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LAMINAS_ HISTORIA DE LA PINTURA DEL XIX-XX_ CURSO 2008-09 UNED
Realizadas por: ALUMNOS DE HISTORIA PINTURA DEL XIX-XX DE LA UNED.
• ROSA Mª DE LA TORRE TERCERO

Detalles de la imagen 'Composición. Piet Mondrian. 1921'
• Retícula cósmica: El arte de Mondrian está ligado a la filosofía, ya que él buscaba
en sus composiciones la retícula cósmica. Ésta la conseguía mediante la unión del
blanco y de las líneas negras (para él eran no-colores).
• Línea: La línea recta para él era la que mejor representaba el arte, ya que se
desvinculaba de la figuración para hacer abstracción geométrica. El arte, según él,
era como una indagación de la realidad, no una plasmación de la misma.
• Colores primarios: Al igual que la línea, los colores primarios eran lo básico.
Rehuía de textura y sensaciones, por eso utilizaba siempre colores primarios.
• Simplicidad: Aparentemente, sus composiciones son simples, pero son el
resultado de muchos años de experimentación y de un profundo análisis filosófica
de la vida y el arte. Encierran en sí los fundamentos del movimiento al que se le
relacionaba: el Stijl, de Theo van Doesburg.

Detalles de la imagen 'Las dos Fridas. Frida Kahlo. 1939'
• Ateria: Una única arteria une los dos corazones de Frida
• Mexicana: En la dualidad que representa el cuadro después del divorcio con el
muralista Diego Ribera, ésta sería la parte de Frida como mexicana, con el traje
típico.
• Europea: En la dualidad que representa el cuadro después del divorcio con el
muralista Diego Ribera, ésta representaría la Frida más liberal, con traje europeo,
luchadora.
• Sangre: La Frida dolida, corta el flujo de sangre a su corazón herido con unas tijeras.
• Retrato: La Frida mexicana sostiene un retrato de su amor, Diego Rivera, mientras
que una vena desde su corazón lo alienta.
• Corazón herido: Diego Rivera y Frida tuvieron una tormentosa relación, pero
cuando se divorciaron Frida sufrió mucho, acentuándose todo por el hecho de que
siempre había sido débil, enfermiza, dado su mala salud.
• Frida: Frida Kahlo fue una luchadora, una activista. De vida trágica pero incansable,
su biografía se refleja en su obra de manera extraordinaria.
• Manos : La unión de las manos simboliza la unión de las dos Fridas, ya que son dos
personalidades diferentes en el mismo cuerpo: la que quiere la sociedad (europea) y la
que quiere ella (mexicana).
•

Detalles de la imagen 'Danae. Gustav Klimt. 1907'
• Danae: Según la mitología clásica, era la hija de Acrisio, rey de Argos, los oráculos
decían que el hijo de Danae mataría al rey. Por eso su padre la encerró en una torre de
bronce, al cuidado de una anciana.
• Lluvia dorada: Zeus, para conquistarla, se convirtió en lluvia dorada y Klimt
representa el momento en el que ésta llega al sexo de ella para engendrar a Perseo, su
hijo.
• Riqueza decorativa: El ornamento dorado aumenta el ritmo sensual de la obra,
remarcando el carácter sexual.
• Formas curvilíneas.: En el cuadro priman las formas redondeadas, características del
modernismo, haciendo una composición suave, sensual.
• Rectángulo negro: Según algunos teóricos, es la única representación de la
"sexualidad" de Zeus.
• Recogimiento de la figura: Muchos autores afirman que Danae, recogida en ella
misma, está medio dormida, y quizás ella misma se acaricia...
• Ausencia de perspectiva: Danae está como volátil sobre una superficie de ricos
ropajes, sin espacio ni perspectiva tradicional.

Detalles de la imagen 'El gran masturbador. Salvador Dalí. 1929'
• Anzuelo: Simboliza la conquista de Gala o quizás el intento de su familia porque
se quedara en su vida tradicional. No hay que olvidar que se conocieron en 1929,
año en el que se realizó el cuadro.
• Dalí: Muchos estudiosos afirman que el representado es el propio Dalí, de perfil
durmiendo. Sin embargo, nunca se corroboró. Aunque hay muchos indicios, ya que
el propio Dalí en su biografía hablaba de su gusto por la masturbación.
• Soledad: Una única figura en el fondo simboliza su soledad.
• Pareja: Una pareja se abraza, representando a la propia Gala, como era habitual.
Ella se convierte en rocas, recordando así los paseos que se daban por la playa.
• León: Representa el deseo sexual, sobre todo por la lengua que sobresale de su
boca con gran deseo.
• Mujer: La alusión a la masturbación se ve con una figura femenina acercándose a
unos genitales masculinos.
• Lirio: El lirio siempre ha representado la pureza, en este caso de la mujer.
Recordemos que para Dalí la masturbación era el acto sexual más puro.
• Langosta: En muchos textos Dalí afirma su terror a las langostas por vivencias
infantiles. Las relaciona con su padre pero también con su madre, que eran muy
estrictos.
• Hormigas: Una de las primeras veces que aparecen y que desde ahora será asiduas
en sus cuadros. A veces simbolizan la muerte, putrefacción, pero aquí pueden estar
relacionadas con actos sexuales.
• Piedras: Se relacionan con su pasado.
• Conchas: Están en la línea del recuerdo a su pasado.
• Venas: Quiere unir lo latente con lo inerte, lo vivo de las venas con lo muerto de
las rocas.

Detalles de la imagen 'El grito. Edvard Munch. 1893'
• Grito: La angustia de la figura es evidente en su rostro deformado. Hay teorías que
explican que es la propia angustia del autor mientras que otros dicen que es una
crítica al modelo socioeconómico imperante. Sin duda, el rostro desencajado
alberga los sentimientos de un alma descompuesta. Munch representa el interior,
no el exterior; no hay realismo.
• Él: Munch dijo de la creación de la obra: Paseaba por un sendero con dos amigos -
el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en
una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul
oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto,
temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.
• Puente: Símbolo del paso del tiempo, representa al Munch obsesionado con la
muerte por sus experiencias vitales (su madre murió de tuberculosis cuando él
tenía cuatro años, su hermana también..).
• Agua: Las aguas agitadas de forma violenta asemejan el sentimiento de angustia
del personaje y del propio artista.
• Soledad: Hay unas figuras en el puente, pero están alejadas y distorsionadas,
representando la soledad que impera en el individuo.
• Paisaje: Si la angustia se apodera del rostro del individuo, más aún del paisaje:
colores contrastados, violencia en pinceladas, angustia que se transmite al
espectador. Representa Oslo, visto desde la colina de Ekeberg.
• Icono: Se convirtió en icono cultural y el expresionismo posterior bebió de este
autor.

Detalles de la imagen 'Composición VIII. Wassily Kandinsky. 1923'
• Música: Kandinsky en sus composiciones usa equivalencias musicales, ya que
para él es parte de la imaginación y de la libertad creadora. De ahí el nombre de
sus Composiciones, que se dejaron influir por los colores fauvistas y
postimpresionistas que le habían impresionado tanto.
• Abstracción : El autor es el precursor de la abstracción, teorizando además sobre
el arte y siendo de gran influencia en las posteriores corrientes. Usa figuras
simplificadas, influenciado por la teosofía, corriente filosófica que Mondrian
también seguía. La realidad oculta tras las apariencias es lo que defendían, como se
puede leer en su obra escrita De lo espiritual en el arte.
• Colores: En su obra escrita nos proporciona su visión de los colores, siempre
relacionados con el alma, y el significado de todos ellos. Pone mucho énfasis en
esta idea, como se puede ver en sus cuadros de variedad de tonos.
• Murnau: En torno a 1910 hacía paisajes en Murnau. Se empezó a dar cuenta que
lo más importante de sus pinturas no era el tema, sino los colores y la composición.
De ahí experimentó hacia la idea de la abstracción
• Círculos: Fue profesor de la Bauhaus en su etapa de Weimar, lo que le influyó en
sus composiciones, mucho más estructuradas. Después tuvo una época donde se
dejó seducir por los círculos, sobre todo concéntricos, como se puede ver en esta
obra.
Ubicación: Museo Guggenheim de Nueva York.Estilo artístico: Abstracción geométrica
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 140 x 201 cm.
Más información: De lo espiritual en el arte, Kandinsky

Detalles de la imagen 'El carnaval de Arlequín. Joan Miró. 1924-1925'
• Escalera: Simboliza la huída. Es un elemento que empieza a usar aquí pero que
empleará en muchas de sus obras.
• Insectos: Otros elementos que se repiten en su obra son los insectos, que le
interesaban mucho.
• Globo: Es la representación del globo terráqueo, idea que le obsesionaba en ese
momento a Miró.
• Triángulo: El triángulo negro representa la Torre Eiffel.
• Metamorfosis: Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus
cuadros tal y como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso
de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso sus obras tienen siempre
parecidos elementos, que se han convertido en el referente de su arte.
• Arlequín: Aunque no encontramos una jerarquía establecida en el cuadro, por el
título sabemos que Arlequín es el protagonista. Porta sombrero, bigote,...
• Carnaval: La escena es un carnaval, donde las apariencias pueden transformarse
para ver otrsa que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas tienen un
simbolismo concreto. Este cuadro, según el propio Miró, fue realizado cuando
sufría alucinaciones por el hambre.
• Feliz 2008: Desde Observatorio creemos que El Carnaval de Arlequín es la mejor
manera de felicitarte el año que está a punto de empezar. Que todo lo que te
propongas lo luches y lo consigas. Aquí nos tendrás cada día para la píldora diaria
de arte. Salud y feliz 2008!
Ubicación: Galería Albrigh-Knox (Buffalo, EEUU)
Estilo artístico: Surrealismo (aunque es muy personal)
Estado de conservación:
Más información: Joan Miró

