El documento presenta información sobre varios directores de fotografía europeos como Néstor Almendros, Vittorio Storaro y sus trabajos en películas como Days of Heaven, Kramer vs Kramer y Reds. También se incluyen resúmenes breves de las películas Days of Heaven, Kramer vs Kramer y Reds, destacando la importancia de la fotografía en cada una.
6. A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades,
y a quienes no porque con ello hemos demostrado que
estaban errados.
7. “Es imposible hacer una buena película sin una cámara
que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”
Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense
8. INTRODUCCIÓN
Como forma de arte y expresión
de las películas, la fotografía
cinematográfica siempre ha estado expuesta principalmente a
las mayores criticas por parte de
cineastas, criticos, y en general
todos los receptores posibles,
puesto que es la estética de la
película, lo que se ve y lo que
deja ver.
sin embargo este tema usualmente ha sido nombrado y tomado como tema central de muchas conversaciones a lo largo
del tiempo, pero muy poco se ha
visto plasmado y expuesto al ojo
publico de una manera similar
pero diferente a la vez de lo que
vemos en la mera proyección de
la película.
Mediante un gran esfuerzo y
dedicatoria se ha creado esta
maravillosa coleecion de dos
tomos enfocados totalmente a
la fotografía cinematográfica,
sus directores mas influyentes y
sus peliculas mas importantes y
taquilleras, claro esta, sin dejar
pasar por desapercibido ningún
rincón del mundo.
Con todo esto queremos que el
publico se empape del mundo
de la fotografía cinematográfica
y sus secretos, formas y técnicas que lo conforman, de tal
manera que no quede simplemente en algo de momento a la
hora de ver la película.
A la vez buscamos que que no
solo quienes pretenden estudiar
o quenes ya estan enfocados en
temas similares a este, se interesen es esta coleccion, sino que
todo el publico posible ya que
estamos incluyendo pleiculas
para todos los gustos y de todas
las clases.
9. ÍNDICE
PAG
CAPITULO TRES
EUROPA
NESTOR ALMENDROS
VITTORIO STORANO
ROGER DEAKINS
JOHN ALCOTT
SVEN NYKVIST
BENOIT DEBIE
JANUSZ KAMINSKI
BRUNO DELBONNEL
CHRISTIAN BERGER
ANTHONY DOD MANTLE
DARIUSZ WOLSKI
10
12
16
20
24
28
32
36
46
50
54
60
CAPITULO CUATRO
ASIA
KAZUO MIYAGAWA
TAKAO SAITO
ASAKAZU NAKAI
ZHAO XIAODING
PETER PAU
CHUNG HOON CHUNG
LIN JONG
CHRISTOPHER DOYLE
66
68
72
76
80
86
92
98
102
12. Personaje principal de “Days of heaven”
NESTOR ALMENDROS
Néstor Almendros nació en Barcelona el 30 de octubre de 1930,
y murió en Nueva York el 4 de
marzo de 1992.
Fue un director de fotografía español, miembro de la ASC.
Hijo de maestros, sufrió directamente las consecuencias de la
persecución del Magisterio progresista por parte del aparato
franquista.
Desde su juventud, Néstor demostró gran interés por las artes,
pero sobre todo por el cine.
En Cuba obtuvo su licenciatura
en Filosofía y Letras (1955) y
comenzó su carrera como director de fotografía y realizador
de películas aficionadas, junto
con el fotógrafo cubano Herman
Puig (1928), entre otros.
En este mismo año marcha a
Nueva York a estudiar cine al
New York City College. El curso
siguiente está en Roma, en el
Centro Sperimentale di
Cinematográfica.
En 1957 vuelve a Estados Unidos, en donde enseña español
en el Vassar College (estado de
Nueva York) durante dos años,
en tanto que dirige piezas teatrales de estudiantes hispanos
en el Middlebury College.
Más tarde, simultaneó sus trabajos en Francia con otros en
los Estados Unidos con películas como Días del cielo, de Terrence Malick, por la que obtuvo
un premio Oscar de fotografía
en 1978, Kramer contra Kramer
(1981), Bajo sospecha (1982) y
Billy Bathgate (1991), de Robert
Benton. El último metro (1980),
de nuevo con Truffaut, La decisión de Sophie (1982), de Alan
J. Pakula (por cuya fotografía
fue nominado al premio Oscar
en 1983) o Paulina en la playa
(1983), otra vez con Rohmer.
La asociación Film Society del
Lincoln Center (Nueva York),
crearon el Nestor Almendros
Prize.
13. Fotografía Cinematográfica
DAYS OF HEAVEN (1978)
Escena de la pelicula “Days of heaven”
Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar
la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago
de 1916.
Los dos y Linda, la hermana de Bill, viajan hacia
las grandes campos de trigo de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja.
Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón,
al que hacen creer que los tres son hermanos, les
pide que se queden porque se ha enamorado de
Abby.
Malick, cinco años después, realiza su segunda
película, de nuevo marcada por un estilo muy
personal de narrar. Los tres protagonistas que
se hacen pasar por hermanos, pretenden salir de
la miseria y para ello no dudarán en engañar al
patrón de la plantación al finalizar la temporada
de recogida, cuando éste, profundamente enamorado de la chica, les propone quedarse.
Se terminaron esas agotadoras jornadas para
malvivir, cuando disponen de tiempo y sin la preo-
Escena de la pelicula “Days of heaven”
cupación de ganarse el pan, saborean la felicidad
de los ricos. De nuevo la carga visual es una joya,
belleza en estado puro.
La fotografía de los campos de trigo mecidos por
el viento, la naturaleza de la América profunda,
los atardeceres, la luz de las llamas en la noche.
Simplemente espectacular. Acompañado de una
banda sonora también muy relevante.
13
14. Capítulo Tres: Europa
KRAMER VS KRAMER
(1979)
Ante su sopresa, su mujer Joanna (Meryl Streep) le comunica
su intención de marcharse del
hogar, dejando al niño bajo su
responsabilidad.
¨Película ganadora de
cinco premios Oscar¨
Ted Kramer (Dustin Hoffman) es
un brillante ejecutivo de publicidad que, tras conseguir un
importante triunfo profesional,
llega a su casa dispuesto a celebrarlo con su esposa y su hijo.
Repentinamente, la vida de Ted
cambia de forma radical. A partir de entonces, tiene que conquistar el afecto del niño y hacer
de padre y madre a la vez.
Unos meses después, sin embargo, Joanna llama a su ex
marido reclamando la custodia
del pequeño Billy (Justin Henry).
Ante la negativa del hombre, se
inicia la guerra legal y sentimental para ganarse el cariño y la
tutoría del chico.
Dustin Hoffman como “Ted Kramer”
Meryl Streep como Joanna
14
15. Fotografía Cinematográfica
THE BLUE LAGOON
(1980)
Dos niños, Emmeline y Richard, y el cocinero de
un barco, únicos supervivientes de un naufragio,
son arrastrados por el mar hasta una isla desierta.
Poco después, el cocinero muere y los niños
tienen que arreglárselas solos. Con el paso del
tiempo, Emmeline (Brooke Shields) y Richard
(Christopher Atkins) crecen y sus cuerpos empiezan a experimentar los cambios propios de la
adolescencia, lo que despierta en ellos una curiosidad que los lleva inocentemente a practicar los
primeros juegos sexuales.
The Blue Lagoon por Henry De Vere Stacpoole.
La música original fue compuesta por Basil Poledouris y de la cinematografía se encargó Néstor
Almendros.
producida y dirigida por Randal Kleiser. El guion
de Douglas Day Stewart se basó en la novela
Emmeline (Brooke Shields)
y Richard (Christopher Atkins)
Escena clave de la película
La película fue filmada en Jamaica y Nanuya Levu, una isla privada en Fiji. La
flora y la fauna que aparecen en la película incluye una gran a de animales de
varios continentes.
15
16. VITTORIO STORANO
Nació el 26 de junio de 1940 en
Roma. Profuso investigador y
gran amante de la experimentación y las innovaciones técnicas, Vittorio Storaro es sin duda
uno de los directores de fotografía más influyentes y originales del panorama
cinematográfico.
Entre sus colaboraciones con
Bernardo Bertolucci y más recientemente con Carlos Saura,
se encuentran algunas de sus
películas más importantes.
Diplomado por el Centro Sperimentale de Roma, trabajó como
ayudante de Marco Scarpelli y
Aldo Scavarda.
Director de fotografía de Giovinezza giovinezza (Franco Rossi, 1969), contribuyendo a dar
una visión elegiaca de los años
treinta. Su trabajo le consiguió
un Nastro d’Argento.
En 1969, comenzó a colaborar
con Bernardo Bertolucci en La
estrategia de la araña y desarrolló en sus películas (El conformista, 1971; El último tango
en París, 1972, 1900, 1976; La
luna, 1979) un estilo muy personal de sinuosos movimientos
de cámaras y luz natural.
Trabajó también con Franco
Rossi (La aventure di Enea,
1974), Salvatore Samperi (Malicia, 1973), Luca Ronconi (Orlando furioso, 1974), Luigi Bazzoni (Le orme, 1975), Michael
Apted (Agatha, 1979) y Warren
Betty (reds).
Por su excepcional fotografía
épica e hiperrealista de Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) recibió un Oscar y
por Goya en Burdeos de Carlos
Saura recibió un Goya1. Está
considerado como uno de los
maestros de la fotografía y la
iluminación.
1
Los Premios Goya o Premios Anuales de la
Academia son unos galardones otorgados de
forma anual por la Academia de las Artes y las
Ciencias Cinematográficas de España, con la
finalidad de premiar a los mejores profesionales
en cada una de las distintas especialidades del
sector.
17. Fotografía Cinematográfica
REDS (1981)
Reds es una película de 1981 dirigida, producida,
escrita y protagonizada por Warren Beatty.
Está basada en la vida del periodista y escritor
John Reed, quien en sus libros México Insurgente
y Diez días que estremecieron el mundo narró la
Revolución mexicana y la Revolución Rusa de
1917, respectivamente.
Además de Beatty, los principales protagonistas
de la película son Diane Keaton, Edward Herrmann, Jerzy Kosinski, Jack Nicholson, Paul Sorvino, Maureen Stapleton, Ramon Bieri, Nicolas
Coster y M. Emmet Walsh. En la película también
aparece Gene Hackman, haciendo una pequeña
intervención. La obra fue adaptada por Warren
Beatty, Peter S. Feibleman (no aparece en los
créditos), Trevor Griffiths, Elaine May (no aparece
en los créditos) y Jeremy Pikser.
Parte del rodaje fue filmado en las ciudades españolas de Sevilla, Granada, Guadix y Madrid.
En la misma época que fue rodada esta cinta, se
filmaba Campanas Rojas, una co-producción de
México, URSS e Italia, dirigida por el soviético
Sergei Bondarchuk, con Franco Nero, Ursula Andress, Jorge Luke, Eraclio Zepeda y Blanca Guerra, entre otros.
Está dividida en dos partes, la primera titulada
México en llamas y la segunda Rusia 1917.
La película ganó el Premio Oscar en las categorías de:
- Mejor director: Warren Beatty
- Mejor actriz de reparto: Maureen Stapleton
- Mejor fotografía: Vittorio Storaro
Diane Keaton y Warren Beatty en “Reds”
17
18. Capítulo Tres: Europa
Escena clave de la película
DICK TRACY
(1990)
Dick Tracy es una película de
1990 basada en la serie de historietas de la década de 1930
homónima creada por Chester
Gould.
Protagonizada y dirigida por
Warren Beatty, contó con Madonna como protagonista femenina (Breathless Mahoney),
Al Pacino en el personaje de
Big Boy Capice y diversas apariciones breves (cameo) de varias
estrellas, como Dick Van Dyke,
Al Pacino, Kathy Bates y Mandy
Patinkin.
Para las labores de adaptación
al cine, se contrató como consultor a Sheldon Dorf, editor y
guionista de historieta que había
contribuido a transmitir el cómic
de Dick Tracy a las nuevas generaciones.
El guión en lugar de otro ser
elaborado por Jim Cash y Jack
Epps, Jr., ambos de fama Top
Gun. El proyecto también fue a
través de los directores Steven
Spielberg, John Landis, Walter
Hill y Richard Benjamin antes de
la llegada de Beatty. El rodaje
fue sobre todo en los Estudios
Universal.
