VAN GOGH

ORIGEN FRANCIA
SIGLO XIX
ÉPOCA DE LAS REVOLUCIONES
BURGUESAS Y DE LA REVOLUCIÓN
INDUSTRIAL
PARÍS
Punto de encuentro de artistas e intelectuales
que se reúnen en los cafés
Importancia de los Salones -grandes salas de exposiciones-
daban validez a la obra de arte expuesta en ellos.
Aparece la figura del “marchante” que libera al artista
de la dependencia de las Academias y los Salones
Surge la “crítica de arte“ en la prensa: interés por el arte

CAMBIOS
IDEOLÓGICOS
LIBERALISMO ECONÓMICO
SINDICALISMO
SOCIALISMO
COMUNISMO
ANARQUISMO
CAMBIOS
POLÍTICOS
LA BURGUESÍA ACRECIENTA
SU PODER POLÍTICO
CAMBIOS
SOCIALES
EN LA NUEVA SOCIEDAD
INDUSTRIAL, COBRAN
PESO LA BURGUESÍA Y
EL PROLETARIADO
CAMBIOS
ECONÓMICOS
AGRICULTURA
INDUSTRIA
COMERCIO
TRANSPORTE
CAPITALISMO FINANCIERO

SIGLOS XIX Y XX EN
EUROPA OCCIDENTAL,
USA Y JAPÓN
CRECIMIENTO DEMOGRÁFICO
ÉXODO RURAL
CRECIMIENTO URBANO
DESARROLLO INDUSTRIAL
BÚSQUEDA DE
COLONIAS
MANO DE OBRA BARATA
MATERIAS PRIMAS
MERCADO
AVANCES TÉCNICOS
Y CIENTÍFICOS
NUEVAS MATERIAS PRIMAS:
ACERO, HIERRO.
NUEVA FUENTE DE ENERGÍA:
EL PETRÓLEO
MOTOR DE EXPLOSIÓN
ELECTRICIDAD
MEJORAN LOS TRANSPORTES (FERROCARRILES,
BARCOS, AUTOMÓVILES, AVIONES).
TELÉGRAFO, TELÉFONO, FOTOGRAFÍA

En 1910, Roger Fry popularizó el término “postimpresionista” para catalogar a los pintores que,
por oposición o derivación, se venían relacionando con los planteamientos del Impresionismo.
La obstinación de los impresionistas por eternizar el instante en el cuadro los había conducido
a un callejón de trastornos, promovidos por la constante mutación de la atmósfera. Entonces,
tres grandes artistas, insatisfechos por esta limitación, traspasaron sus fronteras sin renunciar a
los logros técnicos adquiridos. La síntesis que elaboran estos maestros abre de par en par las
puertas de las vanguardias históricas del siglo XX.
FRENTE AL PREDOMINIO DE LA
SENSACIÓN VISUAL, DE LA "IMPRESIÓN"
QUE CARACTERIZÓ AL MOVIMIENTO
IMPRESIONISTA
LOS POSTIMPRESIONISTAS SE INTERESAN MÁS
POR LAS SENSACIONES TÁCTILES, FORMALES,
CONSISTENTES, SE DESLIGAN DEL ARTE SENSORIAL
Y TRANSITORIO DE LOS IMPRESIONISTAS
SERÁN LOS PRECURSORES DE
LOS PRIMEROS MOVIMIENTOS
VANGUARDISTAS DEL SIGLO XX
CÉZANNE, VAN GOGH Y GAUGUIN
PRELUDIA EL CUBISMO;
EL MOVIMIENTO NABÍ Y EL FAUVISMO
, EL FAUVISMO Y EL EXPRESIONISMO

A RAÍZ DE LA REVOLUCIÓN
IMPRESIONISTA
ACELERACIÓN EN LA
EVOLUCIÓN ARTÍSTICA
EL IMPRESIONISMO ROMPE CON
TODA NORMA ACADÉMICA COMO
ELEMENTO BÁSICO DEL ARTE
ABRE UNA INESPERADA PUERTA
DE LIBERTAD A LA CREATIVIDAD
ARTÍSTICA
ACENTÚA EL ASPECTO
SUBJETIVO DE LA
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
ASÍ EL IMPRESIONISMO PAGA SU
INEVITABLE TRIBUTO AL REALISMO DEL
MISMO MODO QUE LOS GENIOS
POSTIMPRESIONISTAS PARTEN DE LA
REVOLUCIÓN IMPRESIONISTA
EL ARTISTA NUNCA PARTE DE CERO,
SUELE ESTAR CONDICIONADO -AL
MENOS EN SU SUBCONSCIENTE-
POR LO QUE LE HA PRECEDIDO

EL NUEVO ESTILO ASOCIABA LA TÉCNICA A LA CREACIÓN
ARTÍSTICA Y A LA CONTEMPLACIÓN DE LA NATURALEZA
FRENTE AL CULTO A LO
FUGAZ DEL IMPRESIONISMO
LOS POSTIMPRESIONISTAS
PROPONEN COMO ALTERNATIVA
EL ANÁLISIS DE LO PERENNE
LA LUZ
EL DIBUJO
EXPRESIVIDAD
DE LAS COSAS
O PERSONAS
ILUMINADAS
AL POSTIMPRESIONISMO LE INTERESA
LA LUZ QUE DA ESTABILIDAD, QUE
DELIMITA LAS FORMAS
AL IMPRESIONISMO LE
INTERESABA LA LUZ CAMBIANTE
QUE MODIFICA LOS OBJETOS
LA CONSTRUCCIÓN DE LA FORMA
HACE QUE RECUPEREN IMPORTANCIA

Los pintores postimpresionistas no forman un grupo homogéneo de
artistas sino que son un conjunto de individualidades. Cada artista elige
su propio camino expresivo. De cada uno de ellos, surgirán en el siglo
XX nuevos estilos artísticos:
 De y su empleo del color para
plasmar la idea, surgirá
EL MOVIMIENTO NABÍ Y EL FAUVISMO
 De y su interés en plasmar la
emoción y en el color surgirá
EL FAUVISMO Y EL EXPRESIONISMO
 De y su preocupación por el
espacio y los volúmenes surgirá
EL CUBISMO
Cada uno de los postimpresionistas descubrió una poderosa poción artística cuando
combinaron lo fundamental de los principios del impresionismo con el «lenguaje visual
de la imaginación». Ninguno llegó tan lejos en esto como el holandés Vincent van Gogh.

INTERÉS POR LOS BAJOS FONDOS
PRECEDENTE DEL ART
NOUVEAU
AMBIENTES CERRADOS, ILUMINADOS
CON LUZ ARTIFICIAL, QUE LE
PERMITÍAN JUGAR CON LOS COLORES
Y ENCUADRES DE FORMA SUBJETIVA
CREACIÓN DE COMPOSICIONES
SIMPLIFICADAS Y ESTÁTICAS, BUSCANDO
LA ARMONÍA DE LAS MASAS CROMÁTICAS
ENCERRADAS EN PERFILES BIEN CEÑIDOS
UTILIZACIÓN DE COLORES
PUROS MODULADOS
INTERÉS POR LO EXÓTICO
PRECEDENTE DEL MOVIMIENTO
NABÍ Y DEL FAUVISMO
UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS
CON GRAN CARGA EMOTIVA
CREACIONES IMAGINATIVAS A BASE DE
PINCELADAS CURSIVAS QUE INTENTAN EXPRESAR
LA ANGUSTIA Y EL DESCONSUELO INTERIOR
PRECEDENTE DEL
FAUVISMO Y DEL
EXPRESIONISMO
CONCILIACIÓN ENTRE EFECTO VOLUMÉTRICO
(FRENTE AL FULGOR LUMINOSO IMPRESIONISTA
QUE CASI HABÍA DESMATERIALIZADO LAS
FORMAS) Y EL GUSTO PURAMENTE ESTÉTICO
CONCEPCIÓN DEL CUADRO A BASE DE
CUERPOS RIGUROSAMENTE GEOMÉTRICOS
EMPLEO DE COLORES CONTRASTADOS
PARA DEFINIR LOS PLANOS Y FORMAS
EFECTOS PICTÓRICOS BASADOS EN BÚSQUEDAS
ESTRUCTURALES, ESPACIALES Y CROMÁTICAS
PRECEDENTE DEL CUBISMO

“En el invierno de 1888, mientras Seurat llamaba la atención en París y Cézanne trabajaba en
Aix-en-Provence, un joven y apasionado holandés abandonó París en busca de la intensa luz y
de los colores del mediodía de Francia: se trataba de Vincent van Gogh. Nacido en Holanda, en
1853, hijo de un vicario, fue un hombre profundamente religioso, que durante su juventud había
actuado como predicador laico en Inglaterra y entre los mineros belgas. Quedó profundamente
impresionado por el arte de Millet y por su mensaje social, decidiendo hacerse pintor. Un
hermano suyo, más joven que él, Theo, que trabajaba en una tienda de arte, le puso en relación
con los pintores impresionistas. Este hermano fue un hombre notable; aunque era pobre,
siempre ayudó monetariamente a su hermano Vincent, e incluso le pagó los gastos de su viaje y
estancia en Arlés, en el sur de Francia. Van Gogh confió en que si podía trabajar allí sin ser
distraído, durante algunos años, conseguiría llegar a vender sus cuadros algún día y
recompensa a su generoso hermano Theo”. GOMBRICH

“Van Gogh es un artista amenazado, la
singularidad de su expresión lo vuelve
inadmisible para la época. Está
obstinado en que su violencia se vuelva
luz, materia pictórica.”
CLAUDIA
SCHVARTZ
“Su vida fue un continuo infortunio. Fracasó en todo lo que la
sociedad de su época consideraba importante: fue incapaz
de fundar una familia, incapaz de ganarse la vida, e incluso,
incapaz de entrar en contacto con sus semejantes.
Pero como pintor encontró un sistema de introducir un orden,
el suyo propio, frente al caos de la realidad. Su arte fue el
instrumento regulador en un mundo en el que no encajaba.
No es que quisiera escapar de la realidad, ni tampoco sufrirla
en silencio, sino hacerla comprensible, tangible. A través del
arte tenía que hacer suyo ese mundo que le era hostil.
Las famosas cartas que escribió a su hermano Theo y sus
35 autorretratos son un documento valiosísimo para conocer
su compleja personalidad.” INGO F.WALTHER
La relación que mantuvo con su hermano Theo
fue determinante en su existencia y en su
trayectoria artística. La correspondencia que
ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas
testimonia la intimidad de esta relación y las
pasiones y angustias humanas y creativas que
atormentaron a Van Gogh en sus últimos años.
Todo su desarrollo artístico se vio afectado y
limitado por sus cuadros psicóticos.
JOHN-PETER-RUSSELL: “VAN GOGH”, 1886

En las cartas discuten sobre arte, literatura e ideas, y estas son
un testimonio del modo gradual en que Vincent comenzó a
desvincularse de la naturaleza materialista del negocio del
arte: algo que tiene que ver con su creciente obsesión por el
cristianismo y la Biblia.
(…) Escribió a su hermano Theo una carta en la que decía: «Mi
tormento no es otro que este: ¿para qué valgo? ¿Es que no
puedo servir y ser útil de algún modo?». La respuesta de Theo
fue poco convencional, pero muy profética: hazte artista.
Era una sugerencia cara: a Vincent le encantó la idea y Theo
pagó por ella. Desde entonces, Theo se dedicó a mantener
económicamente a su hermano mayor. Primero Vincent pasó
cinco años de formación en Holanda, mientras que Theo se
mudó a París para trabajar en las oficinas que Goupil tenía allí.
Vincent recibió algunas clases (sufragadas por Theo), pero, a
pesar de todos sus intentos y buenos propósitos, siempre fue
autodidacta. Poco a poco comenzó a encontrar una voz
personal como artista. A mediados de la década de 1880, ya
había pintado la que se considera su primera gran obra, un
cuadro que entonces no suscitó interés alguno. Los comedores
de patatas (1885) WILL GOMPERTZ: . ¿Qué estás mirando?
“Retrato de Theo Van Gogh”, 1887

Aunque se cree por lo común que Van Gogh se
disparó en Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo
cerca de París, estudios serios sostienen que en
realidad había sido víctima de un disparo accidental.
Tras la publicación en el 2011 de una nueva biografía
se asegura que no se suicidó sino que falleció a raíz
de un disparo fortuíto de un adolescente.
Los autores, Steven Naifeh y Gregory White Smith,
sostienen que Van Gogh murió en un incidente con
René y Gaston Secrétan, dos hermanos veraneantes
en Auvers a quienes frecuentaba el pintor.
VAN GOGH: “El pintor de camino a Tarascón”, 1888
“Van Gogh murió dos años después de pintar “El pintor de camino a Tarascón”. Tenía treinta y siete años
y se encontraba en la cima de su creatividad, murió a causa de las heridas que se había provocado al
dispararse en el pecho. Tardó dos días en morir. Junto a él se encontraba su amado hermano Theo. A
los pocos meses, este moriría también a causa de un colapso mental y físico producido por la sífilis. Con
ello terminó una década de compañerismo que produjo algunas de las mejores obras de arte que haya
habido y, seguramente, que habrá”. WILL GOMPERTZ: ¿Qué estás mirando?