Detalles de la imagen 'Cuadrado negro. Kasimir Malevich. 1923-29'
• Suprematismo: Malevich en su vida artística pasó rapidamente de la figuración a
la abstracción y al futurismo. Por eso dio un paso más, creando el Suprematismo.
Es una tendencia a lo más básico, la línea, el plano.
• Choque: Cuadrado Negro supuso una bofetada de sorpresa a los espectadores,
acomodados y sin interés en las innovaciones artísticas. Supuso que buscaran una
nueva forma de ver y entender el arte, diferente a la que hasta ahora habían tenido.
Concibe el nuevo arte, poco a poco, como algo vinculado a lo industrial y a lo
revolucionario del momento.
• En busca: Malevich buscó formas puras, simples, que no podía encontrar en la
naturaleza. Con un gran misticismo detrás, el Suprematismo para ellos era el
lenguaje para explicar la cosmología del universo, ya que es lo más puro, fuera de
la realidad.
• Estandarte: La importancia de Cuadrado Negro a lo largo de la historia del arte ha
sido de una importancia atroz. A simple vista no puede parecer mucho, pero ayudó
a abrir la mente de los espectadores e incentivar las ansias revolucionarias del
momento. Sin su cuadro, que usó Malevich como estandarte para su propia tumba,
seguramente nuestra sociedad actual no sería tan abierta, tan plurral y tan
innovadora.
Ubicación: Museo Estatal de Rusia, San Petersburgo (Rusia)Estilo artístico: Suprematismo
Dimensiones: 106,2 x 106,5 cm.
Más información: Malevich, Black Square (inglés)

Detalles de la imagen 'Sin título. Jean-Michel Basquiat. 1981'
• Primera etapa: La vida de Basquiat, compleja y contradictoria, tiene tres etapas
artísticas. Esta obra pertenece a la primera de ellas, cuando sigue teniendo
elementos del graffiti callejero aderezado por motivos culturales como la calavera
y la muerte.
• Mensajes: Sus obras son auténticas expresiones, desgarrada, poéticas, románticas,
son los mensajes de la calle. Basquiat empezó por las calles con sus grafitis,
poniendo mensajes contra el sistema, en un romanticismo ideal que caló en la
sociedad aburguesada de las galerías de arte.
• Brutal: Su arte se expuso por primera vez en una exposición de arte en el Times
Square Show, una galería underground en un almacén abandonado del Bronx. De
allí pasó a engrosar la lista de artistas esenciales para cualquier exposición que se
considerara alternativa. Se le denominó arte brutal, siguiendo la estela de De
Kooning, Pollock, expresionismo y con elementos que lo vinculaban a su doble
condición de afroamericano y latino.
• SAMO: Su seudónimo fue SAMO, same old shit, recalcando más aún su carácter
alternativo, disidente de la sociedad. Contradictorio en el hecho de que se convirtió
pocos años después en una de las estrellas de la sociedad artística y en general,
saliendo en revistas, de la mano de su mentor Andy Warhol.
• Drogas: Si la calle influenció en su arte en gran medida, también lo hicieron las
drogas. La vida de Basquiat es un apasionante mundo que va desde la calle hasta el
estrellato, pasando por las drogas, la fama y la notoriedad. Es una historia trágica
con un final trágico, como no puede ser de otra forma. Basquiat murió con 28 años
por una combinación letal de drogas.
•
Ubicación: Museo de Brooklyn (EEUU)Estilo artístico: Arte Brutal / Nueva Ola / Graffiti
Más información: Basquiat, Película

Detalles de la imagen 'El hijo del hombre. René Magritte. 1964'
• Anónimo: Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje
está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana.
• Niebla: El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje. Aunque
Magritte negaba que su pintura tuviera simbolismo, pero se le considera surrealista.
Los surrealistas tenían a Freud como referente para expresar los sentimientos
ocultos y el inconsciente, como si fuera un sueño. Así, la niebla podría simbolizar
el estado anímico del personaje.
• Manzana: La manzana, según los teóricos, representa la tentación, siendo el
personaje el hijo de Adán, según el título. Son las tentaciones de la vida moderna.
• Bombín: El bombín, el hombre trajeado y la manzana son elementos normales en
las composiciones de Magritte. Así, también hay un lienzo que representa la misma
posición pero una mujer, con una flor tapándole la cara.
• Significado: Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar
lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene
muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.
Ubicación: Propiedad particular
Estilo artístico: Surrealismo
Dimensiones: 116 × 89 cm, 45.67
Más información: Cuadro (inglés)

Detalles de la imagen 'Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso. 1907'
• Historia: Picasso no ponía nombre a los cuadros. Empezó a conocerse como las
Señoritas de Avinyó, zona de Barcelona donde frecuentaban las prostitutas. Sin
embargo, con el tiempo se confundió con Avignon, por lo que el título varió de esa
forma.
• Mano: La figura de la izquierda parece que entra en escena en ese momento,
recogiendo una cortina.
• Caras: Una de las cosas que más llamó la atención a críticos y teóricos tanto
contemporáneos de Picasso como posteriores, son las caras de algunas de las
figuras. Picasso era coleccionista de máscaras africanas y se dejó influir mucho en
su arte por este tipo de representaciones. Así, las figuras parece que esconden sus
rostros detrás de las máscaras.
• Bocetos: Como era habitual, Picasso realizó para este cuadro una serie de bocetos
que discrepan con la versión final. En ellos, varios personajes eran hombres, por lo
que era evidente que representaba una escena de prostíbulo.
• Bodegón: En primer término nos expone un bodegón.
• Perspectiva: En este cuadro se ve el próximo paso de Picasso hacia el cubismo.
Las figuras en algunas ocasiones se representan de frente y de lado, como en varias
dimensiones. Ésta será una características típica del cubismo que por primera vez
se ve aquí.
• Egipto: Las esculturas egipcias también le influyen en la manera de concebir su
arte, como en el caso de la figura que se representa de lado.
• Geométrico: Los volúmenes de las figuras son geométricos, son ángulos rectos,
líneas sin curvas. Estos son elementos típicos que posteriormente veremos en las
pinturas tipicamente cubistas.
Ubicación: MOMA (Museo de Arte Moderno, Nueva York)
Estilo artístico: Comienzo del Cubismo
Dimensiones: 243,9 x 233,7 cm
Más información: Señoritas, Cubismo, Picasso

Detalles de la imagen 'Mierda de artista. Piero Manzoni. 1961'
• Mierda: El contenido de las latas es, como dice el título, auténtica mierda de
artista. Piero Manzoni las enlató y las expuso en la Galleria Pescetto de Albisola
Marina.
• Número: El lote de latas era de 90 piezas. Simulaba la importancia del número en
el oro, haciendo una analogía crítica entre lo que podía valer una firma de un
artista y el propio oro.
• 30gr: Se trata de una crítica, ácida y mordaz, del mercado del arte, donde la
importancia de la firma de un artista conocido hace perder la cabeza en el tema
económico. Así que él presentó sus propios excrementos, los firmó y los vendió,
haciendo la burla a todo el mercadeo artístico riéndose de lo que eran capaces de
hacer..

Detalles de la imagen 'Estudio posterior a Velázquez sobre el retrato del Papa
Inocencio X. Francis Bacon. 1953'
• Desgarro: Las pinturas de Bacon se pueden definir como puro desgarro. En la
expresión de las caras, en la pincelada, en el tratamiento de fondos oscuros, los
colores...
• Influencias: En esta representación del Papa vemos influencia del famoso Grito de
Munch. También vemos influencia de Goya en la angustia de los personajes, del
expresionismo, del racionalismo...Bacon recoge todas las cosas y hace su propio
arte, inexplicable, que él llama postpicasiano.
• Bacon: Para entender la obra de Bacon hay que entender su contexto. Bacon era
alcohólico, juerguista, homosexual, controvertido. Un tipo peculiar con un arte
muy personal.
• Guerra: La brutalidad de las Guerras Mundiales marcaron su existencia y su arte,
por ello el desgarro de las figuras, su deformidad, su grito de dolor.
• Trono: Representa al Papa dentro de un trono, como si fuera una cárcel. Él grita
por su cautiverio. Expresa su propio Yo, un concepto muy importante en sus obras
y estudiado por filósofos. Una expresión del Yo desnudo del propio Papa, sin
ataduras. Con todo su dolor y desfiguración representa al propio ser humano en
estado puro, sin máscaras.
Ubicación: Des Moines Art Center. Iowa
Estilo artístico: Expresionismo/Racionalismo…
Dimensiones: 153 x 118.1 cm.
Más información: Bacon, Documental 1, 2, 3, 4, 5 y 6 (INGLÉS)

Detalles de la imagen 'Negra y blanca. Man Ray. 1926'
• Kiki de Montparnasse: Amante, compañera y musa de Man Ray. Kiki de
Montparnasse fue una de las celebridades del París del siglo XX. Musa para
muchos artistas, vivía la noche parisina en todo su esplendor y se convirtió en el
icono del momento.
• Máscara: El gusto por lo primitivista en el siglo XX hizo que muchos artistas
coleccionaran obras de arte tanto africanas como oceánicas. Así, Man Ray
representa aquí una máscara africana como contrapartida al rostro blanco de Kiki.
• Surrealismo: En 1924 el surrealismo se separa del dadaísmo y Man Ray se
convierte en el principal exponente. El inconsciente, las imágenes oníricas, el
mundo de los sueños se representa en sus imágenes. En este caso, el fondo neutro
podría aludir a este gusto especial.
• Man Ray: Junto a Alicia Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, elaboró
muchas imágenes surrealistas. Ésta, junto a su Violín de Ingres, son dos de los
iconos del surrealismo en fotografía.
Ubicación: Colección particular
Más información: Man Ray

Detalles de la imagen 'Andrómeda. Tamara de Lempicka. 1929'
• Mujeres: Las protagonistas de los cuadros de Lempicka son mujeres en posiciones
provocadoras, la mayoría de las veces desnudas. Son mujeres etéreas
• Andrómeda: En la mitología griega, Andrómeda había enfurecido a Poseidón
porque había dicho que era tan bella como las nereidas. De ahí que el dios inundara
las tierras con un monstruo marino, Ceto. El rey dejó encadenada a Andrómeda a
una roca para el monstruo, pero Perseo pasó en ese momento y se enamoró de ella.
• Influencias: Su pintura se dejó influenciar por Botticelli, por el cubismo. Por
ejemplo, el cubismo se ve en la manera de representar el espacio, muy anguloso y
con distintas perspectivas.
• Elegante: Sus cuadros son elegantes, sofisticados, fiel reflejo de su vida retratando
a personajes de grandes urbes, como París. Se convirtió en el símbolo de una época
y los coleccionistas la querían como representante del retrato Erótico
• .
Ubicación: Colección privadaEstilo artístico: Art decó
Técnica: óleo sobre lienzo
Dimensiones: 99 cm x 65 cm
Más información: Tamara

