Arte contemporaneo 1900 1950

ARTE CONTEMPORÁNEO
1900 a 1950

INDICE
ARTE CONTEMPORÁNEO

FAUVISMO CONSTRUCTIVISMO EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Henri Matisse (1869-1954) Vladímir Tatlin, (1885-1953). Wassily Kandinsky, (1866-1944).
André Derain (1880-1954). Naum Gabo, (1890-1977). Arshile Gorky, (1904-1948).
Maurice de Vlaminck, (1876-1958). Hans Hofmann, (1880-1966).
Raoul Dufy, (1877-1953). NEOPLASTICISMO O DE STIJL Jackson Pollock, (1912-1956)
Georges Braque, (1882-1963).
Theo van Doesburg, (1883-1931). ART NOUVEAU
EXPRESIONISMO Piet Mondrian, (1872-1944).
Gustav Klimt, (1862-1918).
Edvard Munch, (1863-1944). Antoni Gaudí, (1852-1926).
Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938), Lluís Domènech Montaner, (1850-1923).
Auguste Rodin, (1840-1917). DADAÍSMO
Cine expresionista ART DÉCO
Jean Arp, (1887-1966).
CUBISMO Man Ray, (1890-1976). Jean Puiforcat, (1897-1945).
Francis Picabia, (1879-1953). René Lalique, (1860-1945).
Pablo Picasso, (1881-1973). Max Ernst, (1891-1976).
Georges Braque, (1882-1963). LA BAUHAUS
Robert Delaunay, (1885-1941). SURREALISMO
Fernand Léger, (1881-1955). Ludwing Mies van der Rohe
Francis Picabia, (1879-1953). André Breton, (1896-1966) Marcel Breuer
Marcel Duchamp, (1887-1968). Salvador Dalí, (1904-1989). Johnson Philip
Juan Gris, (1887-1927). René Magritte, (1898-1967). Walter Gropius, (1883-1969).
Jacques Lipchitz, (1891-1973). Alberto Giacometti, (1901-1966).
Alexander Porfirievich Archipenko, (1887-1964).
, Giorgio de Chirico, (1888-1978). LE CORBUSIER
FUTURISMO Joan Miró, (1893-1983).
Giacomo Balla, (1871-1958). Frank Lloyd Wright, (1867-1959).
Umberto Boccioni, (1882-1916). Cine surrealista Luis Buñuel, (1900-1983).
Gino Severini, (1883-1966).

Un trabajo realizado por Leidy Machuca y Julio Castillo

Arte contemporáneo

El Arte Contemporáneo es el término utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura
realizados durante el siglo XX, que comprende diversos movimientos, estilos y escuelas, unidas por su ruptura
respecto al historicismo de finales del siglo XIX y su emancipación de los cánones clásicos,.

El cuestionamiento sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX
tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo
consigo una sucesión de estilos y movimientos. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el
fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el
surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.

Las raíces del arte contemporáneo se pueden rastrear en la vanguardia pictórica francesa de finales
del siglo XIX. En torno al 1860 los artistas comenzaron a preocuparse por la propia naturaleza material de la
pintura. Édouard Manet utilizó manchas de colores planos, contorneadas mediante una pincelada suelta; los
impresionistas —especialmente Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir— se interesaron por representar
los efectos de luz sobre los objetos, más que por reproducir las texturas auténticas de las cosas. Avanzado el
siglo, el postimpresionismo evolucionó hacia un nuevo estilo, decisivo para el entendimiento de la pintura en las
primeras décadas del siglo XX: Georges Seurat cambió la soltura de la pincelada impresionista por la precisión
científica de los puntos yuxtapuestos de colores complementarios, creando un estilo conocido como puntillismo;
Paul Gauguin exageró las formas y empleó el color de manera arbitraria, con un valor decorativo y simbólico, en
una dirección calificada a menudo como primitivista; y las distorsiones expresionistas de línea y color en la obra
de Vincent van Gogh ejercieron una gran influencia en el noruego Edvard Munch y en los expresionistas
alemanes. Los descubrimientos de Paul Cézanne también fueron decisivos, especialmente su sistema de
composición a base de planos de color, precursor de los experimentos analíticos de Pablo Picasso y Georges
Braque a principios del siglo.


FAUVISMO

Fauvismo, movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908,
aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. El término fauves,
literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición,
en el Salón de Otoño de 1905. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no
describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor
de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear
un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de
trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.Empezaron a usar los colores complementarios
puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones
objetivas de la luz.

Sus representantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque,
Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente.

Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de
una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la composición. “Yo
no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.


Henri Matisse, (1869-1954).

Matisse, Henri (1869-1954), pintor francés líder del
fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en
la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar
sentimientos a través del uso del color y la forma.

Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de
Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase
media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer
como abogado; sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una
apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su
carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la
capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición
académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una
forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de
los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte
contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su
propia experimentación, que le valió una reputación de miembro
rebelde en las clases del estudio.


El entierro de Pierrot

El entierro de Pierrot es una serigrafía realizada a partir de un recortable de
Henri Matisse de 1947, época en que, por problemas de salud, prefirió
realizar sus obras con papeles recortados, pintados con brillantes colores al
gouache.

La habitación roja

La habitación roja (1908-1909) de Henri Matisse es un claro
ejemplo de su expresivo estilo fauvista, resultado de una
relación emocional entre el pintor y la obra.


André Derain, (1880-1954).

