso il finanziamento della Fondazione
Scena 9).
Purtroppo, solo 20 enti culturali e 20 progetti indipendenti sono stati sostenuti da queste
iniziative, e le indennità per gli artisti hanno sostenuto alcuni artisti durante lo stato di
emergenza e lo stato di allerta con importi troppo bassi per garantire uno standard di vita
decente. Troppo poco per un settore culturale gravemente colpito.
Il periodo di quasi due anni in cui abbiamo combattuto la pandemia è stato un periodo in
cui molti musicisti e lavoratori dell'industria musicale hanno dovuto cambiare il profilo
delle loro attività professionali, rendendo molto difficile per alcuni di loro tornare ora
nell'industria musicale. Tuttavia, gli sforzi concertati e i progetti comuni sono una
soluzione per aumentare la cooperazione e ottenere risultati migliori nel settore musicale.
Ad esempio, l'European Music Council, la più grande associazione musicale europea, ha
lanciato un programma di sostegno alle iniziative dei musicisti chiamato MusicAire, che ha
sostenuto oltre 100 iniziative dall'inizio della pandemia. La Commissione europea ha

33. 31
inoltre creato il programma Music Moves Europe, attraverso il quale organizzazioni e
musicisti vengono sostenuti nella realizzazione delle loro idee progettuali.
Il potere delle reti e delle collaborazioni
Un altro aspetto del marketing musicale che non può essere ignorato è la creazione di reti
e collaborazioni. Collaborando con altri artisti, si può ottenere un'esposizione al loro
pubblico e viceversa. La creazione di contatti all'interno del settore può anche aprire le
porte a opportunità che possono dare impulso alla vostra carriera.
Collaborazioni: collaborare con artisti che hanno un pubblico simile può essere una
situazione vantaggiosa per tutti. Permette a entrambi gli artisti di raggiungere un
pubblico più vasto e di creare insieme qualcosa di unico.
Networking: interagire con i professionisti del settore, partecipare a eventi e unirsi a
comunità online può aiutarvi a creare connessioni che possono essere utili per la vostra
carriera.
Promozione incrociata: la promozione incrociata con altri artisti o marchi può aiutarvi a
raggiungere un pubblico più vasto. Questo può essere semplice come condividere la

34. 32
musica dell'altro sui social media o complesso come fare un tour insieme o pubblicare un
album in collaborazione.
Ulteriori letture sul potere del networking e delle collaborazioni nell'industria musicale:
• Il networking nell'industria musicale:
www.musicindustryhowto.com/category/networking-for-musicians
• Consigli essenziali di networking per l'industria musicale:
dittomusic.com/it/blog/the-music-industry-networking-tips-you-need-to-know
• Strategie di promozione incrociata per musicisti:
bandzoogle.com/blog/categoria/music-marketing-e-promotion
Podcast, blog e influencer musicali
Non sottovalutate il potere di podcast, blog e influencer musicali nel promuovere la vostra
musica. Queste piattaforme possono fornire una preziosa esposizione e aiutarvi a entrare
in contatto con il pubblico a un livello più profondo.
Podcast: apparire in podcast legati alla musica o addirittura crearne uno proprio può
aiutarvi a raggiungere un pubblico dedicato. I podcast rappresentano un modo più intimo
per condividere la propria storia, discutere di musica e connettersi con i fan.
Blog: essere presenti su blog musicali influenti può aumentare notevolmente la vostra
visibilità. Allo stesso modo, aprire un blog sul proprio sito web può aiutare a coinvolgere il
pubblico e a tenerlo aggiornato sul proprio percorso.
Influencer musicali: collaborare con influencer musicali su piattaforme come YouTube,
Instagram e TikTok può aiutarvi a raggiungere un pubblico più vasto. Questi influencer
hanno un seguito fedele che si fida dei loro consigli musicali.
Ulteriori letture sull'utilizzo di podcast, blog e influencer:
• Una guida per essere pubblicati sui blog musicali:
soundcharts.com/blog
• Volete promuovere il vostro album? Avviate un podcast su di esso:
www.vulture.com/2020/02/musicians-starting-podcasts-spotify.html
• Come lavorare con gli influencer musicali:
www.synchtank.com/?s=influencers

35. 33
Email marketing e fan club
L'e-mail marketing e i fan club sono due strumenti potenti nell'arsenale di un artista, di
una band o di un'azienda del settore musicale. Analizziamo come vengono attuate queste
strategie e perché sono importanti per promuovere la musica e costruire una forte base di
fan.
L'e-mail marketing è una tecnica che prevede l'invio di e-mail personalizzate a un
database di abbonati interessati alla musica e alle attività dell'artista o dell'azienda. Queste
e-mail possono contenere notizie, aggiornamenti, nuove uscite musicali, informazioni sui
concerti o qualsiasi altra informazione rilevante. È importante costruire e mantenere un
database di abbonati che hanno scelto volontariamente di ricevere questi messaggi e che
hanno dato esplicitamente il permesso di essere contattati via e-mail.
L'e-mail marketing è importante perché fornisce un modo diretto e personale di
comunicare con i fan. Grazie a questi messaggi, l'artista o l'azienda può mantenere una
connessione costante con i fan e mantenere vivo il loro interesse. Può anche essere
utilizzato per promuovere uscite musicali, tour, prodotti di merchandising o per invitare i
fan a eventi speciali come incontri con gli artisti o sessioni di autografi. Grazie all'e-mail
marketing, è possibile costruire e rafforzare una comunità di fan fedeli e impegnati.
I fan club sono comunità online dedicate ai fan di un artista o di una band. Possono essere
gestiti su piattaforme sociali, sul sito web dell'artista o attraverso applicazioni dedicate. I
fan club offrono opportunità di interazione diretta tra l'artista e i fan, nonché tra i fan

