Revista Pisteyo 20.pdf

1. Para formar opinión Para formar opinión Revista Semestral Núm. 20 Junio 2023 Revista Semestral Núm. 20 Junio 2023 En la Prehistoria Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.) Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.) Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.) En la Edad Antigua Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.) Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.) Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.) Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.) Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.) Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.) Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.) En la Edad Media Arte paleocristiano (h. s.I - IV) Arte visigodo (h. 415 - 711) Arte bizantino (h. 330 – 1.453) Arte mozárabe (h. 711 - 1.000) Arte carolingio (h. 780 - 900) Arte otoniano (h. 950 - 1050) Arte románico (s. XI - XIII) Arte gótico (s. XII - XVI) Arte mudejar (s.XII - XVI) Historia del Arte en la Pintura Historia del Arte en la Pintura

2. RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas(ET). Su objetivo es hacer de cada número un objeto de interés cultural, y resulte una experiencia cultivable. La cual esta apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y redondeando sus temas. En la revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano. En su contenido encontraras temas como: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralis- mo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.Valiéndonos de cualquier recurso en busca de una sociedad libre y preparada. Ediciones Tecnológicas Revista Pisteyo: Es una publicación Semestral Editor Jefe: Alfonso Gómez Herrera Redacción: Lic Socióloga E: Mariana G. Míreles. Diseño / Maquetación: Kim. Site: https://sites.google.com/site/rpisteyo Red Social Facebook: https://www.facebook.com/pages/Revista-Piste- yo/575773499160668 Distribución por WWW, Periodicidad Semestral. En la revista se distingue algunas marcas Mercantiles de los términos descriptivos, siguiendo el estilo que utiliza el fabricante, sin ninguna Intención de infringir la marca o logo y solo en don del propietario. REVISTA PISTEYO Año 9, No.20, Junio 2023, es una Publicación semestral editada por C.Alfonso Gómez Herrera. Mexico (CDMX) Alcaldía Iztapalapa C.P. 09210. www.https://sites.google.com/site/rpisteyo/, email. rpisteyo@gmail.com. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura de la revista. En referencias se expresa su fuente Las opiniones expresadas por los autores son independientes y libres, respaldándose en la libertad de Expresión que enmarca a nuestro país. La libre manifestación de las ideas está consagrada en nuestra Carta Magna en los artículos 6º y 7º; (desde el gobierno del Presidente Miguel Alemán Valdés, estableció el 7 de junio de 1951 como el Día de la Libertad de Expresión en México.) Los contenidos publicados en PISTEYO están sujetos a una licencia Reconocimiento-NoComer- cial-SinObraDerivada 2.5 de Creative Commons. En consecuencia, se permite la copia, distribución y comunicación pública de dichos contenidos siempre que se cite el autor del original y la revista R.PISTEYO, pero están expresamente prohibidos los usos comerciales y la utilización de los contenidos para la realización de obras derivadas. Este obra está bajo una Licencia Creative Com- mons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 2.5 México. CONTACTO: rpisteyo@gmail.com

3. AGH E D I T O R I A L E D I T O R I A L La Revista Pisteyo cumple 10 años y en los números 20 y 21 se hace una antología -de alguna forma- de los periodos de la historia del arte conducente a la pintura, por lo tanto, son revistas con formato hetero- géneo, pero con el mismo designio para formarse una opinión acerca de… Así, un cambio de imagen logo. Esperamos que te atraigan y gus- ten, Muchas Gracias por estar aquí. La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega. Leonardo Da Vinci Artes visuales se utiliza para referirse a un amplio espectro de obras de arte. Esencialmente, puede significar cualquier forma de arte que veamos. Sin embargo, esta palabra es en realidad un término general utilizado para definir una variedad de disciplinas artísticas y sus respectivas subcategorías. La pintura es la aplicación de pigmentos a una superficie de soporte que establece una imagen, diseño o decoración. En arte, el término ‘pintura’ describe tanto el acto como el resultado. La mayoría de las pinturas se crean con pigmentos en forma líquida aplicados con un pincel. La pintura es un arte o técnica común que se puede utilizar para hacer que los objetos se vean mejor. Al crear una pintura, es mejor crear algo que sea atractivo de alguna manera, como capturar un objeto en movimiento. Un pintor es un artista o artesano que crea obras hechas con pintura. Algunos se capacitan formalmente a través de una escuela de arte o un aprendizaje, mientras que otros optan por capacitarse a sí mismos. Hagamos un viaje por el tiempo para apreciar este arte a través de la historia.

4. ICONOGRAFIA

5. 54 16 Historia de las artes.................................................................................. 6 Arte Prehistórico....................................................................................... 10 • Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.)............................................. 12 • Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.).................................................. 15 • Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.)........................................................ 18 Arte Edad Antigua................................................................................... 22 • Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.) ......................................................... 24 • Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)............................................ 28 • Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)...................................................... 32 • Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)..................................................... 36 . • Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)........................................................... 40 • Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)........................................................... 44 • Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.).................................................. 48 En la Edad Media.................................................................................... 58 • Arte paleocristiano (h. s.I - IV)............................................................ 59 • • Arte visigodo (h. 415 - 711)................................................................ 62 • • Arte bizantino (h. 330 – 1.453)........................................................... 65 • • Arte mozárabe (h. 711 - 1.000).......................................................... 68 • • Arte carolingio (h. 780 - 900).............................................................. 71 • • Arte otoniano (h. 950 - 1050)............................................................. 74 • • Arte románico (s. XI - XIII).................................................................. 77 • • Arte gótico (s. XII - XVI)....................................................................... 80 • • Arte mudejar (s.XII - XVI)................................................................... 83 Referencias.............................................................................................. 87 PistiCarton................................................................................................ 86 ....................................................................................................... 23 ....................................................................................................... 53