Detalles de la imagen 'Nº1. Jackson Pollock. 1948'
• Pollock: La personalidad del artista influyó muchísimo en su obra. Pollock
buscaba la fama, superar a Picasso, crear algo novedoso y hacerse el dueño de la
escena artística. Alcohólico, mujeriego, fiestero y problemático. Son aspectos de su
vida que se reflejan en su obra, llena de dramatismo, de rebeldía, de expresión y de
furia.
• Dripping: Es una técnica pictórica creada por el propio Pollock. Consiste en verter
la pintura directamente en el lienzo, formando líneas de pintura. Es una forma de
rebeldía, el pincel se carga de pintura y forma lo que el artista siente. No importa la
idea, sino la acción. Pollock ponía sus grandes lienzos en el suelo y trabajaba
frente a ellos.
• Dimensiones: Una de las cosas que más llama la atención al espectador, es la
dimensión de los cuadros. Son grandes lienzos, como si fueran los típicos grandes
lienzos de pintura de historia. Esto provoca más aún el choque con el público.
Busca la expresión, la reacción por parte de quien lo mira. No te puede quedar
indiferente.
• Libertad: Pollock en su arte busca la libertad de hacer y sentir lo que quiera, y
reflejarlo en sus lienzos.
• Etapas: En la carrera artística de Pollock vemos su propio estado de ánimo. En
este tipo de lienzos de pocos colores se ve su frustación, para pasar a otra etapa
más positiva donde usa colores como rojo y azules. La vida del artista fue una
constante evolución hasta conseguir un estilo propio y personal.

Detalles de la imagen 'Sopa Campbell. Andy Warhol. 1962'
• Sopas: Las sopas Campbell eran algo muy conocido en el momento, por eso Andy
Warhol las convertiría en un nuevo símbolo de la corriente denominada pop art.
• Cotidiano: Lo cotidiano, lo trivial y lo meramente vulgar serán los protagonistas
de las obras. Se intenta contraponer a los ideales del informalismo imperante,
llegando al gran público mediante un arte muy colorido, muy cotidiano y muy
fastuoso.
• Publicista: Los años de publicista de Warhol le sirvió para hacer sus grandes
formatos. La idea es que el arte también se consumía, al igual que los productos
cotidianos. Tiran por tierra la imagen del arte idílica, siendo algo tan normal como
una lata de sopa.
• Teorías: Hay dos teorías acerca del por qué Warhol representó en tantas ocasiones
la famosa lata de sopa: una dice que era para criticar la sociedad consumista y la
otra dice que era un recuerdo a su madre, que las usaba como alimento para su
familia.

Detalles de la imagen 'Desnudo rojo. Modigliani. 1917'
• Cálidos: Hay dos grandes vertientes en su pintura: los desnudos y los retratados.
Ambos están ligados, ya que los desnudos también son retratos, y siguen el
esquema de líneas gruesas para el contorno y colores cálidos.
• Desnudos: Los críticos de la época lo tacharon como obsceno, cerrándole la única
exposición que pudo realizar en 1917. Modigliani causó sensación ya que no daba
nada a la imaginación, las imágenes era directas, desnudos en posiciones lascivas y
sin absolutamente nada de ropa.
• Ojos: Normalmente, Modigliani no pintaba pupilas a sus retratados, siendo todo el
ojo negro. Esto aumentaba el carácter de fantasma, de no individuo, de la figura.
• Rasgos: Todos los retratos de Modigliani siguen idénticos aspectos: ojos
almendrados, nariz puntiaguada, contorno con una línea gruesa negra, cuellos
largos, esbeltez.
• Rojo: El color rojo era uno de los que más utilizaba y adoraba el artista.
• Mezcla: Su estilo único y personal, ya que nadie siguió su estela, mezcla los
elementos modernistas con los cubistas, expresionistas y el fauvismo (sobre todo la
mezcla de colores).
• Modigliani: Alcohólico, consumidor de drogas, pobre, genio y loco, a los 35 años
murió de tuberculosis. Se convirtió en una leyenda después, ya que en su tiempo
fue repudiado por críticos y público que lo veían como un depravado.
Ubicación: Colección particularTécnica: Óleo sobre lienzo
Más información: Lienzo, Modigliani

Detalles de la imagen 'The Sandman. Neil Gaiman. 1988-1996'
• Sandman: Entre 1988-1996 DC Comics y Vertigo, creada por Neil Gaiman y
dibujada por una gran variedad de artistas entre los cuales se encuentrna Michael
Zulli (ilustrador de la imagen que pongo) o Chris Bachallo.
• Historia: Todo comienza con el rapto de Sandman, el señor del sueño, creyendo
que es Muerte, su hermana. Por eso su reino se desmorona y cuando logra huir
tiene que reconstruirlo. A partir de ese momento arranca una historia fantástica,
épica y con una estética gótica y tenebrosa pero con un fondo mitológico y
filosófico únicos. Sandman es el señor del sueño, con su casco mágico, su capa y
su saquito de arena. Siempre de negro, delgado, ojos sin pupila donde se pueden
ver las estrellas, nunca sonríe. Esta viñeta que os muestro es el segundo Sandman
reencarnado, que nace en vez de negro de blanco, como un nuevo renacer, porque
los Eternos no mueren nunca.
• Eternos: La historia es la familia de los Eternos, seres que ni nacen ni mueren,
simplemente están siempre allí. Cada uno con su personalidad y sus atributos, cual
dioses de la Antigüedad.
• Deseo: Medio hombre, medio mujer, siempre cambia de género cuando quiere.
Deseo es cínico y vive en un reino a su imagen y semejanza. Deseo es cruel, como
cruel es el amor, el que gobierna.
• Delirio: Encantadora, loca, alegre, imprevisible, ama de todo lo absuerdo Delirio
con su perro Barnabás es uno de los personajes más queridos.
• Cuervo: Todos los personajes de Sandman tienen personalidad y una gran historia
detrás. Este es el caso del Cuervo Mathew, que una vez fue hombre, Cable, pero
que al quedarse en coma reencarnó como el cuervo.
• Desespero: Desesperación es la que gobierna el sufrimiento y la automutilación.
Su aspecto desnudo, rechoncho, desagradable y su voz de ultratumba son sus
características fundamentales.
• Destino: Con un aspecto lánguido, mortecino, con una túnica amplia y llevando un
libro encadenado a su brazo. Es el libro del destino que sólo puede ver él, aunque
es ciego, ya que se escribe según vayan pasando las cosas.
• Destrucción: El séptimo hermano, que no aparece en la imagen, es Destrucción.
Era el que dimitió de sus responsabilidades y emigró a otras tierras, lejos de los
Eternos. Era el que se encargaba del Cambio, de la destrucción de lo anterior para
que llegue lo nuevo.
• Muerte: Uno de los personajes más carismáticos es Muerte, la hermana menor de
Sueño. Muerte es, como su nombre indica, la encargada de acompañar al otro
mundo a los humanos. Coges su mano izquierda, su mano derecha y el círculo está
sellado. Tiene un gran placer por la vida, por eso cada cierto tiempo se convierte en
humana durante un día para saber lo que sienten. Es un personaje maravilloso,
lleno de filosofía, de alegría. Una de las imágenes más impresionantes de toda la
saga es cuando Muerte explica cómo se pone un preservativo ayudada por un
plátano.
• Dibujo: Michael Zulli, el dibujante encargado de esta viñeta, es uno de los
ilustradores más carismáticos y más elegantes de la escena. Su estilo es muy fino,
detallista, no tanto por el color sino por la línea, que da mucha importancia.
• Estilo: Decir que The Sandman es una historia de terror es quedarse corto.
También es una historia de amor, de filosofía, de las costumbres humanas, de
mitología y de religión. The Sandman acabó en 1996 de forma drástica y se

convirtió en un hito internacional como, probablemente, uno de los mejores comics
que ha existido.
• Comics: Para algunos un noveno arte, para otros un simple entretenimiento. Los
comics se han hecho un hueco en el panorama artístico desde mediados del siglo
XX. El grado de perfección que tienen muchos de ellos, con grandes guionistas,
grandes dibujantes e historias que rozan la perfección, hace que sean considerados,
definitivamente, como una disciplina más dentro de la historia del arte.

Detalles de la imagen 'Behind the Gare St. Lazare. Henri Cartier Bresson. 1932'
• Justo: sta fotografía pertenece al grupo de imágenes que Cartier Bresson tomó en
el momento justo. Era un día normal y corriente, una fotografía de la vida cotidiana
de un momento justo.
• Color: Cartier Bresson utilizaba para sus fotografías el blanco y negro porque aún
no se había generalizado el uso del color en la fotografía. Es una cuestión
tecnológica, más que estética.
• Técnica: El fotógrafo defendía que la verdadera esencia de la fotografía no son los
recursos, sino la importancia radicaba en el propio artista.
• Magnum: La agencia Magnum, conocida internacionalmente, fue fundada por él
junto a Robert Capa.
• Importancia: Cartier-Bresson pasó a la historia de la fotografía por su manera de
entender la fotografía como algo espontáneo, por su relación con la fotografía con
tintes sociales y por saber como nadie plasmar el momento justo. Como aquí,
donde el hombre parece levitar ante el inminente nuevo paso.
Más información: Obra, Biografía, Biografía (en inglés pero más extensa)
Imagen grande

Detalles de la imagen 'Un perro andaluz. Luis Buñuel y Salvador Dalí. 1929'
• Navajas: Luis Buñuel y Salvador Dalí fueron director y guionista,
respectivamente, de lo que sería el cortometraje más influyente del surrealismo.
Dalí tuvo el sueño de unas hormigas que salían de sus manos y Buñuel soñó con
seccionar un ojo. De ahí nació Un perro andaluz, que se asemeja más a un sueño y
a su irracionalidad que a una película corriente.
• Historia: El cortometraje comienza con Buñuel afilando una navaja, con al fondo
unas nubes cortando la luna como reflejo de lo que va a suceder después. El
hombre secciona el ojo de la mujer y comienza la historia paralela. Es una historia
donde se mezclan los sueños, lo irracional, unidos unos con otros sin aparente
sentido. Sin embargo, en los 17 minutos vemos una crítica mordaz a la Iglesia y los
nobles (los burros sobre el piano de cola), la obsesión por el sexo,...
• Ruptura: El ojo seccionado es, probablemente, una de las imágenes más
impactantes de la historia del cine. Simboliza una ruptura con lo anterior, el ojo
racional muere para dejar paso a una nueva forma de ver la vida y la creación. Ya
no es un cine convencional, rompe con el tiempo, el lugar y el formato. El ojo
seccionado desde el principio te indica que lo que vas a ver es totalmente diferente
a lo que has conocido antes y que necesitas verlo con otros ojos.
• Realización: Realmente se iba a llamar Es peligroso asomarse al interior y El
marista en la ballesta, sin embargo muchos teóricos afirman que definitivamente la
denominaron Un perro andaluz, burlándose de su compañero en la Residencia de
estudiantes, Lorca.
• Automática: Dalí y Buñuel hicieron el guión mediante el sistema de escritura
automática. Es decir, ninguna escena o imagen está colocada de forma racional,
sino que su escrito fue una consecución de frases que fueron las que primero le
llegaron a la cabeza. De ahí también que se aumentara su carácter onírico.
• Fin: Al final del cortometraje vemos una escena similar a la del cuadro el Angelus,
de Millet. Dalí decía que esta escena le recordaba a la posición de la hembra de
Mantis religiosa cuando se va a deborar a su macho.