Danny Elfman fue contratado
para componer la música de la
película, y la música fue ofrecido
en tres bandas sonoras diferentes.
Dick Tracy fue lanzado en 1990
con críticas variadas, pero en
general era un éxito en la taquilla y en los premios del tiempo.
Se recogió siete nominaciones
al Oscar y ganó en tres de las
18
categorías: Mejor Canción Original, Mejor Maquillaje y Mejor Dirección de Arte.
Una secuela fue planeada, pero
una controversia sobre los derechos de la película se produjo
entre Beatty y Tribune Media
Services, y la demanda continúa, por lo que una segunda
película no se ha producido.
Warren Beatty decidió hacer la
película con una paleta limitada
a sólo siete colores, principalmente rojo, verde, azul y amarillo para evocar los orígenes de la
historieta de la película, por otro
lado cada uno de los colores
se ser exactamente del mismo
tono.
19. Fotografía Cinematográfica
El último emperador es una película de 1987,
del género película biográfica, dirigida por Bernardo Bertolucci. protagonizada por John Lone,
Joan Chen, Peter O’Toole, Ruocheng Ying, Victor
Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie
Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los
papeles principales.
La película ganó nueve Oscar en las categorías
de mejor película, mejor director, mejor guion
adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor
dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido
y mejor montaje.
Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Ganadora de nueve premios Óscar,
otros 39 premios, y 12 nominaciones más.
Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi
o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer
filme que obtuvo el permiso de las autoridades
chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad
Prohibida.
the last
emperor
(1987)
Escena clave de la película
Escena clave de la película
19
20. ROGER DEAKINS
Nació el 24 de mayo de 1949 en
Inglaterra.
Es un director de fotografía inglés.
Ganó el premio BAFTA en tres
ocasiones y ha recibido 8 nominaciones al premio Óscar.
Es mayormente conocido por
su trabajo junto a los hermanos
Coen.
Colaborador fijo de los hermanos Cohen y uno de los artífices del reconocible estilo de sus
películas, Roger Deakins es un
auténtico peso pesado de la dirección de fotografía gracias a
películas tan veneradas como
“Barton Fink” (“Barton Fink”,
1991),
“Cadena perpetua” (“The Shawshank Redemption”, 1994) o “El
hombre que nunca estuvo allí”
(“The Man Who Wasn’t There”,
2001).
Aunque resulta difícil escoger
una sola película de alguien
que ha cosechado ni más ni
menos que siete nominaciones
a los Oscar, su trabajo en “Fargo” (“Fargo”, 1996) merece un
puesto especial en su carrera.
En ella, Deakins rompe con los
recursos habituales del cine negro y compone una fotografía
gélida y cristalina en la que el
blanco de la nieve de Minnesota
inunda algunas de las secuencias más memorables del film.
Deakins recibió su primer gran
premio de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía
por su destacado logro en la cinematografía de la gran producción alabada internacionalmente
movimiento, The Shawshank
Redemption.
La ASC continuó Deakins de
honor con nominaciones logros
sobresalientes para sus obras
posteriores, incluyendo Fargo,
Kundun, O Brother, Where Art
Thou?, Y El hombre que nunca
estuvo allí, por la que ganó su
segundo Premio ASC.
21. Fotografía Cinematográfica
SKYFALL
(2012)
Roger Deakins firmó como director de fotografía,
después de haber trabajado anteriormente con
Mendes en Jarhead y Revolutionary Road.
Dennis Gassner devuelve como diseñador de producción, la diseñadora de vestuario Jany Temime
era, Alexander Witt fue director de la segunda
unidad, el coordinador de especialistas fue Gary
Powell y Chris Corbould supervisado los efectos
especiales, mientras que el supervisor de efectos
visuales fue Steve Begg.
Todos han trabajado en películas anteriores de
Bond. Daniel Kleinman volvió a diseñar la secuencia del título de la película después de hacerse
a un lado para permitir el diseño gráfico estudio
MK12 para crear el Quantum of Solace secuencia.
Daniel Craig como “James Bond”
Skyfall es la vigésimo tercera película de James
Bond producida por Eon Productions2. Fue distribuida por MGM y Sony Pictures Entertainment en
2012.
EON Productions es una compañía productora de cine, conocida por producir la serie de películas de James Bond. La compañía opera desde Pi2
newood Estudios en Inglaterra y es subsidiaria de Danjaq, LLC, el holding
responsable del copyright y marcas registradas de los personajes Bond y
elementos en pantalla.
Cuenta con Daniel Craig en su tercera actuación
como James Bond, y Javier Bardem como Raoul
Silva, antagonista de la película.
La película fue dirigida por Sam Mendes y escrito
por Neal Purvis, Robert Wade y John Logan.
Daniel Craig como “James Bond”
21
22. Capítulo Tres: Europa
RANGO (2011)
Rango es una película estadounidense cómica de animación
por computadora del año 2011
dirigida por Gore Verbinski.
Cuenta con las voces de los actores Johnny Depp, Isla Fisher,
Bill Nighy y Abigail Breslin. Su
estreno en los Estados Unidos
fue el 4 de marzo del 2011.
La animación fue realizada por la
compañía de efectos especiales
Industrial Light & Magic, siendo
la primera vez que la compañía
realiza la producción completa
de una película de animación en
35 años.
Consiguió el premio Óscar 2012
en la categoría de Mejor Película de Animación.
Rango es un joven lagarto de
17 años de edad que vive en un
terrario. Desde hace un tiempo
cree ser un héroe, pero se encuentra separado de sus compañeros de los alrededores lápidas de chicos buenos.
La post-producción es de la
compañía de producción de
Verbinski, Blind Wink.
Esta es una primicia para la ILM,
porque ellos se han dedicado
usualmente a hacer efectos visuales en CGI para la mayoría de
las producciones fílmicas. Esta
será la primera vez en 35 años
que realizarán una película
animada completa ellos mismos.
“La película
consiguió el premio
Óscar 2012 en la
categoría de Mejor
Película de
Animación.”
Pero eso no detiene a Rango en
su afán por adaptarse con sus
vecinos, sin importarle las dificultades. En un momento dado
de la historia Rango se lo cuestionará todo.
La animación fue encargada a
los veteranos en Imagen generada por computadora (CGI
según sus siglas en inglés) de
Industrial Light & Magic (ILM).
Johnny Depp en la voz de “Rango”
22
23. Fotografía Cinematográfica
Jake Gyllenhaal como Swofford
JARHEAD
Jarhead es una película biográfica guerra 2005 drama
basado en las memorias de
2003 de Marines de EE.UU.
Anthony Swofford del mismo
nombre, dirigida por Sam
Mendes, protagonizada por
Jake Gyllenhaal como
Swofford con Jamie Foxx, Peter Sarsgaard y
Chris Cooper.
(2005)
a combatir en Kuwait tras su
ocupación por Irak. Él vivió
una guerra muy diferente
a la que se describió en los
periódicos y en los canales
de la época.
La película muestra la espera de los soldados que no han entrado directamente en el conflicto armado, y como lidian
éstos con el aburrimiento, describiendo a unos
soldados aterrorizados por estar en guerra pero
también emocionados por matar a su primera
víctima; muestra también a unos jóvenes como
cualquier otros ávidos de sexo, con continuas trifulcas debido a la convivencia, bromas pesadas,
y con los problemas derivados de su situación.
El título proviene del término del argot usado
para referirse a los Marines de EE.UU. (a veces
por los marines sí mismos).
Anthony Swofford es un soldado de 20 años de
edad enviado al desierto de Arabia Saudita, en
la primera guerra del Golfo, para estar preparado
Jamie Foxx como SSgt Sykes
23
24. Escena de “Barry Lyndon”. Película ganadora de un premio Oscar
JOHN ALCOTT
Nació en Isleworth,Hounslow,
Inglaterra en 1931 y murió en
Cannes, Alpes Marítimos, Francia el 28 de julio de 1986, prematuramente a los 54 años de
edad.
De todas ellas destaca por méritos propios “Barry Lyndon”, un
indiscutible prodigio técnico y un
ejemplo paradigmático de la influencia de la pintura en el cine
y la fotografía.
La carrera cinematográfica de
John Alcott será recordada especialmente por sus cuatro
fantásticas colaboraciones con
Stanley Kubrick en “2001: Una
odisea del espacio” (“2001: A
Space Odyssey”, 1968), “La
naranja mecánica” (“A Clockwork Orange”, 1971), “Barry
Lyndon” (“Barry Lyndon”, 1975)
y “El resplandor” (“The Shining”,
1980).
Usando objetivos de satélite con
aberturas de diafragma imposibles e iluminando buena parte
de las tomas únicamente con
velas, Alcott consigue recrear en
este maravilloso film de época
auténticos lienzos inspirados en
las pinturas de Jan Vermeer o
Rembrandt.
Alcott ganó un Premio de la Academia por su trabajo en “Barry
Lyndon”, que se considera una
de las películas más bellas visualmente jamás se ha hecho.
(Tres de las películas de Alcott
se clasificaron en el top 20 de
películas de “Best Shot” en el
período después de 1950 a
1997 por la Sociedad Americana de Directores de Fotografía.
La Sociedad Británica de Directores de Fotografía nombrado
uno de sus premios el “Premio
ARRI BSC John Alcott” en su
honor para conmemorar su papel como camarógrafo de iluminación en el desarrollo del cine
como forma de arte.
25. Fotografía Cinematográfica
2001:A SPACE ODYSSEY
Escena clave de la película
(1968)
Es una película de culto del género Ciencia Ficción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en
1968 que marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones
vanguardistas.
puso una obra musical para la película, pero Stanley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de
la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La
dirección y diseño de los efectos visuales fueron
obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally
Veevers.
Es una película de ciencia ficción transversal, que
aborda temas como la evolución humana, la tecnología, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre.
Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cinerama Theatre Broadway de la ciudad de Nueva York. En un inicio recibió críticas polarizadas,
destacándose sobre todo sus efectos visuales
y su abstracción de la trama, lo que los críticos
tomaron como uno de los puntos débiles de la
película.
Se caracteriza por un notable realismo científico,
por sus revolucionarios efectos especiales, sus
ambiguas y surrealistas imágenes, el uso del sonido en lugar de las tradicionales técnicas narrativas y el mínimo uso del diálogo.
La banda sonora incluye música de Richard
Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra),
Johann Strauss hijo y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. Alex North com-
En la actualidad es una de las películas más
aclamadas de la cinematografía norteamericana
y mundial, sus avanzados efectos especiales lo
hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha
categoría.
25
26. Capítulo Tres: Europa
La naranja mecánica es una película de 1971 escrita, dirigida y
producida por Stanley Kubrick,
una adaptación de Anthony Burgess 1962 novela del mismo
nombre.
Cuenta con inquietantes imágenes violentas, facilitando su comentario social en psiquiatría,
las pandillas juveniles, y otros
temas sociales, políticos y económicos en un distópico, el futuro Gran Bretaña.
La naranja mecánica cuenta con
una banda sonora que incluye
selecciones de música clásica
y sobre todo composiciones sintetizador Moog de Wendy Car
los (entonces conocido como
“Walter Carlos”). El arte del cartel ahora icónica de La naranja
mecánica fue creada por Felipe
Castillo con el diseño por el diseñador Bill oro.
Kubrick escribió un guión fiel a
la novela, diciendo: “Creo que
lo que Burgess tenía que decir
acerca de la historia se dice en
el libro, pero me he inventado
algunas ideas narrativas útiles y
remodelar algunas de las
escenas”
A CLOCKWORK
ORANGE
Escena clave de la película
(1971)
Escena clave de la película
“Si pierdes la esperanza en momentos de aflicción y de fatiga,
tus fuerzas se verán debilitadas.”
26
27. Fotografía Cinematográfica
Escena clave de la película
THE SHINING
(1996)
Es una película estadounidense de terror psicológico del año
1980 dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack
Nicholson, Shelley Duvall y
Danny Lloyd. Está basada en
la novela homónima del escritor
Stephen King.
La película relata la historia de
un hombre que empieza a sufrir
inquietantes trastornos de personalidad a poco de llegar a un
solitario hotel al que se había
trasladado con su familia para
ocuparse de la vigilancia y el
mantenimiento durante el invierno, en que permanece cerrado
y aislado por la nieve. Paulatinamente, debido a la incomunicación, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y a la
influencia maléfica del lugar, se
Jack Nicholson como Jack Torrance
verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo,
que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales producidos por el sitio donde se encuentran.
Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, El resplandor ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras
películas del cineasta estadounidense,
27
28. SVEN NYKVIST
Nació el 3 de diciembre de 1922
en Moheda y murió el 20 de septiembre de 2006 en Estocolmo,
Suecia.
La carrera de Sven Nykvist está
estrechamente ligada a la de su
compatriota y director Ingmar
Bergman. Junto a él realizó 17
largometrajes2, entre los que
se encuentran algunas de las
películas más aclamadas del
séptimo arte.
Famoso por su meticulosidad y
su predilección por la intuición
sobre la técnica, Nykvist apostó
toda su vida por la iluminación
natural, sobria y liberada de
artificios.
En “Persona” (“Persona”, 1966),
de Ingmar Bergman, desplegó
todas las constantes de su estilo para rodar los introspectivos
primeros planos que pueblan
todo el metraje de esta imprescindible obra cinematográfica.
fue un director de fotografía
sueco particularmente conocido
por su trabajo con el director Ingmar Bergman. Su trabajo se caracterizaba por sus cualidades
naturalistas y su sencillez.
Sven pasó la mayor parte del
tiempo de su vida dedicado a su
trabajo; aquella dedicación completa le privó de la posibilidad de
tener una vida familiar estable
y a pesar de que fue padre de
dos hijos, sus relaciones con las
mujeres fueron siempre muy inestables.
Tal y como él mismo afirmaba,
esta soledad a la que le condenaba el trabajo no era tal puesto
que allá a donde fuera siempre
había algo que le hacía compañía, la luz.
Según la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas, el American Film Institute, y
el British Film Institute se denomina largometraje a una película de duración igual o superior a
sesenta minutos.
3
29. Fotografía Cinematográfica
Escena de la película
CRIES AND WHISPERS
(1972)
Es una película de 1972 de Suecia escrita y dirigida por Ingmar Bergman y protagonizada por
Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin y Liv
Ullmann.
La película está ambientada en una mansión a
finales del siglo 19 y se trata de dos hermanas
que velan por su tercera hermana en su lecho de
muerte, se debate entre temiendo que pudiera
morir y con la esperanza de que lo hará.
Después de varias películas experimentales sin
éxito, Gritos y susurros fue un éxito crítico y comercial de Bergman, obteniendo nominaciones a
cinco premios de la Academia. Estos incluyen una
nominación a la mejor película.
Gritos y susurros devueltos a los temas tradicionales Bergman de la psique femenina, o la búsqueda de la fe y de la redención. Utiliza el color
saturado, especialmente carmesí. Fue por la
combinación de colores y la luz que el director de
fotografía y de largo plazo Bergman colaborador
Sven Nykvist fue galardonado con el Premio de la
Academia a la Mejor Fotografía.
29
Escena de la película
30. Capítulo Tres: Europa
Es una película sueco-francoalemana de 1982, escrita y dirigida por Ingmar Bergman, ganadora de cuatro Oscar como
Mejor película extranjera, Mejor
fotografía, Mejor diseño de vestuario y Mejor dirección de arte.
Ingmar Bergman fue nominado
como mejor director y mejor autor de guion original.
El film fue concebido originalmente como una película de 4
partes para televisión y editada
en esa versión, con una duración de 312 minutos.
Posteriormente se produjo una
versión de 188 minutos para
proyección cinematográfica, y
fue la que de hecho se estrenó
primero.
Desde entonces, la versión
para televisión ha sido proyectada como una película de una
sola parte; tanto la versión larga
como la corta han sido presentadas en teatros de todo el mundo.
Escena clave de la película
FANNY AND ALEXANDER
(1982)
Escena de la película
“Hay dos versiones de Fanny y Alexander: un corto de 3 horas
(188 minutos) versión, y un largo de 5 horas (312 minutos)
versión.”
30
31. Fotografía Cinematográfica
CELEBRITY
(1998)
Celebrity es una película de comedia-drama de
1998 escrita y dirigida por Woody Allen.
El guión se centra en los caminos divergentes que
una pareja toma después de su divorcio.
Lee Simon es un novelista sin éxito, cuyas relaciones con las mujeres son muy poco duraderas.
Su intento de colocar un guión en Hollywood le
da entrada al mundo de las celebridades: gente
acelerada, siempre a la búsqueda de nuevos placeres y sensaciones. El vértigo que sufre Simon
en este mundo es descomunal.
Woody Allen sigue con sus temas habituales,
aunque con un pesimismo más marcado que en
otros films. El director (que cede el típico papel
que él suele interpretar a Kenneth Branagh) analiza el desconcierto afectivo de numerosos personajes, con un acidísimo sentido del humor y un
tratamiento de la sexualidad mucho más oscuro y
descarnado de lo acostumbrado.
El reparto, como siempre, es fantástico: desde los
jovenzuelos Leonardo DiCaprio, Winona Ryder,
Famke Janssen y Charlize Theron, hasta los más
veteranos Judy Davis, Joe Mantegna y Melanie
Griffith.
La película fue filmada en blanco y negro y su locación fue la ciudad de Nueva York por el director
de fotografía Sven Nykvist.
Celebrity fue la última de las cuatro películas rodadas por Nykvist de Allen. También marca el fin
de la larga colaboración de Allen con el editor de
Susan E. Morse, que había editado la anterior
veintena de películas de Allen que comienzan con
Manhattan (1979).
La película se estrenó en el Festival de Cine de
Venecia y se presentó en el Festival de Cine de
Nueva York antes de ir al estreno general en los
EE.UU. el 20 de noviembre de 1998.
31
Winona Ryder como Nola
32. BENOIT DEBIE
Benoit debie nacion en Belgica.
Excepcionalmente dotado para
superar los obstáculos técnicos
y las atmósferas sombrías, en
cuatro años, belga Benoît Debie
ha convertido en uno de los más
codiciados directores de fotografía, después de haber tenido
una carrera bastante poco convencional.
asistente de cámara. Muy pronto
el aburrimiento se apoderó de él
y empezó a trabajar en series de
televisión, donde en diez años
iba a experimentar con todo y
desarrollar su estilo de trabajo:
rápido, eficiente, concienzudo.
Su curiosidad lo llevó a hacer
clips, anuncios y cortometrajes,
Debie no ha dejado que la fama por ejemplo, un amor maraville suba a la cabeza y aunque loso de Fabrice du Welz, que fue
sigue siendo modesta.
un gran éxito.
Tras sus estudios de fotografía
en la escuela de cine belga
IAD (Instituto de las Artes de
Difusión), Benoît Debie hizo algunas participaciones como
Ahora Debie es mejor conocido
por su trabajo en la controvertida película de Gaspar Noé4
Irreversible, así como en la ino-
cencia de Lucile Hadzihalilovic,
Dario Argento es la tarjeta de jugador, y Fabrice Du Welz
4
Es un director de cine argentino radicado actualmente en Francia, lugar donde ha realizado
la mayoría de sus largometrajes. Dentro del
desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos
como camarógrafo, montador y productor.
33. Fotografía Cinematográfica
IRREVERSIBLE
(2002)
Es una película francesa del año 2002, dirigida
por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por
Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel.
Es una película contada en orden cronológico inverso, que causó polémica por lo explícito de una
escena de asesinato y otra de una violación. La
banda sonora de toda la película está montada
por Thomas Bangalter miembro del dúo francés
de French house denominado Daft Punk.
La película narra al inicio la búsqueda emprendida por dos hombres, Marcus (Vincent Cassel) y
Pierre (Albert Dupontel), quienes desean vengar
la violación de Alex (Mónica Bellucci), novia de
Marcus y ex novia de Pierre.
La historia transcurre en París, en el lapso de un
día, y consta de trece secciones de diferente duración.
Las primeras escenas se caracterizan por mostrar muchas imágenes en rápida sucesión y movimientos caóticos de cámara, pero luego van
haciéndose cada vez más pausadas.
Mónica Bellucci como “Alex”
33
34. Capítulo Tres: Europa
the runaways (2010)
The Runaways es una película
estadounidense de 2010 que narra la historia del grupo de punk
rock de solo chicas en los años
70 del mismo nombre. Dirigida
por Floria Sigismondi, el guion
está basado en el libro Neon Angel: A Memoir of a Runaway de
la cantante original de The Runaways, Cherie Currie.
Dakota Fanning hace el papel de
Cherie Currie, Kristen Stewart
interpreta a la segunda guitarra
y vocalista, Joan Jett, y Michael
Shannon al productor del grupo,
Kim Fowley.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de
Sundance el 24 de enero de
2010, y tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 19 de
marzo de 2010, seguida por un
comunicado de la nación el 9 de
abril de 2010, que es el día en
que también cumple años Kristen Stewart.
Hasta el momento, la película ha
recibido críticas en general positivas. Tiene una calificación de
68% en la película de
Rotten Tomatoes5, basado en 24
comentarios.
También tiene una puntuación
de 63 sobre 100 en Metacritic6,
basado en 12 comentarios.
Dennis Harvey, de Variety7 dio
a la película una crítica positiva,
al comentar que “demuestra ser
convencionalmente agradable”.
El film repite todos los tópicos
del cine sobre el rock, la fama,
y su lado oscuro, los problemas
con las drogas, etc.
Su retrato de la juventud rebelde
es un tanto sórdido y su tratamiento de temas como el sexo y
las drogas se antoja descarnado
teniendo en cuenta que se trata
de un film sobre quinceañeras.
Rotten Tomatoes es un sitio web dedicado a la
revisión, información y noticias de películas.
5
Metacritic es un sitio web que recopila reseñas
de álbumes de música, juegos, películas, programas de televisión, DVD y libros.
6
Variety es un semanario estadounidense dedicado al mundo del entretenimiento, creado en
Nueva York en 1905 por Sime Silverman.
7
“Esto no es acerca
de los modales de
las mujeres, sino
del éxtasis de las
mujeres.”
Dakota Fanning y Kristen
Stewart como protagonistas
34
35. Fotografía Cinematográfica
ENTER the VOID (2009)
año después. La película
esta basada en el “Libro tibetano de la muerte”.
Las escenas de estudio
fueron filmadas en Tokio
en Estudios Toho el equipo
filmó durante tres meses en
Tokio, y después de esto, filmo cuatro semanas en Montreal para los flashbacks.
Escena clave de la película
La película se centra en Oscar, interpretado por Nathaniel Brown, un joven traficante
de drogas en Tokio que muere
y regresa como un fantasma
para velar por su hermana
Linda. Paz de la Huerta co protagoniza como la hermana.
La cámara sigue a Oscar por
detrás de su cabeza durante
las escenas en las que él está
vivo.
Después de su muerte, se
muestra sobre la vista a Tokio,
a través de paredes y entre los
edificios.
La película se estrenó en el
Festival de Cannes 2009 y fue
después de varios recortes
estrenada en Francia, casi un
Después de que la fotografía
principal había terminado el
equipo regresó a Tokio dos
veces mas para escenas
adicionales. La película fue
rodada en Super 35 y 16
mm, con una Arricam LT y
un Aaton XTR prod respectivamente.
Las técnicas de iluminación
incluian automatizado de iluminación y escenas con luces estoboscopicas, con lo
cual el director de fotografía
fue capaz de aumentar el
tiempo de exposición de la
película.
Escena clave de la película
35
36. JANUSZ KAMINSKI
Zygmund Janusz Kaminski,
A.S.C. Nació el 27 de junio de
1959 es un director de cine polaco.
Director de fotografía habitual
colaborador de Steven Spielberg desde 1993, ha trabajado
en Salvar al soldado Ryan, Munich, o Minority Report, entre
otras.
En Minority Report encontramos
tonos fríos, tendencia hacia el
azul y el negro.
En salvar al soldado Ryan, sin
embargo, se tiende más hacia
la crudeza y el realismo.
Ganó el premio de la Academia
a la Mejor Fotografía por su fotografía de la Lista de Schindler
y Rescatando al soldado Ryan
(1999).
Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su
cinematografía de La lista de
Schindler y Salvar al soldado
Ryan (1999).
En los últimos años, también
se ha movido Kamiński en el
campo de la dirección. Ha sido
nominado cuatro veces más
de Amistad, La escafandra y la
mariposa, War Horse y Lincoln.
En los últimos años, Kamiński
también se ha movido en el
campo de la dirección.
