1. ARTISTAS LATINOS E
INTERNACIONALES
TRABAJO HECHO POR:
ALEXIA MALDONADO

2. Vicent Van Gogh
La figura central en su vida fue su hermano
Theo, porque mantuvo con el, una relación que
sería determinante en su existencia y su trayectoria
artística.
En 1873 se volvió solitario tras un rechazo
amoroso. Su carácter era difícil, inestable, era de
temperamento fuerte.
Quiso entrar a una escuela religiosa, pero no lo
aceptaron a causa de su problema mental.
Se auto mutiló el lóbulo de la oreja. Una de las
teorías fue que se peleó con su mejor amigo.
En sus obras representaba cosas de la vida, sus
acontecimientos y sentimientos, como él veía las
En 1889 estuvo en un hospital psiquiátrico
cosas.
durante permaneció 12 meses. En mayo de
1890 viajó a Paris para ver a su hermano Theo,
luego viajó a Auvers-sur-Oise donde fue
sometido a un tratamiento homeopático.
Unos meses más tarde el dr. Le aseguró que
estaba curado, pero su estado de animo no
mejoró. Una hipótesis de su muerte dice que
el 27 de Julio se disparó en el pecho y murió 2
días después.

3. Oswaldo Guayasamin
La temática en la serie «Camino del llanto»
es: del indígena, el negro y el mestizo. En «La
edad de la ira» la temática fue la guerra, la
violencia, lo que el hombre hace contra el
hombre. La ira de sus obras se expresa en sus
ojos, sus manos y su cabeza. Los
comentaristas en relación al contenido de esta
pintura, han señalado que se trata de protesta
social.
Según el artista, pinta para indignar,
para herir, dañar y golpear el corazón
de la gente para mostrar las
monstruosidades de América.

4. Marta Minujin
Nació en Buenos Aires. Ella es
una artista pop
(Popular), realiza esculturas y
happening (Manifestación
artística en la que participa el
público, surgió en 1950).
El happening «Torre de Babel»
consistió en un edificio y en el
cual colgó por fuera, libros de
distintas partes del mundo.
Según la artista «todo es
arte», para ella, es una forma de
expresar lo que uno siente, lo
que uno ve.
Ella dice haberse «casado con
el arte». Es vivir en un estado
superior que al casarse con el
arte, no lo puede abandonar.

5. Milo Lockett
Nació e Argentina. Es una persona que vive
al margen de la sociedad, alguien que piensa
que puede hacer algo diferente y
transformar al mundo.
Según Milo, sus pinturas tienen un lenguaje
visualmente muy cercano a los chicos, al
carácter de su dibujo es muy primario.
Él considera que un arte para pocos no está
bueno, por eso hace arte para todos, quiere que
halla un poco de sus obras en diferentes partes,
así todos la disfrutan.
No le da mucha importancia a lo que las personas
opinen de sus obras, o sea, es libre de pintar lo
que le gusta, manifestar lo que quiere.

6. Edward Munch
Nació en Noruega.
Vio morir de tuberculosis a
su madre cuando él tenía 5
años y a su hermana cuando
tenía 14.
Sus cuadros reflejan tus
traumas interiores.
El Grito significó la
culminación de este
sentimiento trágico de la
vida.
La obra está hecha con
formas y color básico
para expresar las
dificultades de la
existencia humana. En la
serie «El sufrimiento de
la vida» expresa, con un
lenguaje nuevo, sus
experiencias sobre el
amor, la enfermedad, la
muerte y la naturaleza.
A la obra «El Grito», la expresa
como: «Caminaba con dos amigos
por la carretera, entonces se puso
el sol; de repente, el cielo se
volvió rojo como la sangre. Me
detuve, me apoyé en la valla,
escuche a la naturaleza,, que
gritaba, se quejaba de la manera
que podía, por lo que la
humanidad le causaba, por el
dolor»

7. Jackson Pollock
Nació en Estados Unidos. Él pintaba con
una técnica llamada “dripping” la cual
consiste en vertír o dejar caer pintura
sobre un lienzo que dejaba en el suelo, con
algún pincel u otra herramienta.
Su nombre trasciende por la relación con
los grandes lienzos abstractos de vivo o
colorido, donde los trazos se entrelazaban
hasta formar una trama densa y compacta.
Murió en un accidente de automóvil a los
44 años y sufría de alcoholismo