Detalles de la imagen 'La novia del viento o La tempestad. Oskar kokoschka. 1914'
• Amante: Alma Mahler fue la amante de Kokoschka durante mucho tiempo. Su
relación se basaba prácticamente en el sexo, que les obsesionaba. Su pasión era tal
que se dieron cuenta que se amaron y ella huyó de él. Kokoschka se convirtió en
un hombre triste, pintando su estudio de negro y realizando este gran lienzo en
homenaje a su ferviente amante.
• Expresionismo: No hay mejor forma de representar los sentimientos que el
expresionismo, el cual usaba trazos gruesos, líneas duras, poco color en general. El
pintor exprimía sus sentimientos y los lanzaba al lienzo, para hacernos partícipes a
los espectadores de lo que ocurre en su interior. La fuerza expresiva de esta
Tempestad nos hace suponer que la pérdida de su amante fue muy dura, brusca.
• Locura: La huida de Alma Mahler supuso la pérdida de la razón del artista y esto
lo podemos ver en el lienzo, que no tiene color, ni alegría, simplemente son trazos
angustiados porque se había enamorado de ella. Por eso, en el cuadro posan en un
momento para él eterno, como es abrazados el uno al otro.
• Sentimientos: Aunque se ha tachado a veces el expresionismo como brutal, como
un movimiento depravado (Hitler lo consideró así), en este lienzo podemos ver la
capacidad emotiva del movimiento. Se puede ver en el lienzo el interior, lo
subjetivo, ya no se dedican a pintar un árbol, sino a sentir ese árbol.
Ubicación: Öffentliche Kunstsammlung, BasileaEstilo artístico: Expresionismo
Dimensiones: 181 cm x 220 cm.
Más información: Autor

Detalles de la imagen 'La Divina comedia. Ilustración de Miquel Barceló. 2000-2002'
• Beatriz: La Divina Comedia es el viaje que Dante hace con Virgilio por el Cielo,
el Purgatorio y el Infierno. A la llegada al Cielo, Virgilio le deja con su guía
espiritual, Beatriz, que fue un amante del escritor.
• Infierno: La técnica de acuarela de Barceló casa a la perfección con una idea de
Infierno oscura, con mucho movimiento y desorganizado.
• Barceló: Miquel Barceló es uno de los artistas más consagrados del arte español
contemporáneo. Sus dibujos fueron encargados para tres tomos de ilustraciones de
la Divina Comedia.

Detalles de la imagen 'Centro blanco. Mark Rothko. 1950'
• Significado: El arte actual nos permite conocer de primera mano las impresiones
del propio autor. En este caso, Rothko según textos de la época explicaba que sus
cuadros no tendrían que ser analizados objetivamente porque cada persona que los
vea tiene un concepto diferente. Por eso, es un concepto novedoso en la época,
cada uno emos algo diferente que nos evoca un sentimiento diferente. Es algo vivo,
que se relaciona con el espectador.
• Reflexión: Los colores usados inciden en la reflexión para el espectador, que tiene
que encontrarse a sí mismo para encontrar su propia explicación a lo que ve.
• Abstracción: La abstracción geométrica es un movimiento que se originó en
EEUU y que busca una explicación subjetiva al arte. No es figurativa, no
representa nada, sino un estado de ánimo o un sentimiento. Rothko decía que era
mejor callar antes que decir nada al ver sus obras, muestra del carácter reflexivo de
las mismas y de la vanalidad que supone hacer una explicación objetiva de las
mismas.
Ubicación: Recientemente subastada a un comprador particularEstilo artístico: Abstracción
geométrica
Más información: Rothko, subasta

Detalles de la imagen 'La Fuensanta. Julio Romero de Torres. 1929'
• Fondo: El fondo del cuadro es neutro, oscuro, y añade teatralidad a la escena.
• Joven: Representa a una joven morena, que mira directamente al espectador y que
se apoya sobre un gran caldero de metal. Se ha identificado a la mujer con María
Teresa López González, que era la modelo favorita del pintor.
• Icono: Este cuadro y esta joven se convirtieron en un símbolo de la época
franquista en España, de ahí su importancia unido a su técnica depurada.
• Andaluza: Julio Romero de Torres quería representar una idealización de la mujer
andaluza y eso hizo en sus obras de madurez, como ésta. Las colocaba en un
momento intemporal y las idealizaba

Detalles de la imagen 'La guitarra. Juan Gris. 1914'
• Técnica: A partir de 1914 empieza a utilizar la técnica del collage o papiers collés,
que era pegar trozos de papel en el lienzo. También a partir de ese momento
acentúa el carácter de profundida de campo en sus cuadros, como sucede en éste.
• Formas: A partir del cubismo sintético se modelan las formas más suavemente y
se añade color a las composiciones, algo que se refleja en este cuadro.
• Cubismo: El cubismo, explicado con palabras que se puedan entender, es como
disgregar una imagen en varias perspectivas y unir todas ellas en un mismo lienzo
en dos dimensiones. Así, vemos perspectivas en perfil, de frente con las cuerdas de
la guitarra,...todas estas visiones se unen para formar una y así crear el efecto de
volumen y profundidad.
• Picasso: En 1906 se fue a París, donde conoció a Picasso y Braque, que se
reconocen como los maestros y creadores del cubismo. Junto a ellos aprendió la
nueva manera de ver la realidad, fragmentada.

Detalles de la imagen 'El dragón y el unicornio. Luis Royo. 1999'
• Fantasía: Luis Royo es un ilustrador turolense conocido mundialmente por sus ilustraciones llenas de
vida, de mujeres voluptuosas y bellas, y sus escenarios fantásticos.
• Técnica: La técnica de sus ilustraciones es mixta, desde óleo mezclado con tinta a pastel, creando una
serie de efectos que sobre todo son impresionantes en los cielos que realiza.
• Detalles: Un elemento que caracteriza y enamora de Luis Royo es su amor por los detalles. Sobre todo a
la hora de realizar el cabello de todas sus creaciones, con gran movimiento siempre, y también por las
heridas y su increíble realismo.
• Mujeres: La paradoja del monstruo y de la mujer extremadamente bella en tensión sexual es uno de los
temas favoritos de Royo, junto a la fantasía pura y dura como en este caso, donde mezcla los elementos
clásicos del castillo, el dragón y el unicornio. Siempre en sus composiciones aparece la mujer, es uno de
sus grandes obsesiones, siendo una mujer absolutamente sensual, prominente y casi siempre
semidesnuda.
• Diversidad: Aunque hemos resaltado su faceta más prolífica que es la fantasía, se trata de un autor muy
versátil, haciendo ilustraciones de western, ciencia ficción, comics, terror...

Detalles de la imagen 'El asesinato de Camden Town. Sickert. 1908'
• Obra: Sickert fue discípulo de Whistler y se dejó incluir por el arte de Degas, así como por el
expresionismo y el post impresionismo, de ahi su pincelada ancha y con violencia. En Londres fue el
creador de un grupo de artistas, los artistas de Camden Town, que se dejaban influenciar por el post
impresionismo y el expresionismo y que tenían como elemento común el lugar de residencia.
• Victoriano: En el arte victoriano del siglo XIX las escenas ambiguas con distintas simbologías era algo
frecuente. Aquí, Sickert nos plantea una imagen con dos títulos: ¿Qué debemos hacer por el alquiler? o
Asesinato en Camden Town. En el primero, nos imaginamos un hombre pensando en sus deudas mientras
que con el segundo, vemos un hombre que ha matado a su mujer.
• Jack: La figura de Sickert está ligada con la de Jack el destripador, el famoso asesino de prostitutas de la
Inglaterra del siglo XIX que nunca se supo la identidad. Muchas teorías han afirmado que Sickert era el
propio asesino o que tuvo un gran nivel de implicación, sobre todo por sus cuadros de escenas de mujeres
en habitaciones con hombres extraños acechándolas. Aunque no está nada confirmado, lo que sí que se sabe
que el asesinato de una prostituta en su barrio le supuso un gran shock y le influenció en sus pinturas.
• Cotidiano: El grupo de Camden Town tenía como elemento común el mismo tema, el gusto por la vida
cotidiana y suburbana, con escenas de interiores y urbanas.
Ubicación: Yale Center for British ArtEstilo artístico: Impresionismo
Dimensiones: 25.6 x 35.5 cm.
Más información: Sickert, Jack vs Sickert

Detalles de la imagen 'Malecón en espiral. Robert Smithson. 1970'
• Espiral: El artista hizo un camino de piedras con forma de espiral en una playa de Utah. Se trata de una
espiral efímera, ya que sólo
• Land art: El land art es un movimiento que surgió a mediados del siglo XX y que supuso una apertura a
un nuevo concepto de arte, no ligado a un museo, sino a la naturaleza y el espacio cotidiano. Es un arte
efímero, ya que se deja a la influencia de la propia naturaleza, por lo que se alejan de los sistemas del
mercadeo artístico. Aunque actualmente lo que se mercadea son las fotografías propias de este tipo de
instalaciones.
• Naturaleza: El land art usa como escenario el paisaje real y como actores los materiales propios de ese
escenario, ya sea agua, piedras o elementos orgánicos. También se caracterizan la mayoría por ser
monumentales y por no tener función específica.
Ubicación: ninguna, pero originariamente en el gran lago salado de Utah.Estilo artístico: Land art
Técnica: Materiales naturales
Más información: Movimientos, Obra, Artista