En 2010, fue galardonado con la
Medalla Franklin J. Schaffer Antiguos Alumnos del Conservatorio AFI8.
8
El American Film Institute es una entidad cinematográfica estadounidense, independiente y
sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar
el material cinematográfico y rendir homenaje al
mismo.
37. Fotografía Cinematográfica
Escena clave de la película
Es una película estadounidense biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg.
schindler's
list
La película cuenta la historia
de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó
la vida de alrededor de 1100
judíos polacos durante el
Holocausto. Está basada en
la novela El arca de Schindler (Schindler’s Ark),
escrita por Thomas Keneally.
(1993)
(el contable de Schindler,
Itzhak Stern). La película
ganó siete premios Oscar,
incluido el de mejor película,
el de mejor director y el de
mejor banda sonora; también
ganó 7 Premios BAFTA y 3
Globos de Oro.
La decisión de rodar la película sobre todo en
blanco y negro prestado al estilo documental de
la cinematografía, que el director de fotografía
Janusz Kaminski en comparación con el expresionismo alemán y el neorrealismo italiano.
Fue protagonizada por Liam Neeson (como
Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las
SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley
Liam Neeson como Schindler
37
38. Capítulo Tres: Europa
Escena clave de la película
The Lost World: Jurassic Park
(1997)
The Lost World: Jurassic Park
(conocida en español con los títulos El mundo perdido: Parque
Jurásico1 o El mundo perdido:
Jurassic Park 2 ) es la primera
secuela de la franquicia cinematográfica de ciencia ficción
Parque Jurásico.
se encuentran libres viviendo en
su interior.
ban los dinosaurios antes de ser
transportados a la isla Nublar.
A ese lugar llega un equipo encabezado por el matemático y
teórico superviviente del desastre ocurrido tras el fracaso del
parque, Ian Malcolm con tal de
filmar un documental acerca de
Basada en la novela del mis- los dinosaurios en su hábitat.
mo nombre escrita por Michael Al igual que Parque Jurásico, El
Crichton, fue dirigida en 1997 mundo perdido tuvo un enorme
por Steven Spielberg como la éxito: fue la primera película
sucesión del anterior filme de de la historia en ser estrenada
1993.
en más de cuatro mil salas de
A su vez, la acción se desarrolla proyección.
sobre todo en la Isla Sorna9, sitio
derivado del lugar original donde Cuatro años después del desasel Parque Jurásico fue constitui- tre ocurrido en el Parque Jurásido, y donde los dinosaurios tras co de la isla Nublar, John Hamhaberse escapado con el paso mond revela a Ian Malcolm que
del tiempo de sus instalaciones, existe otra isla en la que se cria-
Abandonados a su suerte tras
el desastre, los dinosaurios han
evolucionado, y Hammond está
ansioso por verlos en su hábitat
natural antes de empezar la explotación comercial.
38
Isla Sorna, alias el sitio B, es una isla del grupo
de Los Cinco muerto. “Isla Sorna” significa isla
de sarcasmo en español. La estación de investigación de InGen, donde se crearon los dinosaurios, se encuentra en esta isla. Es el lugar donde
la mayoría de las películas, libros y juegos sobre
Jurassic Park tienen lugar.
9
39. Fotografía Cinematográfica
Es una película dirigida por Steven Spielberg y
protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning.
Estrenada en 2005, el remake de la película de
1953 está inspirada en la novela homónima que
H.G. Wells publicó en 1898. Además, la versión
original está narrada por Morgan Freeman.
Con el fin de mantener el realismo, el uso de vacunas imágenes generadas por ordenador y pantalla azul se limitó, con la mayor parte de los efectos
digitales se mezclan con imágenes en miniatura y
de acción en vivo.
Ray Ferrier (Tom Cruise) es un trabajador portuario divorciado de Nueva Jersey que recibe, un fin
de semana, la visita de sus dos hijos: la pequeña
Rachel (Dakota Fanning) y el adolescente Robbie
(Justin Chatwin). Lo que no imagina es que, precisamente ese fin de semana, unos extraterrestres
van a atacar la Tierra y que ahora sus vidas
corren peligro.
War of the
worlds (2005)
Tom Cruise como “Ray ferrier”
Tom Cruise y Dakota Fanning
“El hombre no vive ni muere en vano.”
39
40. Capítulo Tres: Europa
the
terminal (2004)
La Terminal (título original The
Terminal) es un drama romántico
con toques de comedia, dirigido
por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Chi McBride,
Stanley Tucci y Diego Luna.
La película está basada en la
historia real de Mehran Karimi
Nasseri, un refugiado iraní que
vivió en el Aeropuerto de ParísCharles de Gaulle entre 1988
y 2006. Anteriormente a Spielberg, el director francés Philippe
Lioret ya había adaptado al cine
su historia en la película En tránsito (título original: Tombés du
ciel) (1993).
Viktor Navorski (Tom Hanks),
es un ciudadano de Krakozhia
(país ficticio similar a una típica
ex República soviética), que aterriza en el aeropuerto John F.
Kennedy de Nueva York para
poder cumplir la promesa a su
difunto padre de tener el autógrafo de Benny Golson.
Tom Hanks como Viktor Navorski
40
41. Fotografía Cinematográfica
Tom Cruise como Jerry Maguire
Jerry Maguire es una película estadounidense de
1996, que mezcla el drama con la comedia y que
está escrita y dirigida por Cameron Crowe además
de estar interpretada por Tom Cruise, Cuba Gooding Jr. y Renée Zellweger como protagonistas
principales.
La película fue nominada a 5 Premios Óscar de
las cuales consiguió una estatuilla, la de mejor actor secundario para Cuba Gooding Jr. por su papel
como Rod Tidwell.
jerry
maguire
(1996)
Las otras nominaciones fueron para Tom Cruise
como mejor actor, para el mejor montaje, el mejor
guion y mejor película.
Además de los premios Oscar, la película y sus
componentes ganaron otros premios, el más importante de ellos el Globo de Oro para Tom Cruise,
además de estar nominado Cuba Gooding Jr. y la
película, como mejor comedia.
41
42. Capítulo Tres: Europa
Saving Private Ryan
(1998)
Escena de Saving Private Ryan
Es una película bélica épica estadounidense estrenada en 1998
y ambientada en la invasión de
Normandía durante la Segunda
Guerra Mundial. Dirigido por Steven Spielberg y escrito por Robert Rodat, el filme destaca por su
recreación gráfica y muy realista
de la guerra, especialmente en
sus intensos 27 primeros minutos, que narran el desembarco
y asalto aliado de la «playa de
Omaha» el 6 de junio de 1944.
La historia continúa con Tom
Hanks como el capitán John H.
Miller del ejército de los Estados
Unidos y siete hombres (interpretados por Tom Sizemore, Edward Burns, Barry Pepper, Vin
Diesel, Giovanni Ribisi, Adam
Goldberg y Jeremy Davies) en
busca de un paracaidista, el
42
soldado James Francis Ryan
(Matt Damon), que ha perdido a
sus tres hermanos en combate.
Rodat concibió la historia de la
película en 1994, cuando vio un
monumento dedicado a ocho
hermanos que murieron en la
Guerra de Secesión e imaginó
un símil narrativo ambientado en
la Segunda Guerra Mundial.
43. Fotografía Cinematográfica
Inteligencia
artificial
(2001)
Inteligencia artificial es una película estadounidense de 2001 dirigida por Steven Spielberg. La
película está basada en el relato de ciencia ficción
Los superjuguetes duran todo el verano de Brian
Aldiss, e incorpora elementos de la obra italiana
Las aventuras de Pinocho.
La película fue concebida por Stanley Kubrick,
quien trabajó largo tiempo con un grupo de escritores; pero debido al fallecimiento de Kubrick,
y a que estuvo durante sus últimos años de vida
envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut —su
última película—, no llegó a dirigirla.
En los créditos Kubrick figura como uno de los
productores, y la película fue dedicada a él.
En la película aparecen las Torres Gemelas, pese
a haber dejado de existir desde los atentados del
11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo
que ocurrió con la película de Spiderman, en esta
se decidió mantenerlas en el film que se proyectaría finalmente en los cines.
Haley Joel Osment como David
43
44. Capítulo Tres: Europa
catch me if
you cAN (2002)
Atrápame si puedes (Catch Me
If You Can en la versión original) es una comedia dramática
de 2002, basada en la vida de
Frank Abagnale Jr., quien antes de cumplir diecinueve años
de edad consiguió millones de
dólares haciéndose pasar por
piloto de una empresa aérea,
por médico y por abogado.
Su principal modus operandi era
la falsificación de cheques, delito en el que logró tanta habilidad y experiencia que el FBI finalmente lo reclutó como asesor
en ese tipo de fraudes.
Steven Spielberg dirigió la
película, cuyos protagonistas
son Leonardo DiCaprio como
Abagnale, además de Tom
Hanks, Christopher Walken,
Amy Adams, Martin Sheen y
Nathalie Baye.
La idea de la película comenzó
a desarrollarse hacia 1980. Con
el comienzo del siglo XXI, cineastas tales como David Fincher,
Gore Verbinski, Lasse Hallström,
Miloš Forman y Cameron Crowe
se vieron en algún momento
relacionados con Atrápame si
puedes.
Spielberg (quien originalmente
iba a ser productor) decidió convertirse en el director del proyecto, descartando otros como Big
Fish y Memoirs of a Geisha. La
filmación se llevó a cabo desde
febrero hasta mayo de 2002.
Atrápame si puedes fue un éxito
de crítica y de taquilla, y el verdadero Abagnale la calificó
positivamente.
Leonardo di Caprio como Frank Abagnale Jr
44
45. Fotografía Cinematográfica
Escena de Munich
munich
Sin embargo, poco a poco Spielberg nos va
mostrando que la realidad tiene muchas aristas,
que para acabar con los terroristas hay que convertirse a su vez en terroristas, recurrir a las mismas fuentes de información que los terroristas, el
problema es que también se mata a gente inocente.
Múnich es una película estadounidense estrenada en 2005 dirigida por Steven Spielberg y escrita
por Tony Kushner y Eric Roth.
La relación de los asesinados por el comando con
los hechos de Múnich es bastante evidente en algunos casos, presunta en otros y meramente intelectual en otros.
(2005)
Se trata de un thriller en el que el director se
plantea cuestiones éticas y prácticas en relación
con las políticas represivas que adopta el estado
de Israel ante el terrorismo. Un acontecimiento
reprobable, como es el asesinato de los atletas
israelíes en los Juegos Olímpicos, parece en un
primer momento dar fuerza moral a las medidas
que decide tomar el estado de Israel, en especial
a matar a palestinos que no tienen nada que ver
con el hecho.
En cualquier caso, el argumento final acaba siendo el mismo que utilizan los que asesinan a los
israelíes por el hecho de serlo: si trabajan, colaboran o simpatizan con la OLP están mejor muertos
que vivos.
45
46. BRUNO DELBONNEL
Nacio en 1957. Es un director
de fotografía francés. Ha colaborado dos veces con su colega
francés Jean-Pierre Jeunet para
‘Amélie y Largo domingo de noviazgo.
Es el director de fotografía de
la película de 2007 Across the
Universe y de Harry Potter y el
Príncipe Mestizo en el 2009.
También trabajo en la pelicula
Paris, je t’aime y Trabajó en
dark shadows de Tim Burton10
en 2012.
Su estilo colorista e imaginativo se nos ha quedado a todos grabado, de tal forma que
más de una vez para describir
una foto he leido “es muy estilo
Amélie”.
También es el responsable de
la fotografía de Harry Potter11
y el misterio del príncipe, entre
otras.
Ha sido nominado por la Academia de Hollywood en tres
ocasiones por Amélie, Largo domingo de noviazgo y Harry
Potter y el misterio del príncipe.
Es un director, productor, escritor y
diseñador estadounidense.
10
Ha sido galardonado con el Premio del Cine Europeo al Mejor
Primer Operador por Amélie
(2001); el Premio César a la Mejor Fotografía y el Premio de la
Sociedad de Directores de Fotografía Americanos por Largo
domingo de noviazgo (2004), y
el Premio “Rana de Plata” del
Festival de Lodz por Across the
Universe (2007).
es una heptalogía de novelas fantásticas escrita por la autora británica J. K. Rowling, en
la que se describen las aventuras del joven
aprendiz de mago Harry Potter y sus amigos
Hermione Granger y Ron Weasley, durante los
siete años que pasan en el Colegio Hogwarts
de Magia y Hechicería.