36. 34
stessi. Queste comunità possono beneficiare di un accesso esclusivo a contenuti speciali,
concorsi, sconti sui biglietti o altri privilegi.
I fan club sono importanti perché offrono ai fan più fedeli uno spazio dedicato per entrare
in contatto tra loro e con il loro artista o gruppo preferito. Queste comunità sono un luogo
in cui si possono condividere passioni comuni, creare ricordi e stabilire forti legami
emotivi. Inoltre, i fan club forniscono all'artista o alla band una piattaforma per ascoltare
direttamente i propri fan, ricevere feedback, rispondere alle domande e impegnarsi
attivamente con la propria comunità di sostenitori.
Sia l'email marketing che i fan club hanno un ruolo nel rafforzare il rapporto tra l'artista e i
suoi fan, nel mantenere un alto livello di coinvolgimento e nel costruire una solida base di
sostenitori fedeli. Queste strategie offrono una serie di vantaggi e benefici nella
promozione della musica e nello sviluppo di una carriera sostenibile:
• Comunicazione diretta: sia l'email marketing che i fan club forniscono un canale
di comunicazione diretto tra l'artista e il pubblico. Ciò significa che i messaggi o gli
aggiornamenti raggiungono direttamente i fan interessati, senza essere filtrati da
algoritmi o restrizioni di distribuzione. L'artista può trasmettere informazioni
importanti, notizie e contenuti esclusivi, creando così una connessione personale e
autentica con i propri fan.
• Costruire una base di fan fedeli: l'email marketing e i fan club consentono
all'artista di costruire una base di sostenitori fedeli e impegnati. Offrendo contenuti
esclusivi e privilegi speciali, come biglietti scontati, incontri con l'artista o eventi
speciali, l'artista può premiare la fedeltà dei fan e motivarli a rimanere coinvolti e a
continuare a sostenere la sua musica.
• Promozione efficace di uscite e tour: l'e-mail marketing è uno strumento potente
per promuovere le nuove uscite di canzoni, album, video musicali, nonché i
prossimi tour o concerti. Attraverso messaggi personalizzati, l'artista può creare un
senso di attesa e di eccitazione tra i fan, incoraggiandoli a partecipare e ad
acquistare biglietti o prodotti associati.
• Feedback diretto e miglioramento continuo: attraverso i fan club e il marketing
via e-mail, l'artista può ricevere un feedback diretto dal pubblico. Ciò offre
l'opportunità di comprendere le preferenze e le esigenze dei fan e di migliorare
continuamente la musica, le performance o le esperienze offerte. Ascoltare i
feedback e impegnarsi attivamente con la comunità dei fan contribuisce alla
rilevanza e al successo a lungo termine dell'artista.
• Generare entrate aggiuntive: sia l'email marketing che i fan club possono essere
utilizzati per generare entrate aggiuntive attraverso la vendita di merchandising,
biglietti per eventi esclusivi o piattaforme di streaming e distribuzione musicale.
Una solida base di fan impegnati e fedeli è un fattore importante per ottenere
sostegno finanziario e sviluppare una carriera musicale sostenibile.
In conclusione, l'email marketing e i fan club sono strumenti essenziali per la promozione
della musica e la costruzione di un forte rapporto tra un artista e i suoi fan. Queste
strategie offrono l'opportunità di comunicare direttamente, di costruire una base di

37. 35
sostenitori fedeli, di promuovere le uscite discografiche e i tour, di ricevere un feedback
diretto e di generare ulteriori entrate.
Attraverso l'email marketing, gli artisti possono mantenere una connessione costante con i
fan e fornire loro informazioni aggiornate e contenuti esclusivi. I fan club creano una
comunità dedicata in cui i fan possono interagire tra loro e con l'artista, fungendo da fonte
di energia e sostegno reciproco.
Inoltre, sia l'email marketing che i fan club offrono una piattaforma per la sperimentazione
e il miglioramento continuo. Gli artisti possono utilizzare il feedback ricevuto per
comprendere meglio il proprio pubblico e adattare le strategie di promozione e i
messaggi. Questo permette loro di costruire un'immagine coerente e autentica agli occhi
dei loro fan.
Nell'era digitale, l'email marketing e i fan club sono essenziali per stabilire una forte
presenza nell'industria musicale. Queste strategie consentono agli artisti di sviluppare una
base di fan fedeli e di promuovere la loro musica in modo personale e diretto. Inoltre,
offrono l'opportunità di generare ulteriori entrate e di aumentare il successo e l'impatto
della loro carriera musicale.
Pertanto, l'email marketing e i fan club sono strumenti potenti e necessari per promuovere
la musica e costruire un rapporto autentico con i fan. Queste strategie possono contribuire
ad aumentare la visibilità di un artista, a consolidare una base di fan fedeli e a raggiungere
il successo nell'industria musicale.

38. 36
SVILUPPARE LE COMPETENZE PROFESSIONALI
Il processo di apprendimento continuo è fondamentale anche per l'industria musicale. Un
giovane che inizia una carriera musicale deve essere consapevole che ciò che sa oggi non
è sufficiente e che gli sviluppi nel campo della musica richiedono di essere sempre
aggiornati su ciò che accade e di cercare di migliorare costantemente le proprie capacità
musicali. Prendiamo ad esempio il settore della musica classica, dove i musicisti devono
esercitarsi quotidianamente per ottenere buone performance.
Lo sviluppo delle competenze professionali è disponibile attraverso una serie di attività:
• Programmi di studio per l'apprendimento permanente nelle università;
• Mastelli fisici e online;
• Sessioni individuali con rinomati professori di musica;
• Lavorare in un progetto collettivo con musicisti più esperti;
• Partecipare a conferenze e workshop;
• Leggere le pubblicazioni che affrontano argomenti del settore musicale;
• Essere connessi con le più recenti evoluzioni del settore.
Sviluppare le competenze personali
La salute mentale dei musicisti è sempre stata un argomento di interesse, data la sua
importanza per il progresso generale del settore. Già nel 2017 uno studio commissionato
da Help Musicians UK ha rilevato che il 71,1% dei partecipanti al sondaggio ha ammesso di
aver sofferto di attacchi di panico o ansia e oltre il 68% ha lottato contro la depressione.
L'instabilità delle offerte di lavoro, la retribuzione imprevedibile e l'incertezza del futuro
contribuiscono negativamente alla fragilità mentale dei musicisti. Nel 2020, nello studio
"The impact of the COVID-19 pandemic on suicide rates" pubblicato dalla Oxford
University Press, si sottolinea il fattore che porta allo sviluppo di un'esacerbazione dei
disturbi legati allo stress e del tasso di suicidi nelle popolazioni vulnerabili, in particolare
quelle con problemi preesistenti (come sopra menzionato).
La pandemia COVID-19 non è stata brutale per i musicisti, ma anche per l'intera
popolazione dell'UE, che ha sofferto di isolamento, esacerbando la necessità di approcci
alla salute mentale.
In Romania, gli anziani, isolati nelle strutture residenziali, con un'assistenza minima per il
loro benessere mentale, sono stati più emarginati che mai. Per questo, per i giovani