Detalles de la imagen 'Vapor Trail. Murakami. 2006'
• Pop: Murakami sigue la idea del pop art de convertir en iconos las imágenes de la vida popular. Al igual
que Warhol, une el mercado y el arte para convertirse en un artista muy provocador e innovador.
• Superflat: Murakami creó un nuevo concepto, el superflat, algo así como superplano. Se trata de
imágenes que pueden ser vistas desde diferentes perspectivas porque es una imagen plana, sin
perspectiva.
• Industrialización: Murakami, al igual que Warhol, crea una factoría donde cientos de personas trabajan
para hacer sus obras. Además, algo muy importante es que auna al arte el mercado, creando todo una
serie de merchandising de sus obras que son casi más famosas que sus propias creaciones.
• Influencias: Es obvia la influencia del manga y anime del autor, aunque también de los dibujos animados
de Walt Disney y de la factoria de Hollywood. Une todo tipo de temas, aunque sus dos más importantes
es el sexo y la muerte.
Estilo artístico: Superflat
Más información: Autor

Detalles de la imagen 'Torre Eiffel. Robert Delaunay. 1911'
• Orfismo: El orfismo fue una tendencia muy colorista del cubismo, que fue creada
por Robert y Sonia Delaunay. Tenía como características las perspectivas y la
geometrización del cubismo, pero añadía a éste un colorido muy característico.
• Apollinaire: El término orfismo fue dado por Apollinaire, el crítico y teórico más
importante del cubismo. Deriva de Orfeo, personaje mitológico que por su maestría
era el mejor representante de la música y la armonía.
• Luz: La luz también es muy importante en el orfismo y, a diferencia con el propio
cubismo, es la protagonista para hacer una imagen donde la naturaleza comienza a
perderse.
• Tema: El tema de la Torre Eiffel, símbolo de modernidad en su época, fue repetido
hasta la saciedad por Delaunay. Veía en ella la representación de la modernidad y
la necesidad de relacionarla con su propio contexto, París.
Ubicación: Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva YorkEstilo artístico: Orfismo
Más información: Eiffel

Detalles de la imagen 'Blanco con manchas rojas. Antonio Tapies. 1954 '
• Tapies: Antonio Tapies es uno de los artistas más vanguardistas que ha tenido
España. La filosofía y la música le crearon una forma diferente de ver el arte, y así
quedó reflejado cuando creó junto a otros el grupo Dau al Set, que quería romper
con la pintura anterior y crear algo nuevo.
• Materia: A Tapies siempre le importó la materia y lo que podía hacer con ella, con
su textura. Fue uno de los representantes del informalismo español.
• Mezcla: A partir de 1953 empieza a mezclar el pigmento con materia sólida, con
polvo de mármol, como en esta obra, para darle mayor solidez. Lo curioso es que
no lo mezcla con pegamentos, por lo que sus obras son efímeras, se van
deteriorando con el paso del tiempo ya que se va despegando el polvo de mármol.
• Tapies: El artista es quizás el más longevo y creador que tenemos, ya que hasta
actualmente crea sus obras. Sin embargo, muchos le han tachado de poca
vanguardia, es decir, de quedarse anclado en un pasado informalista y no saber ver
más allá.
Ubicación: Colección particular, Barcelona
Dimensiones: 115 x 88 cm
Más infor
mación: Artista, Obras

Detalles de la imagen 'Madre migrante. Dorothea Lange. 1936'
• Época: Dorothea Lange representa a la perfección en esta fotografía lo que supuso
la Gran Depresión en Estados Unidos, protagonizado por una madre con sus hijos
que estaban en un campo de refugiados para granjeros sin trabajo.
• Pobreza: La mirada de Florence Owens Thompson, como se llamaba la mujer,
evidencia todo el sufrimiento de una madre de siete hijos que han sobrevivido al
invierno comiendo vegetales congelados en un campo de refugiados. Sin embargo,
en su rostro hay una expresión de tristeza, de reflexión, pero siempre contenida,
como si fuera una Virgen Renacentista.
• Retoque: Originalmente, en la fotografía había un pulgar representado donde
marcamos, que se retocó posteriormente para hacerlo desaparecer. Es un misterio
dicho pulgar, no sabemos de quien era ni por qué estaba allí, ni tampoco por qué se
eliminó.
• Concienciar: Lo que pretendía Lange era concienciar a la sociedad de la situación
precaria que estaban viviendo los menos favorecidos, algo que consiguió. Es más,
consiguió que se convirtiera su fotografía en un icono.
Más información: Dorothea, Fotografía

Detalles de la imagen 'Alas de la noche. Boris Vallejo. 1998'
• Boris: Boris Vallejo, peruano afincando en EEUU, es un ilustrador muy conocido
por su faceta fantástica y de ciencia ficción. Generalmente sus protagonistas son
féminas, siempre en un entorno fantástico, lleno de dioses, monstruos y como si
fueran cuentos de hadas.
• Modelos: Este artista se ha caracterizado también por la representación de
personajes reales, es decir, atletas y gimnastas posan para él y éste les confiere un
aire de fantasía. Son sus imágenes más típicas, junto con las escenas donde su
mujer y su hijo son sus modelos.
• Aniversario: Hoy, 1 de Octubre, Boris Vallejo nos felicita a los Observadores ya
que nuestra página de arte cumple un añito con nosotros. Felicidades y gracias a
todos!
Más información: Boris Vallejo (inglés)

Detalles de la imagen 'La persistencia de la memoria. Salvador Dalí. 1931'
• Surrealismo: Dalí, de carácter ambiguo y gran personalidad artística, es uno de los
representantes del surrealismo más cercano a lo objetivo, a lo real, aunque
aparentemente sea una paradoja. Su dibujo, a diferencia por ejemplo del surrealimo
de Miró, es mucho más rico, mucho más cuidado, más objetivo y figurativo. Las
formas que utiliza son perfectamente reconocidas, no usa abstracción ni
geometrización de las formas.
• Autorretrato: En primer término, casi como protagonista, vemos una forma
sinuosa con un gran ojo. Algunos teóricos afirman que podría ser un autorretrato
del propio Dalí asemejando las formas de un pájaro.
• Reloj: Los relojes blandos, tema arquetípico de Dalí que ya había usado con
anterioridad, parecen los verdaderos protagonistas de la escena. Según el propio
artista y dentro de su habitual parafernalia, decía que se había inspirado en el queso
camembert. Según él, una noche, después de ver el queso derretirse, estuvo
pensando qué pintar y se acordó de él, con imágenes de relojes derritiéndose. Para
realizar estos relojes que se derriten. Son relojes simbólicos, representando cómo
pasa el tiempo y cómo estamos doblegados a él.
• Hormigas: Como siempre, los insectos hacen acto de presencia en la obra de Dalí.
Como ocurriera en muchas de sus obras, como El gran masturbador, las hormigas
hacen referencia al sexo. Por ello, no es de extrañar que estén posadas sobre un
reloj de bolsillo, que se colocaba en un lugar cercano a los propios genitales.
También Dalí alude al tema de los insectos con la idea de la muerte, por eso lo
relaciona con los relojes.
• Ansiedad: El cuadro en general sugiere la sensación de ansiedad, de que algo no
está bien. Como ocurre con el árbol, que no es frondoso sino terrorífico, medio
mueto, sin hojas y seco. Así, es un paisaje extraño, con una luz mediterránea al
fondo mientras que en primer término es todo penumbra.
Ubicación: MOMA, Nueva York
Más información: Obra, Análisis (inglés), Dalí

Detalles de la imagen 'El profeta. Giorgio de Chirico. 1915'
• Metafísica: La pintura metafísica fue un movimiento creado a partir de imágenes
ilógicas, con numerosos objetos que son unidos de forma inconsciente, como un
sueño. Estos son los parámetros que luego se explotarán en el surrealismo, pero
que ahora conviven en una pintura aparentemente sencilla, pero con numerosos
simbolismos.
• Maniquí: De Chirico representa numerosos maniquíes como personajes de sus
cuadros, seres inanimados, como si fueron sueños. Aquí se trata de una especie de
profeta, que mira una representación en perspectiva con aire intelectual.
• Misterio: Las representaciones de Chirico se podrían aglutinar bajo el nombre de
misteriosas, como si tuvieran una fuerza oculta, que te pone los pelos de punta. Sus
escenarios controlados, donde él pone los objetos con lógica, no algo incontrolado.
Estilo artístico: pintura metafísica
Más información: Chirico, Pintura metafísica

Detalles de la imagen 'Cuadro 62. Manolo Millares. 1959'
• Pionero: Manolo Millares fue un pionero en el arte conteporáneo español, fruto de
su trabajo en el informalismo, que se introdujo en España de su mano. Miembro de
El Paso, grupo que aglutinaba escritores, pintores,...y que tenían la firme decisión
de dar un paso más dentro de España en cuanto a la vanguardia artística.
• Textura: Lo más representativo de Millares es su búsqueda de texturas, de nuevas
visiones del cuadro, que deja de ser sólo en dos dimensiones para sobresalir.
• Materiales: Los materiales que normalmente usaba eran óleo sobre sacos, que
recortaba, cosía y desgarraba a su antojo. El informalismo es una tendencia que da
importancia sobre todo a la expresión, a los gestos, a la sensibilidad que plasma el
propio artista en el lienzo. Esto muestra Millares, que desgarrando la tela y
cosiéndola, además de proporcionar una imagen en 3d, es como si rasgara el propio
entendimiento del espectador para que se implique.
• Color: Usa pocos colores, negros, blancos y rojos, para dar mayor dramatismo a
sus lienzos.
Estilo artístico: Informalismo
Técnica: Óleo sobre sacos
Más información: Millares, Informalismo, El Paso
Imagen más grande
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5505.htm