Pintor francés representante de varios movimientos artísticos de
vanguardia a comienzos del siglo XX. Nació en Chatou. En 1905, junto con
Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas, llamados así
por los colores atrevidos e irreales que utilizaban y que resultaban bastante
chocantes para los críticos de aquella época. La mayor parte de las obras de ese
periodo son paisajes campestres y urbanos, como Puente de Londres, y muestran las
típicas características del fauvismo: colores puros (a menudo aplicados sobre el
lienzo directamente con el tubo), pinceladas irregulares, composición delirante y
despreocupación por la perspectiva o la representación realista.

Después de 1908 comenzó a experimentar con otros estilos. La influencia
de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor
control en sus composiciones. Su gran obra Los bañistas supone un intento de
combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne,
en una síntesis global. En 1910 produjo obras geométricas, de influencia cubista
como El puente viejo de Cagnes. Sus últimas obras, posteriores a 1912, muestran la
influencia de muchos estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura
africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un
cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de
madurez destaca Mesa de cocina .


El Puente de Londres

El Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, MOMA,
Nueva York), de André Derain, presenta la perspectiva
distorsionada, pincelada libre y fuerte colorido característicos de los
pintores fauvistas.


André Derain, Montañas de Collioure, 1905.


Maurice de Vlaminck, (1876-1958).

Pintor fauvista francés, que nació en París. Después de 1900 compartió un
estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo; ambos formaron
parte del grupo que expuso en el Salón de Otoño de 1905 y que se conocería como los
fauves ('bestias salvajes'). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la
pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en
París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen
brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906, Museo Nacional
de Arte Moderno, París). Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su
obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se
refleja en las telas La casa del pintor en Valmondois y El camino de la aldea. Vlaminck
también escribió varias novelas.


Maurice de Vlaminck, Tugboat on the Seine, Chatou, 1906,


Raoul Dufy, (1877-1953).

Pintor, artista gráfico y diseñador textil francés. Nació en El Havre y estudió
durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París. En un principio Dufy
estuvo sometido a la influencia de los impresionistas, pero en 1902 conoció a Henri
Matisse y a otros pintores fauvistas, que trabajaban con colores llamativos e irreales y
atrevidas formas, y adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo. Poco
a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada
vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Los
temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, las carreras de caballos y otras
actividades al aire libre en lugares de moda, como Carreras de caballos en Deauville,
L'Opera. También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos.

Cobró fama por su obra gráfica, en especial por las ilustraciones para El
bestiario (1911) de Guillaume Apollinaire. También realizó xilografías y diseñó telas,
tapices y cerámica.


Raul Duffy
Sparkle Light Dining
Oil on Canvas, 2005
16" x 20"


Raul Duffy
Vic's for Ice Cream
Oil on Canvas, 2005
24" x 30"

Raul Duffy
Hostess and Waitress
Oil on Canvas, 2005
24" x 30"



Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo
del cubismo.Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Estudió en la
Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de
los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy
libre.
Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne.
El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco
convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como
cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz
y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos
efectos. Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo,
en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma
geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular)
pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos
una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la
atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por
los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a
Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas
naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó trabajando y produjo un considerable
número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad contemplativa,
que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.


Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie
En Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie se aprecian las
características del cubismo sintético de Georges Braque: formas
planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e
incorporación del collage.


EXPRESIONISMO

Es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del
autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los
últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían
prevalecido en Europa desde el renacimiento. El artista expresionista trató de representar la experiencia
emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna
y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan
con el fin de intensificar la comunicación artística.
Los precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX y
comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el
noruego Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una
expresión más intensa.
El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los
pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, quienes en 1905 fundaron un
grupo en Dresde denominado Die Brücke (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max
Pechstein, y en 1910 Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich
denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August
Macke y Heinrich Campendonk, el suizo Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del
expresionismo alemán estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por
representar las emociones subjetivas.


Edvard Munch, (1863-1944).

Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas
representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino
al desarrollo del expresionismo.
Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863. Tras una primera influencia de
la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal,
obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad
y la muerte. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito. Ésta, junto
con el angustioso Niño enfermo, reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al
morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y
melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros
indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de
mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como
vampiresas devoradoras de vida.

Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo
largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico
contemporáneo; un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple,
directo y fuerte.


El grito

El grito (1893) es la más dramática de las obras de Edvard Munch y una de las
más famosas del expresionismo. En ella el artista expresa la angustia espiritual y
el tormento emocional experimentados en determinadas etapas de su vida.


Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938).

Pintor alemán, uno de los máximos exponentes del expresionismo. Estuvo
influenciado por los colores fuertes y las distorsiones compositivas del neo-
impresionismo y por la expresividad de la talla en madera de África y Oceanía. Como
miembro fundador del grupo expresionista Die Brücke (El puente) en Dresde, en 1905,
Kirchner trató de derivar las formas naturales a simplificaciones radicales, e incluso a
veces, brutales. En obras como Autorretrato con modelo, sus líneas marcadas y sus
colores desentonados crean un sentido de emoción violenta. Su trabajo a finales de los
años veinte se fue haciendo cada vez más abstracto, ya que intentó resolver a través de él
ciertas cuestiones teóricas.. Kirchner se suicidó en 1938.


Calle de Berlín

Calle de Berlín (1913) pertenece a una serie de escenas callejeras realizadas
por el pintor expresionista alemán Ernst Ludwig Kirchner entre 1912 y 1913.
Sus obras, de fuerte contenido emocional e intenso colorido, presentan un
tratamiento plano del espacio.


Auguste Rodin, (1840-1917).

Escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del
modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y
principios del XX.
Nació en París el 12 de noviembre de 1840. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en
una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba
sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más
característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura; el otro
está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas
importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. Sin
embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La
era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación
de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su
desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación
de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en Las puertas del infierno, una puerta de bronce
esculpido para el Museo de Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente
escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó
Las puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo
todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso,
Ugolino, El pensador, Adán y Eva. En 1886 terminó Los burgueses de Calais; esta escultura es un
monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación
psicológica.Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917.

AUGUSTO RODIN

Auguste René Rodin: El pensador (bronce, 1882)


Auguste Rodin
The Kiss, 1886.


Balzac

Auguste Rodin realizó en bronce esta expresiva escultura del escritor francés
Honoré de Balzac, que mide aproximadamente 2,95 metros. Aunque Rodin era
capaz de crear esculturas de carácter naturalista, eligió de forma deliberada la
representación de Balzac en un estilo distorsionado y ligeramente tosco para
transmitirnos el estado emocional del escritor.


CINE EXPRESIONISTA
La cinematografía expresionista se define a partir de dos líneas temáticas diferenciadas:
lo fantástico y el drama social y psicológico

Ambas vertientes son representativas de la crisis social que se vivía en aquellos años,
pues en ambos casos es expresa una inestabilidad y angustia existencial, se trasluce la crisis moral,
cobra preponderancia el tema de la muerte, se muestran personajes que ejercen una violencia física y
moral, etc.

En "El gabinete del Dr. Caligari" (1919) de Robert Weine, es la escenografía la que cobra
una enorme trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen
profundidad real, lograda a veces a través de un telón de fondo que representa la prolongación de las
callejuelas mediante líneas onduladas. Y sin respetar los ejes verticales, se transforman los interiores
de exteriores en un marco inestable a punto de desintegrarse, con un movimiento si no real al menos
psicológico dado por la gran cantidad de direcciones diagonales.
Las curvas, las líneas sesgadas, tienen en sí una significación netamente metafísica,
porque la línea oblicua tiene sobre el espectador un efecto muy diferente al de la recta y las curvas
inesperadas provocan una reacción psíquica de un orden totalmente distinto que las líneas de corte
armónico. Lo que interesa aquí es crear la inquietud y el terror. En la visión de un calabozo, donde
los rasgos negros de ángulos y artistas se apretujan hacia arriba, la abstracción extrema y la total
deformación del decorado de "Caligari" logran su punto culminante.

Mediante ésta deformación seleccionada y creadora el artista dispone de medios que le
permiten representar la complejidad psíquica con intensidad.


Fragmento de la película
"El gabinete del Dr. Caligari" (1919 ), Robert Weine.


CUBISMO
El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo
objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo
simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado
principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de
1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista
seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte,
convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución
contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al
efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los
cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró
fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.
Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que
afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está
influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente
dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las
formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos
básicos que revelan las formas geométricas subyacentes.
Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron:
Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La
Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los
mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon,
Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y
técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.


Pablo Picasso, (1881-1973). Picasso

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del
siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas,
innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más
prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López
y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno
y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para
utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de
manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas
y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de
Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que
representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño
junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro.


Guernica

El Guernica del pintor español Pablo Picasso describe el bombardeo de la localidad vasca por parte de la Legión Cóndor alemana el 26 de abril de 1937.


Cabeza de mujer

En 1966 el español Pablo Ruiz Picasso levantó una enorme
escultura de 20 metros de alto enfrente del Chicago Civic Center de
la capital del estado de Illinois en Estados Unidos. Representa una
cabeza de mujer y está realizada en acero soldado.

.

Tête de femme

El cuadro Tête de femme (1909-1910, óleo s/ tela, 60 × 50, col. part.)
del pintor español Pablo Picasso representa la cabeza de una mujer y
está realizado dentro del estilo cubista. Las formas se descomponen
en una sucesión de pequeños planos que muestran desde varios
ángulos la figura humana. La paleta de colores se reduce a los tonos
marrones, verdes y grises.


FAMILIA DE ACRÓBATAS
1905 Museo National Gallery of Art, Washington

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON
1907 Museo Moma, New York


AUTORRETRATO

1907 Naroni Gallery, Praga

GERTRUDE STEIN

1906 Metropolitan Museum of Art, New York


GRAN DESNUDO
1964 Kunsthaus, Zurich

DANIEL HENRY KAHNWEILER
1910 Art Institute of Chicago


MUJER CON CIGARRILLO
1901 Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania

CIENCIA Y CARIDAD
1897 Museo Picasso, Barcelona


HOMBRE SENTADO
1971 Galerie Leires, París



Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del
cubismo.Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Estudió en la Escuela de
Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando
colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.
Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de
éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a
Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista.
Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la
perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. Braque
cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de
pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo (o,
más exactamente, a un prisma rectangular) pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con
lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma
centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.
Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores
brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de
la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó
trabajando y produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una
cualidad contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en
París.


Robert Delaunay, (1885-1941).

Pintor francés, fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo
XX. En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y colores
monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las
formas circulares y en los colores brillantes. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de
los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte
moderno. Su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de
cuadros basados en eventos deportivos, como Sprinters (1924-1926), que culminaron en
impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo, como sus últimas series Ritmos y
Ritmos eternos.