39. 37
musicisti è fondamentale riunirsi, comunicare tra loro e partecipare ad attività di
formazione sulla salute mentale, sia online che fisiche.
È quindi importante che i giovani musicisti si pongano l'obiettivo a lungo termine di
essere consapevoli dell'importanza della salute mentale (come componente essenziale del
recupero dell'ecosistema musicale) e del valore della musica come catalizzatore di
coesione sociale e sostegno del benessere degli individui.
Vorremmo proporre un'idea di progetto che potrebbe essere di grande supporto ai
giovani musicisti e ai musicisti di tutte le età. Dovrebbe sviluppare sia un'esperienza fisica
che un'opportunità digitale per i musicisti. I risultati e l'impatto del progetto ruotano
attorno alla connessione tra musica, salute mentale e benessere.
Attraverso il progetto i giovani musicisti hanno accesso a una formazione per la salute
mentale e a risorse digitali – attraverso la piattaforma che vorremmo chiamare MusiCure e
le sessioni di terapia online – e gli adulti di tutta l'UE e gli operatori sociali dei Paesi
europei hanno accesso a una piattaforma europea ricca di contenuti e metodologie che
possono essere utilizzate sia in attività individuali sia in attività di gruppo (facilitate da
operatori sociali, educatori e animatori).
Le attività terapeutiche dovrebbero essere incentrate sui musicisti e sviluppate su quattro
dimensioni terapeutiche che avranno un impatto importante sui partecipanti alle attività e
sugli utenti della piattaforma:
• Esercizi di autosviluppo e di gruppo basati sulla Psicologia Positiva e sui suoi tre
livelli: soggettivo, individuale e di gruppo.
• Incoraggiare i punti di forza del carattere, le emozioni ottimistiche e la promozione
della felicità basata su fattori emotivi e mentali.
• Consapevolezza e rafforzamento delle esperienze positive (felicità, gioia,
ispirazione e amore).
• Gratitudine, resilienza e compassione come capacità di autoproduzione
incondizionata.

40. 38
I risultati e l'impatto di tale progetto:
• I musicisti hanno accesso a una formazione intensiva sulla salute mentale;
• I musicisti hanno accesso a sessioni di terapia online gratuite;
• Viene creata una piattaforma europea per la terapia dei musicisti e la musicoterapia
– MusiCure;
• Il progetto dà impulso allo sviluppo del settore della musicoterapia e alla salute dei
musicisti.
Competenze digitali: adattarsi ai cambiamenti tecnologici
Nell'odierna era digitale, per i musicisti è fondamentale tenere il passo con gli ultimi
progressi tecnologici dell'industria musicale. La tecnologia non cambia solo il modo in cui
la musica viene prodotta, ma anche il modo in cui viene distribuita, commercializzata e
consumata.
Software di produzione musicale: la comprensione e la padronanza di software di
produzione musicale come Ableton Live, Logic Pro e Pro Tools possono migliorare
notevolmente le vostre capacità di produzione musicale.
Le workstation audio digitali (DAW): Le DAW hanno rivoluzionato la produzione
musicale rendendola accessibile a chiunque abbia un computer. Imparare a navigare in
una DAW può essere una svolta per un musicista. Abbiamo un video-corso completo e un
manuale gratuito sulla produzione musicale per approfondire questo argomento.
Piattaforme di social media: i social media sono diventati uno strumento potente per
promuovere la musica e coinvolgere i fan. I musicisti devono capire come sfruttare in
modo efficace le diverse piattaforme di social media.
Servizi di streaming musicale: I servizi di streaming musicale come Spotify, Apple Music e
Tidal hanno cambiato il modo di consumare la musica. I musicisti dovrebbero conoscere
queste piattaforme e capire come usarle a loro vantaggio.
Sviluppare competenze commerciali e imprenditoriali
Oltre alle capacità musicali, i musicisti devono coltivare competenze commerciali e
imprenditoriali. Ciò include la comprensione degli aspetti commerciali dell'industria
musicale, come i contratti, le royalties e il marketing, nonché lo sviluppo di capacità
imprenditoriali come il networking, la gestione delle risorse e la pianificazione strategica.
Se volete saperne di più sul tema dell'imprenditorialità, consultate i nostri materiali
gratuiti su questo argomento seguendo questo link:
www.soundbeatstime.com/resources.