8. Antonio Berni
Nació en Argentina. Él refleja
en sus obras la realidad del
mundo que le toca vivir. Desde
entonces, para él, la pintura
será su manera de reflexionar
sobre la realidad y de intentar
transformar el mundo marginal
de los trabajadores.
Su imagen subrealista cambia
en cuadros de grandes
dimensiones con múltiples de
obreros y campesinos,
extremadamente realistas en
sus descripciones.
El nuevo realismo del que
Berni formaba parte es una
pintura que debe reinterpretar
la realidad social, política y
económica de nuestro tiempo.
En la década del 60, sus
obras eran dedicadas a
Juanito Laguna y Ramona
Montiel, dos personajes
inventados por él para
utilizarlos como símbolos de
la niñez explotada en
América Latina.
También se caracteriza por
utilizar la técnica collage, en
el que usaba materiales de
los sectores marginales.
Su arte fue considerado de
denuncia, porque a través de
sus obras mostraba las duras
realidades que vivía la gente
marginada.

9. Cándido López
Es un artista argentino. López inició su carrera
como fotógrafo deguerrotista en 1858.
Los conocimientos le resultarían importantes
para su posterior carrera como pintor, le
permitieron ser observador minucioso de la
realidad.
Durante su tiempo libre entre combates, pintó
varios paisajes de campamentos militares.
En la batalla, una granada le cercena parte del
brazo derecho. Por lo que aprendió a pintar
con el brazo izquierdo.
El ex-presidente Mitre le aportó
subsidio a cambio de una serie de
cuadros que “documenten” la “Guerra
de Paraguay”.
En sus cuadros nos transmite como
era la vida de un militar, las escenas,
los campos
de batalla.
No
transmiten
la
emotividad
bélica ni el
sufrimiento.
Sino que
muestran el
paisaje
natural
neutro.

10. Joan Miró
Nació en Barcelona, España.
Buscó inspiración en la fantasía, lo onírico y lo
irracional para crear obras.
La simplificación de formas convierte a sus
personajes y objetos en símbolos.
Los fondos no son importantes, por lo que
predomina el negro, azul, rojo y amarillo.
Toda su dedicación se vuelca a figuras que tienen
algo de humorístico y fantástico, mezclando lo
orgánico con lo geométrico para representar la
realidad que Miró veía totalmente secreta.
Miró es famoso por traspasar los límites del arte,
por los brillantes colores y aire infantil de sus obras
y por su famosa declaración de querer “asesinar la
pintura”
Creó 12 grupos de obras experimentales durante
una década para tratar de cambiar el arte. Miró
limitó la cantidad de pintura que usaba en sus
creaciones, utilizó papel de loja y goma entre otros,
experimentó con diferentes gormas e incluso creó
collages.

11. Frida Kahlo
Su país natal es México. Ella crea pintura
absolutamente personal, ingenua y
profundamente metafórica al mismo
tiempo, derivada de su exaltada
sensibilidad y de vatios acontecimientos
que marcaron su vida. El tema de sus
obras es ella misma.
A los 18 años
sufrió un gravísimo
accidente que la
obligó a una larga
convalencia,
durante la cual
aprendió a pintar, y
que influyó con
toda probabilidad
en la formación del
complejo mundo
psicológico que
refleja en sus
obras.
Se casó con el
muralista Diego
Rivera.
En el siglo XX se
destacan sus obras

12. Diego Rivera
Nació en Guanajato,
México. Fue considerado el
mejor muralista del país.
Estudió profundamente el
arte maya y azteca.
En la década del 20
decidió crear un estilo
nacional que reflejara la
historia del pueblo
mexicano, desde la época
precolombina hasta la Revolución, con escenas de un
realismo vigoroso y popular, y de colores vivos.
El tema de sus obras era lo social, las costumbres y la
vida cotidiana.
Sus murales tienen una característica importante: era
un arte para todos.