6. Historia de las artes Esta disciplina que tiene como objeto de estudio el arte en su desarrollo y evolución a lo largo de la historia de la humanidad. las disciplinas artísticas, son solamente de las artes superiores llamadas también como las bellas artes (pintura, escultura, arquitectura, música, danza, literatura), excluyendo las artes llamadas menores o artes aplicadas, como (artesa- nía, el diseño y la composición). El origen de las artes es incierto e implica no solo la estética sino también la conciencia de la creación de una obra de arte. Algunos historiadores del arte han definido la cuna del nacimiento del arte en la Cueva de Chauvet, donde se encuentra la pintura rupestre más antigua descubierta, que data de hace aproximadamente 30.000 años atrás. Posteriormente, los historiadores clasifican el arte por períodos, que a su vez se dividen en estilos y en la actualidad se conoce el arte por escuelas y corrientes artísticas. En este sentido, el arte rupestre sería la primera forma de arte. Luego, existen las artes surgidas de las antiguas civilizaciones antes de la caída del imperio romano (476 a. C.) como el arte en Egip- to, India, Persia, Armenia, China, la Antigua Grecia y la Antigua Roma. Desde el siglo V, cuando empieza la Edad Media los estilos y sus influencias son más definidos como se expone cuadro anterior.

7. De este modo, la historia del arte no solo estudia las distintas manifestaciones artísticas, sino que establece periodizaciones (prehistórico, antiguo, clásico, medieval, moderno, contemporáneo), clasifica estilos (gótico, barroco, neoclásico, etc.), y delimita movimientos, tendencias y escuelas (ro- manticismo, simbolismo, expresionismo, dadaís- mo, surrealismo, etc.). Las Bellas artes El francés Charles Batteux (1713-1780) fue uno de los primeros en tratar de clasificar las bellas artes en su trabajo titulado Les Beaux-Arts réduits à un même principe (“Las bellas artes reducidas a un mismo principio”), publicado en 1746. En di- cho texto plantea la unificación de las artes bajo el concepto de belleza y buen gusto. No obstante, ya desde la Antigua Grecia se es- tablecía una separación entre las distintas artes existentes. Consideremos, desde luego, que para aquel entonces el término arte hacía referencia, en un sentido general, al conjunto de los oficios, desde el escultor hasta el talabartero. En este sentido, los griegos establecieron una distinción entre las artes que impresionaban a los sentidos más elevados, como el oído y la vista, y les asignaron el nombre de artes superiores o lo que hoy denominamos bellas artes. Por otro lado, aquellas artes que se dirigían a los sentidos menores, como el tacto, el gusto o el olfa- to, fueron designadas como artes menores, entre las cuales incluían la perfumería, la gastronomía, la carpintería, entre otras. Qué son las Bellas artes: Como bellas artes se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas de naturaleza creativa y con valor estético. Las bellas artes se agrupan actualmente en 7 disciplinas, entre las cuales se encuentran la pintura, la escultura, la literatura, la danza, la música, la arquitectura y, desde el siglo XX, se incluye el cine como el séptimo arte. El concepto de bellas artes, data del siglo XVIII, se utilizaba para denominar el conjunto de artes. Actualmente, es una disciplina de estudio que combina conocimientos de historia y teoría del arte, restauración, conservación, museística, crí- tica artística y técnicas de las artes. Es una carrera que se estudia en diversas univer- sidades del mundo donde se adquiere el grado de licenciado en bellas artes. La pintura Es la expresión más antigua de las bellas artes. A través de los siglos, este tipo de obras de arte han generado movimientos o corrientes artísticas que han ido redefiniendo valores estéticos según la contingencia del momento. Es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según ciertos valores estéticos. La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz y el movimiento. De esta manera, busca transmitir al espectador una experiencia estética. En este sentido, la estética se refiere a la per- cepción del arte por los sentidos y cada pintura manifiesta los valores estéticos del artista pintor, evocando emociones, conceptos, ideas, e innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, conceptos cultural, político o religioso. Como técnica o disciplina, la pintura consiste en aplicar sobre una superficie determinada (tela, papel, madera, cerámica, metal) una serie de pigmentos para componer con formas, colores y texturas el sentir del artista. Las pinturas pueden clasificarse de diferentes formas según temas, períodos históricos, corrientes artísticas y materiales o técnicas. Las pinturas ar- tísticas pueden ser referidas por el tipo de tema