Su vida atormentada va a reflejarse en su pintura:
 Pinceladas cortas, vibrantes y sinuosas que en
su última etapa llegan a ser llameantes.(cipreses
que se retuercen como llamas). Factura
empastada.
 El color es fundamental en su pintura. Violencia
en los colores. Yuxtaposición y superposición de
colores puros, sin mezclar.
 Se expresa y se libera a través de la pintura, el
tema es a menudo él mismo, su propio mundo
interior. Van Gogh entendía la pintura como vía
de modificar la sociedad y como vehículo de
salvación personal.
 En la obra de Vincent los objetos adquieren un
valor simbólico cada vez más acentuado
(cipreses, girasoles... etc.). En la etapa de Arlés,
predominan las sillas desocupadas, los objetos
abandonados, las habitaciones vacías...
probablemente un símbolo de su soledad y de la
búsqueda de un ideal imposible como lo
demuestra el fracaso de su intento de formar
una colonia de artistas.

“(…) Pero pintar según la naturaleza no significa copiar el objeto, sino realizar sensaciones cromáticas.
(…) Existe una verdad puramente pictórica de las cosas. (…) ¡Qué difícil es, sin embargo, acercarse a la
naturaleza sin prejuicios! Uno tendría que ser capaz de ver como un recién nacido. Intenté copiar la
naturaleza y no lo conseguí, por cualquier lado que la abordase. Pero quedé contento conmigo mismo,
una vez que descubrí que uno debe representarla a través de algo muy diferente, a través del color
como tal. No se debe representar la naturaleza, sino realizarla. ¿Por medio de qué? Por medio de
equivalentes cromáticos estructuradores. hay un camino para reproducirlo todo, para traducirlo todo: el
color. El color, diría yo, es biológico: sólo él da vida a las cosas.” VAN GOGH
VAN GOGH, PASIÓN POR EL COLOR …
“Para un pintor, lo único verdadero son los
colores. Un cuadro no representa ante todo
y no debe representar, nada más que
colores. Historia, psicología, etc., se
inmiscuyen a pesar de todo, porque los
pintores no son estúpidos. Existe una lógica
en los colores y el pintor debe obedecerla, y
no a la lógica del cerebro. Cuando se pierde
en ésta, también él está perdido. Con los
ojos tiene que perderse. La pintura es una
óptica, y el contenido de nuestro arte
reside en primer lugar en lo que piensan
nuestros ojos.” VAN GOGH
“Pintar significa registrar y organizar sensaciones
cromáticas. En el pintar, ojo y cerebro deben
prestarse mutuo apoyo: es preciso trabajar para su
recíproca formación, a través de la lógica evolución
de sensaciones coloreadas. Entonces los cuadros
serán construcciones que se enfrentan con la
naturaleza. […] En la naturaleza, todo se modela
según la esfera, el cono y el cilindro. Hay que
aprender a pintar sobre la base de estas formas
simples, y entonces podrá uno hacer todo lo que
desea. No es lícito aislar el dibujo del color: es
como si quisieras pensar sin palabras, solamente
con números y signos.” VAN GOGH

A unos metros de distancia, algunas de sus obras adquieren una cualidad tridimensional. Cuando
uno se acerca, se da cuenta de que Van Gogh ha vertido palas y palas de colores brillantes al óleo sobre
su lienzo. Lo embadurna de pintura como si fuera una drag-queen un sábado por la noche, aplica y da
forma a las capas no con un pincel, sino con una espátula y con los dedos. La técnica no era nueva:
tanto Velázquez como Rembrandt se habían servido ya del impasto, pero en manos de Van Gogh sus
efectos consiguen un dramatismo mayor. No quería que la pintura fuera un medio para la
representación, sino que se convirtiera en parte sustancial de la obra. Si los impresionistas buscaban
exponer una verdad pintando lo que veían con rigurosa objetividad, Van Gogh quería llegar más lejos y
poner delante verdades profundas acerca de la condición humana. Por ello su acercamiento es
subjetivo: no pintaba lo que veía, sino cómo se sentía acerca de lo que veía. Comenzó a distorsionar las
imágenes para transmitir sus emociones, exagerando tanto como un dibujante de viñetas. Si pintaba un
viejo olivo, enfatizaba su edad retorciendo el tronco y desfigurando sus ramas hasta que pareciera una
anciana llena de arrugas: sabia, pero implacablemente deformada por la carga de los años. Además
aplicaba grumos de pintura para acentuar ese efecto, convirtiendo un cuadro de dos dimensiones en
una épica tridimensional: un cuadro que pasaba a ser una escultura. Van Gogh, refiriéndose a un amigo
común que había puesto en tela de juicio su apostasía de la representación fidedigna, escribió a su
hermano Theo: «Dile a Serret que me desesperaría si mis figuras fueran correctas [...] Dile que anhelo
esa incorrección, esas desviaciones, remodelaciones, cambios en la realidad. Puede que se conviertan
en mentiras, vale, pero en mentiras más verdaderas que la verdad literal». Con ello, Van Gogh sirvió de
inspiración a uno de los movimientos artísticos más duraderos y significativos del siglo XX: el
expresionismo. WILL GOMPERTZ: ¿Qué estás mirando?

“La noche
estrellada”
1889

“Marina en Saintes-Maries”, 1888

“Siento un interés apasionado por las leyes de los colores... ¡si nos las hubieran enseñado en nuestros años
juveniles! (…) Porque no hay la menor duda de que las leyes del color -que Delacroix fue el primero en
determinar- trajeron una luz. Los verdaderos pintores son los que no emplean colores locales (…). He aquí las
grandes verdades sobre el color en las que creía Delacroix.” VAN GOGH
“La llanura de La Crau cerca de Arles con Montmayour al fondo”, 1888

“Boulevard de Clichy”, 1887“El 14 de julio en París”, 1886
“Vista de Paris frente a Vincent's
Room en la Rue Lepic, Spring”, 1887
“Paseo en el Jardín de Luxemburgo”, 1886
“La casa amarilla en Arlés”, 1888

“Campo de Trigo con Cipreses”, 1889 “Jardín en Arles”, 1888
“Campo con el sol naciente”,1889
“Campo con amapolas”, 1889
“Iglesia de Auvers-sur-Oise, 1890
“El viñedo rojo”, 1880
Mujer caminando por un jardín. 1887 “Trigal con cuervos”, 1890

“Puente Langlois en Arles”, Verano de1888“Paisajes marinos en Saintes-
Maries-de-la-Mer”, 1888
“Barcos de pesca en antes-maries2, 1888
“El canal La Roubine du Roi
con lavanderas”, 1888
“Muelle del Ródano”, 1888
“A orillas del Oise en Auvers”, 1890

“Lo que me
apasiona mucho
más que todo el
resto de mi oficio
es el retrato, el
retrato moderno.
Lo busco en
colores, y
seguramente no
soy el único que
lo busca. Me
gustaría ser
capaz de hacerlo,
me gustaría
pintar retratos
que aparecieran
después de un
siglo y poblaran
la vida como
apariciones”.
VAN GOGH
“Retrato de la madre
del artista”, 1888
“Retrato del cartero
Joseph Roulin”, 1888
“Retrato de Trabuc, un asistente
del Saint-Paul Hospital” 1889
“Joven campesina con
sombrero de paja”, 1890
“El doctor Gachet, 1890
“Retrato de Père
Tanguy, 1887-88

“Autorretrato, con sombrero
gris de fieltro” 1888
“Autorretrato,” 1889
“Autorretrato,” 1889
“Autorretrato frente
al caballete,” 1888
“Autorretrato, con
sombrero de paja” 1887
“Autorretrato de oriental”, 1887

“Naturaleza muerta con manzanas,
peras, limones y uvas”, 1887
“Naturaleza muerta con
cerámica y dos botellas”, 1885
“Naturaleza muerta: florero
con cinco Girasoles”,
1888
“Lirios”, 1889
“Ramas de almendro en flor”, 1890
“Un par de zuecos”, Arlés, 1888

 Su punto de partida se encuentra en pintores realistas franceses: COURBET,
DAUMIER, MILLET, DELACROIX …
 Desde el punto de vista conceptual recibió la influencia de la literatura
francesa, E. Zola le apasionaba.
 Le marcó mucho el barroco holandés a partir de su estancia en Amberes.
Tuvo un claro referente en REMBRANDT y en FRANK HALS en cuanto al
cromatismo.
 ADRIAEN VAN DE VELDE, especialista barroco en pintura de marinas en las
que combinaba paisajes con personas correteando por la orilla fue en aquel
momento para van Gogh como un canon.
 Basándose en observaciones de EUGÈNE DELACROIX, se plantea el
problema de cómo dominar en la pintura las variaciones de color que
presenta un objeto al observarlo desde una cierta lejanía o bajo distintas
incidencias de la luz.
 LAS ESTAMPAS JAPONESAS también fueron fuente de inspiración
 Recibió influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los
simbolistas. Sin embargo, no adoptó plenamente ninguna, sino que las
adaptó para conseguir una personal forma de expresión.

ÉMILE BERNARD: “Mujeres bretonas”, agosto 1888
GAUGUIN: “Visión después del sermón”, verano de 1888
VAN GOGH: “Mujeres bretonas y niños” noviembre 1888
VAN GOGH: “Recuerdos del jardín de Etten”, 1888
Bernard,
amigo de Van
Gogh, influirá
tanto en
Gauguin
como en el
mismo
Vincent en
cuanto a la
aplicación de
un estilo que
se basa en la
utilización de
colores
planos con
perfiles muy
nítidos y
marcados.

 Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el
movimiento expresionista. en expresionistas como GUSTAV KLIMT, EGON
SCHIELE, ERNST LUDWIG KIRCHNER Y MAX PECHSTEIN. Ese impacto
se manifestó no sólo en el empleo de una vibrante pincelada
postimpresionista, una paleta de colores vivos y formas definidas por
una línea, sino también en la manera de representar ciertos géneros,
como el autorretrato, el retrato y el paisaje. Los expresionistas admiraron
las cualidades formales de la pintura de Van Gogh, pero también la
intensidad y pasión de su visión artística y su dramática historia de vida,
marcada por problemas mentales, que le llevaron a cortarse una oreja y,
más tarde, le condujeron al suicidio.
 EMIL NOLDE, LUDWIG MEIDNER Y KARL SCHMIDT-ROTTLUFF también
se inspiraron en los autorretratos de Van Gogh
 Van Gogh no sólo es ampliamente reconocido como el pionero de lo que
después se conocería como Expresionismo, sino que ha tenido una gran
influencia en otros movimientos modernos del siglo XX, como el FAUVISMO
Y EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

VLAMINCK: “La casa azul”, 1906
“Quise más a Van Gogh que a
mi propio padre” VLAMINCK
Tras contemplar una exposición de
Van Gogh, durante un breve período
de tiempo fue el más digno heredero
del artista. Con colores puros y
pinceladas planas, su madurez salvaje
dio como resultado algunos de los
cuadros más potentes del momento.
VAN GOGH: “Casas en Auvers”, mayo 1890

Vicent van Gogh fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin. No decidió
dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años
de edad. Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística, su vocación
era tan fuerte que ese tiempo realizó más de 800 cuadros, y numerosos
dibujos. Fue en el 1879 cuando comenzó a pintar de modo vehemente.
Empezó a rellenar álbumes copiando del natural.
:

Arlés 1888 -1889
Primeras obras hasta 1886
París 1886 - 1888
Saint-Rémy 1889 -1890
Auvers-sur-Oyse 1890
Auvers
París
Arlés
Saint-Rèmy
Saintes-
Maries
Borinage
La Haya
Drente

En 1869 Vincent van Gogh comenzó a trabajar en la compañía Goupil & Cie.,
empresa de vendedores de arte en La Haya. La familia Van Gogh estuvo durante
mucho tiempo relacionada con el arte: los tíos de Vincent, Cornelis ("Tio Cor") y Vincent
("Tio Cent"), fueron vendedores de arte. Theo, su hermano, desarrolló su vida de adulto
trabajando como vendedor de arte, por lo que tuvo una tremenda influencia durante la
última etapa de la vida artística de Vincent.
En 1873 es trasladado a la sucursal en Londres, donde rápidamente se enamoró del
clima cultural de Inglaterra. También allí experimentará la primera sensación de soledad.
Vincent van Gogh permaneció dos años en Londres. Durante ese tiempo visitó la mayor
cantidad de galerías y museos que tuvo oportunidad, y llegó a ser un gran admirador de
escritores británicos como George Eliot (Mary Anne Evans) yCharles Dickens y de los
grabadores británicos.
En 1880 la decisión de Van Gogh de hacerse pintor fue definitiva. A través de su
trabajo en las diversas filiales de la galería parisina Goupil & Cie., adquirió un profundo
conocimiento de los movimientos artísticos clásicos y contemporáneos, pudiendo ya
durante sus estudios, y sobre todo en la estremecedora época como predicador en
Borinage, expresar sus problemas con dibujos. Después del fracaso en sus ocupaciones
burguesas, y también del rechazo que halló ante sus ambiciones teológicas y sociales, se
aferró a lo que, por tener más cerca, conocía ya en teoría y práctica. También le dieron un
apoyo adicional su hermano Theo, que trabajaba en Goupil, y su primo Anton Mauve, que
era pintor en La Haya.

Vincent Van Gogh ha sido uno de los artistas menos afortunados de
todos los tiempos. Su obra quedó en manos de su querido hermano
Theo, el único apoyo con que contó en su vida. Hoy, sin embargo, es uno
de los artistas más cotizados.
Cuadros como “Los girasoles”, ”La habitación de Arlés”, “La noche
estrellada” y alguno de los retratos que pintó se harían populares a
través de reproducciones en color, pudiendo encontrárselos en algunas
habitaciones modestas. Esto fue exactamente lo que deseaba Van Gogh:
que sus cuadros poseyeran los efectos vigorosos y directos de las
estampas japonesas que tanto admiró. Ambicionó un arte sin
adulteraciones, que llegara no solamente al rico coleccionista sino a
cualquier ser humano para proporcionarle placer y consuelo.

“Playa de Scheveningen”, 1882
“Estación de Eindhoven”, 1884
“Busto de campesina, 1885
“Retrato de un anciano”, 1885
Sus primeras obras reflejan el influjo del realismo
holandés y tienen, por su temática, una clara
intención de denuncia social. Cultivó temas de
clases populares: campesinos, tejedores y
mineros Pone de manifiesto, con realismo, su
vida cotidiana. Se acerca con dignidad a una
situación de abandono social. Sus gamas en este
momento son oscuras, los entornos pobremente
iluminados y con tensiones de luces y sombras.

“Playa de Scheveningen”, 1882

Única obra de Van Gogh vendida en vida. La obra se exhibió por primera vez en la exposición anual de Los XX, en
1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (710 € actuales) a Anna Boch,1 pintora impresionista, miembro del
grupo de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.2 Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista
y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888.
“El viñedo rojo”, 1880

“Mujer cosiendo” 1881
En 1880 se va a vivir a Bruselas,
entablando amistad con el pintor
Anton van Rappard. Lo primero que
hace son dibujos, bocetos de detalles
y muchos estudios basándose en los
cuadros de Jean-Francois Millet,
cuyo realismo algo acaramelado le
ofrece temas a los que se siente
vinculado: sobre todo el de los
campesinos trabajando, cuadros de
género de una tonalidad oscura que
rezuman melancolía.

“Joven de Scheveningen tejiendo”, 1881 “La mujer de Scheveningen”, 1881

El 1 de enero
de 1882 van
Gogh se fue
a vivir a La
Haya,
ocupando un
estudio
financiado
por su
hermano
Theo. Allí
aparecen los
primeros
óleos bajo la
dirección de
Mauve. Uno
de ellos:
“En la playa de Scheveningen” de agosto de 1882, muestra la fuerte influencia de la Escuela de La
Haya, a la que pertenecía Mauve. Esta escuela, muy comprometida con la tradición, intenta,
especialmente en los paisajes, revivir la Edad de Oro de la pintura barroca holandesa.
“En la playa de Scheveningen”, 1882

“Cuando haga paisajes, siempre habrá alguna figura en ellos” VAN GOGH
“Vista del mar en Scheveningen”, 1882. Óleo sobre lienzo
Van Gogh acomodó la tradición artística a su propio concepto de la pintura. A pesar de ello el cuadro contiene
elementos que, haciendo autónomos el color y la forma - el modo pastoso de extender la pintura, la manera en
que parecen resaltar las zonas paralelas del cuadro, dan ya la idea de una básica tendencia a la abstracción.

“Mujeres con sacos de carbón”, 1882
En 1879, Van Gogh marchó al Borinage, una región minera de Bélgica donde los trabajadores vivían
en condiciones miserables. Impulsado por una fuerte vocación religiosa, había logrado que le dieran
un cargo de seis meses en la Escuela Evangelista de Bruselas, pero, por causa de un celo que rozaba
el fanatismo, no se le renovó su mandato. Vincent había decidido compartir plenamente su vida con
los mineros, viviendo en una barraca, durmiendo en el suelo y ayunando, e incluso bajaba a predicar
a la mina. Esta obra muestra la intensidad del que ha asistido personalmente a estas escenas.

“Oficina de loteria”, La Haya, 1882
El arte del pueblo y para el pueblo: una máxima que marcó el impulso social de su obra.
Cuadros como “Lotería estatal” o “Plantando de patatas” son un buen ejemplo de ello. Las
figuras centrales de estas obras son seres anónimos del pueblo, labriegos y obreros tan
dignos de protagonismo como antes lo fueron los gloriosos héroes de la Historia y la Mitología.

“Taller de carpintería visto desde la habitación de Vincent”, 1882

“Anciano con las manos en la cabeza”, 1882
“Bajo la lluvia”, 1882

En septiembre de 1883 finaliza su estancia en La Haya. Van Gogh se marcha, solo, a la provincia
de Drente al noreste de los Países Bajos. Esta marcha fue precedida por la ruptura con Mauve, su
mentor artístico. El motivo de la separación se debió a desavenencias fundamentales sobre la
pintura. Bajo el punto de vista de Vincent, Mauve era justo una muestra de un concepto académico
del arte imbuido de normas, reglas y un riguroso canon estético que, de forma intolerable,
descuidaba la expresión individual y los problemas sociales del momento.
“Barco de turba con dos figuras”, Drente: octubre, 1883
Cualquier tipo de autoridad había sido siempre para él como una provocación,
y las estrictas opiniones de Mauve sobre la pintura parecían haberle hecho
recordar fatalmente la mojigatería calvinista de la casa paterna.
“Campesina quemando hierbas”, 1883

“Dos campesinas recogiendo turba”, 1883

“Campos de flores en Holanda”, 1883

“Transportando madera en la nieve”, 1884
“Campesinos plantando patatas”, Nuenen,1884
En Nuenen Van Gogh se
mostró como un gran
artista. Muchas de las
pinturas de esta etapa
representan a
campesinos trabajando
en el campo. Tema
recurrente en Van
Gogh. Esta obras
muestran un mayor
dominio de la
técnica. La estancia de
Van Gogh en Nuenen
resultó ser una
experiencia de
aprendizaje formidable
en la cual el artista trató
de definir su estilo
único. Muchos de los
retratos de campesinos
anticipan la que será su
primera gran obra: “Los
comedores de patatas”

“Alameda a la puesta de sol”, 1884 “Congregación saliendo de la iglesia reformada en Nuenen”, 1884

“Casa de campo con campesina cavando”, 1884

Abstraído en su trabajo, el tejedor sentado ante su telar y, en primer plano, el monumental
mecanismo domina la totalidad del cuadro. Da la impresión de ser como un marco de
gigantescas dimensiones que, con su enrejado de líneas horizontales y verticales, parece
absorber el flaco cuerpo del tejedor, haciéndolo formar parte de su propia máquina.
“Tejedor en el telar”, 1884

“Tejedor en el telar”, 1884
“Estos telares
me van a dar
todavía muchos
quebraderos de
cabeza, pero
son unos temas
tan hermosos,
toda esa vieja
madera de
encina contra
una pared
grisácea; estoy
plenamente
convencido de
que es bueno
pintarlos.”
VAN GOGH

(…) Van Gogh había desarrollado precisamente en estos cuadros algo así como su
propio canon de belleza, buscando la inspiración en las gentes de su entorno,
seres que, sin ser en efecto bellos, personificaban su concepto de la autenticidad.
En las
representacion
es conjuntas
del obrero y su
instrumento de
trabajo queda
excluido todo
lo pintoresco y
todo lo
anecdótico. Se
muestra no
sólo la dureza y
el esfuerzo,
sino también la
dignidad de la
vida del
trabajador.
“Tejedor”, 1884

A finales de noviembre de 1885 llega van Gogh a Amberes. Este puerto
internacional belga sólo será el escenario de un breve entreacto en el
camino de Vincent a la capital del siglo XIX: París. No obstante, esta
estancia será decisiva para su obra posterior, pues en Amberes comienza
la época de los experimentos. Al abandonar el estricto hogar calvinista y
desvincularse de los lazos que, muy a pesar suyo, le unían con fuerza a
un entorno conocido, su ímpetu creador se desborda. Mientras que la
primera etapa de su obra estaba impregnada del oscuro y melancólico
mundo de los campesinos, en los años siguientes Vincent probará todas
las formas artísticas de expresión, lo que para aquel tiempo se podría
calificar de poco frecuente, avanzado y vanguardista.
Los campesinos de Van Gogh fueron, por única vez, tema y público al
mismo tiempo. Con la ayuda de su hermano hizo imprimir veinte
litografías de «Los comedores de patatas» que la gente de los
alrededores pudo comprar a precio asequible. Este cuadro, de mayo de
1885, representa un compendio de su primera época. En la frugal comida
que comparten las cinco figuras, enjutas y agotadas por el trabajo, se
trasluce un ambiente de compañerismo y pobreza.

Temática social.
Alusión a la religión.
Hay tres versiones
Fuerte claroscuro.
Contornos agitados, con trazos caricaturescos, deformados.
Paleta muy reducida y apagada: marrones y pardos, oscuros

«He puesto mi mayor empeño en que, al
contemplar el cuadro, se piense que esa gente
bajo la lámpara, que come sus patatas metiendo
las manos en el plato, ha trabajado también con
esas manos la tierra; mi cuadro exalta, pues, el
trabajo manual y el alimento que ellos mismos se
han ganado con toda honestidad ... Pero el que
prefiera ver aldeanos almibarados, allá él con sus
pensamientos.» Vincent a su hermano Theo
Por esa época quería ser un pintor de la «vida campesina» y generar documentos
sociales, como el novelista Charles Dickens. Sus campesinos no están idealizados,
resultan naturales: a través de su paleta y del tratamiento de las figuras, Van Gogh logra
representar su vida humilde y su precaria dieta. El resultado es una obra a base de ocres
sombríos, grises y azules, con campesinos cuyas manos tienen el color de la tierra y
dedos tan rudos como las patatas que comen. Con pocos trazos basta para evocar la
imagen de una familia que está agotada, pero que aún no ha sido vencida por completo.