Joie de vivre - Robert Delaunay


Fernand Léger, (1881-1955).
Pintor francés adscrito al cubismo y al constructivismo, que destaca también
por sus realizaciones de pósters o carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado.
Nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan, Francia,. La mayoría de sus primeros cuadros
tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque. Junto con Georges Braque
y Pablo Picasso, Léger representó un papel importante en la evolución y difusión del
cubismo.
La siguiente etapa de Léger estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra
Mundial. Comenzó su llamado periodo "mecánico" en el que utilizó muchos símbolos
procedentes del mundo industrial. La Ciudad es una de sus pinturas más notables. La
obra de Léger ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético.
En sus últimas obras llevó a cabo una separación entre el color y el dibujo de tal manera
que sus figuras mantienen sus formas robóticas definidas por líneas negras. El color se
reparte de forma audaz sobre las áreas del lienzo de modo que constituye una
composición separada que unifica el cuadro. Una de sus últimas obras, El gran desfile.


Le peintre Fernand LEGER (1881-1955) et les travailleurs


Francis Picabia, (1879-1953).
Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879. Su arte no
admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más
destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el
surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. El
apuro pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían
definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.


Francis Picabia, La Nuit Espagnole, 1922

Francis Picabia, Portrait de femme aux allumettes, No 1
(circa 1923-1925)


Marcel Duchamp, (1887-1968).

Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución
del arte de vanguardia del siglo XX.
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-
Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de
realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de
vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera, en la que expresa
el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. Después
de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra
maestra, Los novios desnudando a la novia, una obra abstracta, conocida también como
El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo
por parte de los surrealistas.
Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los
temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el
desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art.


Desnudo bajando una escalera

Desnudo bajando una escalera (1912) de Marcel Duchamp es una
síntesis del cubismo y el futurismo. La obra refleja cierta influencia de
las investigaciones sobre el movimiento realizadas por el fotógrafo
Eadweard Muybridge.


Juan Gris, (1887-1927).
Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado
como uno de los maestros del cubismo.
Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el
23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal.
Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se
trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque.
Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les
tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al
tiempo que continuaba pintando. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud
y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.
Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico. Parte de
sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella,
El tablero de ajedrez y Botella y frutero.


El desayuno

En las primeras década del siglo XX, el artista de origen español Juan
Gris ejerció gran influencia en la evolución del cubismo sintético por la
innovadora utilización del collage. Un ejemplo de ello es El desayuno,
que forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno
de París (Francia).


Jacques Lipchitz, (1891-1973).

Escultor francés de origen lituano.En 1909, mientras estudiaba en la Escuela de
Bellas Artes de París, entró a formar parte de un grupo de artistas entre los que estaban
Pablo Picasso y Juan Gris, los iniciadores del cubismo, movimiento al que Lipchitz
pronto se adscribiría. Una de sus primeras obras cubistas es Desnudo reclinado con
guitarra. También recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades
mágicas y misteriosas. Sus últimas obras se alejan del cubismo, buscando volúmenes más
sólidos y texturas más sensuales. Uno de sus temas recurrentes fue el triunfo de la luz
sobre la oscuridad como lo expresa de forma simbólica en Prometeo estrangulando al
buitre.


Acrobat on Horseback Horsewoman with Fan The Dance


Alexander Porfirievich Archipenko, (1887-1964).

Escultor nacido en Rusia y nacionalizado estadounidense. Nació en Kíev y
estudió en la Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela de Bellas Artes de
París.
Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la
figura humana a formas abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras
esculturas cubistas, como Medrano. Desarrolló un estilo que subraya la importancia de
las formas cóncavas como límites exteriores de la escultura (el antivolumen) y los
espacios vacíos . Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro, que le permitieron
conseguir nuevos efectos, y revivió la utilización del color en la escultura.


Mujer peinándose

El escultor estadounidense de origen ruso Alexander Archipenko
desempeñó un importante papel en la evolución del cubismo. En Mujer
peinándose (1915, Tate Gallery de Londres, Gran Bretaña), redujo el
cuerpo humano a formas geométricas y abrió huecos en la figura para
realzar el contraste entre lo sólido y el vacío.


FUTURISMO

Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar
la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El poeta italiano
Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año
siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini
firmaron el Manifiesto técnico de la pintura futurista.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso
acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran
velocidad e impresas en un solo plano.
Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin y el Tren suburbano, ambos de Gino
Severini. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en
las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso.


Giacomo Balla, (1871-1958).

Pintor italiano, uno de los principales artistas del movimiento futurista
italiano.Comenzó su carrera como pintor realista, pero en 1910 se encuadró dentro del
estilo futurista al firmar el Manifiesto técnico de los pintores futuristas. En obras como
Dinamismo de un perro con correa (Correa de perro en movimiento), Balla intenta
representar a un tiempo el movimiento y la velocidad, algo que los futuristas
consideraban como la esencia de la civilización moderna. En la década de 1930 retornó a
la pintura figurativa.


Speed of a Motorcycle
1913

Abstract Speed
The Car Has Passed
1913


Umberto Boccioni, (1882-1916).

Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento
futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la
revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo
moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido
influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores
complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en
Dinamismo de un ciclista, expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia
de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan
madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre
un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.


Umberto Boccioni, Unique Forms of Continuity in Space
1913 (Bronze)


Umberto Boccioni (1882-1916), Volumi orizzontali.


Formas únicas de continuidad en el espacio.

Botella en el espacio.


Gino Severini, (1883-1966).