8. que abarca, pudiendo estas ser sobre temas his- tóricos, religiosos, paisajísticos, abstractos, con- ceptuales, de naturaleza muerta, de desnudos o sobre críticas sociales. ¿Qué es la pintura? Cuando hablamos de pintura o de artes pictóri- cas nos referimos a una forma artística que busca representar la realidad gráficamente, empleando para ello formas y colores sobre una superficie, a partir de pigmentos naturales y sintéticos mezclados con sustancias aglutinantes (pinturas). Se trata de una de las Bellas Artes de la humanidad, junto con la literatura, la escultura, la música, la danza, la arquitectura, el cine, la fotografía y la historieta. Y es probablemente una de las más antiguas que se conocen. La pintura inicia como técnica de expresión humana hace 32.000 años, con las primeras pinturas rupestres en las paredes de las cavernas que habitaba el hombre primitivo. Empleaba para ello sangre y otras sustancias, que en lo sucesivo se- rían reemplazadas paulatinamente por aceites y pigmentos. Sus principales focos fueron, durante su historia, el paisaje, el desnudo humano, la naturaleza muerta (o bodegón) y finalmente, el abstraccionis- mo. La pintura acompañó los lugares ceremoniales y funerarios de las civilizaciones antiguas, como los túmulos funerarios egipcios, los templos romanos o las catacumbas cristianas paleocristianas. Las técnicas de pintura son los métodos usados para fijar los pigmentos en la superficie del soporte. Algunas de las más populares son: Óleo. Empleando aceites y un disolvente llamado trementina, se elabora una pasta pigmentada, viscosa y de origen vegetal, con que se pueden adherir los colores al lienzo, empleando pinceles u otras herramientas. Al secar, los colores quedan fijos a la superficie. Cera. Se pinta la superficie con ceras calientes, que contienen pigmentos aglutinados, aplicadas mediante pincel o espátula. Finalmente, se le aplica un trapo de lino sobre una capa de cera sin pigmento a modo de protección y pulido. Acuarela. Consiste en el uso de colores diluidos en agua, de consistencia transparente, que se aplican sobre papel o cartulina con pinceles. Con esto se logra una mayor soltura y brillantez, pero requiere de trazos libres e imprecisos. Témpera. Llamada también gouache, es un material semejante a la acuarela, pero con una car- ga de talco industrial o blanco de zinc, que aporta al pigmento una tonalidad opaca y no traslúcida, ideal para aplicar capas claras sobre otras oscu- ras y jugar con la luz representada. Acrílico. Se llama así a una pintura de seca- do rápido, cuyos pigmentos se sostienen en una emulsión de acrílico (cola vinílica) y aunque son solubles en agua, al secarse son sumamente re- sistentes. Tinta. Conocida como “tinta china”, se usa sobre papel y sobre todo en tonos negros o sepia, usando una pluma o plumín. Es muy frecuente en el arte oriental, sobre todo en su caligrafía pictórica. Pastel. Se usan barras de colores fabricadas a partir de pigmentos en polvo diluidos en goma o resina hasta formar una pasta compacta y seca. No se necesitan herramientas para su uso, sino directamente se sujetan con la mano. “La cultura es una élite, pero una élite a la que todo el mundo puede pertenecer” Alberto Manguel.

9. A r t e P r e h i s t o r i a

10. A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo. Eugène Delacroix Arte Prehistórico • Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.) • Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.) • Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.) Introduccion. El arte prehistórico podría definirse como el arte creado por personas en una época en la que aún no se había desarrollado ninguna forma de lenguaje escrito. El tiempo en el que varias culturas a lo largo de la historia humana comenzaron a desarrollar sus sistemas lingüísticos únicos varía mucho de una región a otra. Antes de dejar a los historiadores un registro escrito de los eventos diarios, los artistas prehistóri- cos dejaron un tesoro de información a través de sus artefactos y dibujos prehistóricos. Los artistas prehistóricos registraron sus experien- cias diarias en medios que han logrado superar siglos de dura exposición a condiciones ambien- tales cambiantes, lo que nos brinda información detallada sobre cómo era la vida en los primeros días de nuestra especie antes del desarrollo de una forma escrita de comunicación. Hace unos 500 000 años, uno de nuestros primeros antepasados tomó un diente de tiburón y grabó un patrón en zigzag en la superficie de una concha marina. Aunque se desconoce el motivo de su creación, se considera que es el ejemplo de arte más antiguo que existe. Veamos los diversos períodos durante los cuales el arte comenzó a surgir por primera vez en la historia del arte prehistórico. Características del arte prehistórico más importantes Aunque el arte prehistórico presenta periodos diversos y numerosas creaciones artísticas en diferentes y dis- tantes puntos del mundo, sí que presenta una serie de características importantes y comunes que aportan una unidad de estilo. Así, entre las principales caracte- rísticas de este tipo arte se destacan: • Tendencia al esquematismo • Simbolismo • Abstracción • Tienen una finalidad ritual o mítica y religiosa que va más allá de lo estético.

11. Las primeras formas de arte prehistórico son extre- madamente primitivas. La cúpula, por ejemplo, un tipo misterioso de marca cultural paleolítica no es más que un fregado hemisférico o en forma de copa de la superficie de la roca. Las primeras esculturas conocidas como las Venus de Tan-Tan y Berekhat Ram son representaciones tan crudas de formas humanoides que algunos expertos dudan de que sean obras de arte. No es hasta el Paleolítico Superior (desde aproximadamente el 40.000 a. C. en adelante) que el hombre anatómicamente moderno produce tallas e imágenes reconocibles. La cultura auriñaciense, en particular, es testigo de una explosión de arte rupestre, incluido Las pinturas rupestres de El Castillo, los murales rupestres mono- cromáticos de Chauvet, el Hombre León de Hohlens- tein-Stadel, la Venus de Hohle Fels, las tallas de animales del Jura de Suabia, el arte rupestre aborigen de Australia y mucho más. Las culturas tardías gravetiense y magdaleniense dieron origen a versiones aún más sofisticadas del arte prehistórico, en particular los caballos moteados poli- cromados de Pech-Merle y las sensacionales pinturas rupestres de Lascaux y Altamira. Cúpulas prehistóricas El fenómeno cultural más antiguo, que se encuentra en todo el mundo prehistórico, la cúpula sigue siendo uno de los tipos de arte rupestre menos comprendi- dos. La denominada Venus de Bere- jat Ram (o Berekhat Ram) es una posible figura antropomorfa de apenas 3,5 cm de longitud, apa- rentemente elaborada en roca volcánica rojiza en parte desgas- tada por la erosión, en parte con incisiones artificiales. La cueva de El Castillo, en Can- tabria, tiene pinturas rupestres de por lo menos 40.800 años de antigüedad, lo que las si- túa como las más antiguas del mundo El hombre león es una escultura en marfil de mamut de 31,1 centímetros de altura que data del paleolítico superior, siendo una de las esculturas más antiguas conocidas hoy en día. Su nombre se debe a que representa un ser humano con cabeza de león.