“Los comedores de patatas”, 1885

“Me sorprendió vivamente el cuadro de unas pobres gentes comiendo en una choza
lúgubre bajo la mortecina luz de una lámpara. Lo tituló 'Los comedores de patatas'. A
su manera, era de una fealdad grandiosa y estaba lleno de una vida inquietante.”
ÈMILE BERNARD

“Cabeza de mujer”, 1884-85

(…) Theo le sugirió por carta: «¿Por qué no vienes a París?». En 1886, Vincent llegó a
la capital francesa y... vive la différence! Theo le dio a conocer las obras de los
impresionistas y Vincent tuvo una revelación. En sus ojos se encendió la luz: de
repente empezó a ver colores, muchos colores. Escribió entonces a un amigo
diciéndole que «estaba buscando contrastes a través del naranja y el azul, el rojo y
el verde, el amarillo y el violeta; buscando tonos quebrados o neutros para
armonizar los extremos. Es una búsqueda para conseguir que el color sea intenso,
no para lograr una armonía opaca». Estaba listo. Vincent puso en práctica la técnica
impresionista de la pincelada rápida, tuvo sus primeros escarceos con el impasto -una
técnica en la que la pintura se aplica bastante espesa en el lienzo, con determinación,
de modo que produce un efecto tridimensional- y se dio cuenta de que la mayoría de
los artistas de vanguardia parisinos compartían su amor por los grabados japoneses.
Era demasiado intenso y Vincent comenzaba a tambalearse. Theo sugirió que se
tomara unas vacaciones en el campo, en el sur de Francia, y a Vincent le pareció muy
buena idea. Soñaba con tener un estudio allí: una especie de colonia artística que
rivalizara con la que su amigo Gauguin tenía en Bretaña, en el norte de Francia.

El descubrimiento del Impresionismo supuso en nuestro artista una gran decepción y un duro golpe
porque es ahora cuando se da cuenta de que su pintura no tiene vigencia, se sintió marginado y
fuera de onda. El conocimiento del Impresionismo supuso un estímulo para su cambio:
 Aclara su paleta, usa una gama luminosa. Por lo general usa colores puros en pincelada de
pequeños toques que puede recordar al Puntillismo.
 Primeros escarceos con el impasto.
 Abandona argumentos pictóricos, decantándose por el paisaje y el retrato.
Se inscribe en el Taller de Cormont, allí conoce a E.Bernard, y a T.Lautrec, Gauguin... Allí perderá su
afición por los temas sobre campesinos y trabajadores. A través de Theo conoce también a Paul
Gauguin y al gran maestro del Impresionismo, Camille Pissarro, que ya contaba 60 años. A todos
ellos los considerará amigos suyos.
En la Real Academia se dedica a copiar modelos en yeso de esculturas antiguas, si bien, como
ya le ocurrió en La Haya, sigue sintiendo aversión por los dogmas de la belleza clásica y por
esta reducción del carácter personal a una imitación mecánica. Para él será mucho más
importante el descubrimiento de los cuadros de Peter Paul Rubens, el viejo maestro del
Barroco que había tenido su estudio en Amberes. Su alegre colorido, las formas robustas y los
exuberantes volúmenes, característicos de la pintura barroca de origen católico, se le abren
como una alternativa necesaria frente a la retraída y controlada severidad del arte holandés.

AUTORRETRATO, 1886
“Colina de Montmartre”, 1886
“Tres pares de zapatos”, París, 1886
“Las pinturas tienen una vida propia
que nace del alma del pintor”
VAN GOGH

VAN GOGH: “El 14 de
julio en París”, 1886
MONET: ”Rue Montorgueil
con banderas”, 1886
DOS INTERPRETACIONES
DEL ACONTECIMIENTO
HISTÓRICO

"Lo encontré en Asnières y en Saint-Ouen; pintaba en los ribazos, comía en el merendero y
regresaba a París andando, por las avenidas de Saint-Ouen y de Clichy. Vestía el mono azul de los
trabajadores del zinc, con manchas de puntos de colores que había pintados en las mangas.
Pegado junto a mí caminaba gritando, gesticulando y blandiendo su gran tela con la pintura aún
fresca, manchándose de pintura él mismo y a los transeúntes que pasaban.“ PAUL SIGNAC
Rivera con barcas, 1887

También aquí nos ofrece una visión típicamente impresionista. El rojo suave de las hojas de los
árboles que se van tiñendo de otoño, los bancos casi vacíos en primer plano, la imagen de los
cenadores esbozados con parcas pinceladas cristalizan un momento de apacible vida cotidiana,
expresan la instantánea de una escena superficial. El que en algunos puntos la aplicación del color sea
pastosa y el colorido local de ciertas zonas recónditas contraste con el tono ocre del otoño no cambia
en absoluto los hechos. En estos cuadros van Gogh hace sus experimentos con el Impresionismo
“Merendero «La Guinguette» en Montmartre”, París,1886

Van Gogh sumerge su impresión del “Montmartre”, 1886, en un gris invernal, en el velado ambiente de
una niebla que se levanta. La fría atmósfera del invierno, ya cercano, concuerda con los cuadros
impresionistas de temática similar. También el aspecto neutro de lo que sucede, los transeúntes
apresurados y de aire ausente, la óptica fragmentada del cuadro cruzado por la plataforma desde la
que se divisa el paisaje, se hallan plenamente en la tradición de un Claude Monet o un Auguste Renoir.
“Boulevard de Clichy”
1887

“El Restaurante de la Sirene en Asnieres”, 1887

“Le moulin de la Galette”, 1887“Terraza y observatorio Deck
en el molino de Blute-Fin,1887

«Y no me extrañaría mucho que dentro de un
tiempo los impresionistas se pusieran a criticar
mi manera de trabajar, más bien fecundada por
las ideas de Delacroix que por las suyas. Pues
en lugar de reproducir con exactitud lo que tengo
delante de los ojos, prefiero servirme
arbitrariamente del color para expresarme con
más fuerza.»
VINCENT VAN GOGH
“Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero
reproducir exactamente lo que tengo delante de
los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del
color para expresarme con más fuerza.”
VINCENT A THEO

El exótico atractivo de lo que se representa, el estrambótico peinado, el vestido folklórico, el abanico sobre la
silla y las xilografías japonesas en la pared del fondo, es mucho más determinante para el mensaje
transmitido que la atmósfera enrarecida por el humo de un tabernucho cualquiera que tanto había fascinado
a Degas en su obra “La bebedora de ajenjo”, y en la cual Van Gogh evidentemente se había inspirado. Los
grandes ojos melancólicos de la mujer en ese lugar extraño dan al cuadro un ambiente especial y exactamente
premeditado, todo lo contrario de la atmósfera anónima que tanto gustaba a los impresionistas.
La “Mujer en el Café
du Tambourin" de
1887 no representa a
una bebedora
anónima y
desamparada en una
taberna cualquiera
sino que es una
imagen concreta.
Se trata de la italiana
Agostina Segatori,
antigua modelo de
pintores como Camille
Corot y Edgar Degas y
ahora propietaria del
café, llevada al lienzo
mientras está sentada
a una mesa. “Mujer en el Café du Tambourin”, 1887 DEGAS: “La bebedora de ajenjo”, 1876

“Nunca recibí una ayuda tan
eficaz (por parte de un
modelo) como de esta mujer
fea y ajada. Para mi es
hermosa, y encuentro en ella
precisamente lo que
necesito. La vida pasó sobre
ella, y el sufrimiento y un
destino adverso la dibujaron;
ahora puedo yo hacer algo
con ella. Cuando la tierra no
está arada, nada puedes
sembrar en ella. Esa mujer
está arada... por eso
encuentro más en ella que
en una multitud de mujeres
intactas.” VAN GOGH

“Parejas en el parque Voyer d'Argenson en Asniéres”, París, junio,1887

“Cuatro flores marchitas aparecen enormes en primer plano, pendiendo de tallos resecos cortados hace tiempo. Como
si quisieran rebelarse contra la inminente descomposición, extienden sus pequeñas hojas hacia afuera como lenguas
de fuego, anticipando la llamarada sublime de los últimos cipreses de Van Gogh. En manos de Vincent, este motivo
banal y totalmente corriente adquiere una fuerza de expresión casi existencial; los objetos se convierten en símbolos,
son como signos ocultos de una dolencia que habrá que buscar en el propio artista.” INGO F.WALTHER
“Cuatro girasoles”, 1887

Surge a partir del contacto con la cultura japonesa, a mediados del siglo XIX
(relaciones comerciales entre Japón y Occidente, viajes de numerosos críticos
e historiadores por tierras japonesas y la Exposición Universal de París en
1878 en la que el pabellón japonés había tenido un enorme éxito
En una nueva tendencia de apertura hacia otras culturas se despertó la
admiración por el exotismo de lo lejano y por el evidente alto grado de
civilización de la cultura asiática. Acababa de nacer una auténtica moda.
La reacción en las artes plásticas no se hizo esperar mucho tiempo. Xilografías
procedentes del Japón, reimpresas a bajo precio o cuidadosamente
importadas, marcaron de repente el estilo a seguir. Sus contornos delimitados
fueron la respuesta adecuada a la dispersión de las formas en el
Impresionismo, y su decorativo colorido una reacción a la triste escenificación
de la miseria tan propia del Naturalismo.
“En cuanto a lo de quedarme aquí en el Midi, aunque sea más caro, veamos: nos gusta
la pintura japonesa, hemos experimentado su influencia, todos los impresionistas
tienen eso en común, y ¿no iríamos a Japón, es decir, al equivalente del Japón, el Midi?
Creo, pues, que, después de todo, el futuro del nuevo arte está todavía en el Midi…
Los japoneses dibujan rápido, muy rápido, como el rayo, y es porque sus nervios son
más finos, su sentido más simple.” VAN GOGH, extracto de una carta a THEO

El anciano Tanguy de frente, casi simétrico, sentado
en primer plano y con un aspecto monumental. Esta
imagen simplista contrasta con la complicada
estructura del fondo cuya pared está empapelada de
estampas japonesas. Todo el conjunto acusa una
enorme falta de profundidad, de perspectiva; Van
Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y
empastada, que será su marca identificativa en
adelante.
En la pincelada y el uso del color se deja notar la
influencia divisionista que conoció directamente de
Seurat y Signac. La línea roja del contorno de Tanguy
contrasta con los verdes que predominan en el
contorno.
También en las manos y barba hay toques de verde.
Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en
beneficio de la expresión del artista también será
constante a lo largo de su obra.“Retrato de Père Tanguy”, 1887-88
En el comercio de Père Tanguy, Van Gogh compraba
los útiles de pintura. En una habitación contigua
Tanguy había instalado una pequeña galería,
totalmente desapercibida al gran público. Père
Tanguy es casi una figura clave del arte moderno, no
en vano en su cuarto trasero expusieron sus obras
van Gogh, Seurat, Gauguin y Paul Cézanne, es decir,
precisamente los cuatro artistas a los que más tarde
se calificará de precursores del siglo XX.

VAN GOGH: “la cortesana, 1887
Una importante fuente de inspiración fueron las estampas
japonesas grabadas en madera, que el mismo artista
coleccionaba. De hecho, Van Gogh copió en algunos cuadros
estas impresiones; en otras obras, su influencia se refleja en
peculiares composiciones, colores vivos y contornos marcados.
KEISAI EISEN: La cortesana, Nishiki-e“,1820

ANDO HIROSIGE: “Gente en el puente sorprendida por la lluvia”
VAN GOGH: “Puente sobre el río”, 1887
Frente a la textura lisa y extendida por zonas de Hiroshige, el colorido pastoso
de Van Gogh acentúa un sello personal que no puede equipararse al original.

“Envidio a los japoneses por la increíble y
limpia claridad de la que están impregnados
todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos
ni dan la impresión de haberse realizado a la
ligera... Su estilo es tan sencillo como
respirar. Son capaces de hacer una figura con
unos pocos trazos seguros, y que parezca tan
fácil como abotonarse el chaleco.”
VINCENT VAN GOGH
Inspirados en obras de Hiroshige, uno de los últimos maestros famosos en la técnica de la
xilografía. Van Gogh europeizó los temas que le servían de modelo, los adaptó a su propio
lenguaje pictórico hasta conseguir que correspondieran a la tendencia del momento.
“Ciruelo en flor”, 1887
1856-58 1887

La etapa parisina fue la más importante para su aprendizaje, y a
pesar de rechazar los academicismos, a medida que el arte se
convertía en su razón de vivir, más conocimientos asimilaba en
aquel entorno enteramente dedicado al cultivo de las artes. De
este modo se sentía dispuesto a emprender el camino que, como
Cézanne, tantos habían seguido antes que él. Quería irse al sur,
donde la naturaleza, tan necesaria para sus estudios, era más
agradable, la luz más clara y los colores más intensos.
El 20 de febrero de 1888 Vincent van Gogh tomó el tren que le
llevaría a Arles.