Detalles de la imagen 'Picasso y Guillot. Robert Capa. 1948'
• Capa: Robert Capa, junto a fotógrafos como Cartier-Bresson, en 1947 crearían la
agencia Magnum, lugar de encuentro de numerosos fotógrafos independientes y de
la cual sería su presidente los tres primeros años.
• Picasso: En esta fotografía hace un magistral contrapicado para representar a
Picasso con su nueva compañera sentimental, Françoise Guillot, con la cual se
traslada a la Costa Azul.
• Costa Azul: Su traslado a la Costa Azul supone una nueva forma de pensar y una
nueva forma de pintar para Picasso, un poco más bucólica que la anterior. Esta
fotografía retrata a la perfección aquellos años felices.
• Mujeres: Es bien sabido que Picasso era un mujeriego y que tenía mucho carácter,
pero también se sabe que cada una de sus compañeras sentimentales marca una
época artística de su vida. Así, con Françoise encuentra la estabilidad.
• Javier: En la instantánea también aparece Javier Vilató, sobrino del artista.
Más información: Fotografía, Más

Detalles de la imagen 'La traición de las imágenes. Magritte. 1928-
1929'
• Esto no es una pipa: Magritte con su célebre obra La traición
de las imágenes pone en relieve la relación entre la palabra y la
imagen. Fue un tema recurrente en su arte como es el arte
entendido como representación simple de la naturaleza.
• Qué es: Con su serie de representaciones irónicas confunde al
espectador al afirmar cosas como Esto no es una pipa, jugando
con la idea de la representación visual versus la representación
en texto. Realmente lo que vemos no es una pipa, sino la
representación de una pipa.
• Significado: Lo que nos trata de decir es que nosotros, con
nuestro pensamiento y razonamiento, conformamos la obra de
arte al darle el significado que tiene realmente. La pipa deja de
serlo, para convertirse en un objeto con propia personalidad.
Ubicación: County Museum, Los Ángeles.
Técnica: óleo sobre lienzo
Más información: Magritte ,
Otra obra comentada de Magritte
Realizados en: http://arte.observatorio.info/calendario/?ano=2007&mes=10

W. Kandinsky: Primera acuarela abstracta
H. 1912. 50 x 65 cm. Acuarela.
Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París
ANÁLISIS
En 1910 pinta la
Primera acuarela
abstracta, en la que, en
las manchas mas
oscuras predominan
dos colores, el rojo y el
azul, que
evidentemente están
relacionados porque
siempre están juntos.
El rojo es un color
cálido y tiende a
expandirse; el azul es
frío y tiende a contraerse. Kandinsky no aplica la ley de los contrastes simultáneos sino
que la comprueba; se sirve de dos colores como de dos fuerzas manejables que se pueden
sumar o restar y, según los casos, es decir, según los impulsos que siente, se vale de ambas
para que se limiten o se impulsen mutuamente. Hay también signos lineales, filiformes;
son, en cierto modo, indicaciones de posibles movimientos, son trazos que sugieren la
dirección y el ritmo de las manchas que vagan por el papel. Ponen en movimiento a toda la
acuarela.
Su propósito pictórico consistía en transmitir al espectador un enfoque espiritual
del Arte, es decir, una búsqueda de lo espiritual dentro de la pintura abstracta. Kandinsky
experimenta la manera de conceder al color y a la forma una existencia propia
independientemente de su reflejo con objetos o cosas de la vida “real”. Por eso llegó a
prescindir totalmente del objeto. Él inauguró una corriente «lírica» en la que colores y
formas se disponen de un modo aparentemente caótico siguiendo un dictado intuitivo.

Nada tiene eso que ver con las obras de Malevich o Mondrian, rígidamente estructuradas
en disposiciones geométricas de apariencia muy racional. Los móviles teóricos de unos y
de otros son distintos.
COMENTARIO
Se trata de una pequeña acuarela que está fechada primeramente en 1910 según los
propios escritos del artista y ahora revisada por los expertos y fechada en 1913. Durante
mucho tiempo fue considerada como la "primera acuarela abstracta", título que le dio el
propio artista.
¿Podemos considerar este hecho como una evidencia segura de que el arte
abstracto tenía en 1910 tanto una existencia práctica como teórica? Ciertamente, la
posibilidad del arte abstracto había sido discutida ampliamente en Munich, donde
Kandinsky vivía por aquel entonces. Kandinsy, uno de los miembros más importantes del
grupo Blaue Reiter, asumió que la exigencia de fidelidad al mundo de las apariencias
entraba en conflicto con la demanda de una fidelidad por el sentimiento. Y en 1910 estaba
trabajando en su propia investigación teórica sobre los aspectos expresivos supuestamente
autónomos del arte.
Si esta acuarela fuese de 1910, es improbable que Kandinsky fuera capaz de
valorar justamente lo que había realizado. Una cosa es ser capaz de imaginarse una forma
abstracta y otra cosa, sin embargo, concebirla como una forma pictórica. Seguramente la
realizó en 1912 y el título se lo puso mucho más tarde: seguramente la consideró como
una ruptura importante una vez que se había creado una elaboración crítica y teórica sobre
el propio concepto del arte abstracto. La datación retrospectiva de esta obra nos informa
sobre los intereses que estaban en juego, una vez que la idea del arte abstracto había
logrado alguna aceptación crítica y artística.
Aprender a pintar un cuadro abstracto significó descubrir también qué podía y no
podía ser un cuadro abstracto. "Me llevó mucho tiempo obtener mi propia respuesta a esta
pregunta: ¿qué reemplazaría al objeto?". Según Kandinsky, tenía que ser una cosa
espiritual. No se trata de una imagen de lo impintable sino, más bien, en que a pesar de la

ausencia de "lo objetual", debería poseer un significado y una categoría de una extensión
significativamente mayor que lo que se podía esperar de lo "decorativo".
La anécdota cuenta que Kandinsky, un día, llegó después de estar trabajando en un apunte
de exterior y vio una pintura apoyada contra la pared de su estudio; una pintura con formas
y color pero que carecía de tema reconocible. Se dio cuenta entonces de que era una de sus
propias obras apoyada de lado contra la pared, y por eso se "leía" de modo distinto.
Realizada por E Valdearcos Guerrero

Francis Bacon,
No hay Palabras................................................tengo el estómago "antoavía" encojido. Por
que claro, no es lo mismo ver la reproducción en un libro (por muy bueno que éste sea)
que verlo al natural, con la luz bien colocada y el color, esos rojos...................esos
morados.........................los dorados.........................la carne......................el
azul......................la sangre.......................el dolor.........................la maldad
humana...............................los círculos...............................los cubos....................los
grises..............................la sensación fóbica.........................la sensación
angustiosa........................el aislamiento o soledad de las figuras.....................la
barra....................el cubo.....................los sillones ensanchados............................las
figuras que estan quietas...........................pero al mismo tiempo están
móviles...........los trípticos........................separados y enmarcados no
juntos..............................sin punto de fuga...........................plano pero doloroso..........
Podría estar toda la noche diciendo más defniciones o adjetivos pero tendría que recurrir
a un diccionario especializado, ha sido magnífico y eso que no lo controlo del todo, pero
no esperaba yo que esas pinturas me hayan hecho cambiar mi perspectiva a la hora de
mirar un cuadro, ha sido tal la impresión que he tenido que he quedado perpleja, hasta
tal punto que cuando he visto a los prerrafaelista he pensado que eran unas pinturas
irreales, falsas, bonitas sí, pero.......................no se como explicarlo.
Los prerrafaelistas cuentan una historia en sus cuadros, Bacon no, además sólo pone
una figura en sus cuadros como norma, con lo cuál no realiza una relación entre ellas
sino que sólo hay una y el resto del cuadro lo convierte en una especie de trasgresión
hacia el espectador........................hacia él mismo....................no se si esto que os
cuento es normal o no, pero es la sencasión que he sentido cuando los he visto, y mira
que me gustan los prerrafaelistas, pero ha sido tan brutal el espectáculo de Bacon que
es como si al empezar en una cena te ofrecen un champan francés del mejor y te bebes
dos o tres botellas y luego te dan cuando sales un anis del mono.....................es tan
radical que compararlos hasta es un insulto............................
Estudio según el retrato del Papa Inocencio X de
Velázquez
Figura yacente con aguja
hipodérmica
Mª VICTORIA GALLEGO

Blanco sobre blanco
Malevich
Expo vacia del Centro Pompidou
“LA SUPREMACÍA DE LA NADA”
Una aproximación al Blanco sobre blanco de Malévich
Introducción
Ideas básicas:
Buscar entender el porqué el autor llega a hacer la obra, no que guste (el gusto es muy
personal).

- No ver sólo la obra en sí, sino la evolución que llega a hacer en este resultado
final (porque llega a Blanco sobre blanco).
- Entender la belleza - lo que es bonito – como algo muy personal (“la belleza
ideal se refleja en el amor”).
“ El suprematismo se caracteriza por una supremacía absoluta de la sensibilidad plástica
pura en las artes figurativas.”
El arte tiene que ser una actividad que se justifique por sí misma, de aspiraciones
espirituales más que prácticas, tiene que ocuparse de cuestiones generales más que de
particulares. En suma es una actividad pura como la filosofía o las matemáticas.
Pues vamos a ver… que tiene miga la cuestión de esta expo de París … Lo cierto es que
ha traido a la mente a Malevich que se ubica en el movimiento suprematista, y : “ el
suprematismo se caracteriza por una supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura
en las artes figurativas.” En este cuadro, “Blanco sobre Blanco”, Malevich llega a la
abstracción total.
En Blanco sobre blanco no hay rastro de ningún referente del mundo que sirviera de
modelo pictórico al artista en aquel momento, allá por el año 1918… y que nos sirve de
referente a esta exposición de espacios vacios blancos.
Yo, la verdad es que cuando lo vi, será deformación profesional, me sentí artista de mis
edificios… Cuando los veo terminados, son igualicos que esta expo del Pompidou…
ainssssssss, que me he sentido artista… jajajaja
Sabemos, y así lo dicen los
entendidos, que esta obra,
“Blanco sobre blanco”, abrió
definitivamente el horizonte
de la abstracción plástica y en
él, no hay rastro alguno de
ningún referente del mundo
objetivo que sirviera de
modelo pictórico al artista. Es
un cuadrado blanco adentro de
otro cuadrado blanco, ya os
digo que seguro que los
esquimales disfrutarían de esta
obra con ambos tonos de
blanco, dado que ellos tienen
como 10, 20 o 30 tipos
diferenciados de blanco … más o menos… .
En esta obra Malevich se sumergió en un momento culminante de su búsqueda filosófica
de un mundo espiritual, la simbología que el blanco tenía para él, le hablaba de idealismo
y espiritualidad y el espacio infinito. Será que en esta exposición nos hablan de esa
infinitud de nuestro mundo interno y espiritual constreñido por una crisis galopante que
nos hace adentrarnos en ese misticismo idealista para que nos refuerce el alma… Podió…