41. 39
SUPERARE LE SFIDE: I giovani musicisti e il ruolo della realtà
virtuale nell'era COVID-19
La pandemia di COVID-19 ha posto sfide significative all'industria musicale, colpendo sia i
musicisti esperti che gli aspiranti. In particolare, i giovani musicisti che hanno iniziato la
loro carriera hanno dovuto affrontare ostacoli unici, come le limitate opportunità di
esibizione e la mancanza di sostegno.
Tuttavia, in risposta a queste sfide, molti giovani musicisti si sono adattati adottando
piattaforme online ed esplorando soluzioni innovative. Questa parte esamina l'evoluzione
del panorama musicale durante la pandemia e sottolinea il ruolo della tecnologia della
realtà virtuale (VR) come possibile via per esperienze musicali immersive.
• Il passaggio alle piattaforme online: con le sale da concerto chiuse e gli eventi
dal vivo cancellati, i giovani musicisti hanno rapidamente riconosciuto la necessità
di adattarsi e di connettersi con il pubblico online.
Inizialmente, i concerti online hanno preso piede perché le persone cercavano
conforto e intrattenimento da casa. I musicisti, compresi i talenti emergenti, hanno
iniziato a offrire performance ed esperienze virtuali attraverso piattaforme di
streaming dal vivo. Questi sforzi digitali hanno contribuito ad alleviare lo stress e
l'ansia fornendo un senso di connessione tra i musicisti e il loro pubblico.
• Limiti delle performance online: nonostante il successo iniziale dei concerti
online, circa sei mesi dopo l'inizio della pandemia è emerso un notevole calo del
coinvolgimento del pubblico. Il pubblico ha iniziato a desiderare l'esperienza unica
che solo le sale da concerto fisiche potevano offrire. Riconoscendo questa
limitazione, i giovani musicisti hanno cercato soluzioni alternative per ricreare la
natura immersiva e interattiva delle performance dal vivo.
• L'emergere della realtà virtuale (VR) nella musica: la realtà virtuale, una
tecnologia che promette esperienze senza precedenti, ha catturato l'attenzione di
musicisti e organizzatori di concerti. La VR ha offerto l'opportunità di offrire
esperienze immersive e interattive al pubblico a casa. Per i concerti di musica
classica, la VR si è dimostrata particolarmente promettente, in quanto ha permesso
alle orchestre di coinvolgere un nuovo pubblico e di rimanere rilevanti nell'attuale
contesto socio-economico.
• Migliorare le esperienze musicali con la VR: attraverso la VR, i musicisti possono
creare un ambiente immersivo che avvicina il pubblico alla performance come mai
prima d'ora. La tecnologia VR consente la visione in 3D e la riproduzione binaurale
del suono, permettendo agli utenti di vivere il concerto da diverse prospettive,
seduti accanto al direttore d'orchestra o circondati dai singoli membri
dell'orchestra. Questo livello di intimità e di dettaglio è impareggiabile, anche per
chi ha i posti migliori in una sala da concerto fisica.

42. 40
• Pionieri della VR per le orchestre: la Los Angeles Philharmonic è stata una delle
prime a utilizzare la VR per le performance orchestrali. Nel 2015 ha lanciato il
progetto VAN Beethoven, che prevedeva un camion appositamente attrezzato per
offrire un'esperienza di realtà virtuale che simulava l'atmosfera della famosa Walt
Disney Concert Hall. Anche altre orchestre, come la Philharmonic Orchestra del
Regno Unito e la Filarmonica di Berlino in Germania (attraverso la Digital Concert
Hall), hanno adottato la tecnologia VR per migliorare l'esperienza del pubblico.
Quindi, mentre i giovani musicisti affrontano le sfide poste dalla pandemia COVID-19,
l'adozione della tecnologia della realtà virtuale offre una strada interessante per
l'innovazione e il coinvolgimento del pubblico.
Utilizzando la VR, i giovani musicisti possono superare i limiti delle esibizioni online e
offrire esperienze musicali coinvolgenti e interattive a un pubblico globale. L'integrazione
della tecnologia VR nell'industria musicale ha il potenziale per rimodellare il modo in cui i
musicisti entrano in contatto con i loro ascoltatori, garantendo una crescita e uno sviluppo
artistico continui anche di fronte alle avversità.
Sebbene la tecnologia della realtà virtuale (VR) abbia un enorme potenziale per l'industria
musicale, compresa la musica classica, ci sono ancora alcune considerazioni e sfide da
affrontare. Mentre l'integrazione della VR continua ad evolversi, i musicisti e le orchestre
devono esplorare i modi per ottimizzare le capacità della tecnologia e superare gli
ostacoli.

43. 41
Una sfida è anche l'accessibilità delle apparecchiature VR. Sebbene il costo dei dispositivi
VR sia diminuito nel tempo, rimane un ostacolo per molte persone, compresi i musicisti e il
pubblico. Tuttavia, con la diffusione della tecnologia e la crescita della domanda, si
prevede che i prezzi continueranno a scendere, rendendo la VR più accessibile sia per i
musicisti che per i fan.
Inoltre, è necessario un continuo sviluppo tecnico per garantire la massima qualità delle
esperienze VR. I musicisti devono lavorare a stretto contatto con gli sviluppatori e gli
esperti di tecnologia per ottimizzare gli aspetti visivi e uditivi delle performance VR. Ciò
include l'acquisizione di immagini immersive ad alta risoluzione e l'utilizzo di tecniche
audio binaurali per ricreare l'ambiente sonoro spaziale di una sala da concerto.
Inoltre, le esperienze VR devono essere progettate tenendo conto del comfort dell'utente.
Le vertigini e il disagio possono essere un problema per alcune persone quando utilizzano
le cuffie VR per lunghi periodi. I musicisti e gli sviluppatori di VR dovrebbero prendere in
considerazione questi fattori ed esplorare i modi per mitigare ogni potenziale effetto
negativo, al fine di garantire un'esperienza fluida e piacevole per il pubblico.
Con il progredire della tecnologia VR, è importante che i musicisti trovino un equilibrio tra
le performance virtuali e quelle fisiche. Sebbene la VR possa fornire un'esperienza
coinvolgente e immersiva, non dovrebbe sostituire l'insostituibile atmosfera e la
connessione sociale che le esibizioni dal vivo offrono. Pertanto, i giovani musicisti
dovrebbero continuare ad aspirare a una combinazione di performance virtuali e fisiche,
utilizzando la VR per integrare e migliorare l'esperienza del concerto tradizionale,
piuttosto che sostituirla completamente.
In conclusione, la realtà virtuale è molto promettente per i giovani musicisti che si trovano
ad affrontare le sfide poste dalla pandemia COVID-19. Abbracciando la tecnologia VR, i
musicisti possono creare esperienze musicali immersive e interattive, offrendo al pubblico
un modo unico di entrare in contatto con la loro arte.
Nonostante le sfide da affrontare, i continui progressi della tecnologia VR, insieme a
un'attenta integrazione di performance virtuali e fisiche, possono aprire la strada a un
futuro entusiasmante nell'industria musicale. I giovani musicisti devono avere una
mentalità aperta nell'esplorare queste opportunità e adattarsi ai cambiamenti
nell'organizzazione degli eventi per ritagliarsi una carriera di successo nella musica.
Ecco alcuni esempi pratici di utilizzo della realtà virtuale (VR) nel settore musicale:
• Esperienze di concerti virtuali: musicisti e gruppi musicali hanno iniziato a
utilizzare la VR per offrire esperienze di concerti virtuali. Ad esempio, la band
Gorillaz ha creato un'applicazione VR chiamata "Gorillaz – Saturnz Barz" che ha
permesso ai fan di entrare nel loro mondo virtuale e sperimentare una
performance dal vivo in modo unico e coinvolgente.
• Video musicali in VR: La tecnologia VR è stata utilizzata per creare video musicali
innovativi e interattivi. Artisti come Björk e The Chemical Brothers hanno
pubblicato video musicali in VR che permettono agli spettatori di esplorare
ambienti virtuali e interagire con le immagini del video musicale.