13. Molina Campos
Es un artista argentino. Él pinta el campo argentino y la vida de los gauchos y paisanos.
Fue acusado de ser caricaturista, de ridiculizar al gaucho (por sus deformaciones). Él se
defiende diciendo que en realidad se trataba de exagerar los rasgos y que no había
intención de faltar el respeto a los hombres de nuestra tierra.
Campos es un artista autodidacta (que aprende solo), dibujante costumbrista (dibuja las
costumbres) y popular (reconocido por el pueblo).

14. Wasally Kandinsky
Nació en Moscú , Rusia, Neuilly-sur-Seine.
Según Wasally, la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación
formal.
Éste descubrimiento lo condujo a una experimentación que culminó, a finales de
1990, con la conquista definitiva de la abstracción.
La características de sus cuadros era: la articulación de gruesas líneas negras con vivos
colores y en ello se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

15. “El Guernica” de Pablo Picasso
El tema de esta obra gira
en torno a los horrores de
la guerra.
El Guernica dejó de ser un
puro cuadro histórico para
convertirse en un grito
contra la guerra desde el
punto de vista de las
víctimas, una reflexión
sobre la destrucción y el
dolor aplicable a cualquier
tipo de conflicto,
convirtiendo un hecho
concreto en una obra
universal. Picasso deforma
las figuras para darles una
mayor expresividad. De
esta manera, crea
transferencias de las
cualidades de los objetos.
En su limitación cromática, puede transmitir todo el clima
de dolor y tragedia.
El caballo representa: la cabeza es la figura central de la
composición. Una lanza ha herido al animal. Este presenta
agonizante, la boca abierta y su morro tiene forma de cráneo
humano, una alegoría de la muerte. La posición de las patas
desequilibra el cuerpo de la bestia. El caballo es un animal
clave en la cultura española- En esta obra, parece simbolizar
el “bien del país” destrozado por la guerra.

16. Benito Quinquela Martin
Nació en Argentina. Era pintor y muralista.
Su temática eran los barcos y las labores portuarias en general.
Desde los 9 hasta los 15 años, fue obrero portuario de La Boca (trepaba a los barcos para
llenar las bolsas vacías de carbón y cargarlas en los carros. También pegaba carteles y
repartía pasquines a favor del doctor Alfredo Palacios.
En Italia lo nombran como pintor predilecto, “porque sabe retratar el trabajo”.

17. Salvador Dalí
Salvador Dalí fue un artista Español quien se convirtió en uno de los más famosos pintores del
siglo XX. Un artista extremadamente imaginativo, narcisista y melagomaníaco, obsesionado
consigo mismo y colérico. Le gustaba atraer la atención del público.
Fue considerado como un artista neurótico, perverso y loco. Pero esto le da igual, porque creía
en sí mismo. En sus obras mostraba ideas que lo obsesionaron durante toda su vida: el paso del
tiempo o la inmortalidad.
A los 25 años se enamoró de Elena Diakonova, a quien la llamo Gala y sería siempre su mujer y
musa. Ella era tan escandalosa como él y ambos compartieron sus locuras el resto de sus vidas.
Los conflictos familiares que tubo Dalí y el haber conocido a Gala marcaron decisivamente a este
pintor y su obra. Gala fue la primera persona que veía e interpretaba las obras de Dalí.
Ella fue quien reconoció la chispa genial de su compañero y el valor iconográfico que tendría su
obra.
El surrealismo es un arte que va más allá de la realidad. Composiciones sin sentido.
En “La persistencia de la memoria” se destacan los acantilados, se observan a la derecha del
cuadro, aquellas rocas iluminadas por el crepúsculo, o sea duró lo que perduraba.
Dalí pintó tres relojes blandos y uno rígido, el rígido se encuentra boca abajo y no deja ver el
tiempo, los blandos tenían dos horas diferentes que daban a entender la relatividad del tiempo.
Dalí decía que el tiempo es personal, para él, los relojes representan la memoria.
La cara pintada en el centro de la obra, se dice que es del autor. Y las hormigas representan la
decadencia, la putrefacción.

18. Salvador Dalí

19. Trabajo sobre: Artistas latinos e
internacionales vistos a lo largo del
año
Hecho por: Alexia Gisel
Maldonado
Grado: 2° II
Turno: Tarde