que me patina la neurona fijo… bueno, vamos a ver… Aratxa, planteas y te planteas si ¿es
arte o no es arte?
Desde luego dar una respuesta directa a esa cuestión es arriegado… vamos a ver… yo
siento que es “rupturista” desde luego rompe esquemas… como todas las vanguardias y
… luego sigo, que ahora me tengo que ir a hacer una gestión…
Bueno ya estoy de nuevo metida en harina… esperad, que me voy a leer lo que he
escrito… ya… sigo con el hilo directos de esta cuestión. Siento que las ideas básicas de
esta exposición y en ello podemos plantearnos en la no visión de obras, sino en la
aceptación del todo sumido en el vacio, o lo que es lo mismo, no ver sólo las obras en sí,
sino la evolución que hace llegar a este resultado final del vacio, un vacio interior que
puede significar la pérdida de la creatividad y el materialismo en el que nos hemos sumido
en el mundo actual… es posible pensar, como hice yo al principio, que eso lo hago yo con
cada una de mis edificaciones… pero pienso que no va por ahí… que mentalmente no
porque no conlleva la parte de creación_intelectual,_mental que puede llegar a desvariar
de esta forma… jeje, espera que me desvio de lo que debo pensar y lo que me dice mi ser
incosciente… a ver… que retomando el hilo… es posible que los verdaderos artistas
evolucionan, yendo más allá del dominio de lo formal.
En algún lugar leí que debemos comprender el sentido de la idea: “El arte por el arte”.
Y yendo un poco a palabras que otros han dicho tenemos que el crítico de arte
norteamericano, Arthur Danto, dijo:
- “Para ver alguna cosa como obra de arte se requiere algo que el ojo no puede
describir: una atmósfera de teoría artística, un conocimiento de historia del arte: un mundo
del arte.”
Paul Cézanne afirmó que:
- La pintura, “es una armonía paralela a la Naturaleza”, y las paralelas no se tocan. La
pintura empieza a considerarse un mundo propio.
Pasando a Christo Javacheff , artista conceptual, el cual preguntado sobre él porque
envuelve las cosas, respondió:
“Simplemente porque es bonito. El arte no esconde ningún mensaje... ¿o acaso tiene
mensaje las manzanas de Cézanne? El verdadero arte carece de significado”.
Quizás en estas palabras esté la respuesta a esta exposición, un arte que no esconde nada,
ni siquiera esconde obras de arte… porque el arte tiene que ser una actividad que se
justifique por sí misma, de aspiraciones espirituales más que prácticas y tiene que
ocuparse de cuestiones generales más que de particulares. Podió que relajá me he
quedado… ¿Quién da más?
Rosa de la Torre

PICASSO
Esta lámina es de Picasso, pero hay alguna forma de encontrar alguna información sobre este estudio que
parece sanguina… y que es más una academia o estudio de desnudo que un cuadro… y que por cierto me
recuerda mucho a la siguiente:
Familia a orillas del mar
La mujer tiene bastante parecido en cuanto a volumen, y hay semejanza en su rostro…
Pero sobre esta nada de nada… Cómo sois vosotros los que elegís las láminas, por favor, me podías
decir dónde encontrar información sobre ellas.
¿Las dos que siguen son de Bridget Riley? La segunda si lo parece, porque ella utilizaba plantillas
para realizarlas, pero la primera no ha habido forma de encontrar nada, sólo una composición
Rosa de la Torre

Expresionismo
Pintura Expresionista
El expresionismo surge en Alemania, en la primera década del siglo XX, como oposición
al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva
visión de la sociedad basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la
renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo
exclusivamente al sentimiento vital sin someterse a ninguna regla.
El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a
la música, el cine y las demás artes.
En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El
primero se desarrolla en Dresde a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El
Puente) y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está
protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul) del que surgirá la primera
pintura abstracta (ver abstracción lírica); el tercero se desarrolla en el periodo de entre
guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el
nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) con un
planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los grupos citados.
El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia.
El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de
esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.
CARACTERÍSTICAS
- La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de
convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de carácter
instintivo y exaltada en Die Brucke y de carácter espiritual y sosegada en Der Blaue
Reiter).
- Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la
realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior,
subjetivo, del artista.
- Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad:
desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o
reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo
objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
- Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de
ánimo.

- Destrucción del espacio tridimensional.
- Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas
simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
- Aglomeración de formas y figuras.
- En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke y de
líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter.
- Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brucke y de forma más
meditada en Der Blaue Reiter).
- Ausencia de carácter decorativo.
- Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas
urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la naturaleza.
INFLUENCIAS
- Del posimpresionismo y del simbolismo nórdico, las actitudes estéticas de artistas como
Van Gogh, Gaugin, Munch o Ensor.
- Del arte "primitivo" (escultura africana y oceánica) y de los dibujos infantiles, la
expresión de fuerza y vida y las formas simples.
- De la xilofrafía alemana, los trazos incisivos, los contrastes bruscos y los esquemas
angulares.
- Del cubismo y del fauvismo, el reduccionismo de las formas y la viveza del color.
ARTISTAS
Alemania:
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Max Beckmann (1884-1950), Ludwig Meidner, Emil
Nolde (1867-1956), Oscar Kokoschka (1886-1980), Sutin, Wassili Kandinsky (1866-
1944), Franc Marc (1880-1916), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Paul Klee (1879-
1940).
A pesar de ser el expresionismo un movimiento principalmente alemán, existen artistas en
otros países europeos cuya obra puede incluirse dentro de esta corriente. Algunos de los
más interesantes artistas expresionistas no alemanes son:
Bélgica:
Constant Permeke (1886-1952), Jan Toorop (1858-1928).

Francia:
Henri Matisse (1869-1957), André Derain (1880-1954), Amadeo Modigliani (1884-1920),
Pablo Picasso (1881-1973), Robert Delaunay (1885-1941), Raoul Dufy (1887-1953),
Jules Pascin (1885-1930), Marc Chagall (1887-1985), Georges Rouault (1871-1958),
Frank Kupka (1871-1957) y Chaïm Soutine (1893-1943).
OBRAS DESTACADAS
E. L. Kirchner:
"Cinco mujeres en la calle", 1913.
Museo Wallraf-Richartz.
E. Heckel:
"Caballos blancos", 1912.
Hannover, Museo Sprengel.
F. Marc:
"Caballo azul, I", 1911.
Städtische Galerie, Munich.
E. Nolde:
"La última cena", 1909.
Fundación Nolde, Seebüll.
W. Kandinsky:
"Improvisación núm. 23", 1911. Óleo sobre lienzo, 110 x 110 cm. Munson-Williams-
Proctor Institute, Nueva York.
M. Vlamink:
"Orillas del Sena", 1906. Paris, colección particular.
M. Beckmann:
"Retrato de familia", 1920. Óleo sobre lienzo, 65 x 101 cm. Colección del Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Donación de Abby Aldrich Rockefeller.

Abstracción: Lírica y Reductiva
Pintura Abstracta Lírico-Reductiva
Con el término general de "abstracción" se designa un tipo de manifestación del arte
plástico que no representa nada concreto o reconocible de la realidad material, que tiene
razón de ser en función de sí mismo, que nace de la necesidad de expresión libre del
artista, y que se sustenta en su propio lenguaje (el lenguaje de las líneas, de los colores y
de los efectos matéricos de los pigmentos solos o mezclados con otras materias).
Este tipo de manifestación plástica se consolidó como categoría estética a lo largo del
siglo XX con distintas posiciones en su lenguaje (rayonismo, suprematismo, orfismo,
neoplasticismo, concretismo, action painting, informalismo, abstracción postpictórica, op-
art, neo-geo).
El comienzo de la abstacción se produce hacia 1912 con la obra de los artistas Kandinsky
y Klee (Kandinsky data en 1910 su obra titulada "Primera acuarela abstracta").
Esos dos artistas formaban parte del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul)
y al igual que los expresionistas de Die Brücke (El Puente), su afán estaba puesto en la
renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo y del
positivismo materialista imperantes en su época. Pero a diferencia del expresionismo de
Die Brücke, las obras de Der Blaue Reiter eran más líricas (predominando en ellas las
líneas curvas y los colores más suaves, en contraposición a las líneas quebradas y los
colores más esaltados de Die Brücke). Además los artistas de Der Blaue Reiter,
especialmente Kandinsky, tenían un deseo de recuperar el sentido espiritual del arte. Esto
les llevo a orientar su obra hacia una depuración reflexiva y serena de lo material con el
fin de alcanzar y representar la esencia de lo real.
A través de ese proceso de depuración espiritual sosegado, Kandinsky llegó a la
abstracción. Este proceso se manifiesta en múltiples obras en las que ensaya sus
planteamientos estéticos y en las que se aprecian elementos que conservan todavía
relación con motivos concretos (montañas, casas, árboles, etc.). A partir de 1913 esos
motivos desaparecen y la obra de Kandinsky es toda no figurativa.
CARACTERÍSTICAS
- Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.
- Valoración de lo subjetivo y lo simbólico (Kandinsky concibe la abstracción con un
planteamiento filosófico y místico cuyos presupuestos quedan recogidos en su libro "De lo
espiritual en el arte").
- Concepción gráfico-plástica apoyada en:

- la creatividad intuitiva (Kandinsky): formas abstractas surgidas de
impresiones provocadas por la observación de la naturaleza; de
improvisaciones que responden a impulsos emotivos espontáneos con
intervención del azar; y composiciones surgidas de emociones internas
conscientemente calculadas con la ayuda de la razón.
- la reducción subjetiva de la realidad (Klee): formas abstractas extraídas
de la realidad mediante la reducción subjetiva de los contenidos
aparenciales de las cosas a signos plásticos simbólicos del mundo
objetivo, en función de la fantasía y la sensibilidad espiritual.
- Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su
método, objeto y materia.
- Ausencia de contenido evidente.
- Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión
espacial.
- Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.
- Color libre.
ARTISTAS
Wassily Kandinsky (1866-1944) y Paul Klee (1879-1940).
OBRAS DESTACADAS
Kandinsky:
"Pintura con arco en negro", 1912.
Centro Pompidou, París.
Kandinsky:
"Impresión núm. 5"; 1911.
Museo Nacional de Arte moderno, París.
Kandinsky:
"Composición VIII", 1923.
Museo Guggenheim, Nueva York.
P. Klee:
"Port et voiliers" (Puerto y veleros), 1937.
Museo de Arte Contemporáneo, Centro Georges Pompidou, París.