44. 42
• Sale da concerto VR: alcune orchestre e sale da concerto hanno adottato la VR per
ricreare l'esperienza della sala da concerto. La Filarmonica di Los Angeles ha
lanciato il progetto VAN Beethoven, che ha utilizzato la tecnologia VR per simulare
la seduta nella famosa Walt Disney Concert Hall, offrendo un'esperienza immersiva
e intima ai partecipanti virtuali.
• Educazione e formazione musicale in VR: La VR è stata utilizzata come strumento
per l'educazione e la formazione musicale. Permette agli aspiranti musicisti di
seguire lezioni virtuali, di esercitarsi con compagni di band virtuali o persino di
simulare un'esibizione davanti a un pubblico. La tecnologia offre un ambiente
sicuro e controllato per l'apprendimento e lo sviluppo delle competenze.
• Festival ed eventi musicali VR: la realtà virtuale è stata usata per creare festival ed
eventi musicali virtuali, soprattutto durante la pandemia COVID-19. Piattaforme
come WaveXR e Sansar hanno ospitato festival musicali virtuali in cui i partecipanti
possono navigare in ambienti virtuali, interagire con altri partecipanti e assistere a
performance dal vivo in tempo reale.
• Esperienze musicali immersive: La VR è stata utilizzata per creare esperienze
immersive che vanno oltre le performance tradizionali. Ad esempio, l'esperienza VR
"TheWaveVR" permette agli utenti di creare e manipolare la musica in un ambiente
virtuale, trasformandoli in DJ e artisti nel proprio mondo virtuale.
Questi esempi pratici dimostrano la versatilità e il potenziale della realtà virtuale nel
settore musicale. Utilizzando la tecnologia VR, i musicisti possono offrire al proprio
pubblico esperienze uniche e coinvolgenti, raggiungendo un pubblico globale e
spingendo i confini della creatività e della performance. Con l'avanzare della tecnologia,
possiamo aspettarci applicazioni ancora più innovative della VR nel mondo della musica.

45. 43
SVILUPPO DEL PUBBLICO PER I GIOVANI MUSICISTI NELL'ERA
DIGITALE
Consolidare e mantenere il pubblico attuale
La costruzione e il mantenimento di un pubblico esistente sono argomenti di interesse per
i musicisti e l'ambiente online offre molte risposte a questo aspetto dell'attività di un
musicista.
Gli artisti non possono esistere senza un pubblico, quindi il rapporto con il pubblico è
fondamentale e deve essere costantemente mantenuto attraverso strategie di
comunicazione adeguate. Così, il pubblico già formato, che il musicista considera fedele,
deve essere ricompensato per la sua fedeltà.
Esistono diversi modi per farlo e molte band utilizzano queste soluzioni:
• Fornitura gratuita per il pubblico fedele;
• Organizzare concorsi di fidelizzazione;
• Frequenti post online che fanno sentire il pubblico apprezzato perché sa cosa sta
facendo il suo musicista preferito. Il pubblico è aggiornato sulle ultime produzioni
musicali, sui concerti, ma anche, cosa molto importante, su alcuni eventi della vita
privata dei musicisti, che informano e mostrano ciò che fanno nella loro vita
quotidiana, mostrando il loro lato umano;
• Regali ai fan più fedeli (registrazioni gratuite, incontri con i musicisti);
• Sessioni di domande e risposte sulle pagine dei social media dei musicisti.
Discutere le possibilità di sviluppare nuovi pubblici
Dato che un giovane musicista conta su un pubblico limitato, considerando che ha iniziato
la sua attività da poco. Pertanto, deve concentrarsi anche sullo sviluppo di nuovi pubblici,
rafforzando al contempo quelli che già possiede. Anche in questo caso, per sviluppare
nuovi pubblici, l'ambiente online è il posto giusto, perché lì si possono individuare diversi
pubblici a cui rivolgersi.
I social network e Google Analytics consentono di scegliere il pubblico desiderato, quindi
se il giovane musicista dispone di risorse finanziarie da investire nella promozione, può
sviluppare indirettamente nuovo pubblico.
Questo è un passo fondamentale in un mondo in continua evoluzione, perché il pubblico
è volatile e il pubblico interessato oggi può perdere interesse in futuro, quindi la strategia
di crescita del pubblico deve essere versatile e intelligente. Se il giovane musicista deve