Pintor italiano. Nació en Cortona el 7 de abril de 1883. Considerado como uno
de los fundadores del futurismo. Sus pinturas, influenciadas por la fragmentación de la
técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición
de líneas y formas quebradas, como en su famoso estudio de una bailarina, Jeroglífico
dinámico de Bal Tabarin, Expansión de la luz (1912) y Mujer en la ventana (1914), estos
dos últimos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Al trabajar fundamentalmente
en París, Severini contribuyó a extender el futurismo fuera de Italia.


Gino Severini. La Danza, 1909-1916


Tren suburbano
La composición dinámica y las pinceladas expresivas caracterizan la
pintura futurista, como muestra este Tren suburbano de Gino Severini.
Las formas geométricas y la ausencia de perspectiva clásica reflejan la
influencia cubista.


CONSTRUCTIVISMO

Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte
europeo y que fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la
construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal,
alambre y trozos de plástico. Las primeras obras representativas de este movimiento son las construcciones en
relieve de Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexándr Rodchenko, El
Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el Manifiesto
realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.
Aunque el movimiento se dividió en diferentes facciones en la década de 1920, en general el
constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.
El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el
diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la
naciente estética del funcionalismo.


Vladímir Tatlin, (1885-1953).

Pintor y escultor ruso. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus
trabajos posteriores son abstractos. Vivió en París en 1913, época en la que Tatlin se
inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros materiales de
Picasso. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la
aparición del constructivismo. El interés de Tatlin en una escultura de espacio y
movimiento, aplicando una tecnología propia de la ingeniería y la arquitectura, culminó
en su maqueta para un enorme Monumento a la Tercera Internacional .


Vladimir Tatlin.
Relief
1914
Metal and leather on wood. 25" x 21".


Naum Gabo, (1890-1977).

Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del
constructivismo del siglo XX.
Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento
constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir
de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o
vaciado en bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto
Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en
el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería
como constructivismo. Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en
Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación, en la
que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez,
están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de
nailon. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26
metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf
de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la
ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue
la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.


Maqueta para Columna

La pieza constructivista de Naum Gabo es una maqueta (Tate Gallery,
Londres) para una escultura de mayor tamaño, Columna, que finalizó
en 1923, compuesta de formas geométricas y abstractas.


Construction in Space with Crystalline


Linear Construction No. 4
1962

Linear Construction No. 2 1970-71


NEOPLASTICISMO O DE STIJL
De Stijl (en holandés, 'el estilo'), revista fundada por los pintores Theo van Doesburg y Piet Mondrian
en el año 1917. El nombre también se aplica a los artistas y arquitectos asociados con este movimiento, así como
al estilo que ellos crearon. La revista, que promocionó el neo-plasticismo y, más tarde, el dadaísmo fue una de las
revistas de arte más influyentes de su tiempo. Como movimiento, De Stijl, se centró en la abstracción que crearía
una solución más universal para los espectadores basada en la búsqueda de la armonía y del orden. Las pinturas
del grupo De Stijl fueron también composiciones abstractas con áreas de colores puros (azul, rojo y amarillo)
combinadas con líneas rectas en negro, verde y blanco. Los principios del grupo De Stijl, influyeron también en
las artes decorativas y en la arquitectura, para la que el movimiento creó superficies planas y líneas austeras,
relacionadas con el cubismo. Estos principios se pueden ver en la Casa Schröder (1924) en Utrecht de Gerrit
Thomas Rietveld, y la Workers´ Housing Estate en Hook, Holanda, de (1924-1927) Jacobus Johannes Pieter Oud.


Theo van Doesburg, (1883-1931).

Pintor holandés, fue uno de los principales defensores del neoplasticismo,
movimiento creado por Piet Mondrian en los Países Bajos. Fue uno de los fundadores (en
1917) de la revista De Stijl, portavoz de los ideales neoplasticistas que abogaban por una
simplificación radical basada en el uso de líneas y ángulos rectos, formas planas y
colores puros, en un primer momento el blanco y el negro.


Theo van Doesburg (1883-1931), Compositie III


Piet Mondrian, (1872-1944).

Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por
medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido,
intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia.
Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados,
malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop,
comenzó a experimentar con colores más brillantes; fue el punto de partida de sus
intentos por trascender la naturaleza.
En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la
revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas
que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la
reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y
universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura,
superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo,
es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la
eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos
rectos.
Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor
libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para
yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra
que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie. Murió el 1 de febrero de 1944 en
Nueva York.


Piet Mondrian

Composición en rojo, azul y amarillo

Composición en rojo, amarillo y azul (1930) de Piet Mondrian se
basa en la idea de este artista de que la pintura debía construirse con
espacios planos y líneas rectas, limitándose a los colores primarios,
más negro, blanco y gris. Sobre esta base creó el neoplasticismo,
estilo abstracto geométrico.


DADAÍSMO

El término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor,
ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo
celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dada fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán
Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se
producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y
Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de
codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios
deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. El pintor y escritor alemán Kurt
Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés
Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un
urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas
contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca
de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Como movimiento, el Dada decayó en la década de 1920.


Jean Arp, (1887-1966).

Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en
Estrasburgo. En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter (El
jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices
de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. En 1916 fue uno de
los fundadores del revolucionario movimiento dadá en Zurich. En 1917 transformó su
estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra
posterior, la más conocida actualmente. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar
esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus
formas suaves y biomórficas es Concreción humana. Trabajó al mismo tiempo en
gouache, collages, grabados y litografías.


Coquille baillante

Coquille baillante (1964-1965), es una escultura
biomórfica del dadaísta francés Jean Arp. Realizada
en mármol blanco, esta escultura es un claro ejemplo
de las formas que él denominaba concreciones.