12. Arte paleolítico Las técnicas del arte paleolítico eran muy sencillas. Se hacían con pinceles, trozos de carbón, trozos de hueso o con los dedos. Los colores eran muy básicos y por lo general se usaba sólo uno, aunque también utilizaron dos o tres en escenas de caza para representar movimiento o sombras. • Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.) Pintura: Se usaban uno o dos colores que se ob- tenían con pigmentos minerales (manganeso para el negro, ocre para el rojo o el amarillo...) u or- gánicos (carbón, también para el negro), con un aglutinante orgánico (resina o grasa) o disueltos en agua; se podían simular realces más claros raspando la roca. Los colores se untaban directamente con los dedos, también se podía escupir la pintura sobre la roca (como un aerosol bucal); en ocasiones, se usaron «lápices» (ramas quemadas con las que se tiznaba la pared y bolas de colo- rante mineral aglutinadas con resina) o pinceles rudimentarios (escobillas y estropajos de fibras vegetales o animales). A veces se aprovechaban bultos y hendiduras de la pared para dar la sensa- ción de volumen. Temática Los temas preferidos eran animales (sobre todo toros, bisontes y caballos; aunque menos numerosos, también hay ciervos, osos, cabras, etc.). No obstante, debe olvidarse la imagen trillada que se tiene del arte paleolítico, de temática monótona y casi exclusivamente animalística. Evidentemente predominan los temas faunísticos, pero hay otras muchas escenas sorprendentemente elaboradas y excepcionalmente intrigantes. Asimismo, son muy numerosos los signos enig- máticos, algunos de ellos fácilmente identificables (como las manos impresas o los órganos sexua- les masculinos y femeninos), y otros más abstractos llamados ideomorfos. (Se considera como un tema ideomorfo o signo cualquier forma geomé- trica o abstracta sin una conexión posible con un sujeto real.) La palabra Paleolítico proviene del griego y significa” piedra antigua”. Hace referencia al perío- do del desarrollo humano de la Edad de Piedra antigua que antecedió al Mesolítico (que también corresponde a la Edad de Piedra, pero a la etapa media). La tercera y última etapa de esta Era de Piedra fue el período Neolítico. Solo había dos tipos de arte: portátil o estacionario, y ambas formas tenían un alcance limitado. El arte portátil durante el Paleolítico Superior era necesariamente pequeño (para ser portátil) y consistía en figurillas u objetos decorados. Estas cosas fueron talladas (de piedra, hueso o asta) o modeladas con arcilla. La mayor parte del arte portátil de esta época era figurativo, lo que significa que representaba algo reconocible, ya sea en forma animal o humana. Las figurillas a me- nudo se denominan con el nombre colectivo de “Venus”, ya que son inequívocamente mujeres de constitución fértil. El arte estacionario era solo eso: no se movía. Los mejores ejemplos existen en pinturas rupestres (ahora famosas) en Europa occidental, creadas durante el período Paleolítico. Las pinturas se fa- bricaban a partir de combinaciones de minerales, ocres, harina de huesos quemados y carbón mez- clado con agua, sangre, grasas animales y savia de árboles. Los expertos suponen (y es solo una suposición) que estas pinturas tenían algún tipo de propósito ritual o mágico, ya que están ubicadas lejos de las bocas de las cuevas donde se desarrollaba la vida cotidiana. Las pinturas rupestres contienen mucho más arte no figurativo, lo que significa que muchos elementos son más simbólicos que realistas. La clara excepción, aquí, está en la represen- tación de animales, que son vívidamente realistas