En febrero de 1888 se traslada a Arlés. Marchó allí animado por
Lautrec, buscando lo apacible. En Arlés encontró una primavera plácida
y de equilibrio, que cambió en la navidad del mismo año al contactar
con Gauguin. Se instaló en una pequeña pensión, encima del café de la
estación. Alquila la famosa Casa Amarilla, donde pensó establecer el
refugio de sus amigos.
Allí la pintura de Van Gogh evoluciona hacia lo que será totalmente
característico de su pintura: la exaltación del color, que se convierte
en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del
color el artista se expresa con una pincelada continua, fuerte y
agresiva, aplicando un color abundante y pastoso. Sus problemas
psíquicos hacen que su pintura sea cada vez más exaltada, reflejo de su
atormentada vida interior.
Arlés 1888-1889

Vincent pensaba que había entendido el color en París, pero eso no era nada
comparado con la intensidad tonal sobre los campos de Provenza. Todo parecía
más acentuado. Vincent había visto la luz. En los catorce meses que pasó en
Arlés, pintó cerca de doscientos cuadros, entre los cuales hay obras maestras
como La casa amarilla (1888), Naturaleza muerta con plato de cebollas (1889), El
sembrador (1888), Café nocturno (1888), Girasoles en un jarrón (1888), Noche
estrellada sobre el Ródano (1888) y La habitación (1888). Dijo por entonces:
«Quiero llegar al punto en que la gente diga de mi trabajo: “Este hombre siente
profundamente”».
Quería que todo en él representara descanso: los colores, la composición, la luz,
la atmósfera y el mobiliario.
Arlés fue la ciudad favorita de Van Gogh: le parecía que evocaba la sencillez y la
belleza del mundo que presentan las estampas japonesas. En 1888 escribió a
Theo: «Envidio la extremada claridad con la que los japoneses hacen sus obras.
Nunca resulta aburrido y nunca parece que haya prisa. Es tan sencillo como
respirar y hacen una figura con un par de trazos certeros con la misma facilidad
con la que coserían un botón».

“Café de Noche”, 1888
“Barcos en Santes-Maries”, 1888 “Puente de Langlois con Lavanderas”, 1888 “Mediodía: final del trabajo”, 1889-90
“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, 1888 “Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888
“La habitación de Arlés”, 1888 “La casa amarilla”, 1888 “El sembrador”, 1888

“Viniendo de las oscuras tonalidades de su patria, Holanda, cuando
finalmente llega al sur de Francia, a Arlés, pinta los verdaderos colores del
Mediodía bajo ese sol que quema incluso la razón.
(…) Pintor, Vincent se transfigura cuando expresa la necesidad de una ética
del artista, a quien sueña abandonando la mundanidad estéril del París para
entregarse místicamente a la búsqueda del color, la verdadera luz, lo que el
ojo no puede ver. Quiere crear un atelier comunitario en Arlés y con bastante
sensatez sueña utopías como transformar las desoladas salas del hospicio
en un taller con comida barata para pintores. ” CLAUDIA SCHVARTZ

Desde la soledad por él escogida de Arlés, Van Gogh confió
en sus “Cartas a Theo”, que pueden leerse como un diario
ininterrumpido, todas sus ideas y esperanzas. Estas cartas
escritas por un hombre humilde, un artista casi autodidacta,
que no tenía idea de la fama que iba a alcanzar, figuran entre
las más emocionantes y sugestivas de toda la literatura.
Muestran claramente cómo su actividad artística iba
progresivamente dominando su concepto de la realidad. En
ellas podemos percibir sus luchas y sus triunfos, su
desesperada soledad y su anhelo de camaradería, así como
llegar a darnos cuenta del inmenso esfuerzo que desarrolló
trabajando con febril energía. Por otro lado documentan
también el alto nivel teórico con el que trabajaba.THEO VAN GOGH
Cartas y cuadros forman, dentro de su obra, una paradójica unidad en la
que una enternecedora e ingenua falta de comprensión por el mundo que le
rodea va acompañada y completada por una enorme facultad de reflexión.

“Les Alyscamps. La caída de las hojas en otoño”, octubre,1888

Para la decoración de
la casa amarilla,
Vincent realizará en
octubre una serie de
jardines otoñales,
influidos por
el Impresionismo al
interesarse por
conceptos lumínicos
que recuerdan
a Pissarro o Monet.
Las sombras se
distribuyen por la
superficie
contrastando con los
espacios soleados
donde los colores
resaltan su brillantez.
Las pinceladas
rápidas dominan el
conjunto.
“Pareja en el parque de Arlés”, octubre,1888

“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, junio, 1888
 La carreta ocupa
el lugar central de
la composición
(destaca con
tonos azules).
 Multiplicidad de
elementos
distribuidos en un
espacio de gran
profundidad.
 Punto de vista y
línea de horizonte
elevados.
 Armonía
cromática:
naranjas y ocres,
evolucionando
hacia el amarillo y
azul del fondo.
“Una campiña infinita y llana -contemplada desde lo alto de una colina a vista de pájaro-,
viñedos, campos de trigo segados. Todo ello se multiplica hasta el infinito y se extiende
como un mar hasta el horizonte, limitado por las colinas de Crau...” VINCENT VAN GOGH

“Avenida con plátanos cerca de la estación de Arlés”, 1888

“Jardín florido en Arlés”, 1888

“Pareja en Arlés”, 1888
"Tengo dos nuevos
modelos, una arlesiana y
un viejo labriego (...)
debe expresarse el amor
de dos que se quieren
mediante la unión de dos
colores complementarios,
mediante la integración y
mediante la misteriosa
vibración de dos tonos
afines“ VAN GOGH

VAN GOGH: “La silla de Vincent, con pipa”, 1888 VAN GOGH: “La silla de Gauguin”, 1888
El artista utiliza para su propia silla colores claros y luminosos, para la de Gauguin se vale de tonalidades oscuras y fuertes. Prevalecen
los colores fríos: el verde y el azul, aunque mitigados por la combinación con el amarillo de los libros y la lámpara y por las pinceladas
que avivan el pavimento; el marrón de la silla no es especialmente alegre y contribuye al tono oscuro del conjunto. La de Van Gogh es
una simple silla de paja, la de Gauguin es una especie de poltrona, con asiento más grande y brazos. Para simbolizar al ocupante,
Vincent ha representado libros y una vela. La iluminación de la estancia se consigue con una lámpara de petróleo colgada de la pared.

“La casa amarilla”, 1888
Durante su estancia en Arlés,
Van Gogh soñaba con convertir
su casa, la Casa Amarilla, en un
"Estudio o Taller del Sur",
donde los pintores pudieran
acudir y vivir en comunidad
artística y económica, así como
mantener un enriquecedor
intercambio de ideas.
La casa amarilla estaba situada
en la Plaza Lamartine, número
dos, en el extremo norte de la
ciudad, cerca de la estación de
ferrocarriles, al lado de los
muelles del río Ródano y
próxima a una zona donde
abundaban los prostíbulos.

“La cúpula del cielo, sobre todas las cosas y por todas partes, es de un magnífico azul; el
resplandor del sol es de un pálido amarillo azufre, y es tan suave y delicioso como la
combinación de azules cielo y amarillos de las obras de Vermeer de Delft” VAN GOGH
“La casa amarilla”, 1888

“Barcos de pesca en Santes-Maries”, 1888
“He pasado una
semana en Saintes-
Maries.
En la lisa playa de
arena fondeaban
pequeñas barcas
verdes, rojas y
azules, de formas y
colores tan bellos
que hacían pensar
en flores.
Un solo hombre las
maneja. Son tan
pequeñas que casi
nunca van a alta
mar. Salen cuando
no hace viento y
regresan a tierra
cuando éste sopla
con demasiada
fuerza.”
VAN GOGH

“Barcas con arena”, 1888
«Los
pescadores
saben que el
mar es peligroso
y la tormenta,
terrible. Pero
eso no les
impide hacerse
a la mar.»
VAN GOGH

« El mar en Saintes-Maries », 1888

« Vista marina con veleros », 1888

Se observa una clara influencia de las estampas japonesas
que tanto fascinaron a los artistas de la 2ª mitad del siglo XIX.
VAN GOGH:“El puente de Langlois”, 1888
Van Gogh plasma la limpia atmósfera provenzal.
Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan
magistralmente en tonos fríos y cálidos para
configurar el reflejo del puente sobre el agua.
HOKUSAI: “Bajo el puente
Mannen en Fukagawa”, 1832
MONET: "Puente Japonés“, 1899

“El puente de L’anglois”, 1888
Consigue La sensación de profundidad aclarando el azul cerca de la línea del
horizonte. La diagonal de la ribera en la esquina inferior derecha aporta dinamismo
a la composición y acerca al espectador a la contemplación del paisaje.
El artista ha añadido dos
cipreses, símbolo de la
muerte, hacia los que se
dirige la carreta y la
mujer que está sobre el
puente. ¿Significa algo la
gran nube blanca que
hay a la izquierda
(detrás) de los cipreses?
Van Gogh, que era un
maestro de la sugestión
simbólica, transforma
una estampa
aparentemente anodina
en una alegoría de la
vida como camino hacia
la muerte.

El puente, símbolo de paso, de transición entre la juventud y la madurez, es un tema
enormemente sugestivo, que había apasionado a los impresionistas de la vieja escuela.
“El Puente de Langlois con Lavanderas”, marzo de 1888
«Con ojos
japoneses se
ve más; se
siente el color
de un modo
distinto».
VAN GOGH

 Hay una especie de lucha entre la
iluminación natural de un maravilloso
cielo estrellado y la luz artificial de la
lámpara de gas que ilumina la terraza.
 Contraposición de colores
complementarios entre el azul-violeta
(del cielo y edificios lejanos) y el
naranja-amarillo (de la tarima, la
pared y la parte inferior del toldo)
 Estrellas: manchas amarillas rodeada
de trazos blancos en un fondo de
variados azules son el cielo estrellado.
 Líneas de perspectiva hacia el centro.
 Pinceladas no mezcladas de trazo
curvo conforman los adoquines
“Yo busco ahora exagerar lo esencial.
No quiero reproducir exactamente lo
que tengo delante de los ojos, sino
que me sirvo arbitrariamente del
color para expresarme con más
fuerza”. Vincent a Theo
“El café de noche”, 1888

Ésta es la primera pintura en
la que Vincent utilizó fondos
estrellados.
Las estrellas que aparecen
corresponden, según algunos
estudiosos, a la constelación
de Acuario.
“Aquí tienes un cuadro
nocturno sin negro, sólo con un
bello azul, con violeta y verde; y
en este ambiente la plaza
iluminada se tiñe de un pálido
amarillo azufre y un verde
limón.” VINCENT VAN GOGH

El café de noche, fue adquirido4 por el
coleccionista ruso Sergei Shchukin. La
obra fue posteriormente nacionalizada
por los bolcheviques con el resto de la
colección de Shchukin y, finalmente,
pasó a formar parte del Museo
Pushkin de Moscú.
Van Gogh ha creado una atmósfera
de cordialidad por medio del color:
azul para el cielo, para la fachadas,
las casas de la calle, y para los
adoquines del primer plano y la
fuerte jamba de la puerta de la
izquierda y la terraza toda de
amarillo.
El artista había aprendido que los
colores son cálidos o fríos en virtud
de su contraste con otros colores.
A la atención que presta al color se
suma el cuidado de la composición

 La perspectiva está
algo distorsionada,
subordinada a las
necesidades
expresivas del
artista.
 En la composición
de la escena,
destaca el punto de
vista muy elevado y
en diagonal. Una
puerta abierta
provoca una mayor
sensación de
profundidad.
 Combinación
cromática de
colores
complementarios
(ej.: el rojo de la
pared con verde de
mesa billar)
 Personajes
aislados, sin
comunicación
 Plano del suelo
muy desarrollado “Café de noche, interior”, 1888