11
47. Fotografía Cinematográfica
Evan Rachel Wood como “Lucy” y Jim Sturgess como “Jude”
ACROSS THE UNIVERSE
(1996)
Across the Universe es un musical del 2007 dirigido por Julie Taymor y escrito por Dick Clement e
Ian La Frenais.
El guion esta basado en una historia original creada por Taymor, Clement y La Frenais la cual incorpora 32 covers de canciones originales de la
banda británica The Beatles.
Dentro del filme hay apariciones especiales tales como Bono como el Dr. Robert (un shaman
contracultural), Eddie Izzard como el Sr. Kite (un
presentador de circo), Joe Cocker como tres personajes de la calle y Salma Hayek que aparece
(a través de efectos visuales) como cinco enfermeras.
es un musical ambientado en los turbulentos años
‘60 en Estados Unidos, cuando Jude (Jim Sturgess), un joven trabajador, deja Liverpool para
buscar a su siempre ausente padre en Estados
Unidos y es golpeado por las olas de cambio reformando el país. Aquí, Jude se enamora de Lucy
(Evan Rachel Wood), una niña estadounidense
Jim Sturgess como “Jude”
rica, pero fuerte y consciente que se une al movimiento antibélico en Nueva York. Entonces Jude y
Lucy intentan encontrar la salida de un psicodélico
mundo que se vuelve loco.
47
48. Capítulo Tres: Europa
Es el sexto libro de la serie literaria Harry Potter escrito por la
autora británica J. K. Rowling y
publicado por primera vez, en inglés, el 16 de julio de 2005.
La novela relata los acontecimientos posteriores a Harry
Potter y la Orden del Fénix, y
que preceden a Harry Potter y
las Reliquias de la Muerte. Desarrollada en el sexto año de
Harry Potter en el Colegio Hogwarts, la obra explora el pasado
del mago oscuro Lord Voldemort, así como los preparativos
del protagonista junto con su
mentor Albus Dumbledore para
la batalla final detallada en el
siguiente libro, el último de la
serie. Dirigido por David Yates
quien ya había dirigido la entrega anterior y la adaptación del
guion gracias a Steve Kloves, el
largometraje fue producido por
David Heyman y David Barron,
poseedores de la productora
encargada de la distribución de
las películas. De esta manera,
El misterio del príncipe les valió
una nominación a los premios
Óscar en la categoría de «Mejor
fotografía
Rupert Grint como Ron Weasley
Harry Potter and the
Half Blood Prince (2009)
Daniel Radcliffe como “Harry Potter
“De acuerdo con diversos analistas del tema, el libro sugiere
un tono más tenebroso a comparación con las demás novelas
de Harry Potter.”
48
49. Fotografía Cinematográfica
Audrey Tautou como Amélie Poulain
amélie
(2001)
Amélie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain en
francés) es una película francesa de 2001 dirigida
por Jean-Pierre Jeunet, co-escrita por el director
y Guillaume Laurant y protagonizada por Audrey
Tautou.
Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (en castellano, Ella va a cambiar tu vida...), la película fue
distribuida en Estados Unidos por Miramax y en
España por Manga Films.
El director de fotografía Bruno Delbonnel hace
diestro uso de su extraordinario sentido visual,
presentando las imágenes en una paleta de
colores muy viva, pero a la vez limitada.
un constante filtro verdoso acentúa los colores
primarios y deslava todo lo demás, reduciendo la
percepción del espectador, o mejor dicho, centrándola a lo que Jeunet quiere, pero sin descuidar los
escenarios y ambientación.
Escena de la película
49
50. christian berger
Nacó el 13 de enero de 1945.
es un director de fotografía austríaco.
Es mayormente conocido por
su trabajo con Michael Haneke,
y se desempeñó en la película
The White Ribbon, por la cual
consiguió numerosos premios
como el ASC Awards, además
de una nominación a los Premios Oscar.
Berger inventó un sistema
de iluminación llamado “Cine
Reflect Lighting System” que
usó en sus últimas películas.
Además de su trabajo como
director de fotografía, enseña
cinematografía en la academia
“Filmacademy Vienna”. Berger
está casado con la actriz Marika
Green, y es tía de Eva Green.
En 1977 edificio de estudio de
video experimental. Ha Trabajado con y el apoyo técnico de
varios cineastas jóvenes que
trabajan bajo TTV Film.
Destaca por su trabajo con
Haneke, por ejemplo en La Pianista o La Cinta Blanca.
entre 1980-1981 el aumento
de trabajo en las obras de televisión, adaptaciones de pantalla con varios autores, el director
de fotografía de películas y el
trabajo como director.
Es importante su utilización
de espacios austeros y vacíos
para lograr expresividad y carga
dramática, para colaborar en el
carácter tenso y perturbador de
los guiones.
En 1973 fundó la productora
propia TTV Film. Una amplia labor como documentalista.
Ha participado en más de 20
festivales internacionales y premios internacionales.
51. Fotografía Cinematográfica
Caché
(2005)
Caché es una película de 2005 escrita y dirigida
por el cineasta austríaco Michael Haneke. Está
protagonizada por Daniel Auteuil y Juliette Binoche, quienes interpretan a Georges y su esposa
Anne, un matrimonio burgués amenazado por
unas extrañas cintas de vídeo grabadas justo enfrente de su casa.
El largometraje, filmado en francés, es una coproducción entre Austria, Francia, Alemania e Italia.
Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival
Internacional de Cannes, donde Michael Haneke
recibió el galardón como mejor director. Posteriormente consiguió cinco premios del cine europeo,
incluyendo mejor película, mejor director y mejor
actor.
Fascinante ejercicio de estilo del austríaco Michael Haneke, que además de su innegable cualidad hipnótica, invita a reflexionar acerca del estilo
de vida acomodaticio que impera en Occidente. El
film arranca de un modo audaz y arriesgadísimo.
Durante varios minutos, observamos un plano fijo
del exterior de una casa.
De pronto, vemos retroceder la imagen, como si
se estuviera rebobinando. Y es que, en efecto, se
trata del contenido de una misteriosa cinta de vídeo, recibida por George Laurent, el popular conductor de un programa televisivo.
Lo extraño de esa filmación es que la casa que
se ve es la de George. Y no resulta fácil adivinar
quién la ha grabado y desde dónde. Lo que podría
parecer una broma pesada, se repite con nuevas
cintas anónimas, acompañadas de extraños dibujos de carácter infantil, que empiezan a inquietar
a George y a su mujer Anne. Y el caso es que la
policía no ayuda demasiado.
51
Juliette Binoche como Anne Laurent
52. Capítulo Tres: Europa
Es una película de drama 1994
dirigida por el austríaco Michael
Haneke.
Tiene una historia fragmentada
como sugiere el título, y narra
varias historias independientes
en paralelo.
Líneas narrativas independientes se cruzan en un incidente en
la última de la película: un asesinato en masa en un banco austriaco.
La película está ambientada en
Viena, octubre-diciembre, 1993.
La película se divide en un
número de “fragmentos” de longitud variable dividido por pausas en negro, y aparentemente
no relacionados entre sí.
Conflicto kurdo-turca, y las
acusaciones de abuso sexual
contra Michael Jackson.
La película se caracteriza por un
buen montón de fragmentos que
tienen forma de noticiarios de
vídeo no relacionados con las
principales líneas argumentales.
Noticias filmaciones de hechos
reales se muestran a través de
monitores de vídeo.
12
El 1978 en el sur del Líbano el conflicto (el nombre clave de Operación Litani por Israel) fue la
invasión del Líbano hasta el río Litani, llevada a
cabo por las Fuerzas de Defensa de Israel en
1978 en respuesta a la masacre Camino de la
Costa.
El conflicto dio lugar a las muertes de 1,1002,000 libaneses y palestinos, 20 israelíes, el
desplazamiento interno de 100.000 a 250.000
personas en el Líbano
Noticieros informan sobre la
guerra de Bosnia, la Guerra Civil
de Somalia, el conflicto del sur
del Libano12.
71 Fragments of a
Chronology of Chance
(1994)
Escena clave de la película
52
53. Fotografía Cinematográfica
The White Ribbon
(2009)
The white ribbon es una película en blanco y negro de drama del 2009 en lengua alemana escrita
y dirigida por Michael Haneke.
Das Weisse Band, Eine deutsche Kindergeschichte. Representa oscuramente sociedad y la familia en un pueblo del norte de Alemania justo antes
de la Primera Guerra Mundial y, según Haneke, es
sobre “el origen de todo tipo de terrorismo, ya sea
de carácter político o religioso”.
Más de 7.000 niños fueron entrevistados durante
el período de fundición de seis meses de duración. Para la mayoría de los roles adultos, Haneke
habia seleccionado actores con los que había trabajado antes, por lo que sabían que eran adecuados para los roles.
El papel del pastor fue escrito originalmente para
Ulrich Mühe, un actor que había protagonizado
varias producciones pasadas de haneke, pero
que murió en 2007. V
La decisión de hacer la película en blanco y negro
se basa en parte en el parecido con las fotografías
de la era, sino también para crear un efecto de
distanciamiento.
Todas las escenas fueron filmadas originalmente
en color y luego alterada a blanco y negro. Christian Berger, director habitual de Haneke de la fotografía, rodó la película en el Super 35 con un
compacto Moviecam.
Haneke quería que los ambientes fueran muy
oscuros, por lo que muchas escenas de interior
utilizan sólo fuentes de luz prácticos tales como
lámparas de aceite y velas.
Personaje importante de la película
“Uno se vuelve sentimental cuando tiene
dolores”
53
54. Anthony Dod Mantle
Anthony Dod Mantle, BSC nacido en 1955.
Es un cineasta británico destaca
por su trabajo en la cinematografía digital. Dod Mantle dirigió
la fotografía en tres películas
Dogma 95 y los dos primeros
episodios de Wallander 13.
Él utilizó la Red Una cámara
digital en Wallander, la primera
producción de la televisión británica a hacerlo.
Ganó el Premio de la Academia Británica de Televisión Craft
Photography & Lighting (Ficción
/ Entretenimiento)
Por su trabajo en la serie y fue
nominado para un premio RTS
Artesanía y Diseño en Iluminación, Fotografía y cámaraFotografía-Drama.
también fue director de fotografía de Slumdog Millionaire
(Danny Boyle, 2008), por la que
ganó el Oscar a la mejor fotografía en 2009.
Dod Mantle está incluido en el
libro Conversaciones con directores de fotografía de David A
Ellis.
Dod Mantle vive con su familia
en Copenhague, Dinamarca.
Wallander es una serie de televisión británica
adaptado de Kurt Wallander novelas del escritor sueco Henning Mankell y protagonizada de
Kenneth Branagh como el inspector de policía
del mismo nombre.
La primera serie de tres episodios, producida
por Yellow Bird, Left Bank Pictures y TKBC de
la BBC de Escocia, fue transmitido por la BBC
One, de noviembre a diciembre de 2008.
13
55. Fotografía Cinematográfica
antichrist
(2009)
Se estrenó el 18 de mayo
de 2009 en el Festival de
Cannes.
La película fue filmada en
video digital, usando principalmente cámaras Red One
en la resolución 4K.
Las secuencias de movimientos lentos fueron tomadas con un Phantom V4
de 1.000 fotogramas por segundo.
Técnicas de filmación involucrados dollys14, de cámara
manual y programada por
computadora “Motion Control”
Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg
Es una película del año 2009
escrita y dirigida por Lars von
Trier.
La cinta, protagonizada por
Willem Dafoe y Charlotte
Gainsbourg, narra la historia
de una pareja que tras la accidental muerte de su hijo, se retira a una cabaña en el bosque
donde pasaron las últimas vacaciones con él.
El largometraje se rodó en Alemania y Suecia. Es una coproducción entre Dinamarca,
Alemania, Francia, Polonia,
Suecia e Italia, aunque fundamentalmente danesa.
El “Dolly” es una pieza especializada de
equipos de producción de cine y televisión
destinado a crear movimientos de cámara
suaves (técnicas cinematográficas).
14
La cámara se monta en el carro y el operador de cámara y botón de enfoque o
asistente de cámara suele montar en el
carro para manejar la cámara. El dolly grip
es el técnico especializado capacitado
para operar la plataforma .
Charlotte Gainsbourg como “ella”.