13. (los humanos, por otro lado, están completamente ausentes o son figuras de palo). El arte más antiguo: la ornamentación El Homo sapiens hacen arte. Se han encontrado ornamentaciones extremada- mente antiguas y no representativas en toda Áfri- ca. El ejemplo más antiguo con fecha firme es una colección de conchas de caracol Nassarius de 82.000 años encontradas en Marruecos que están perforadas y cubiertas con ocre rojo. Los patrones de desgaste sugieren que pueden haber sido cuentas ensartadas. Las cuentas de conchas de Nassarius encontradas en Israel pueden tener más de 100 000 años y en la cueva de Blombos en Sudáfrica, se han encontrado conchas perforadas y pequeños trozos de ocre (hematita roja) grabados con patrones geométricos simples en una capa de 75 000 años de antigüedad. sedimento. El arte figurativo más antiguo. Algunas de las imágenes de representación más antiguas conocidas provienen de la cultura auriña- ciense del período Paleolítico superior. Los descubrimientos arqueológicos en una amplia franja de Europa (especialmente el sur de Fran- cia, el norte de España y Suabia, en Alemania) in- cluyen más de doscientas cuevas con espectacu- lares pinturas, dibujos y esculturas auriñacienses que se encuentran entre los primeros ejemplos indiscutibles de creación de imágenes figurativas. Entre los más antiguos se encuentra una figura femenina de 2,4 pulgadas de alto tallada en marfil de mamut que se encontró en seis fragmentos en la cueva Hohle Fels cerca de Schelklingen en el sur de Alemania. Data del 35.000 a.C. Las cuevas Las cuevas de Chauvet-Pont- d’Arc, Lascaux, Pech Merle y Altamira contienen los ejemplos más conocidos de pintura y dibujo prehistóricos. Aquí hay representaciones notablemente evo- cadoras de animales y algunos humanos que emplean una mezcla compleja de naturalismo y abstracción. Los arqueólogos que estudian a los humanos de la era paleolítica creen que las pinturas descubier- tas en 1994, en la cueva de Chauvet-Pont-d’Arc en el valle de Ardéche en Francia, tienen más de 30.000 años. Las imágenes encontradas en Lascaux y Altamira son más recientes y datan de aproximadamente 15 000 a. C. Las pinturas de Pech Merle datan de 25 000 y 15 000 a. C. La pintura rupestre conocida más antigua del mundo se encontró en Sulawesi, Indonesia, en 2017 y se realizó hace al menos 45 500 años.

14. Caballos moteados policroma- dos de Pech-Merle Escena del pozo de Lascaux. Vaca saltando de Lascaux. Caballito chino de Lascaux. Pinturas de la gruta de Rouffig- nac con representación de ma- muts (según Ripoll).

15. Arte mesolítico Se entiende por arte mesolítico todas las manifestaciones artísti- cas desarrolladas en el periodo prehistórico comprendido desde el Paleolítico Superior hasta el Neolítico. La duración del periodo Mesolítico coincide con el final de la Era Glacial del Pleistoceno • Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.) Al terminar el Paleolítico Superior también desapa- recieron con él sus espléndidas manifestaciones artísticas, apareciendo otras nuevas, influencia- das, inevitablemente, por los cambiantes factores climáticos y los nuevos hábitos socioeconómicos. El problema de este nuevo arte postpaleolítico es que resulta muy difícil de datar y los investigado- res no se ponen de acuerdo acerca de su perio- dización. Unos opinan que representaciones como las del arte naturalista levantino son ya del Neolítico ini- cial, otros que es anterior. De cualquier manera, el arte no desapareció y lo seguimos encontrando en abrigos rocosos (arte parietal) y en objetos personales (arte mueble). El arte se volvió conceptual y racionalista, basado en lo geométrico y lo abstracto. La cultura aziliense de la cornisa cantábrica y del Pirineo francés nos ha deparado abundantes cantos rodados decorados con seriaciones de bandas, puntos, ramiformes, etc., de carácter abstrac- to, y a los que se les otorga un significado mágico/ simbólico. La cultura natufiense destaca, entre otras cosas, por sus características representaciones de animales en morteros de mano, mangos de hoz o cuchillos, o sea, por su arte mueble. En Sierra Morena (Andalucía) se han encontrado figuras antropomórficas y teriomórficas (especialmente de cabras montesas y ciervos) muy esque- matizadas, junto a signos del tipo de círculos, puntos, soles, ondulaciones. Otras representaciones importantes se han descubierto en Alpera (Albacete), Cogul (Lérida), Ba- rranco de los Gascones (Teruel), Villar del Humo (Cuenca) o Barranco de Gazulla (Castellón) La palabra “Mesolítico” proviene de “Meso” (que significa “entre”) y “Lithos” (cuyo significado es “piedra”). Por lo tanto, el período Mesolítico tam- bién es conocido como la “Edad Media de la Pie- dra”. Se entiende por arte mesolítico todas las manifestaciones artísticas desarrolladas en el periodo prehistórico comprendido desde el Paleolítico Su- perior hasta el Neolítico. La duración del periodo Mesolítico coincide con el final de la Era Glacial del Pleistoceno. Este periodo está comprendido entre el año 10.000 a.C. al 5.000 a.C. Durante esta etapa se aprecia un cambio climáti- co progresivo de temperaturas más altas, esto re- percute en la inundación de las zonas costeras lo que supone la desaparición de algunas especies animales y un crecimiento de las zonas boscosas. Las muestras de Arte Mesolítico se han localiza- do en muchos lugares: Asia, África, Australia, las Américas y Europa, pero el grupo más numerosos de estas muestras se encuentras localizadas en España. El estudio del arte durante la época Mesolítica se ha centrado principalmente en los yacimientos europeos, siendo los principales:

16. •El arte rupestre escandinavo del norte de Europa. •La cultura aziliense de la cornisa cantábrica y del Pirineo francés (se han encontrado numerosos cantos rodados decorados con seriaciones de bandas, puntos, ramiformes, etc.,). •La cultura natufiense (Se da entre10.800 a.C. y 8.300 a.C., se extiende por toda la zona del Próxi- mo Oriente, desde Éufrates hasta Egipto y los de- siertos situados al sur) destaca por su arte mueble (representaciones de animales en mortero de mano, mangos de hoz, cuchillos, etc.,). •El arte Levantino (situado en la cuenca del Medi- terráneo occidental) destaca por el arte rupestre, no solo en cuevas, ya que, debido al cambio cli- mático, el arte levantino también se encuentra en espacios abiertos, como abrigos rocosos (protegi- dos por una cornisa natural). Debido a su ubica- ción estas pinturas y yacimientos se encuentran en un mal estado de conservación. La pintura en el mesolítico No todas las pinturas del periodo mesolítico se encuentran en los abrigos rocoso (arte parietal), sino que una parte importante, también se puede encontrar pinturas en las cavernas, un ejemplo de las pinturas en cuevas del Mesolítico se encuentra en la Cueva de las Manos, en el valle del Rio Pin- tura, Patagonia, Argentina. El arte se vuelve más racional, se basa en lo geométrico y lo abstracto, la figura humana con- tinúa siendo escasa en las pinturas, pero sí se representaban batallas y escenas bélicas, estas pinturas eran pintadas sobre pieles, que se utilizaban como abrigos. Eran frecuente las representaciones de grupos humanos ocupados en la caza, bailes y varios ri- tos, así como representados realizando actividades del día a día. Las técnicas de pintura variaban dependiendo de las herramientas empleadas, como, por ejemplo, plumas, cañas, almohadillas ... El uso de color es bastante restringido limitándose al rojo (ocre, manganeso, siena, ocre oscuro...). Microlitos (trapecios) y flecha mesolítica procedente de la tur- bera de Tværmose (Dinamarca).

17. Danza Fáli- ca, cueva de Cogull, Llei- da (España) Cuevas de las Manos, Patagonia, Argentina Tectiformes. Altamira. Pinturarupestre monocromática, esquematizada y en movimien- to característica del Mesolítico. Racó de Nando / Benassal “Shigir Idol”, museo Yekaterin

18. Arte neolítico Como arte neolítico se denomina aquel desarrollado por el hombre prehistóri- co en el periodo que comprende la última etapa de la Edad de Piedra, es decir, entre el año 7.000 a. de C. y 2.000 a. de C. Comprende la pintura, la cerámica, la escultura y los monumentos megalíticos. • Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.) El arte neolítico (‘arte en la nueva edad de piedra’) —por contraposición al Paleolítico (‘antigua edad de piedra’)— que se produjo en uno de los períodos en que se considera dividida la Edad de Piedra. El término neolítico fue acuñado por John Lubbock en su obra de 1865 que lleva por título Prehis-to- ric Times. La palabra proviene del griego νέος, néos: ‘nuevo’; λίθος, líthos: ‘piedra’. Inicialmente se le dio este nombre debido a los hallazgos de herramientas de piedra pulimentada que parecían acompañar al desarrollo y expansión de la agricultura. Hoy día se define el Neolítico precisamente debido al conocimiento y uso de la agricultura o de la ganadería. Normalmente, pero no necesariamente. Características El estilo del neolítico, abierto a las sensaciones y a la experiencia, se transforma en una intención artística geométricamente estilizada, cerrada a la riqueza de la realidad empírica. En lugar de las minuciosas representaciones fie- les a la naturaleza, plenas de cariño y paciencia para los detalles del modelo correspondiente, encontramos por todas partes signos ideográficos, esquemáticos y convencionales, que indican más que reproducen el objeto. El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, es decir a crear símbolos en lugar de imágenes. (más específicamente en la Edad de los Metales), se conservan grandes monumentos megalíticos, entre ellos: Los menhires: monolitos verticales ocasionalmente antropomorfos, para marcar territorio. Los dolmenes: sepulturas construidas con dos o más piedras verticales cubiertas por una losa horizontal. Los crómlechs: conjuntos de menhires de forma circular, observatorios astronómicos vinculados al culto del sol. El más famoso se encuentra en In- glaterra (Stonehenge) En la península ibérica se desarrolló en este pe- ríodo un estilo de pintura rupestre en la zona le- vantina basado en la pintura de escenas de caza en rocas al aire libre, con representaciones es- quemáticas de figuras humanas. El arte mesopotámico es una división cronológi- ca y geográfica de la historia del arte que trata de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates. Características y economía de las sociedades del Mesolítico El hombre del Mesolítico sigue siendo mayormen- te nómada con alojamientos de invierno y de vera- no. La subida de la temperatura permite que pase de vivir en cuevas a construir las primeras chozas en abrigos rocosos. En ciertas regiones costeras con abundante ali- mento durante todo el año se establecen asenta- mientos más sedentarios.