“En mi cuadro del café nocturno he tratado de
expresar que el café es un sitio donde uno puede
arruinarse, volverse loco y cometer crímenes.
Mediante la contraposición de un rosa pálido, un
rojo sangre y un rojo vino, y de un suave verde
Veronés y un Luis XV en abierto contraste con los
tonos amarillo verdosos y los duros verdes
azulados -todo ello en la atmósfera infernal de un
horno al rojo vivo y de un pálido amarillo de
azufre -he querido transmitir el sombrío poder de
una taberna.” VINCENT VAN GOGH
“Interior de café nocturno”, Arles, 1888

Octubre-diciembre de 1888 Gauguin estuvo
visitando Arles alojándose en la casa alquilada
por Vincent. Tuvieron una turbulenta relación de
colaboración artística.
Charlaban, con frecuencia acaloradamente,
intercambiando opiniones. Gauguin se burlaba de
la candidez de Van Gogh y arremetía contra su
modo de pintar, asegurando que los verdaderos
temas eran aquellos que se terminaban en taller y
no al aire libre.
A finales de diciembre Vincent, presa de un
ataque psicótico intentó agredir a Gauguin, que,
asustado se fue a pasar la noche a un hotel.
Arrepentido, Vincent se cortó el lóbulo de su oreja
izquierda, y salió hacia un burdel en busca de su
amigo, para ofrecérselo como muestra de
arrepentimiento.
Este escandaloso incidente tuvo mucho eco
en Arles. En mayo de 1889 Van Gogh
aceptó su reclusión en un hospital
psiquiátrico en la localidad cercana de
Saint-Rémy. Siempre que se lo permitían
los ataque psicóticos (con alucinaciones
auditivas y visuales) pintaba.
Está probado que estos ataques no
influyeron sobre Vincent en su labor
creativa. El artista con frecuencia establecía
un plan previo que ejecutaba sobre el lienzo
cuando no padecía crisis.
Entre las obras producidas en el psiquiátrico
de Saint-Rémy está “La noche estrellada”,
que, junto con “Los girasoles”, son de las
obras más conocidas de Van Gogh.

“Mirar las estrellas siempre me hace soñar, como sueño al
contemplar los puntitos negros que representan a pueblos y
ciudades en un mapa. ¿Por qué, me pregunto, los puntos
brillantes del firmamento no son tan accesibles como los puntitos
negros del mapa de Francia?” VINCENT VAN GOGH
“Mirar las estrellas siempre me hace soñar, como sueño al
contemplar los puntitos negros que representan a pueblos y
ciudades en un mapa. ¿Por qué, me pregunto, los puntos
brillantes del firmamento no son tan accesibles como los
puntitos negros del mapa de Francia?” VINCENT VAN GOGH

"Por último, un apunte
del Ródano, de la
ciudad iluminada con
gas, reflejándose en el
río azul. Con el cielo
estrellado por encima -
con la Osa Mayor -, con
destellos rosas y
verdes, sobre el campo
azul cobalto del cielo
nocturno, mientras que
la luz de la ciudad y sus
brutales reflejos son de
un oro rojo y un verde
broncíneo.
Pintado de noche.
Dos figurillas de
enamorados en color,
en el primer plano.“
VAN GOGH
“Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888

“Noche estrellada sobre el
Ródano” 1888

Van Gogh: “Quince girasoles con sus flores”, 1889
 Los girasoles simbolizan el sol de Arlés
 Búsqueda de combinaciones cromáticas
de amarillos y naranjas
 Pincelada continua, de ejecución rápida.
Los colores son vibrantes y expresan
emociones que son asociadas con la
vida de los girasoles y sus diferentes
etapas: de amarillos brillantes de la flor a
oscuros y mustios de su decadencia.

"esta vez se trata sólo de mi dormitorio...La visión del cuadro debe
hacer descansar la mente o, mas bien, la imaginación...
"las paredes son violeta claro, el suelo de baldosas rojas.
"la madera de la cama y de las sillas es del color amarillo de la mantequilla
fresca, la sábana y las almohadas de un verde limón muy claro.
"El cubrecama escarlata, la ventana verde.
"La mesa de tocador naranja, la jofaina azul.
"Las puertas lilas.
"Y eso es todo, en esta habitación con las persiana cerradas no hay nada...
"De este modo me vengo del descanso forzoso que me han obligado a tomar...
"Otro día te haré bocetos de las demás habitaciones“
Van Gogh: “Cartas a Theo”

LA HABITACIÓN DE ARLÉS, 1889
(3ª versión) M. de Orsay
La pincelada es muy pastosa. La composición, la
perspectiva y el tamaño relativo de los objetos
están deliberadamente distorsionados.
LA HABITACIÓN DE ARLÉS, 1888
(1ª versión) M. de Orsay

“Se trata simplemente
de mi dormitorio; por
lo tanto, solamente el
color debe hacerlo
todo... sugerir sueño o
reposo en general. En
fin; la visión del cuadro
debe hacer descansar
la cabeza o, más bien,
la imaginación... la
cuadratura de los
muebles debe expresar
el descanso inmóvil".
VAN GOGH
LA HABITACIÓN DE
ARLES, 1889
(2ª versión)
Art Institute de Chicago
En la habitación utiliza una extraña perspectiva, inexacta pero con capacidad
real para sugerir la profundidad, y un colorido estridente, sin apenas tonalidad.

LA HABITACIÓN
DE ARLES, 1889
(2ª versión)
Art Institute de Chicago
La fuerza de estas
tres versiones de
la habitación de
Arlés estriba no
solo en la
intimidad y la
naturalidad del
dormitorio sino
también en la
creativa y
armoniosa
yuxtaposición de
los diversos
campos de color.
Utilizó de manera resuelta las tres parejas de colores complementarios (rojo y verde, amarillo y violeta,
azul y naranja) y les añadió el blanco y negro, a los que consideró la cuarta pareja. Van Gogh creía en la
teoría de Charles Blanc se que el color blanco suavizaría el efecto abrumador de los colores fuertes.

“Sin embargo al examinar el cuadro con
atención, A. no pudo evitar sentir que Van
Gogh había creado algo muy distinto de lo
que se proponía. Si bien la primera
impresión de A. ante el cuadro había sido
de "descanso" como pretendía el autor,
poco a poco, mientras intentaba penetrar
en la habitación del lienzo, comenzó a verla
como una prisión, un espacio imposible,
una imagen no ya de un lugar donde vivir,
sino del espíritu forzado a residir en ella. Si
se observa con atención se ve que la cama
bloquea la puerta, las persianas están
cerradas, no se puede entrar , y una vez
adentro, es imposible salir.
Cautivos entre los muebles y los objetos cotidianos de la habitación, uno comienza a oír un gemido de
sufrimiento en el cuadro y una vez que se escucha por primera vez resulta imposible detenerlo. Grité a
causa de mi aflicción..pero no hay respuesta para este grito. El hombre del cuadro (éste es un
autorretrato, sin ninguna diferencia respecto de un cuadro del rostro de un hombre, con ojos, nariz,
labios y barbilla) ha estado demasiado tiempo solo, y ha luchado demasiado en las profundidades de
su soledad. El mundo acaba ante esa puerta-barricada pues la habitación no es una representación de
la soledad, sino su misma sustancia. Y resulta tan opresivo, tan irrespirable, que no puede mostrarse en
otros términos. "Y eso no es todo, en esta habitación con las persianas cerradas no hay nada...“
PAUL AUSTER: "La invención de la soledad“

La distorsión de la perspectiva fue una elección deliberada: Vincent dijo a Theo en
una carta que había deliberadamente “aplanado” el interior y eliminado las sombras.
 Los retratos que cuelgan en
la pared sobre la cama
muestran el pintor belga
Eugène Boch y el soldado
Paul-Eugène Milliet.
 La investigación muestra
que los colores fuertemente
contrastados que vemos en
el trabajo de hoy son el
resultado de la decoloración
significativa en los últimos
años.
 Las paredes y puertas, por
ejemplo, al principio de
color púrpura en lugar de
azul.
 El ángulo de la pared
posterior no es un error por
parte de Van Gogh -la
esquina es realmente
sesgada.

“El marido está en el mar”, septiembre, 1889
La triste espera de la mujer del marinero
protagoniza esta delicada imagen de
Van Gogh realizada en septiembre de
1889 tomando como modelo una
estampa de Millet, uno de sus pintores
favoritos.
El artista retoma imágenes de maestros
anteriores: Delacroix y Rembrandt.
Van Gogh los admira y ello se une a la
falta de inspiración que sufre en las
primeras semanas del otoño al no
abandonar el sanatorio de Saint-Paul
donde residía por miedo a una nueva
crisis.
El fuego es el foco de luz de la
composición, resbalando por el cuerpo
amplio de la mujer e impactando la ropa
del pequeño. Las pinceladas empleadas
son rápidas, marcando el dibujo a través
del color, uniendo los dos conceptos que
definen la pintura.

“Dile (a Serret) que, a mis ojos, los verdaderos pintores no son los
que pintan las cosas tales como son, analizándolas secamente,
sino los que las pintan como las sienten.” VAN GOGH
“Mediodía: al final del trabajo” (evocación de Millet), 1889-90; Musée d‘Orsay, Paris
Pintada en Saint-Rémy cuando
estaba internado en un asilo.
La composición ha retomado un
dibujo de Millet para Las cuatro
horas de la jornada. Vincent
explica este enfoque a su hermano
Théo: "Se trata más bien de
traducir en otro lenguaje, el de los
colores, las impresiones de
claroscuro en blanco y negro".
Aunque fiel a la composición
original hasta en los detalles de la
naturaleza muerta del primer
plano, El artista se apropia
completamente de esta escena de
descanso que simboliza, para
Millet, la Francia rural de la década
de 1860.
Esta retranscripción personal se
realiza esencialmente mediante
una construcción cromática
basada en el contraste de los
colores complementarios azul-
violeta y amarillo-naranja. Pese al
carácter de tranquilidad del tema,
se encuentra aquí la intensidad
única del arte de Van Gogh.

GAUGUIN: “El pintor de girasoles”, diciembre, 1888
Vincent van Gogh y Paul Gauguin
mantuvieron a finales de 1888, en
Arlés, una de las relaciones más
atormentadas de la historia del
arte.
En varias semanas de turbulenta
convivencia, los dos genios de la
pintura lograron varios de sus
mejores cuadros.
Visitaron el museo de Montpellier,
donde disfrutaron de obras de
Delacroix y Courbet.
Pese a sus diferencias, cada uno
tenía en alta estima la obra del
otro. Van Gogh elogiaba "la
elevada poesía" de los cuadros de
Gauguin, y éste admiraba la
apasionada manera en que Van
Gogh abordaba el arte. En un
gesto de respeto mutuo,
intercambiaron algunos cuadros.
Pero cuando Gauguin termina el retrato de su amigo “El pintor de girasoles”, la visión que
obtendría Vincent a través de esa pintura -“Soy yo, pero yo enloquecido”-, habría de desatar
una tormenta entre ambos pintores que culminaría con el autocercenamiento de la oreja de
van Gogh y su reclusión en psiquiátricos donde pasaría sus últimos dos años de vida.