Flor-martillo, 1916.

Máscara de pájaro, 1918.


Man Ray, (1890-1976).

Pintor y fotógrafo estadounidense. Junto a su amigo, el pintor francés Marcel
Duchamp, participó en la creación del grupo dadá de Nueva York, en 1917. Bajo la
influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como por
ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies. Sus ready-mades, como
Regalo, una plancha con tachuelas salientes desde su base, están realizados a partir de
objetos cotidianos fabricados en serie. Promovió el arte cinético (obras de arte con piezas
móviles). Se implicó en el surrealismo e hizo algunas películas abstractas, como L'etoile
de mer (1928).


Man Ray, Electricity - Lee Miller 1931 (Rayograph)

Man Ray, Gift 1921


El marqués de Sade

En las décadas de 1920 y 1930 Man Ray realizó retratos de hombres
célebres de la sociedad e historia francesas entre los que se incluye
éste del marqués de Sade, escritor cuyo estilo vanguardista y de
carácter erótico admiraba Man Ray.


Man Ray, Le violon d'Ingres (Kiki) 1924, Gelatin silver photograph


Francis Picabia, (1879-1953).

Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879. Su arte no
admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más
destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el
surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. El
apuro pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían
definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.


Francis PICABIA, (France, 1879-1953)


1916-18, La machine tourne vite, National Gallery of Art,
Washington D.C


Max Ernst, (1891-1976).

Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en
el movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una
extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.
Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por
la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a
trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras
surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan
espacios renacentistas realizados con detallada precisión. En 1925 inventó el frottage
(que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un
sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o
graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). A lo largo de su
variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En
todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el
mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.


L'eléphant célèbes

Max Ernst incorporaba el absurdo en sus obras atribuyendo
características humanas a las máquinas, como se puede apreciar en
L'eléphant célèbes (1921, Tate Gallery, Londres). En 1920 montó junto
al artista alemán Baargeld una controvertida exposición dadaísta en la
cervecería Winter de Colonia, a la que al público se le hacía entrar a
través de una serie de urinarios. A pesar de que ofrecían gratis sus
obras, no consiguieron que los asistentes se interesaran por ninguna
de ellas.


SURREALISMO

Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Bretón.
Publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del
grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dada, que reflejaba tanto en arte como en
literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el
surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una
manera mucha más ordenada y seria.


André Breton, (1896-1966)

Poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista. El estudio de las obras
de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo
control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales) influyeron en su formulación
de la teoría surrealista. En 1921 publica su primera obra surrealista, Los campos
magnéticos, en la que explora las posibilidades de la hipnosis. En 1922 rompió con
Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo y estableció la estética del surrealismo en el
primer Manifiesto surrealista de 1924, que conocería dos redacciones posteriores en 1930
y 1942. Su obra más creativa es la novela Nadja (1928), en parte autobiográfica.


Salvador Dalí, (1904-1989).

Pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento
surrealista en su país.
Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1929, durante su estancia en París,
conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista. La producción de
Dalí de este periodo se basa en su método 'paranoico-crítico', inspirado en buena parte en
las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas
compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia
de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948.
Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre
ellas cabe citar la Crucifixión y La última cena.
La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad
casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y
luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un
perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.


Crucifixion (Hypercubic Body)


AUTORETRATO (1941)


El niño geopolítico observando el nacimiento de un nuevo hombre


La persistencia de la memoria

Al igual que en muchas obras de Salvador Dalí, la idea de alucinación
en La persistencia de la memoria (1931) está dada tanto por la
incongruencia onírica de estos objetos situados en un paisaje
misterioso como por la meticulosidad técnica. Dalí describía su obra
como "fotografías de sueños pintadas a mano". La extraña forma que
aparece en primer plano está tomada de El jardín de las delicias
(c.1505-1510) de El Bosco.


René Magritte, (1898-1967).

Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines.
Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo,
que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es
notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en
contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta
yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el
principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave
de los campos, expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción
mental o física. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

El hijo del hombre

En El hijo del hombre Magritte yuxtapone imágenes características de
su obra: la manzana, la pared y el personaje anónimo con bombín. No
consideraba que su pintura fuera simbólica aunque en ella rozaba el
mundo inexplicable de los sueños.


René Magritte, La Découverte 1927


René Magritte, The False Mirror 1928


Cuadro de René Magritte con el título El Beso


Alberto Giacometti, (1901-1966).
Pintor y escultor suizo nacido en Stampa. Su obra surrealista más sobresaliente
quizá sea El palacio a las 4 de la madrugada: se trata de un esqueleto arquitectónico que
sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los
sentidos temporal y espacial en el ser humano. A partir de estos trabajos desarrolló un
estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de
melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si
sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que
los rodea. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el cuadro La madre del
artista, en el que la figura sentada parece estar a punto de desaparecer en medio de la
maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles levemente inquietantes,
o el Retrato de mujer, donde el artista representa a su ama de llaves.


Hombre cruzando la calle

Las estilizadas figuras de bronce del artista suizo Alberto Giacometti
transmiten una cierta sensación de soledad. Esta escultura titulada Hombre
cruzando la calle (1949) se encuentra en la Kunsthaus de Zurich (Suiza).


Giorgio de Chirico, (1888-1978).