55
56. Capítulo Tres: Europa
Nicole Kidman y Paul Bettany
Dogville es una película del año
2003 dirigida por Lars von Trier
y protagonizada por Nicole Kidman.
Es la primera película de la
trilogía Estados Unidos: tierra
de oportunidades, seguida por
Manderlay de 2005 y Wasington, aún por realizar. La cinta
compitió en la selección oficial
del Festival de Cannes15 de
2003.
Es una parábola que utiliza un
conjunto muy mínimo, similar
dogville
(2003)
a un escenario para contar la
historia de Grace Mulligan (Kidman), una mujer escondiéndose
de mafiosos, que llega en la
pequeña ciudad de montaña de
Dogville, Colorado, y se proporciona refugio a cambio de trabajo físico.
Su estancia allí finalmente cambia la vida de la gente local y la
ciudad de muchas maneras.
La película fue filmada en video
de alta definición con una cámara HDW-F900 de Sony en un
estudio en Trollhättan, Suecia.
15
es un festival de cine categoría “A”, celebrado
en la ciudad francesa de Cannes acreditado por
la FIAPF, junto con los festivales de Berlín, San
Sebastián, Mar del Plata, Karlovy Vary o Venecia
entre otros.
Mapa de Dogville.
56
57. Fotografía Cinematográfica
127 hours es una película de drama y suspenso, protagonizada por James Franco, dirigida por
Danny Boyle, escrita por Boyle y Simon Beaufoy
y producida por Christian Colson.
en ser médicamente exactos en cada mínimo detalle, pues Danny Boyle rodó la escena entera en
una toma y cada aspecto de la escena debía ser
funcional así como realista.
El film está basado en la historia real de Aron
Ralston, el escalador de montañas estadounidense que se amputó el brazo para liberarse
después de quedar atrapado bajo una roca en
Robbers Roost, Utah durante más de 5 días en
abril-mayo del 2003.
La película fue bien recibida por crítica y público y
fue nominada a seis premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor de Franco.
La “escena de amputación” fue la obra de los
efectos de maquillaje del artista Tony Gardner y
su equipo en Alterian, Inc, quienes se esforzaron
127 hours (2010)
James Franco como Aron Ralston
James Franco como Aron Ralston
“No hay fuerza más poderosa que la voluntad de vivir”
57
58. Capítulo Tres: Europa
Manderlay
(2005)
Manderlay es la segunda película de la trilogía Estados Unidos:
tierra de oportunidades del director danés Lars von Trier. En
ella se trata de profundizar sobre las raíces del racismo.
Al igual que su predecesora,
Dogville, Manderlay está rodada con muy poco decorado,
usando sencillamente aquellos
objetos imprescindibles para el
argumento y sustituyendo paredes y puertas por marcas en el
suelo similares a las de tiza en
una pizarra.
Esta película fue criticada principalmente por el hecho de que,
para una escena, se sacrificó
realmente a un asno. La escena
finalmente se eliminó, debido a
que Von Trier fue muy criticado
y la gente comenzó a echarse
encima suyo.
Von Trier intentó arreglarlo en
vano, diciendo que importa más
la libertad de expresión de las
personas que la vida o muerte
de un animal, algo que disgustó
a mucha gente. Es interesante
señalar que el movimiento Dogma 95, del cual Von Trier es fundador, tiene un mandamiento en
el que dice que no se puede incluir muertos. La película, no obstante, no se realizó dentro del
movimiento Dogma95.
Bryce Dallas Howard como Grace
58
59. Fotografía Cinematográfica
28 Days
Later (2002)
28 Days Later (en Español: 28 días después) es
una película dirigida por Danny Boyle, estrenada
en Reino Unido el 1 de noviembre de 2002 y en
Estados Unidos el 27 de junio de 2003. Está protagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris,
Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Eccleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks
Later), y a una novela gráfica del mismo título.
Fue un éxito de taquilla y de la crítica en
general,[cita requerida] ampliamente impactante
fueron las imágenes de una Londres totalmente
desierta y devastada. La película fue totalmente
filmada en formato digital.
En 2007 se estrenó a nivel mundial la segunda entrega de la película, titulada 28 semanas después
o Exterminio 2, originalmente 28 Weeks Later.
Tiene bastante similitud a la película “The Omega
Man”, en España “El Último Hombre Vivo” del año
1971.
Steve Niles junto con Dennis Calero y Dan Nakrosis crearon una novela gráfica, 28 Días Después:
Las consecuencias, que narra la historia antes de
que Jim despertara en el hospital londinense.
Da mucha credibilidad debido a que las razones
de la expansión del virus son muy creíbles. Sin
embargo, las impactantes imágenes de Londres
sin población fueron buenos puntos de vista para
la mayoría de críticos latinoamericanos, sobre
todo por su impresionante caracterización.
Cillian Murphy como Jim
59
60. dariusz wolski
Dariusz Wolski Adán (nacido en
1956) es un director poláco y
cineasta de video musical.
miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas
desde 2004.
Es mejor conocido por su trabajo como director de fotografía de
piratas del Caribe y en clásicos
como ‘The Crow y Dark City.
Natural de Varsovia, Wolski estudió en la Escuela de Cine de
Lodz, Polonia.
Muchas de sus colaboraciones
incluyen el trabajo con los directores de cine como Ridley Scott,
Tony Scott y Tim Burton. Ha
trabajo en el músical sweeney
todd, alice in wonderland y prometehus.
Ha sido miembro de la Sociedad Americana de Directores
de Fotografía16 desde 1996 y
Tras emigrar a Estados Unidos
en 1979, trabajó en documentales y películas independientes
hasta despuntar en el mundo de
la publicidad y los vídeos musicales.
Wolski ha rodado más de 100
videoclips para artistas tan relevantes como Aerosmith, Sting,
Keith Richards, Van Halen y
Eminem.
La ASC (Asociación Americana de Directores
de Fotografía) la define como «el proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de
una obra de arte original en lugar de en la simple
grabación de un evento físico.
16
La cinematografía no es una subcategoría de la
fotografía sino que la fotografía es una herramienta que el director de fotografía utiliza junto con
otras técnicas físicas, organizativas, interpretativas y de manipulación de imagen para llegar a
un proceso coherente.
61. Fotografía Cinematográfica
Johnny Depp como “Sweeney Todd y Helena Bonham Carter como Mrs. Lovett
Sweeney Todd: The Demon
Barber of Fleet Street (2007)
Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
es una adaptación cinematográfica del musical
homónimo de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler (a su vez inspirado en la pieza teatral de Christopher Bond).
de premios, incluyendo el Globo de Oro a la mejor película Comedia o musical, el Globo de Oro
al mejor actor Comedia o musical, y el Óscar a la
mejor dirección de arte; Johnny Depp también fue
nominado al Óscar al mejor actor.
El musical fue originalmente dirigido por Harold
Prince, con Angela Lansbury y Len Cariou. La
versión cinematográfica está protagonizada por
Johnny Depp, en su sexta colaboración con el director Tim Burton.
La película narra la melodramática historia de
Sweeney Todd, un barbero inglés que asesina a
sus clientes con una navaja de afeitar en la Era
victoriana con la ayuda de su cómplice la Sra.
Lovett, quien convierte sus cadáveres en pasteles de carne.
Se estrenó el 21 de diciembre de 2007 en Estados
Unidos. La película ganó un importante número
61
“Porque la vida de los
perversos deben ser
cortas. Para el resto de
nosotros, la muerte sería
un alivio.Todos
merecemos morir.”
62. Capítulo Tres: Europa
Brandon Lee como “Eric Draven/El cuervo”
the crow (1994)
The crow es una película estadounidense de 1994 basada en
la serie de comics homónima del
año 1989 de James O’Barr. La
película fue adaptada por David
J. Schow y John Shirley, y dirigida por Alex Proyas.
La película logró notoriedad aun
antes de su estreno debido a
que durante el rodaje, Brandon
Lee (hijo de Bruce Lee) murió
tras ser tiroteado en una escena
de la película. Se pensó abandonar el proyecto tras su muerte, pero finalmente se decidió
seguir adelante, utilizando un
doble, escenas oscuras y retoques por ordenador. La película
se presentó como un homenaje a Lee ya que al final puede
verse una dedicatoria que dice
“para Brandon y Elisa”.
En 1995, Graeme Revell ganó
un premio de la música de cine
IMC por la música y los Stone
Temple Pilots17 ganó el MTV
Movie Award a la Mejor Canción
por “Big Empty”. También en los
MTV Movie Awards, la película
fue nominada a la mejor película
y Brandon Lee fue nominada a la
Mejor Interpretación Masculina.
Stone Temple Pilots (a menudo abreviado
STP) es una banda estadounidense de rock
de San Diego, California, que actualmente se
compone de hermanos Robert DeLeo (bajo,
voz) y Dean DeLeo (guitarra), Eric Kretz (batería
y percusión) y Chester Bennington (plomo voz).
17
Primerísimo primer plano del cuervo
62
63. Fotografía Cinematográfica
Michael Fassbender como David, un androide.
PROMETHEUS
(2012)
Es una película de ciencia ficción y terror dirigida
por Ridley Scott y escrita por Jon Spaihts y Damon Lindelof.
La película recibió una nominacion al premio Oscar de los Mejores Efectos Visuales.
La película está protagonizada por Noomi Rapace, Michael Fassbender y Charlize Theron. El
argumento sigue a la tripulación de la nave espacial Prometheus a finales del siglo XXI, a medida
que exploran una avanzada civilización alienígena
en busca de los orígenes de la humanidad.
Según Scott, aunque la película comparte “cadenas de ADN de Alien, por así decir”, y se desarrolla dentro del mismo universo, Prometheus explora
su propia mitología e ideas.
La fotografía principal comenzó en marzo de
2011, con la filmación teniendo lugar en Inglaterra,
Islandia y España. Prometheus fue estrenado en
EE.UU. el 8 de junio de 2012 a través de 20th
Century Fox; en México su estreno fue el fin de
semana del 15 de junio y en España el 3 de
agosto.
63
Fotografía de Prometheus
64. Capítulo Tres: Europa
para limpiar su nombre mientras
escapa de la policía y un misterioso grupo conocido como "los
ocultos".
La mayor parte fue filmada en
Fox Studios Australia y estuvo
producida en conjunto por las
compañías New Line Cinema y
Mystery Clock Cinema. El estudio tenía dudas sobre si el público entendería la trama, así que
le solicitó a Proyas que agregara
una voz en off en la introducción
que la explicara.
Se estrenó el 27 de febrero de
1998 en Estados Unidos, recibiendo bajos resultados en taquilla y críticas mixtas.
dark
city
(1998)
Rufus Sewell como John Murdoch
Es una película neo-noir de
ciencia ficción de 1998 escrita
y dirigida por Alex Proyas. Fue
protagonizada por Rufus Sewell,
Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly y William Hurt. Sewell interpreta a John Murdoch, un
hombre que sufre de amnesia
y que se encuentra acusado de
asesinato; Murdoch intenta descubrir su verdadera identidad
64
Después de su estreno, la
película recibió nominaciones a
los premios Saturn y Hugo. Con
la ayuda del crítico Roger Ebert
y las proyecciones domesticas,
la película se ha transformado
en un clásico de culto.
Desde la época de su estreno
en los cines, algunas reseñas
de críticos y estudiantes han reconsiderado el significado de la
película.
Una versión del director, lanzada
en 2008, preserva la visión artística original de Proyas.
65. Fotografía Cinematográfica
“Nos rodea totalmente. ¿Qué sucedería si se
pusiera en nuestra contra? ¿Qué pasaría si la
tecnología que nos rodea, que apreciamos y de
la que dependemos, súbitamente fuera utilizada
para hacernos daño y estuviera totalmente fuera
de nuestro control?”
“Steven siempre quiso que los espectadores salieran del cine y asustados apagaran sus celulares
y BlackBerrys,” recuerda el productor/guionista
Alex Kurtzman, de la misma manera que los espectadores temieron nadar en el océano después
que vieron la realización de Spielberg Tiburón en
1975.
El argumento evolucionó pausadamente durante
varios años porque cuando Spielberg tuvo inicialmente la idea, “pensó que parecería demasiado
como la ciencia ficción,” agrega Kurtzman. “No
hubiera sido muy creíble porque la tecnología todavía no estaba tan integrada en nuestra sociedad como hoy en día.”