46. 44
affrontare questi problemi da solo, sarà sicuramente una sfida per lui individuare i modi
più appropriati per raggiungere un nuovo pubblico.
In termini di interazione diretta con il pubblico, il giovane musicista può esplorare diversi
luoghi per presentare il suo atto artistico, cercando di individuare dove e in quali contesti
possa comparire un nuovo pubblico, al quale rivolgersi.
Collaborazioni e networking nell'industria musicale
Una delle strategie spesso trascurate per lo sviluppo del pubblico riguarda le
collaborazioni e il networking nell'industria musicale. Collaborando con altri musicisti, i
giovani artisti possono esporre la loro musica a diverse basi di fan e potenzialmente
attrarre un pubblico più vasto. Ciò potrebbe comportare la partecipazione a un brano di
un altro artista, la co-produzione di canzoni o anche la semplice promozione della musica
dell'altro.
Anche il networking gioca un ruolo cruciale nello sviluppo del pubblico. Costruire relazioni
con altri musicisti, produttori e professionisti del settore può aprire opportunità di
esibizioni dal vivo, airplay radiofonico e altre forme di esposizione. La partecipazione a
eventi del settore e l'adesione a organizzazioni professionali possono essere modi efficaci
per costruire queste relazioni.

47. 45
Coinvolgimento in attività di sensibilizzazione ed educazione della
comunità
Un'altra strategia efficace per sviluppare un nuovo pubblico consiste nell'impegnarsi in
attività di sensibilizzazione ed educazione della comunità. Restituendo alla comunità e
informando il pubblico sulla loro musica, i giovani musicisti possono rivolgersi a un
pubblico più ampio e diversificato.
Questo potrebbe comportare la partecipazione a eventi comunitari, l'offerta di laboratori
musicali o masterclass, o la collaborazione con scuole o centri sociali locali. Queste attività
non solo contribuiscono a costruire un'immagine positiva dell'artista, ma offrono anche
l'opportunità di entrare in contatto con i potenziali fan a un livello più personale.
Esplorare luoghi di spettacolo non tradizionali
Se le sedi musicali tradizionali, come le sale da concerto e i festival musicali, sono
importanti, l'esplorazione di luoghi di esibizione non tradizionali può essere una strategia
preziosa per attirare nuovo pubblico. Tra questi, le esibizioni in gallerie d'arte, caffetterie,
parchi pubblici o persino piattaforme di gioco online.
Esibirsi in questi spazi meno convenzionali può aiutare i musicisti a raggiungere persone
che normalmente non parteciperebbero a un concerto tradizionale. Inoltre, questi spazi
offrono spesso un'atmosfera più intima e rilassata che può favorire un legame più forte tra
artista e pubblico.
Creare performance dal vivo uniche e coinvolgenti
La qualità dell'esibizione dal vivo di un musicista può avere un impatto significativo sulla
sua capacità di attrarre e mantenere un pubblico. Creando performance dal vivo uniche e
coinvolgenti, i giovani musicisti possono distinguersi dalla massa e lasciare un'impressione
duratura sul loro pubblico.
Ciò potrebbe comportare l'incorporazione di elementi di teatro o di danza nelle loro
esibizioni, l'utilizzo di tecniche innovative di messa in scena o di illuminazione, o
semplicemente la realizzazione di una performance appassionata e autentica. Offrendo
un'esperienza musicale indimenticabile, i musicisti possono non solo attrarre nuovi fan,
ma anche assicurarsi che i fan esistenti continuino a tornare.

48. 46
COME GUADAGNARE CON LA MUSICA COME GIOVANE
MUSICISTA
I giovani musicisti hanno difficoltà a guadagnare con la musica, quindi discuteremo di
cooperazione, affiliazione ad agenzie, rappresentanza sindacale, approcci al marketing,
ecc. Un giovane musicista, all'inizio del suo percorso, soprattutto nel periodo post-
pandemico, si trova ad affrontare molteplici difficoltà legate all'ottenimento delle
necessarie entrate dalla musica.
Quali possibilità ha un giovane musicista?
• Registrarsi su piattaforme di collaborazione con altri musicisti, ma anche su
piattaforme dove produttori o organizzatori di eventi possono selezionarli per
diversi progetti.
• Lasciarsi ispirare dall'esperienza dei musicisti della stessa nicchia, osservare le storie
di successo e quelle meno riuscite, seguire un percorso o un altro.
• Diventate manager di voi stessi e iniziate così un'avventura imprenditoriale
creativa, in cui dovrete pianificare, gestire le risorse, interagire con diverse
categorie di persone, ecc.
• Coinvolgersi in vari progetti esistenti per i quali è stato assicurato il finanziamento,
come festival o altri eventi ricorrenti.
• Sviluppano progetti propri per i quali possono accedere a sovvenzioni o a
determinate sponsorizzazioni, che possono davvero lanciare una carriera musicale.
Come essere manager di se stessi come giovani musicisti?
• Bisogna conoscere la musica: ogni giovane amante della musica può diventare
un buon musicista, ma non succede da un giorno all'altro, ci vuole impegno. Oggi è
più facile che mai imparare la musica e fare musica. Ci sono tonnellate di app che
aiutano i musicisti in tutti i campi a migliorare o a volte anche a iniziare (per fare
qualche esempio).
Oltre alle applicazioni che richiedono competenze da autodidatta, i giovani che
vogliono diventare musicisti possono partecipare a masterclass online, che stanno
diventando sempre più numerose, ma anche di migliore qualità, il che è anche un
effetto della pandemia. Oggi, quindi, non è necessario essere diplomati in una
scuola di musica, provenire da una famiglia di musicisti o aver suonato fin da
bambini.