Chirico, Giorgio de (1888-1978), pintor italiano de origen griego, que creó la
escuela de pintura metafísica. Nació en Volo, Grecia, y era hijo de un ingeniero italiano.
Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras
alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia y París,
donde se instaló en 1911, pintó paisajes urbanos desérticos, como Plaza de Roma (1913)
y Misterio y melancolía de una calle (1914). Estas primeras obras metafísicas evocan un
mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y
sombras y de una perspectiva exagerada. Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en
1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrà; juntos fundaron la revista Pittura
Metafisica en 1920. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y
naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación
entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas (Las musas inquietantes, 1917).
Entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en
artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la
década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo
convirtió en un retratista de éxito.


Las musas inquietantes

La incertidumbre del poeta

La incertidumbre del poeta (1913) de Giorgio de Chirico tiene un fuerte
carácter onírico. Aunque su obra es fundamentalmente metafísica suele
asociársele con el surrealismo.


Hector and Andromache


Joan Miró, (1893-1983).
Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria
y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más
originales del siglo XX.
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas
Artes y en la Academia Gali. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de
influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas
fragmentadas del cubismo y la bidimensionalidad de los frescos románicos catalanes.
Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son
transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas, como El
campesino catalán de la guitarra, El carnaval del arlequín o Interior holandés, a menudo
comportan una visión humorística o fantástica de la realidad a través de imágenes
distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas
construcciones geométricas. La composición de estas obras se organiza sobre fondos
planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes,
especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de
modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos,
rizos o plumas..


Fundación Miró, Barcelona

La Fundación Miró, ubicada en la montaña de Montjuïc (Barcelona), es
sede de una fundación cultural y centro de estudios de arte contemporáneo.
Así mismo, contiene una importante colección de arte moderno que
contiene obras de su promotor, el pintor español Joan Miró, y de otros
artistas del siglo XX. El edificio, proyectado por el arquitecto catalán Josep
Lluís Sert, constituye un destacado ejemplo de la arquitectura
contemporánea española.

El nacimiento del mundo

Joan Miró, una de las figuras fundamentales del surrealismo, desarrolló un
estilo que suele denominarse abstracción biomórfica. Como se aprecia en El
nacimiento del mundo (1925, colección particular, París) las formas creadas
parecen flotar sobre el lienzo y los dos únicos puntos de color sobre fondo
neutro focalizan la atención del espectador.


CINE SURREALISTA

Luis Buñuel, (1900-1983)

Director de cine español, nacido en Calanda (Teruel) el 22 de febrero de 1900.
En 1925 se trasladó a París, y durante esa misma época colaboró como crítico en
publicaciones de Madrid y París, dando a conocer sus concepciones cinematográficas,
que más adelante eludiría comentar. Adscrito al surrealismo, llamó a Dalí para escribir un
guión que realizaría en abril de 1929, Un perro andaluz. Tuvo un gran éxito entre la
intelectualidad parisina, siendo elogiado por Eisenstein, y dando pie a que un aristócrata
le pagara La edad de oro (1930), considerada otra obra maestra del cine de vanguardia,
que con su anticlericalismo provocaría un gran escándalo. Por entonces realizó el
desgarrado documental Las Hurdes, tierra sin pan (1932), prohibido por el gobierno.
Pese al éxito de su producción en Francia (que abarca casi toda su obra desde 1963), las
raíces de su humor absurdo y brutal, del minucioso, casi morboso, análisis de la moral y
la represión burguesas, de su obsesión por la religión, el erotismo, la muerte y las
miserias humanas, hay que buscarlas en el mejor realismo español: Quevedo, la novela
picaresca, Goya, Valle-Inclán, entre otros, que en él se combinará con una siempre
mantenida óptica surrealista. Ambas influencias, mediadas por sus sorprendentes dotes de
observador de los seres humanos, desde una perspectiva casi entomológica, a veces
despiadada, pero siempre inteligente, dan a su cine el aire personal que impregna incluso
sus realizaciones menores, personalidad a la que contribuyeron sin duda de forma
decisiva sus experiencias de infancia y juventud en España y de madurez en México.
murió el 30 de julio de 1983 en México.


Fragmento de “Un perro andaluz “, Luis Buñuel y Salvador Dalí


Escena de Ese oscuro objeto del deseo

El director español Luis Buñuel realizó en 1977 Ese oscuro objeto del deseo,
su última película. Protagonizada por Fernando Rey, Carole Bouquet (ambos
en la imágen) y Ángela Molina, narra la historia de un viejo solterón que se
enamora de una jovencita. Este tema también aparece en otras películas de su
filmografía, como en las famosísimas Tristana (1969) y Viridiana (1961).


EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal
característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la
acción de pintar.
Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa
del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma
deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad
creativa.
El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York
formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son
tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos
tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de los
planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia se
centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad del artista
en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los pintores que
realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la unificación de
color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting.
Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde
un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que
parecen prolongarse en arabescos sin fin.


Wassily Kandinsky, (1866-1944).

Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le
sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel
fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.
Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y
derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para
iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea
naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente
impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo
más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau: la salida a Johannstrasse
(1908) y Pintura con tres manchas (1914), son dos de las obras que realizó en Munich
antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial.


COMPOSICIÓN VIII
1923 Museo Guggenheim, New York

Improvisación 28 (segunda versión)

Improvisación 28 (segunda versión), pintada por Wassily Kandinsy en
1912, refleja el empeño de este artista ruso por expresar mediante
trazos y colores intensos el contenido espiritual de su obra y, en este
caso concreto, la conexión entre las artes plásticas y la música.