Michelle Monaghan como Rachel
Eagle Eye
(2008)
es una película de género thriller de acción estadounidense dirigida por D.J. Caruso y protagonizada por Shia LaBeouf y Michelle Monaghan.
Tiene como temática básica la inteligencia artificial diabólica de una computadora.
La idea para Eagle Eye nació hace varios años en
la mente del productor ejecutivo Steven Spielberg.
“El concepto inicial de Steven se concentraba en
la idea que la tecnología está en todas partes,”
dice el co-productor Pete Chiarelli.
Shia LeBeouf como Jerry Shaw
65
68. Kazuo Miyagawa
La pasión por la fotografía rica
en contrastes que se utilizaba
en las películas mudas producidas en Alemania es la responsable de que el futuro director de
fotografía Kazuo Miyagawa se
interese por el cine.
Esta influencia puede apreciarse claramente en Rashomon
(1950). Antes de entrar a trabajar en un estudio, Miyagawa
estudió una técnica de pintura
tradicional japonesa o sumi-e.
Ya involucrado en la industria
cinematográfica, fue técnico de
laboratorio y asistente del director de fotografía antes de desempeñar él mismo esta última
función.
Su carrera se inicia y culmina
con sendas colaboraciones con
Akira Kurosawa.
Al igual que al realizador, Rashomon le hizo famoso en todo
el mundo. Treinta años después,
tuvo que abandonar el rodaje
de Kagemusha. La sombra del
guerrero (1980) debido a una
afección ocular.
Entre ambas películas se extiende una trayectoria extraordinaria. Empezó pronto a experimentar con raíles y grúas para
dotar a la cámara de un movimiento más ágil, algo que puede
apreciarse en Rashomon.
En Cuentos de la luna pálida
(1953), dirigida por Kenji Mizoguchi, se inspiró en las pinturas
tradicionales niponas. Así, en la
cinta las composiciones alargadas sugieren la continuidad de
los acontecimientos.
En Conflagración (1958) de Kon
Ichikawa, utilizó por primera vez
el Daieiscope, un nuevo formato de pantalla ancha, y volvió a
buscar la inspiración en las técnicas pictóricas de su país, lo
que se aprecia en la división de
las imágenes y en los espacios
delimitados por elementos como
puertas.
69. Fotografía Cinematográfica
ugetsu
(1956)
Ugetsu o Ugetsu Monogatari es una película
japonesa de 1953, y un ejemplo de la jidaigeki
(drama de época) género. Fue dirigida por Kenji
Mizoguchi y se basa en las historias de Ueda Akinari 's libro del mismo nombre . Situado en AzuchiMomoyama período de Japón , está protagonizada por Masayuki Mori y Machiko Kyō .
Es una de las películas más célebres de Mizoguchi, considerado por la crítica como una obra
maestra del cine japonés y una pieza definitiva
durante la Edad de Oro del Cine de Japón. Junto
con Akira Kurosawa 's 1950 la película Rashomon
, Ugetsu se le atribuye haber popularizado cine
japonés en Occidente.
Tras el éxito de su anterior película La vida de
Oharu , Mizoguchi se ofreció a hacer una película
en el cine Daiei estudios por su viejo amigo Masaichi Nagata .
El acuerdo prometió Mizoguchi completo control
artístico y un gran presupuesto. A pesar de ello,
Mizoguchi fue finalmente presionó para hacer
un final menos pesimista para la película. Título
Ugetsu de la película es una contracción de Ugetsu Monogatari, el título japonés, desde la Akinari
Ugetsu Monogatari . Mizoguchi basa su película
en dos historias Del libro, “La casa en la
espesura” (Asaji ga Yado) y “La lujuria de la Serpiente Blanca” (Jasei no In). Otras fuentes de inspiración para el guión de la película incluyen Guy
de Maupassant Déconé ‘s ! (Cómo llegó la Legión
de Honor).
Mientras escribía el guión, Mizoguchi dijo a su guionista y viejo colaborador Yoshikata Yoda “Si la
guerra se origina en motivos personales del gobernante, o de algún interés público, cómo violencia, disfrazada de guerra, oprime y atormenta a
la población, tanto física como espiritualmente ...
Quiero destacar esto como el tema principal de la
película “.
Machiko Kyō como Lady Wakasa
69
70. Capítulo Cuatro: Asia
Ganjiro Nakamura como Komajuro
Hiroshi Kawaguchi como Kiyoshi
Machiko Kyō como Sumiko
Ukikusa (1959)
Es un 1959 película de Yasujiro Ozu . Se trata de una nueva
versión del propio Ozu negro y
blanco del cine mudo18Historia
de malezas flotantes (1934).
El título Ozu primera intención
de la película era un actor Ham
(Daikon yakusha, literalmente
actor de rábano). Este título se
dice que ha sido abandonado
debido a que se consideró un insulto a Ganjiro Nakamura, el actor que interpreta Komajūrō, que
era una gran estrella del teatro
kabuki en el oeste de Japón.
No es una conversación entre
Komajūrō y Sumiko en el que
dice, cuando fue acusado de
Hamming él para arriba, que ese
es el estilo de actuación que su
público paga para ver.
Primero vemos la compañía realizar una escena de Kunisada
Chuji ( Kunisada Chuji ). Kunisada Chuji, un personaje histórico
que vivió de cerca de 1810 a
Haruko Sugimura como Oyoshi
1850, fue idealizado como el
Robin-Hood-como el héroe de
una serie de obras de teatro y En la escena vemos, Ku (innovelas.
terpretado por Sumiko) se
despedía de sus fieles comÉl era un jugador y ladrón de pañeros, Gantetsu y Jōhachi, en
poca monta que, después de el Monte Akagi. Gansos salvajes
haber regresado a su pueblo na- que vuelan al sur para el invital en busca de su familia arru- erno y los cuervos que regresan
inada y su hermana enloquecido a sus nidos son utilizados como
por el magistrado local malva- imágenes de despedida.
dos, causó su venganza antes
de refugiarse en el bosque, donde él y sus compañeros bandiEl cine mudo (o silente) es aquel cine que no
dos robaron la ricos para dárselo posee sonido grabado y sincronizado, referido
especialmente a diálogo hablado, consistiendo
a los pobres.
18
únicamente en imágenes.
70
71. Fotografía Cinematográfica
Yojimbo
(1961)
Yojimbo es una película japonesa de 1961, dirigida por Akira Kurosawa, con Toshirō Mifune en el
rol principal, ganador de la Copa Volpi en el Festival de cine de Venecia por su actuación en el
filme. Fue nominada al Oscar al mejor diseño de
vestuario 1962. La película esta ambientada en el
Japón del siglo XIX.
En 1964 el director italiano Sergio Leone, rodó
Por un puñado de dólares, una versión libre de
Yojimbo, realizada, según él, como un homenaje
a Akira Kurosawa. Al no pagar derechos de autor,
tuvo problemas legales.
Se inició un juicio entre los productores del
filme de Kurosawa y Leone, en el cual el director japonés afirmaba la autoría del guion, junto a
Ryuzo Kikushima. El juicio resultó favorable a los
japoneses, atrasando en dos años el lanzamiento
del filme de Leone en los Estados Unidos.
Sin embargo, el crítico de cine Sir Christopher
Frayling dice haber identificado otras fuentes: la
obra de Carlo Goldoni Arlequino, Servitore di due
padroni, presentada en 1745, y la novela de
Dashiell Hammett, Cosecha Roja (1929).
El filme Last Man Standing (1996), dirigido por
Walter Hill es un remake legalmente autorizado.
Bruce Willis19 actúa el rol principal.
Es un actor y productor estadounidense, nacido en Alemania, cuya
trayectoria comenzó en la industria televisiva durante los años 80 y, desde
entonces, ha aparecido en películas donde interpreta roles cómicos, dramáticos y de acción.
19
Toshirō Mifune como Sanjurō
71
72. takao saito
Takao Saito ( 5 de marzo de
1920, Kioto, Japón) es un director de fotografía japonés, colaborador frecuente del director
Akira Kurosawa. Nominado al
Oscar como mejor Director de
fotografía por su trabajo en el
filme Ran (1985)
Para ello se alista la ayuda de
un grupo de piratas. Además
de liberar su tierra del malvado,
sino que también deshacerse de
la bruja de media edad que convierte a las personas en piedra.
Aunque no es de ninguna rango
medio, sigue siendo el tipo de
película que da una "fórmula" un
mal nombre.
Todos los ingredientes están
ahí, incluso decente, si los efecTan poco del cine popular tos limitados, especiales, pero
japones llega a Gran Bretaña el énfasis se equivocaron con
Inicio trabajando en una pelicula que ha sido difícil juzgar si las curiosidad: hay demasiado terde Senkichi Taniguchi llamada películas son tan fanáticamente reno, la presencia de Mifune va
The Lost World Of Sinbad y americanizada como la mayoría para nada, la comedia es irreabrio las puertas del cine asia- de los otros medios de comuni- mediablemente no integrado, y
tico al mundo.En esta aventura cación japoneses. Aquí está el los Gothicisms son demasiado
japonesa, un marinero valiente Anexo A para el enjuiciamiento: superficial.
- llamado Simbad en la versión una fantasía de capa y espada
en Inglés estadounidenses pod- de estilo occidental que los do- Pero lo más triste es el rechazo
rían relacionarse con él - debe bladores han conseguido con- suave de toda la tradición oriendetener un premier malos de ad- vertirse en una historia de Sin- tal de la fantasía.
elantamiento del reino..
bad sin perder el ritmo..
73. Fotografía Cinematográfica
Kagemusha
(1980)
Escena de la Pelicula Kagemusha
Kagemusha, ("Shadow Warrior") es una película
de 1980 por Akira Kurosawa . En japonés, kagemusha es un término utilizado para referirse a una
trampa política . Se encuentra en el período Sengoku de la historia de Japón y cuenta la historia de
un criminal de clase baja que se le enseña a hacerse pasar por un moribundo señor de la guerra
con el fin de disuadir a los señores opuestos de
atacar al clan recién vulnerable.
El señor de la guerra a quien suplanta al kagemusha se basa en daimyo Takeda Shingen , y la
película termina con el clímax 1575 Batalla de Nagashino .
George Lucas y Francis Ford Coppola20 se acreditan al final de la película como productores ejecutivos en la versión internacional. Esto se debe a
que convencieron a 20th Century Fox para compensar un déficit en el presupuesto de la película,
cuando los productores originales.
Toho Studios , no podían darse
el lujo de terminar la película. A
cambio, 20th Century Fox recibió los derechos de distribución
internacional a la película.
Kurosawa originalmente emitió
el actor cómico bulliciosa Shintaro Katsu en el papel protagonista. Katsu abandonó la producción, sin embargo, antes
del primer día de rodaje.
Es un guionista, productor y director de cine
estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar.
20
73
74. Capítulo Cuatro: Asia
Ran
Ran (que significa caos, miseria) es una película japonesa de
1985 escrita y dirigida por Akira
Kurosawa.
Es un Jidaigeki (un drama
japonés) que muestra la caída
de Hidetora Ichimonji (Tatsuya
Nakadai), un señor de la guerra
de la Era Sengoku que decide
abdicar en favor de sus tres hijos. Tras llevar a cabo esta decisión, su reino se desintegra
debido a las luchas de poder entre su prole, que tratan de
asesinar a sus rivales.
Hidetora enloquece tras ver
como masacran a su séquito en
la escena central de la película.
A medida que el reino se
desmorona y los señores de la
guerra 21rivales entran en guerra.
(1985)
El clan de los Ichimonji se hunde en la culminación de la venganza y la traición, en la que se
ajustan viejas cuentas. La historia está basada en leyendas del
daimyō Mori Motonari así como
en la tragedia shakespeariana
El rey Lear.
Ran fue la última gran película
épica de Kurosawa. Con un
presupuesto de 12 millones de
dólares, fue la película japonesa
más cara jamás producida.
Kurosawa dirigiría otras tres
películas antes de morir, pero
ninguna tan grandiosa.
mejor diseño de vestuario.
La banda sonora, escrita por
Tōru Takemitsu, suena aislada,
con el sonido de la escena enmudecido–particularmente cuando el castillo de Hidetora está
siendo destruido. El filme recibió
además 25 premios más.
Según Stephen Prince, Ran es
"una crónica del ansia implacable de poder, la traición al padre
por parte de sus hijos, y las omnipresentes guerras y asesinatos, que destruyen a todos los
personajes protagonistas."