49. 47
Il processo di apprendimento è molto più accessibile, più aperto e, ad esempio per
la musica dove i mix sono importanti, ci sono molte applicazioni che semplificano
notevolmente il lavoro dei musicisti. Possiamo anche fare esempi di festival in
Romania, come l'Electric Castle o il Vest Fest, dove giovani band sono invitate ad
aprire la serie di concerti, offrendo ai giovani musicisti con meno esperienza buone
piattaforme di esposizione.
Oltre alla conoscenza musicale in sé, un giovane musicista deve anche avere la
capacità di produrre musica, di creare musica, con o senza l'aiuto della tecnologia.
La buona notizia è che esistono numerosi corsi, uno dei quali è stato sviluppato
nell'ambito del progetto Sound Beats Time.
• È necessario conoscere il più possibile il mercato e il pubblico – Ogni giovane
che inizia a fare musica ha grandi aspirazioni e il desiderio di dimostrare che può
fare la storia della musica. Purtroppo, in oltre il 95% dei casi, questo non accade e il
viaggio musicale diventa più che altro un'esperienza amatoriale. Tuttavia, il 5% di
coloro che ci provano e hanno successo costruiscono band, sono musicisti
strumentali o solisti. Si tratta soprattutto di diplomati di scuole di musica, di
persone con competenze consolidate, ma anche di chi vuole davvero
intraprendere una carriera musicale e di chi si diverte a fare musica.

50. 48
Oltre a queste qualità, è il mercato a dire se certi generi musicali sono desiderati in
un certo momento o meno rilevanti. Ad esempio, se oggi i giovani francesi sono
grandi fan del rap, in Romania i giovani sono più attratti dalla drum & bass e dalla
trap, generi che non sono radicalmente diversi, ma che mostrano due mercati
musicali differenti. Quindi, bisogna sapere in quale mercato si sta entrando,
conoscerne le caratteristiche e analizzare molto bene le preferenze del pubblico, di
una certa regione, di un certo Paese o anche a livello internazionale.
• È necessario avere una conoscenza minima del business musicale e della
pianificazione degli eventi: è molto difficile che un giovane musicista abbia tali
conoscenze, essendo agli inizi. Tuttavia, i giovani musicisti possono imparare da
musicisti e band più esperti, prendendo esempio da loro per le buone pratiche.
Inoltre, esistono molte fonti di informazione su come avviare un'attività musicale
online.
Ecco alcuni esempi:
o Come essere il proprio tour manager:
blog.sonicbids.com/how-to-be-your-own-tour-manager
o 8 chiavi per diventare un tour manager di successo:
tourcollective.co/how-to-go-on-tour/8-keys
o Come gestire il proprio gruppo musicale:
makingmusicmag.com/manage-your-own-band
o Come diventare un grande manager di band:
www.thebalancecareers.com/skills-band-managers-need-2460644
o Consigli per l'autogestione del gruppo:
waterbear.org.uk/top-tips-for-self-managing-your-band
• Conoscere la legge – un giovane musicista, che non ha un team allargato a
supportarlo, ha bisogno di conoscere molte informazioni, comprese le disposizioni
legali che devono essere prese in considerazione: regole relative all'organizzazione
di concerti, disposizioni legali relative ai diritti di proprietà intellettuale, ecc.
Pertanto, un giovane che diventa musicista professionista deve essere ben
informato, ricorrere ogni volta che lo ritiene necessario alla consulenza di un
avvocato o di un giurista, per non correre rischi indesiderati.
• Conoscenze di marketing – un giovane musicista che inizia una carriera da solista
o in una band senza un team di marketing deve avere una conoscenza minima del
marketing online. Pertanto, il giovane musicista deve creare profili professionali sui
social network, attraverso i quali promuovere la propria attività professionale, fare
post ricorrenti dallo studio, dalle prove, durante il concerto, in modo che il
pubblico esistente e potenziale sia consapevole di cosa fare. Naturalmente, prima
di avviare una campagna di marketing online, sarebbe opportuno che il giovane

51. 49
musicista si consultasse con un esperto di marketing e comunicazione, per avere
un minimo di guida nella sua attività online. Inoltre, è possibile avviare campagne
di marketing offline, ma attualmente funzionano meno di quelle online,
richiedendo un maggiore investimento finanziario e di tempo.
• Avere risorse finanziarie – un giovane musicista che inizia a lavorare si trova di
solito in una situazione finanziaria non molto florida. Tuttavia, possederne uno è
ancora al di là della portata di una persona media. Da un lato la formazione (corsi,
webinar, masterclass e l'acquisto di applicazioni e software che possono facilitare la
produzione musicale). Dall'altro nel marketing e nella promozione che oggi sono
essenziali, soprattutto nell'ambiente online. Ma ciò che accade è che molti
contenuti online non vengono più visualizzati da un gran numero di persone a
causa di algoritmi che non incoraggiano i contenuti originali e autentici, quindi il
giovane musicista deve esserne consapevole e trovare il modo di contrastare
questi effetti.
Questi sono alcuni consigli per i giovani musicisti che vogliono guadagnare con la musica.
Naturalmente, per avere successo in questa carriera, non basta conoscere e amare la
musica, bisogna anche essere un buon uomo d'affari, conoscere il mercato musicale, avere
conoscenze di marketing, avere un team di supporto e, soprattutto, perseverare nel
proprio lavoro perché il successo non arriva da un giorno all'altro.
Monetizzare le competenze e il talento al di là delle prestazioni
Sebbene le esibizioni dal vivo siano una fonte di reddito significativa per molti musicisti, i
giovani artisti dell'era digitale hanno a disposizione altri modi per monetizzare le proprie
capacità e il proprio talento. Una di queste opportunità è rappresentata dalle lezioni di
musica. I giovani musicisti, in particolare quelli che conoscono bene uno strumento o la
tecnica vocale, possono dare lezioni agli aspiranti musicisti. Questo può essere fatto sia di
persona che online, e quest'ultima opzione offre l'opportunità di raggiungere un pubblico
globale.
Anche la composizione musicale e la scrittura di canzoni sono potenziali fonti di reddito.
Molti produttori di film, televisione e videogiochi, così come altri musicisti, sono disposti a
pagare per musica originale. Alcuni musicisti riescono addirittura a guadagnarsi da vivere
solo componendo musica per questi settori.
I servizi di produzione e missaggio sono un altro possibile flusso di reddito per i musicisti
che dispongono delle competenze e delle attrezzature necessarie. Con l'affermarsi
dell'home recording, molti musicisti hanno bisogno di servizi professionali di mixaggio e
masterizzazione per far suonare al meglio le loro registrazioni.
Merchandising
Il merchandising può essere una fonte di guadagno per i musicisti. Può includere qualsiasi
cosa, da magliette e poster a oggetti più unici che riflettono il marchio dell'artista. La
chiave è creare prodotti che attraggano i fan e riflettano la personalità e l'estetica