IGLESIA EN MURNAU
1910 Museo Städtische Galerie in Lenbachhaus, Munich

GABRIELA MÜNTER
1905 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich


COMPOSICIÓN VII
1913 Galería Estatal, Tretjakov, Moscú

AMARILLO-ROJO-AZUL
1925 Museo Centre Georges, Pompidou, París


EN AZUL
1925 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Dusseldorf

COMPOSICÓN IX
1936 Centre Georges,Pompidou, París


SILLONES DE PLAYA EN HOLANDA
1904 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus,
Munich

TRANSVERSE LINE
1923 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Dusseldorf


Arshile Gorky, (1904-1948).

Pintor estadounidense cuya obra combina la abstracción geométrica con un
surrealismo casi figurativo. Su obra inicial refleja la influencia de Pablo Picasso. Después
de 1939, se siente más identificado con los surrealistas europeos y la obra abstracta de
Wassily Kandinsky y Joan Miró. Él introdujo esos estilos en Estados Unidos por lo que
ejerció una gran influencia en la pintura estadounidense posterior y contribuyó de un
modo especial al desarrollo del expresionismo abstracto de sus contemporáneos Mark
Rothko y Willem De Kooning. Las obras de Gorky, como Agonía y Los esponsales II,
que expresan sus fantasías subconscientes, se caracterizan por la utilización de líneas
caligráficas y tonos brillantes armonizados con el color dominante de fondo.


"Painting," by Arshile Gorky, 1936-7, oil on canvas,
38 by 48 inches, Whitney Museum of American Art


Hans Hofmann, (1880-1966).

Pintor y profesor alemán, conocido como el decano del expresionismo
abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880. Recibió influencias
del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915 abrió una escuela de
arte moderno en Múnich. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los planos
cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía en
azul, comenzó a evolucionar hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos
pintores expresionistas abstractos acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas
sobre el arte no representativo. Murió el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.


Vuelo

Vuelo de Hans Hofman se enmarca dentro del expresionismo abstracto. La
pincelada y manejo del espacio denotan la influencia del cubismo y fauvismo.


Jackson Pollock, (1912-1956).

Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto.
Nació en Cody, Wyoming. Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton,
representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock,
influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba.
A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto,
desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar
gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Mediante este método Pollock realizó
esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y
Lucifer. También pertenece a esta época Marrón y plata I. A partir de 1950 su estilo
cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy
virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness. Murió el 11
de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.


Black and White

La obra Black and White (1948) del pintor expresionista abstracto Jackson
Pollock está realizada mediante la técnica del Action Painting, que consistía
en salpicar o dejar caer pintura sobre el lienzo creando composiciones al
azar.

Composición en gris

Jackson Pollock, uno de los artistas más importantes del expresionismo
abstracto, realizó Composición en gris (1946) derramando pintura sobre un
lienzo extendido en el suelo y esparciéndola después con palos o espátulas
hasta conseguir una imagen abstracta contundente.


ART NOUVEAU

Hacia 1910 este estilocon la I Guerra Mundial fue reemplazado por la impecable elegancia del Art Déco. El Art
Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el campo de la
arquitectura. Con su rechazo del estilo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria,
los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporáneas.

En Bélgica, el primer ejemplo se dio en la obra de los arquitectos Victor Horta y Henri van de Velde que
realizaron diseños para casas unifamiliares urbanas con elegantes escalinatas, balcones y verjas curvilíneas de
hierro fundido. En Francia, donde este estilo quedó más patente es en las obras del arquitecto Hector Guimard
(sobre todo en las entradas del metro de París, 1898-1901), en las del vidriero Emile Gallé, en los diseños de
muebles de Louis Majorelle y en los carteles de Alphonse Mucha. También se puso de moda en la decoración de
interiores y un ejemplo sobresaliente de ello es el restaurante Maxim’s de París. En Munich y en Viena se plasmó
en las artes aplicadas y en la ilustración de revistas, alcanzando su cota más alta en la pintura de Gustav Klimt y en
el mobiliario y los diseños arquitectónicos de Josef Hoffmann. En Estados Unidos el máximo exponente fue Louis
Comfort Tiffany, cuyos jarrones de brillante cristal favrile y pantallas para lámparas de cristales emplomados eran
de una iridiscencia fantástica. En España, quizá el más original de los exponentes fue Antoni Gaudí; sus
personalísimas obras el parque Güell y la casa Milá, situadas ambas en Barcelona, carecen de líneas rectas y
producen la impresión de organismos naturales surgidos de la tierra. Dentro de la arquitectura también fue una
figura de la máxima relevancia Lluís Domènech I Montaner con su palau de la Música Catalana.


Gustav Klimt, (1862-1918).

Pintor austriaco, fundador de la Secesión vienesa, movimiento del Art
Nouveau. Sus primeros trabajos consisten principalmente en grandes pinturas murales
para teatros realizadas en un marcado estilo naturalista. Después de 1898, la obra artística
de Klimt se inclinó hacia una mayor innovación e imaginación y asumió un aspecto más
decorativo y simbólico.


En El beso (1907-1908, Osterreichische
Galerie, Viena) Gustav Klimt refleja un
breve momento de pasión entre dos
personas. El erotismo y la desesperación son
características estilísticas de la secesión
vienesa, movimiento artístico que buscó
expresar las preocupaciones y las emociones
del hombre de su época.


Arte contemporaneo 1900 1950

Recommandé

Recommandé

Contenu connexe

Tendances

Tendances (20)

Similaire à Arte contemporaneo 1900 1950

Similaire à Arte contemporaneo 1900 1950 (20)

Dernier

Dernier (20)

Arte contemporaneo 1900 1950