Es un término, traducido literalmente del
inglés warlord, que sirve para hacer referencia
a una persona con poder que tiene de facto el
control militar y el poder político de un área
subnacional, gracias a un grupo de fuerzas
armadas leales al señor de la guerra, y no a la
autoridad central.
21
La película fue aclamada por sus
poderosas imágenes y el uso
del color. El diseñador de vestuario Emi Wada ganó un Oscar al
Escena de la Pelicula Ran
74
75. Fotografía Cinematográfica
Konna yume
wo mita
(1990)
Fragmento de El Tunel, Dreams
Sueños, también conocida como Los Sueños, de
Akira Kurosawa o Los Sueños de que he soñado,
es una película producida en Japón y financiada
en Estados Unidos1 en el año 1990 de caracter
dramático-fantástico, que se divide en ocho segmentos, correspondientes a ocho sueños reales
del propio director, Akira Kurosawa.
En ella, Kurosawa, intenta concienciar a la gente
sobre los errores que se se están cometiendo usando el sonido y la visón como métodos principales de persuasión. Al parecer, los ocho sueños
se suceden en diferentes tramos de la vida de
Akira, a juzgar por el crecimiento de su principal
protagonista a lo largo del filme.
día ha recibido buenas críticas.
75
¨El aclamado director Martin Scorsese actuó
en uno de los sueños de Akira Kurosawa como
Vincent Van Gogh¨
76. ASAKAZU NAKAI
Asakazu Nakai (29 agosto
1901 a 28 febrero 1988) fue un
japonés cineasta , nacido en
Kobe . Ha trabajado en varias
ocasiones con el cineasta Akira
Kurosawa .
Esta película tiene entonces algunos cinematografía impresionante por la gran Asakazu Nakai
con ambas lentes. Kurosawa y
Nakai muestran su dominio completo de las composiciones de
gran angular dinámicos como la
Fue nominado para el Premio cámara no está bloqueado pero
de la Academia a la Mejor Fo- se mueve de una composición a
tografía por su trabajo en la otra, todo tan impresionante que
película Ran (1985).
forman una textura dinámica
que impulsa la narrativa más de
A pesar de que era más cono- tres horas.
cido por su trabajo teleobjetivo,
Seven Samurai marca el punto Si usted nunca ha visto esta
de transición en la que Kuro- película, ver como cada persawa se aleja del objetivo gran sonaje progresa y reacciona y
angular a favor del efecto de es- se mueve en la escena como
corzo y aplanamiento de la lente individuos coreografía en estos
de largo.
retratos de grupos orgánicos.
Esto es cine virtuoso de usar y
tirar en su máxima expresión.
Usar y tirar, porque el punto de
una escena o de un tiro es nunca la cámara ni la composición,
pero siempre los personajes y el
drama.
Todo está controlado, deliberada
y fabricado para estar al servicio
de la historia.
77. Fotografía Cinematográfica
Shichinin no samurai
(1954)
Los siete samurais de la Película
Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el
público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight &
Sound's de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferiObtuvo el León de plata en la Mostra de Venecia das de los directores en las votaciones de 1992 y
y dos nominaciones al Óscar.
el 2002 La película influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western
Los siete samuráis ha sido denominada una de Los siete magníficos.
las películas más grandes e influyentes de la
historia,y es una de las pocas películas japonesas
que ganó fama y popularidad en el Occidente
durante muchos años.
Los siete samuráis (Shichinin no samurai) es una
película del director japonés Akira Kurosawa,
estrenada en 1954.
77
78. Capítulo Cuatro: Asia
La novela Humillados y ofendidos de Fyodor Dostoevsky sirvió
de inspiración para la subtrama
de la chica joven, Otoyo (Terumi
Niki), que es rescatada de un
burdel.
Barbarroja aborda el problema
de la injusticia social y explora
dos de los temas favoritos de
Kurosawa: humanismo y existencialismo.
De acuerdo con el comentario
del DVD de la Criterion
Collection, Barbarroja tiene una
duración de 185 minutos y fue
filmado con una [relación de aspecto]] de 2.35.
Toshirō Mifune como Dr. Niide
Akahige
(1965)
Barbarroja (''Akahige'') es una
película japonesa de1965 dirigida por Akira Kurosawa.
El film narra la influencia que
ejerce el médico y director de
una clínica de pueblo con pocos
recursos económicos sobre un
joven ayudante de familia acaudalada que, contra su voluntad,
debe trabajar en la clínica.
Fue la primera película de Kurosawa a hacer uso de una banda
sonora de 4 pistas con sonido
estereofónico. La película tardó
dos años en ser filmada.
¨Barbarroja es el último de
los 16 filmes en el que
trabajaron
Akira Kurosawa
y Toshirō
Mifune.¨
La película se basa en una
colección de relatos cortos de
Shūgorō Yamamoto titulada,
Akahige shinryotan.
Toshirō Mifune como Dr. Niide
78
79. Fotografía Cinematográfica
Dersu Uzala
(1975)
¨La película vendió 20,4 millones entradas en los cines de la Unión Soviética´
Dersu Uzala (El cazador) (en ruso Дерсу Узала,
Dersú Uzalá) es una película soviético-japonesa
de 1975 dirigida por Akira Kurosawa, siendo esta
su primera película en el extranjero y la única rodada en 70mm.
La película ganó varios premios, entre los que se
encuentra el Festival de Cine de Moscú y el Óscar
a la mejor película extranjera.
El film está basado en las memorias escritas por
el explorador Vladimir Arseniev en 1923 sobre
Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen que
acompañó a sus hombres durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín.
El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga
siberiana y se centra en un hombre nativo que vive
cómodamente en los bosques llevando un estilo
de vida que de manera inevitable será destruida
por el avance de la civilización.
En la misma película se trata el tema del respeto
y la amistad entre dos personas de diferentes etnias y sobre la pérdida de fuerzas y habilidades
con el paso de los años.
Maxim Munzuk como Dersú Uzala
79
80. Escena de The House of the Flying Daggers
zhao xiaoding
ZHAO Xiaoding (Director de
fotografía) se licenció en Fotografía en la prestigiosa Academia de Cine de Pekín en 1987.
Además de películas, ha rodado
numerosos anuncios y campañas publicitarias para marcas como Coca-Cola, perfumes
Armani, Toyota y el Banco de
China.
HKSC. En la próxima película
de Zhang, casa de las dagas
voladoras (AC, enero de 2005),
Zhao fue director de fotografía.
Colaboraciones posteriores inRodó su primer largo nada más
cluyen la maldición de la flor dograduarse, y desde entonces
rada (AC, enero de 2007), 2005
ha filmado, como media, una Fue el director de fotografía del de Riding Alone de miles de
película anual.
clip publicitario de los Juegos kilómetros y el juego de las OlOlímpicos de Pekín, de la Expo impiadas Beijing 2008 CeremoSu colaboración con el director de Shanghái y del clip que des- nia de Apertura.
Zhang Yimou empezó en 2001 velaba el logotipo de los Juegos
como primer operador de la Olímpicos de Pekín.
Su última colaboración es una
película Hero, pasando a ocumujer, una pistola y una tienda
parse de la fotografía en La casa trabajó por primera vez con el de fideos, que Zhao describe
de las dagas voladoras, por la director Zhang Yimou en Hero como un homenaje a los herque fue nominado al Oscar a la (AC, septiembre de 2003), que manos Coen 1985 debut de la
Mejor Fotografía.
actúa como operador de cámara película Blood Simple.
y la segunda unidad de cámara
bajo Christopher Doyle, ASC,
81. Fotografía Cinematográfica
House of
Flying
Daggers
(2004)
Zhang Ziyi como Mei
La casa de las dagas voladoras (House of Flying
Daggers, chino, pinyin: shí miàn mái fú) es una
película china del año 2004, dirigida por Zhang
Yimou, con guion del propio director en colaboración con el escritor Li Feng, que debutó como
guionista con "Hero", y Wang Bin, que conoció a
Yimou en una tertulia sobre Ju Dou y que también
colaboró con él en "Hero"
La coreografía es del prestigioso Ching Siu-Tung,
que participó también en "Una historia china de
fantasmas".
El título chino es el nombre de una famosa pieza
de música tradicional china para pipa, que describe la batalla entre el general Xiang Yu, del Estado Chu, y las fuerzas Han, con anterioridad a la
formación de la Dinastía Han (en la banda sonora
de la película aparece una versión corta tocada
con guitarra).
Takeshi Kaneshiro como Jin
81
82. Capítulo Cuatro: Asia
the curse of the
golden flower
(2006)
La maldición de la flor dorada es
una pelicula china de 2.006 dirigida por Zhang Yimou .
Con un presupuesto de EE.UU.
$ 45 millones, que era en el momento de su lanzamiento la más
cara del cine chino hasta la fecha, superando a Chen Kaige 's
The Promise . Fue elegida como
la entrada de China para el Premio de la Academia a la Mejor
Película en Lengua Extranjera
para el año 2006, pero no recibió la nominación. Sin embargo,
la película fue nominada para
Diseño de vestuario .
En 2007 recibió catorce nominaciones a los 26o Hong Kong
Film Awards y ganó Mejor Actriz
por Gong Li , Mejor Dirección
de Arte, Mejor Vestuario y Maquillaje Diseño y Mejor Película
Canción Original por (Chrysanthemum Terrace) por Jay Chou .
La trama se basa en Cao Yu
1934 play 's Tormenta, pero se
encuentra en la corte imperial en
la antigua China.
Gong Li como Empress Phoenix
82
83. Fotografía Cinematográfica
Kung
Dunk
Fu
(2008)
¨Yao Ming habia sido llamado para actuar en la
pelicula pero debido a unas lesiones no pudo
lograrlo¨
Kung Fu Dunk , también conocido por su antiguo
título de la clavada, es un idioma chino 2008 liveaction film .
Fue dirigido por el taiwanés director Chu Yin-Ping y
filmada en Taiwan y China continental . La película
se tituló previamente Dunk Slam, pero más tarde
el título ha sido cambiado para evitar confusiones
con el Slam Dunk manga22 y anime de la serie,
que se basa en más o menos a pesar de la propia
película que no tiene asociación alguna.
Jay Chou como Shi Jie / Colmillo Shijie
El rodaje, sin embargo, transmitió un fuerte sabor
de las películas de Hong Kong , que recuerda a
películas como Shaolin Soccer . Cuenta con una
lista de estrellas del pop de Taiwán y Hong Kong ,
junto con actores conocidos de China continental .
En 2008, el tema (Héroe Chou), que se compone
de Chou con letra de Vicente Colmillo y prefromed
por Yi Chuan, fue nominada a la Mejor Canción
Original en la 45 ª Premios Caballo Dorado .,que
se incluye como un bonus track en Jay Chou 2007
World Tour Live Concert .
Es la palabra japonesa para designar a las historietas en general.
Fuera de Japón se utiliza, exclusivamente, para referirse a las historietas
niponas.
22
Charlene Choi como Li-Li (Lily)
83
84. Capítulo Cuatro: Asia
The
Children
of Huang
Shi (2008)
¨La película recaudó alrededor
de 7,4 millones dólares en todo
el mundo¨
Los niños de Huang Shi es
un película china de 2008. La
película se centra en la historia
de George Hogg y los sesenta
huérfanos que han llevado a
Jonathan Rhys Meyers como George Hogg
través de China, en un esfuerzo
para salvarlos de la conscripción
durante la Segunda Guerra
ignorar el papel de Rewi CalleSino-Japonesa .
jón , un comunista neozelandés
celebrado en la revolución china.
La película recibió críticas mix- La conversión de la enfermera
tas de los críticos occidentales. interpretada por Radha Mitchell
La revisión agregador Rotten de un neozelandés (Kathleen
Tomatoes informó que el 31% Hall, asociada a Callejón) a un
de los críticos de cine dio a los estadounidense también recibió
comentarios positivos, sobre la la atención negativa. La omisión
base de 71 reseñas. Metacritic de Callejón, en particular,
informó la película tuvo una pun- ha sido llamada una tergivertuación media de 49 sobre 100, sación descarada de al menos
basado en 22 revisiones.
un crítico.
El New York Times dieron a la
película una crítica positiva en
general, alabando la actuación
y su “representación realista de
la devastada por la guerra de
China”.
Radha Mitchell como Lee Pearson
La película ha sido criticada por
84