“Estoy en Arles completamente descentrado, de modo que todo lo
encuentro pequeño y mezquino, el paisaje y la gente. Vincent y yo
estamos muy poco de acuerdo en general, sobre todo en pintura. El
admira a Daudet, Daubigny, Ziem y al gran Rousseau, gentes todas
que nada me hacen sentir. Y, por el contrario, detesta a Ingres,
Rafael y Degas, gentes que yo admiro. Para conservar la
tranquilidad le respondo: Brigadier, tiene Vd. razón. Le gustan
mucho mis cuadros, pero cuando los estoy haciendo siempre
encuentra algo equivocado aquí o allá. Es un romántico y yo me
inclino más bien a una etapa primitiva. Desde el punto de vista del
color, le gustan los azares de la pasta como en Monticelli, mientras
yo detesto el manoseo de la factura, etcétera."
CARTA DE PAUL GAUGUIN A ÉMILE BERNARD (Arles, 1888)

VAN GOH: “La Arlesiana”, 1888
Influencia de Gauguin en las distintas
reproducciones de La Arlesiana.
Aquí se pueden ver dos versiones de la
Arlesiana, retrato de Madame Ginoux,
gerente del Café de la Estación de Arlés
que inspiró a Gauguin y Van Gogh.
“Finalmente encontré una arlesiana, esbozada en
una hora; fondo limón pálido, la cara gris, el
vestido negro, negro negro, de azul de Prusia
completamente crudo. Se apoya sobre una mesa
verde y está sentada en un sillón de madera
anaranjada...” VAN GOGH: “Cartas a Theo”
GAUGUIN: "Café Nocturno en Arlés”, 1888

"... estoy haciendo un retrato de
Madre para mí. No soporto la
fotografía sin color, y estoy
intentando hacer uno con un
color armonioso, como la veo en
el recuerdo.
(…) ¡Ah, qué retratos de la
naturaleza podrían hacerse
ahora con la fotografía y la
pintura! Siempre espero que
todavía habremos de tener una
gran revolución en el retrato.“
VAN GOGH
VAN GOGH: “Retrato de su madre”, 1888

“Retrato del Doctor Felix Rey”, January 1889

“El sembrador”, 1889
"...El disonante
amarillo limón lastima
la mirada, como un
tono alto de trompeta
junto al oído; los ojos
no podrán estar fijos
en él y buscarán la
quietud del verde o el
azul. En niveles
sensitivos mas altos,
el efecto superficial
conlleva otro más
hondo: una vibración
emocional. La energía
psicológica del color
produce un
movimiento en el
ánimo. La energía
física primitiva es el
camino por el cual el
color llega al
espíritu...“ Kandinsky,
"Sobre lo espiritual en
el arte", 1910.

VISTA DE ARLÉS
CON IRIS, 1889
“ He intentado poner en el paisaje el
mismo sentimiento que en la figura
humana; el mismo enraizamiento
convulso y apasionado en la tierra.”

Huerto en flor con vistas de Arles , 1889

Preocupado por su salud, Vincent van Gogh ingresó voluntariamente el día 8 de Mayo de
1889 en el hospital para enfermos mentales de Saint Paul de Mausole, antiguo monasterio
del siglo XII, situado en las afueras de Saint Rémy de Provence.
Estuvo un año prácticamente aislado de toda influencia artística y rodeado de alienados. A
pesar de la situación, el artista mantenía su cabeza perfectamente lúcida en los períodos
entre ataques. Durante nueve meses, una persona, con sus facultades mentales correctas,
tuvo que vivir rodeado de enfermos mentales. La experiencia debió ser terrible.
En esta etapa, la pintura, más que una actividad artística, constituye una terapia ocupacional
para evitar caer en la abulia y en la locura de los otros internados. Liberado de
preocupaciones domésticas y de intereses artísticos, pinta con entera soltura, liberando sus
sentimientos y dejando fluir mansamente su angustia en sus cuadros, surgiendo así algunas
de sus obras más famosas.
El aislamiento a que le somete la vida hospitalaria, lejos de toda influencia artística, produce
una sedimentación y una amalgama de todos los conocimientos adquiridos a lo largo de su
vida profesional, Su preocupación por el hombre, que se aprecia desde sus bocetos en
Borinage, continua manifestándose en Saint Rémy.

Permaneció en el sanatorio un
año, alternando la alucinación
con momentos de tranquilidad.
En ningún momento dejó de
pintar, las obras de este
periodo evidencian sus
tensiones y desequilibrios.
Trigales y cipreses se hacen
frecuentes en la producción de
este tiempo. Las llamaradas
oscuras y la pincelada crispada
y nerviosa permite descargar
su tensión interior. La
naturaleza que le atrae es
trémula, con escabrosos
accidentes de terreno.
Predominan las visiones
tétricas y lúgubres que
distorsionan la realidad.
También realiza copias de los
grandes maestros a partir de
grabados en blanco y negro. Su
recluímiento no le impide el
realizar algunas de sus obras
más importantes.
“Campo de trigo con un segador
a la salida del sol”, 1889
"El hospital de Saint-Remy“, 1889
“La noche estrellada”, 1889
“Retrato de Trabuc; director del
hospital de San Pablo”, 1889

“Campo de trigo con el sol naciente”,1889

“Trigal bajo la lluvia”, 1889
Recoger los efectos atmosféricos en los lienzos será una de los más interesantes objetivos entre
los impresionistas, tomando como referencia al pintor inglés Turner. Vincent en alguno de sus trabajos,
como éste, también sentirá admiración por la lluvia; La intensidad de las gotas se refleja perfectamente
en el lienzo, desdibujando los contornos y dotando de un aspecto plomizo a la composición.

“Cipreses”, 1889
 Pinceladas que se arremolinan,
reflejando su alterado estado
anímico.
 Colores cada vez más saturados
(usa espátula junto al pincel)
 Cipreses en forma de llama.
En Saint Rèmy realizó numerosas
obras con el tema de pinos, cipreses
y olivos. Se centró en los efectos
pictóricos de los árboles. Pero
fueron los cipreses, con su forma
triangular, los que le sirvieron para
crear una magnífica serie
de paisajes. Incorporaba la mancha
oscura del ciprés en muchas de sus
grandes composiciones, como en La
noche estrellada y, entre otras,
en Campo de trigo con
ciprés, Cipreses con dos
mujeres y Ciprés en el cielo estelar.66

“Cipreses y dos mujeres”, febrero, 1890 “Camino con cipreses bajo un cielo estrellado”, 1890

Su pintura evoluciona hacia lo que será totalmente característico de su pintura: la exaltación del
color, que se convierte en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del color el
artista se expresa con una pincelada continua, fuerte y agresiva, aplicando un color abundante y
pastoso. Sus problemas psíquicos hacen que su pintura sea cada vez más exaltada, reflejo de su
atormentada vida interior. Como magnífico ejemplo de su obra estudiaremos la Noche estrellada.
 Contraste entre formas rectas del
pueblo muy empequeñecido y la
profusión de curvas y contracurvas
del cielo y la vegetación.
 Las espirales de color acentúan
agitación
 Contornos muy marcados con líneas
oscuras.
 Una resplandeciente banda aumenta
contraste entre espacio terrenal y
celestial.
 Las estrellas y la luna representadas
por torbellinos amarillos rodeadas de
pinceladas blancas en dinámica
relación con cielo azul.
 Pinceladas enérgicas, sinuosas y
cargadas de color puro que
contrastan de modo violento.
 Cipreses flamígeros dan verticalidad
que equilibra horizontalidad de cielo.

Las grandes espirales y remolinos intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un
contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.
Además de Venus y la
Luna aparecen otras
estrellas que se
corresponden con la
constelación de Aries.
Las ondulaciones que
atraviesan el cielo
podrían representar,
según algunos
autores, la Vía Láctea
o la forma en espiral
de las galaxias, hecho
que acababa de ser
descubierto.

“Campo de trigo con cipreses”, 1889 (Nueva York)

“Los cipreses me preocupan constantemente; quisiera hacer algo con ellos como con las telas de los girasoles, porque
me sorprende que nadie los haya representado todavía como yo los veo. En cuanto a líneas y proporciones, son bellos
como un obelisco egipcio, y su verde es de una calidad especialmente exquisita. Es la mancha negra en un paisaje lleno
de sol, pero es uno de los tonos negros más interesantes y al mismo tiempo más difíciles de captar exactamente que
uno se pueda imaginar. Hay que ver los cipreses aquí, contra el azul, o mejor dicho, en el azul.” V. VAN GOGH
“Campo de trigo
con cipreses”, 1889
(Londres)

PAISAJE CON UNA CASA Y UN TRABAJADOR
OCTUBRE, 1889

“Calle del pueblo y escaleras con figuras”, 1890

“Campo de trigo con un segador a la salida del sol”, 1889

“Jardín del hospital de Saint-Remy“, 1889 “Pinos ante un cielo rojo con el sol poniente”, 1989

”Maleza”, 1989
Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue ”Maleza”,
donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos.

“Jardín del hospital de San Pablo”, 1889
“Mariposa emperador”, 1889

JARDÍN DEL HOSPITAL
DE SAN PABLO, 1889

“Los árboles azotados por el viento eran espléndidos;
en cada figura podría mostrar un drama.” VAN GOGH
“Olivos”, 1889
Van Gogh estaba
impresionado por las
complejas estructuras
de los olivos, de sus
ramas y de sus colores
cambiantes con el sol.
En su serie de cuadros
de olivos transmitió su
nuevo estilo de pintar,
cambiando las grandes
áreas de color luminoso
presentes en sus
trabajos anteriores, por
pinceladas mas largas y
llenas de un estilo
ondulante presente en
todo el lienzo.

OLIVOS CON CIELO
AMARILLO Y SOL, 1889

En Saint-Rèmy volvió a
copiar algunas de sus
pinturas favoritas como
las de Millet.
”Campesina rastrillando”, 1889
”El atardecer”, 1889
“La Veillée”,
Millet MILLET: “Joven campesina”

“Dos mujeres campesinas que cavan en un campo
cubierto de nieve en la puesta del sol”, 1890
Van Gogh se
inspiró en Millet
en “Las
espigadoras” . A
diferencia de otras
obras, no se trata
de una versión
estricta de la
pintura original. El
sol poniente arroja
un resplandor
cálido sobre los
campos de
nieve. contraste
entre el blanco del
campo el
anaranjado del sol
y el azul del cielo.
MILLET: “Las espigadoras”, 1857

“Resurrección de Lázaro, (inspirado en Rembrandt), 1889
Rembrand: “Resurrección
de Lázaro”, 1632
En Sant Remy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por lo que pidió a su hermano
Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir de las que él interpretaba el color a su manera.
Exploró temas religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el cabello y la barba de color
rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt).
Rembrandt

“El buen samaritano” (inspirado por Delacroix), 1890DELACROIX: “Buen Samaritano”, 1850

“Piedad” (inspirado por Delacroix), 1889
“Constituyen todos estos cuadros metáforas de
su dolor y de su soledad, pero también llevan
implícitos un mensaje de esperanza. Vincent
necesita asirse a algo para salir de la difícil
situación en que se encuentra. La religión es
una de sus tablas de salvación, pero Van Gogh
no es un cristiano beato, no es un cristiano de
gestos vacíos, sino un hombre, comprometido
con el mensaje de Cristo, que ha cambiado su
actividad misionera por una actividad artística,
conservando gran parte de los principios básicos
del cristianismo como demuestra su
preocupación, siempre presente, por los más
necesitados.
Tiene, como todo creyente, sus propias ideas de
la Deidad, de un Dios Transcendente y
Absoluto, que, por supuesto, no son las
académicas ni las más ortodoxas. "Eso no me
evita tener una terrible necesidad de religión.
Entonces salgo afuera en la noche a pintar las
estrellas."
Su otra tabla de salvación es la Naturaleza, que
magnifica e idealiza, especialmente cuando, en
una noche estrellada, eleva los ojos desde la
tierra hacia el universo. Entonces la Naturaleza
adquiere toda su grandiosidad hasta alcanzar
unos niveles en que Deidad y Naturaleza se
unen y se confunden dando lugar a una especie
de panteísmo”. JOSÉ NAVARRO

“Lirios en St. Remy”, (primavera), 1890

“Almendro en flor”, 1890
Influencia japonesa

“Lirios”, 1890“Iris”, May 1889

“En la Puerta de la Eternidad”, 1890

“Los borrachos”, 1890 (inspirado por Daumier)
DAUMIER: “Los bebedores”

Un grupo de presos caminan en círculo,
bajo la vigilancia de unos guardias,
dentro de los altos muros de una prisión.
Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo
con el tema de la obra. Los únicos
elementos de color son el rojizo de los
ladrillos y la casaca azul de uno de los
vigilantes.
“La ronda de los presos”, 1890 G. DORE: “Ejercicio en la prisión”, 1872

En diciembre de 1888 Vincent se recluyó en un
asilo de enfermos mentales, pero aún tuvo
intervalos de lucidez en los cuales siguió pintando.
Después de pasar un año en Saint-Rémy, Van
Gogh estuvo los últimos tres meses de su vida
en Auvers-sur-Oise, un pueblecito cerca de
París. Quizá impresionado por cuadros como La
ronda de los presos, Theo se decidió a seguir el
consejo de Pissarro y trasladar a Vincent al norte.
En Auvers, lo acoge el conocido Doctor Gadchet,
médico homeópata aficionado a la pintura y
conocido de los impresionistas, amigo de su
hermano Théo.
La agonía se prolongó durante catorce meses
más. En julio de 1890 Van Gogh muere, a causa
de un tiro, el 27 de julio de 1890.
Su carrera de pintor no había durado más de
diez años, y todos los cuadros sobre los que
descansa su fama fueron pintados durante tres
años interrumpidos por crisis mentales y
espirituales.