P. Klee:
"Senecio", 1922.
Museo de Arte, Basilea.
P. Klee:
"Castillo y sol, 3"; 1928.
Concretismo o Arte Concreto
Pintura Constructivo-Abstracta
Surge en Francia hacia 1930 de la mano del pintor holandés Theo van
Doesburg.
Doesburg creó el término de "arte concreto" para sustituir al de arte
abstracto (por lo que también es conocido como arte constructivo-
abstracto). El término fue utilizado por primera vez en el "Manifiesto
del arte concreto" publicado en el primer y único número de la revista "Art Concret"
editada en París.
Los planteamientos teóricos y estéticos de esta tendencia fueron puestos en práctica
principalmente por el grupo Abstraction-Creation.
CARACTERÍSTICAS
- Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
- Objetuación o representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter
universal y constante.
- Preocupación por la expresión plástica basada principalmente en la línea y la superfície,
y en menor medida el color.
- Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación
de tensiones.
- La forma tiene más importancia que el color.
- Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o
arquitecturas.
- Colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica.
INFLUENCIAS

La pintura de Kandinsky (abstracción lírica), Malevich (suprematismo) y Mondrian
(neoplasticismo), con sus abstracciones alejadas cada vez más de lo natural.
ARTISTAS
Theo van Doesburg (1883-1931), Naum Gabo (1890-1977), Max Bill (1908- ), Auguste
Herbin (1882-1960) y otros.
OBRAS DESTACADAS
Herbin:
"Composición constructiva sin título", 1950.
Cubismo
Pintura Cubista
El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el
periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros
artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado
en París, será de ámbito internacional.
El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el
Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea
durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan
los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es,
evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo
aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos
intelectuales (de carácter intuitivo).
La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de "cubistas" a los
artistas de esta tendencia en el Gil Blas de 25 de Mayo de 1909.
La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910 en
el Salón de Otoño donde muchos artistas mostraron trabajos con este planteamiento
estético.
Al año siguiente varios de esos artistas, que a diferencia de Picasso y Braque no tenían
acceso regular a una galería privada, decidieron exponer juntos en el XXVII Salón de los
Independientes celebrado en Abril de 1911, donde se les asignó una sala (la 41) dedicada
enteramente a ellos. Estos artistas, practicantes de un cubismo herético o más torpe que el
de los grandes maestros (Picasso, Braque, Gris), serán llamados "cubistas de salón". Entre

éstos se encuentran Gleizes y Metzinger miembros de la Section d'Or y autores de "Du
Cubisme", el primer manifiesto sobre el movimiento publicado en 1912.
En 1913, el crítico y poeta Guillaume Apollinaire publica su famoso escrito "Méditations
esthétiques. Les peintres cubistes" que fue decisivo en la difusión de las teorías cubistas.
El cubismo fue el punto de partida o un componente esencial de algunos otros
movimientos como el constructivismo, el futurismo, el orfismo, el purismo, y el
vorticismo; así mismo el cubismo fue un acicate para muchos escultores, que adaptaron las
ideas cubistas de distintas maneras, especialmente abriendo las formas con vacíos o
configurándolas con distintos volúmenes sólidos; entre los escultores destaca Archipenko
(cuyo éxito internacional también jugó un gran papel en la difusión de las ideas cubistas).
La influencia del cubismo fue mucho menor en las artes menores y la arquitectura. En el
diseño, el cubismo fue una de las fuentes del art deco; en arquitectura, las ideas cubistas
sólo fueron adaptadas por algunos arquitectos checos que descompusieron las fachadas de
sus edificios con formas prismáticas abstractas que claramente recuerdan la fragmentación
del cubismo analítico.
CARACTERÍSTICAS
Características generales:
- Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la
superficie pictórica y lo representado en ella.
- Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.
- Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas.
- Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las
líneas.
- Representación simultánea de los objetos (los objetos no son representados desde un sólo
punto de vista, sino desde varios puntos de vista, e incluso en diversos momentos del
tiempo).
- Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en
otras.
- Ausencia de profundidad espacial.
- Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.
- Creación de transparencias.
- Austeridad cromática.

- Sombreado arbitrario.
- Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato.
Fases:
En este movimiento es posible distinguir dos fases: el cubismo analítico, de los inicios a
1911 (representado por Picasso y Braque) y el cubismo sintético, de 1912 a 1914
(representado, sobre todo, por Léger y Gris).
Cubismo analítico (hasta 1911)
- Progresiva esquematización de las formas y del espacio: en las primeras obras
cubistas de Picasso y Braque, el reducionismo atiende a la composición geométrica
latente en los objetos (los objetos eran reducidos a sus formas básicas,
descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura), en obras posteriores
la esquematización es mayor quedando las formas reducidas a sólo unos pocos
trazos básicos convertidos casi en signos (en algunas obras el tema del cuadro
resulta difícil de descifrar sin la ayuda del título).
- Línea separando los planos y los objetos.
- Colores quebrados y terrosos, poco brillantes (marrones, beiges, grises, negros,
etc).
- Incorporación de elementos gráficos (letras o números).
- Preferencia por las naturalezas muertas (frutas, fruteros, pipas, botellas, vasos,
partituras musicales, guitarras).
Cubismo sintético (1912-1914)
- Abandono de la descomposición prismática.
- Mayor definición de las formas.
- La configuración del objeto o figura no surge de la división analítica perceptiva
de sus partes componentes, sino que se proyecta de acuerdo con la idea
imaginativa del artista.
- Los objetos se insertan en la obra a partir de una estructura pictórica abstracta
tectónica, combinando partes para llegar a un conjunto (síntesis).
- Mayor acercamiento a la realidad mediante la inclusión directa en el cuadro
(Collage) de materiales y objetos cotidianos (trozos de periódico, papel de pared,
etiquetas, maderas, rejillas, etc.) que hacen concreto lo representado.
- Formas y figuras distorsionadas, dislocadas, recortadas o seccionadas.
- Colores más vivos.

INFLUENCIAS
- El planteamiento de simplificación y geometrización de las formas
iniciado por Cézanne en el posimpresionismo
- Del arte primitivo y de la escultura africana en particular, la
distorsión expresiva de las formas libre de inhibición.
ARTISTAS
Pablo Picasso (1881-1973), George Braque (1882-1963), Juan Gris (1887-1927).
Otros artistas: Albert Gleizes (1881-1953), Henri Le Fauconnier (1881-1946), Jean
Metzinger (1883-1956), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941),
Roger de La Fresnaye (1885-1925) y Jacques Villon (1875-1963).
OBRAS DESTACADAS
Picasso:
"Les Demoiselles d`Avignon", 1907.
Óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm.
Colección del Museo de Arte Contemporáneo de
Nueva York. Adquirido por donación de Lillie P.
Bliss.
Picasso:
"Nature morte au violon et au verre de Bass" (Bodegón con violín
y vaso de Bass), 1913-14.
Museo de arte Contemporáneo, Centro Georges Pompidou,

París.
Picasso:
"Mujer sentada" (Desnudo sentado), 1909.
Óleo sobre lienzo, 92,5 x 61,5 cm.
The Tate Gallery, Londres.
Picasso:
"Le Toréro", 1912. Óleo sobre lienzo, 215 x 128 cm. Oeffentliche
Kunstsammlung, Basilea.
Picasso:
"Verre, Bouteille de Vin, Journal sur une Table",
1914. Papel encolado y lápiz sobre papel, 77,5 x
102 cm. Colección particular, París.
G. Braque:
"Le Guéridon", 1911.
Musée National d`Art Moderne, París.
G. Braque:
"l'Estaque" (Paisaje del Estaque), 1910.
Museo de arte Contemporáneo, Centro Georges
Pompidou, París.
G. Braque:
"Piano y laúd", 1910. Óleo sobre lienzo, 91,5 x 42 cm. The
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
G. Braque:
"La Table du Musicien", 1913. Óleo y carboncillo sobre lienzo, 65
x 92 cm. Oeffentliche Kunstsammlung, Basilea, donación de
Raoul La Roche.
G. Braque:
"Formas musicales" (Guitarra y clarinete), 1918. Papel encolado,
cartón ondulado, carboncillo y gouache sobre cartón, 77 x 95 cm.

Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise and Walter
Arensberg.
J. Gris:
"L`Homme au Café", 1912.
Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise and Walter
Arensberg.
J. Gris:
"Copas y periódico", 1914. Papel encolado, gouache, óleo y lápiz
sobre lienzo, 61 x 38 cm.
Dadaísmo
Pintura Dadaísta
El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un
diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y
artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los
valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara.
Este movimiento se extendío a Berlín, Colonia, París y Nueva York donde se constituyó el
núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por
la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-mades).
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia
el surrealismo.
CARACTERÍSTICAS
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también
por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y
décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo,
el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-

abstracto).
- Motivaciones de disociación.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto
artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que
desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la
creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida
por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de
periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K.
Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
INFLUENCIAS
Del cubismo, por la adopción del collage.
ARTISTAS
En Zurich:
Hans Arp , Marcel Janco
En Berlín:
Raoul Hausmann, Hannah Höch, Geroge Grosz.
En Colonia:
Max Ernst (1891-1976).
En Hannover:
Kurt Schwitters (1887-1948).
En París:
Francis Picabia (1878-1953).
En Nueva York:
Marcel Duchamp (1889-1968), Man Ray.

OBRAS DESTACADAS
Picabia:
"Parada amorosa", 1917.
Colección particular, Chicago.
Schwitters:
"El espejo", 1920.
Collage de materiales diversos.
Colección Tzara, París.
Schwitters:
"Psiquiatra", 1919.
Collage de materiales y objetos de desecho.
Duchamp:
"La mariée mise à nu par ses célibataires, même" ("La novia puesta al desnudo por sus
solteros, aún..." también conocido como "El gran vidrio"), 1915-1923.
Vidrio con óleo, barniz y plomo derretido.
Museo de Arte, Filadelfia.

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