52. 50
dell'artista o della band. I musicisti possono vendere il merchandising ai loro concerti,
attraverso i loro siti web o su varie piattaforme online dedicate al merchandising degli
artisti.
Sovvenzioni e opportunità di finanziamento
Molti Paesi e istituzioni offrono borse di studio e opportunità di finanziamento per i
musicisti. Queste possono essere particolarmente utili per i giovani musicisti alle prime
armi, che potrebbero non avere le risorse finanziarie per perseguire pienamente la loro
visione artistica. Le sovvenzioni possono essere utilizzate per diversi scopi, tra cui la
registrazione, le tournée e il marketing.
Licenze musicali e copyright
Le licenze musicali possono rappresentare una fonte di reddito significativa per i musicisti.
Ogni volta che una canzone di un musicista viene trasmessa alla radio, utilizzata in un film
o in una serie televisiva, o trasmessa in streaming online, il musicista ha diritto a delle
royalties. Esistono diverse organizzazioni che raccolgono e distribuiscono queste royalties
ai musicisti. È importante che i giovani musicisti comprendano i loro diritti e si assicurino
di essere registrati presso le organizzazioni competenti per ricevere i diritti d'autore a cui
hanno diritto.
Crowdfunding e sostegno dei fan
Negli ultimi anni, molti musicisti si sono rivolti alle piattaforme di crowdfunding per
finanziare i loro progetti. Questo può essere un modo efficace per raccogliere fondi per le
registrazioni, le tournée e altre spese. Alcune piattaforme consentono anche ai musicisti di
ricevere un sostegno continuo dai fan in cambio di contenuti ed esperienze esclusive.
Allo stesso modo, il supporto dei fan può essere utilizzato attraverso modelli di iscrizione o
di abbonamento, in cui i fan pagano una somma regolare per ricevere contenuti esclusivi,
accesso anticipato a nuova musica o altri vantaggi. Questo non solo fornisce un flusso di
entrate regolari per l'artista, ma aiuta anche a costruire un rapporto più stretto tra l'artista
e i suoi fan più affezionati.
Esecuzioni di sessioni dal vivo
Gli spettacoli dal vivo sono un ottimo modo per i giovani musicisti di guadagnare visibilità
e denaro. Possono essere spettacoli fisici o online, spesso in un ambiente intimo. Il
musicista può far pagare un biglietto d'ingresso per questi spettacoli, oppure usarli come
opportunità per vendere merchandising o promuovere la propria musica. In un contesto
online, le sessioni dal vivo possono essere trasmesse in streaming su varie piattaforme,
dove i fan possono donare o pagare un biglietto.

53. 51
Con l'avvento di piattaforme come YouTube, Twitch e persino Zoom, i musicisti possono
ora organizzare concerti e performance dal vivo online. Alcuni artisti hanno persino
iniziato a organizzare incontri online, sessioni di domande e risposte e altre esperienze
interattive per i loro fan. Queste piattaforme consentono anche di ottenere ulteriori
entrate attraverso le donazioni e gli abbonamenti dei fan.
Utilizzo di altre piattaforme internet
L'era digitale ha trasformato l'industria musicale, offrendo nuove possibilità di guadagno
ai musicisti. In questa sezione discuteremo di come i musicisti possono utilizzare le
piattaforme internet, i servizi di streaming e persino la tecnologia blockchain come gli NFT
per fare soldi.
Servizi di streaming musicale: piattaforme come Spotify, Apple Music e Tidal sono
diventate il modo principale di ascoltare la musica. Distribuendo musica attraverso queste
piattaforme, i musicisti possono guadagnare royalties ogni volta che il loro brano viene
ascoltato in streaming. Tuttavia, è importante notare che il compenso per ogni streaming

54. 52
è generalmente piuttosto basso, per cui le entrate sostanziali dallo streaming derivano
solitamente da un numero elevato di streaming. Alcuni artisti pubblicano contenuti in
esclusiva su determinate piattaforme a pagamento, sfruttando la fedeltà dei fan per
aumentare le entrate. Bandcamp è una piattaforma online che consente agli artisti di
vendere la propria musica e i propri prodotti direttamente ai fan. Gli artisti stabiliscono i
propri prezzi e Bandcamp trattiene il 10-15% dei ricavi. Questa piattaforma è
particolarmente apprezzata dagli artisti indipendenti, in quanto offre loro un notevole
controllo e trasparenza.
Patreon e abbonamenti dei fan: Patreon e altre piattaforme in abbonamento
consentono ai fan di sostenere direttamente i loro musicisti preferiti. Gli artisti possono
stabilire diversi livelli di sostegno mensile, ognuno dei quali offre vantaggi unici come
l'accesso anticipato alle nuove canzoni, il merchandising esclusivo o le interazioni
personali. Questo modello fornisce un flusso costante di entrate e aiuta a costruire una
forte comunità di fan.
Gettoni non fungibili (NFT): Gli NFT sono un tipo di bene digitale che rappresenta la
proprietà di un oggetto o di un contenuto unico utilizzando la tecnologia blockchain. I
musicisti possono creare NFT del loro lavoro, che si tratti di un album completo, di una
singola canzone o anche di un'opera d'arte unica legata alla loro musica. Questo permette
agli artisti di vendere il proprio lavoro direttamente ai fan, che possono così possedere un
pezzo unico della produzione del musicista. Gli NFT hanno il potenziale per rivoluzionare
l'industria musicale, fornendo più potere e reddito agli artisti.