"No sé si alguien habló antes que yo del
color sugestivo… Quiero darte un
ejemplo. Quiero hacer el retrato de un
amigo, de un artista que sueña grandes
sueños. Este hombre será rubio. Quisiera
pintar en el cuadro toda la admiración, todo
el amor, que siento por él. Para empezar,
pues, lo pintaré tal como es, tan fielmente
como me sea posible. Pero con eso no está
terminado el cuadro. Para completarlo me
convertiré ahora en colorista arbitrario.
Exagerar el rubio del cabello, lleno de tonos
naranja, a un amarillo cromo, a un claro color
limón, Detrás de la cabeza pinto – en lugar
de la pared habitual de una pieza vulgar- el
infinito. Hago, un fondo con el azul más
fuerte que puedo producir. Y así la rubia
cabeza luminosa, sobre el fondo de azul
opulento, adquiere un efecto místico, como
la estrella en el profundo cielo…” VAN GOGH

“Tanto en la vida como en la pintura
puedo prescindir muy bien de Dios,
pero sin embargo soy una persona que
sufre y no puedo prescindir de algo
superior a mí mismo y que representa
toda mi vida – la fuerza creadora…
Quisiera pintar hombres y mujeres con
algo de eternidad, lo que en otro
tiempo estaba simbolizado por la
aureola de los santos y que nosotros
tratamos de representar con la
luminosidad y el movimiento oscilante
de nuestros colores… Expresar el amor
de dos enamorados mediante el enlace
de dos colores complementarios,
mediante su mezcla y su contraste,
mediante la misteriosa vibración de
tonos aproximados entre sí. Expresar lo
espiritual de una frente a través de la
luminosidad de un tono claro sobre un
fondo oscuro. La esperanza por medio
de una estrella. La pasión de una
persona por una resplandeciente
puesta de sol.” VAN GOGH
“Paseo a la luz de la luna”, 1890

“Auvers después de la lluvia”, 1890

“Gavillas de trigo”, Julio 1890

“Campo de trigo bajo el cielo nublado”, 1890

“Paisaje en Auvers bajo la lluvia”, 1890

“Granjas cerca de Auvers”, 1890

“Cabañas cubiertas con paja y casas,” 1890

“Campo de trigo con cuervos”, 1890
“Son inmensos campos de trigo bajo un cielo amenazador, y no necesito
salir de mi para expresar la tristeza y la soledad extrema. Espero que los
verás pronto porque espero llevarlos a París lo antes posible, creo que
estos lienzos te dirán lo que no puedo decir con palabras, la fortaleza y la
recuperación que veo en el país”. VAN GOGH: “Cartas a Theo”

El cuadro está vigorosamente pintado con espátula. Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos
sobre el agitado trigal, con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo. Van Gogh apreciaba a estos
animales como motivo pictórico. Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar una estampa de la
naturaleza donde se unía el vuelo de los cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo.
En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, resulta atractivo especular sobre su significado. Hay
quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su
vida. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado, presente y futuro de la vida del artista.
Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh, y en las grandes obras de arte, la interpretación es una tarea que
el artista deja al juicio del espectador.
“Campo de trigo con cuervos”, 1890
Contrastes cromáticos
intensos.
 Línea de horizonte
ondulada.
 Caminos tortuosos.
 Desaparición absoluta
del dibujo.
 Utiliza cuchillo para
impregnar espesas
capas de pintura.
 Expresión de estado de
ánimo a través del color.

“Iglesia de Auvers-sur-Oise”, 1890

“Autorretrato”, 1887
"...Cuando contemplo mi cara en el espejo de
esta manera pienso, naturalmente, en esos
últimos estudios que Bonnard hizo de sí
mismo en el espejo del cuarto de baño de su
casa de Le Bosquet, hacia el final de la guerra,
después de la muerte de su mujer - los críticos
califican esos retratos de despiadados,
aunque no entiendo por qué debería
intervenir la piedad-, pero, de hecho, lo que
más me recuerda mi reflejo, acabo de darme
cuenta, es el autorretrato de Van Gogh, no
ese famoso en el que lleva un vendaje, la pipa
y el terrible sombrero, sino uno perteneciente
a una serie anterior, pintado en París en 1887,
en el que tiene la cabeza descubierta y lleva
cuello duro, corbata azul Provenza y las dos
orejas aún completas, y tiene aspecto de
acabar de recibir algún tipo de golpe punitivo,
la frente inclinada, las sienes cóncavas y las
mejillas hundidas como de hambre; nos mira
de soslayo desde el marco, con cautela, con
iracunda premonición, esperando lo peor,
como bien debería...“
El mar, de John Banville

 Pinceladas yuxtapuestas
y superpuestas con
distintas tonalidades que
provocan fuertes
contrastes cromáticos
 Técnica divisionista con
pinceladas densas
directamente sacadas de
los tubos industriales de
pintura
“Autorretrato con sombrero de fieltro”, 1888

“Autorretrato”, 1888“Autorretrato con sombrero de paja”, 1887

Van Gogh se muestra como
un personaje austero,
enigmático, con ojos como
los de un gato -como el dijo,
“un sencillo monje japonés,
adorando al eterno Buda.”

"De cabello rojo, barbilla de
cabra, bigote rudo, toca capilar
rasa, mirada de águila y boca
incisiva por así decirlo, talla
mediana, rechoncho, pero sin
exceso, de gesto vivo y andar
irregular, tal era Van Gogh,
siempre con su pipa y una tela,
un grabado o una carpeta de
dibujo. Vehemente en el hablar,
interminablemente parlanchín y
desarrollador de ideas, poco
dado a la controversia, así era
él." EMILE BERNARD

“Su mente ha estado ocupada tratando de resolver los problemas de la
sociedad que no han sido resueltos por mucho tiempo, todavía está batallando
con su buen corazón y su energía bondadosa. Sus esfuerzos no han sido en
vano, pero probablemente no vivirá para verlos fructificar, para cuando la
gente entienda lo que él dice en sus pinturas será demasiado tarde. Es uno de
los pintores más avanzados y es difícil entenderlo, incluso para mi que lo
conozco íntimamente. Sus ideas se ocupan demasiado, examinando qué es
humano y cómo debe uno observar al mundo, por lo que uno debe primero
liberarse de cualquier pensamiento remotamente ligado a lo convencional para
entender lo que está tratando de decir, pero estoy seguro que será
comprendido en el futuro. Es difícil decir cuando”. THEO (Paris, Febrero 1889)

“El Dr. Gachet (que es un gran aficionado y posee una de las mejores
colecciones de la pintura impresionista de hoy) quiso decir algunas palabras
de homenaje sobre Vincent y su vida, pero también lloraba tanto que sólo
pudo balbucear un adiós muy confuso. (La manera más hermosa, quizás).
Señaló brevemente los logros de Vincent, indicando cómo de sublime era
su meta y cómo de grande era la admiración que sentía hacia él (aunque le
había conocido por un corto tiempo). Él era, dijo Gachet, un hombre
honesto y un gran artista, tenía solamente dos objetivos, la humanidad y el
arte. Era el arte lo que él amaba por encima de todo y lo que le hará vivir de
nuevo. Entonces volvimos. Théodore van Gogh estaba hundido por la pena;
algunos de los asistentes, muy emocionados, se retiran por el campo,
mientras que otros vuelven de nuevo a la estación. Laval y yo volvimos a la
casa de Ravoux y hablamos de él.
Pero ya tiene bastante, mi querido Aurier, absolutamente bastante de esta
triste jornada. Usted sabe cuánto lo quería y puede imaginarse cuánto lloré.
Usted es crítico, así que no se olvide de él e intente escribir algunas
palabras para decir que su entierro fue una apoteosis verdaderamente
digna de su gran corazón y de su gran talento.”
Con mis sentidos deseos, Bernard.
ESTRACTO DE LA CARTA DE ÉMILE BERNARD A GUSTAVE-ALBERT
AURIER TRAS LA MUERTE DE VAN GOGH (31 Julio 1890)

“Las grandes obras de arte renuncian al ilusionismo
engañoso de un mundo estético cerrado en si mismo y
va más allá de las mismas.
Están en relación directa con los grandes problemas
vitales de su tiempo.” ARNOLD HAUSER
“Van Gogh es un
artista amenazado, la
singularidad de su
expresión lo vuelve
inadmisible para la
época. Está obstinado
en que su violencia se
vuelva luz, materia
pictórica.”
CLAUDIA SCHVARTZ
“Es pintor y lo será siempre. En su juventud, cuando nos transmite una Holanda
oscura. Después, algo mayor, pintando con diferentes técnicas Montmartre y sus
jardines. Finalmente, al plasmar el Sur y Auvers-sur- Oise con sus pastosos y
exaltados colores. No importa que dibuje o no, que se pierda en manchas
cromáticas o en alteraciones de la forma: su calidad de pintor permanece siempre
irreversible.” EMILE BERNARD en «Mercure de France»,1893
«Vincent van Gogh es demasiado sencillo y al mismo
tiempo demasiado sutil para el espíritu burgués de
nuestro tiempo. Sólo sus hermanos le entenderán
siempre plenamente, sólo los artistas que lo sean de
verdad.»
ALBERT AURIER en «Mercure de France», 1890

Noche estrellada
Pinta de azul y gris tu paleta
Escruta un día de verano
Con ojos que conocen la oscuridad de mi alma.
Sombras en la colina
Esboza árboles y narcisos
Captura la fría brisa del invierno
En colores sobre la tierra de lino nevada
Noche estrellada
Luminosas flores de brillante resplandor
Torbellino de nubes en la niebla violácea
Se reflejan en los ojos de Vincent de porcelana azul
Los colores cambian de matiz
Campos matutinos de trigo ámbar
Rostros curtidos por el dolor
Aplacado por la tierna mano del artista
Ahora comprendo
Lo que tratabas de decirme
Y como sufriste por tu lucidez
Y como trataste de liberarles
No escucharon, no sabían como
Tal vez escuchen ahora.
Pero no sabían quererte
Aún así tu amor era sincero
Y cuando no te quedaba esperanza
En esa noche estrellada
Te quitaste la vida como suelen hacer los amantes
Yo podría haberte dicho, Vincent
Que este mundo no se hizo
Para alguien tan bello como tú
Como los extraños que conociste
El harapiento de andrajosa vestimenta
Espina de plata, una sanguinolenta rosa
Yace aplastada sobre la impoluta nieve
Creo que ahora sé
Lo que intentaste decirme
Como sufriste por tu lucidez
Y como intentabas liberarles
No te escucharon
Aún siguen sin escuchar
Y tal vez nunca lo hagan.

ANTONIN ARTAUD: “VAN GOGH, EL SUICIDADO POR LA SOCIEDAD”, 1947
CHARLES ESTIENNE: VAN GOGH, ESTUDIO CRÍTICO, 1953. Editions Albert Skira.
C.H. SIBERT: VIDA DE VAN GOGH, 1953. Editions Albert Skira.
DIETER BEAUJEAN: VINCENT VAV GOGH, 2005
INGO F. WALTHER : VINCENT VAN GOGH, 1987
JOHANNES VAN DER WOLK, RONALD PICKVANCE Y E.B.F. PEY: VINCENT VAN GOH, 1990
PASCAL BONAFOUX: VAN GOGH, LE SOLEIL EN FACE, 1987
VINCENT VAN GOGH. CARTAS A THEO. 1985
VINCENT VAN GOGH. CARTAS DESDE LA LOCURA

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