19. El aumento de las zonas boscosas da lugar a una mayor producción de vegetales que junto a la mi- gración o desaparición de ciertas especies animales provoca varios cambios con respecto a las sociedades del Paleolítico Superior: Economía que combina la recolección de productos vegetales y la caza de animales más pequeño (incluido el desarrollo de la pesca). Alimentación más variada. Producción de nuevos utensilios líticos especiali- zados. Resumen. Arte neolítico es el nombre por el que se conocen las expresiones artísticas realizadas durante este período de la prehistoria. Entre ellas destacan pinturas, esculturas y monumentos arquitec-tónicos en los que la figura humana ganó importancia, desplazando a los animales como temática principal de las obras. Esta etapa de la Edad de Piedra se caracterizó por una mudanza en la forma de vida de los seres humanos, como consecuencia del cambio climáti- co, el sedentarismo y el desarrollo de la agricultura y la ganadería. Todo ello se vio reflejado en el arte, donde las pinturas se volvieron más estilizadas, la cerámica ad- quirió un estilo más refinado y la construcción de estatuillas tuvo un auge importante. En la arquitectura, por su parte, sobresalieron los levantamientos de megalitos, una serie de estructuras realizadas con varios bloques de piedra sin labrar, de gran tamaño. Se cree que los mismos tenían un uso funerario y que también servían para fines religiosos, con- memorativos, astronómicos o para marcar un territorio. En el arte neolítico aparecen elementos de la naturaleza asociados a la fertilidad y la representación de la madre tierra como una diosa relacionada con la agricultura. En las pinturas de este período el cuerpo humano ocupa un lugar destacado, aunque también aparecen animales. Los diseños son muy primitivos y las figuras están más estilizadas. En cuanto al color, la mayoría de las obras son monocromáticas, con preponderancia del rojo y del negro. Los trazos suelen ser gruesos y abundan las formas esquemáticas, siendo más simbó- licas que naturistas. El Neolítico se originó en el Próximo Oriente, en un lugar entre los ríos Tigris y Eúfrates, denomi- nado Mesopotamia. El término Mesopotamia significa en griego “Entre ríos”. Posteriormente se extendió por otras partes del planeta.

20. El arte neolítico destaca por abarcar una amplia variedad de temas y por tener al hombre como figura central Pintura rupestre de la edad de piedra, Cueva Magura en Bul- garia Pintura rupestre esquematizada. Gua Tambun, Malasia Mujer en un árbol que saca la miel del panal y a su alrededor “abejas” queriendo picarla. Grupo de guerreros pintados o cazadores, neolítico en Arakokem rockart, Adrar, Te- kemberet Immidir, Argelia, Sá- hara Occidental, Norte de Áfri- ca

21. A r t e E d a d A n t i g u a

22. Si yo pinto a mi perro con exactitud como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte. Goethe Arte Edad Antigua • Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.) • Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.) • Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.) • Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.) • Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.) • Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.) • Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.) L a historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubri- miento y análisis contextual. Su delimitación cronológica va desde el comien- zo de la Historia (aproximadamente el IV milenio a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída del Imperio romano de Occidente (siglo V). La ex- tensión geográfica del desarrollo de las primeras civilizaciones –definidas por la aparición de la escritura y el poder político y religioso– impone dón- de pueden localizarse (civilizaciones mediterrá- neas, de la India, de Extremo Oriente, de América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en cada una de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria), que determinaría que su producción artística fuese objeto de la historia del arte prehis- tórico; aunque realmente la metodología para su estudio es en gran parte común, hay una diferen- cia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las fuentes escritas para los periodos históricos. Este recurso es insustituible, puesto que no sólo permite la identificación en su caso de los autores o patrocinadores de la obra artística y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que posibi- lita la interpretación del Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos del pensamiento, sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una lectura del arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología dominante en épo- cas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la Edad Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual. Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremo-orientales y ameri- canas no experimentaron la marcada discontinui- dad que el arte occidental presenta entre el arte antiguo y el arte medieval; con lo que este último

23. concepto no suele aplicarse a estas civilizaciones. Características del arte Es un conjunto de actividades ar- tísticas. A lo largo de la historia las artes se han clasificado en varios tipos. ... •Es un lenguaje. ... •Es una actividad creativa. ... •Es dinámico. ... •Es subjetivo. ... •Es indefinible. ... •Es una manifestación cultural. ... •No tiene una utilidad intrínseca. Existen otras formas de arte como son las artes menores, las artes efímeras o las artes suntuarias que estaban dentro del arte antiguo. Estas formas a partir del siglo XX se les denominaron diseño, pero en la edad antigua podíamos en- contrarlas con sus propios nom- bres, es decir, artesanías, artes y oficios, artes aplicadas La evolución e innovaciones en el arte de las civilizaciones antiguas es consecuencia del trabajo de búsqueda de innumerables artistas que al elaborar nuevas solucio- nes formales fueron conformando avances y cambios en el arte de su tiempo. La pintura sobre tabla o simplemente tabla es aquella obra que utiliza la madera como soporte pictórico, no haciéndose distinción en cuanto a la técnica utilizada (óleo o temple, principalmente). La tabla puede presentarse sobre maderas enmarcadas, consiguiendo una apariencia similar a una pintura sobre lienzo, o bien sobre piezas que dan formas a distintos tipos de mobiliarios, los que pueden ir desde cofres, sarcófagos o altares, hasta una diversidad de objetos de uso coti- diano. Los sarcófagos egipcios que datan del año 2000 a. C. se encuentran en numerosas ocasiones pintados, generalmente a la en- cáustica. Del Egipto romano destacan los famosos retratos de El Fayum, de carácter funerario, que datan de los siglos II a IV. No obstante, fue en la Edad Media cuando se difundió la pintura sobre tabla y alcanzó su máximo esplendor. En la época románica se pintaron diversas piezas de mobiliario ejecutadas en madera, como baldaquinos o frontales. La madera que más se ha usado históricamente es la de nogal, pino o abeto, si bien era algo que dependía de la región donde se viviera y de las especies arbóreas que estuvieran disponibles en abundancia, pues en Italia se usaba chopo, y en el Norte de Euro- pa, roble, haya o pino. Otros tableros de madera dura que se usan como soporte pictórico son los de especies como el abedul, el cedro o el álamo blanco. Durante la Edad Moderna se recurrió a maderas tropicales duras como la caoba. Pintura sobre tabla de la antigüedad: Retrato fúnebre de época romana en El Fayum.

24. Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.) Se trata de un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo. El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan homogéneo. Busto de Nefertiti del escultor Tutmose, del año: 1345 a. C., Museo Egipcio de Berlín. E l arte egipcio antiguo es la pintura, la escultura y la arquitectura producida por la civili- zación en el valle del Nilo desde el 5000 a. C. hasta el 300 d. C. En el Antiguo Egipto, la Edad del Bronce comen- zó en el período protodinástico alrededor del año 3150 a. Los sellos distintivos de la antigua civili- zación egipcia, como el arte, la arquitectura y muchos aspectos de la religión, tomaron forma durante el Período dinástico temprano y duró hasta aproximadamente el 2686 a. Durante este período se estableció el panteón de los dioses y se desarrollaron las ilustraciones y proporciones de sus figuras humanas; y se crea- ron imágenes egipcias, simbolismo y escritura je- roglífica básica. Durante el Imperio Antiguo, de 2686 a 2181 a. C., los egipcios pirámides y se construyeron otras esculturas más naturales. También se completaron los primeros retratos conocidos. Al final del Impe- rio Antiguo, el estilo egipcio se movió hacia figuras formalizadas semidesnudas con cuerpos largos y ojos grandes. El arte del Antiguo Egipto alcanzó una sofistica- ción considerable en pintura y escultura, y fue al- tamente estilizado y simbólico. Gran parte del arte sobreviviente proviene de tumbas y monumentos; de ahí el énfasis en la vida después de la muerte y la preservación del conocimiento del pasado. En un sentido más estricto, el arte del Antiguo Egipto se refiere al arte de la segunda y tercera dinastía desarrollado en Egipto desde el 3000 a. C. hasta el siglo III. La mayoría de los elementos del arte egipcio se mantuvieron notablemente estables durante este período de 3000 años, con relativamente poca influencia externa. La calidad de la observación y ejecución comenzó a un alto nivel y se mantuvo así durante todo el período. El arte egipcio se puede dividir en cinco períodos: Períodos predinástico y dinástico temprano (c. 3500-2575 a. C.). Reino Antiguo (c. 2575-2134 a. C.) la “era de las pirámides” Reino Medio (c. 2040-1640 a. C.) Reino Nuevo (c. 1550-1070 a. C.) Período tardío y ptolemaico (c. 1070-30 a. C.) El antiguo Egipto pudo prosperar gracias a su ubi- cación en el río Nilo, que se desborda a intervalos predecibles, lo que permite un riego controlado y proporciona un suelo rico en nutrientes favorable para la agricultura. La mayor parte de la población y las ciudades de Egipto se encuentran a lo largo de las partes del valle del Nilo al norte de Asuán, y casi todos los sitios culturales e históricos del Antiguo Egipto se encuentran a lo largo de las orillas de los ríos. El Nilo termina en un gran delta que desemboca en el Mar Mediterráneo. Los colonos del área finalmente pudieron producir un excedente de cul- tivos comestibles, lo que a su vez condujo a un crecimiento de la población.

25. Las inundaciones y reflujos regulares del río tam- bién son responsables de los diversos recursos naturales de la región. Los recursos naturales en el valle del Nilo durante el surgimiento del antiguo Egipto incluían la cons- trucción y la piedra decorativa, los minerales de cobre y plomo, el oro y las piedras semipreciosas, todos los cuales contribuyeron a la arquitectura, los monumentos, las joyas y otras formas de arte por las que esta civilización se convertiría. llegar a ser bien conocido. Abundaban las piedras de construcción de alta calidad. Los antiguos egipcios extraían piedra ca- liza a lo largo del valle del Nilo, granito de Asuán y basalto y arenisca de los wadis (valles) del desier- to oriental. Los depósitos de piedras decorativas salpicaban el desierto oriental y se recolectaron temprano en la historia egipcia. PINTURA EGIPCIA Está muy relacionada con la forma de representar en los relieves. Tiene una finalidad religiosa y ornamental, cubriendo todos los muros de los monumentos. Es a partir de la II Dinastía cuando la pintura adquiere personalidad propia. La composición se sitúa en franjas o registros, aunque también se puede llenar todo el muro con una representación. Las figuras suelen representarse de perfil, al igual que en el relieve, y con el cuerpo de frente, lo que veremos también en las representaciones del arte mesopotámico. Se trata de cubrir completamente los muros de decoración. Por lo general hablamos de pintura mural, es decir, al fresco, con la preparación previa de la pared en la que se va a trabajar con la pintura. Es lo que se llama “Enfoscado y enlucido”, cubriendo el muro con una capa de arena y yeso húme- dos para que absorba la pintura, esta capa de enfoscado se alisa o enluce para que la pintura que se aplica a continuación quede uniforme. Si la pintura se mezcla con agua se denomina “buen fresco”, ya que la pared seca absorbe la pintura. A veces se utiliza clara de huevo, goma o cola en lugar de agua, que se denomina “fresco seco”, que mantiene con mayor firmeza la pintura en el muro. Es un tipo de pintura lineal, con una línea oscura que bordea todas las figuras, sin buscar volumen en la imagen, así como tampoco busca profundidad, con figuras en diferentes planos, aquí hay un plano único. El color es plano, sin dar tonalidades, y rellenando las líneas de contorno, sin claro-oscuro. Hay también pintura sobre papiro, sobre todo de temática religiosa, como el “Libro de los Muertos”.

26. La temática puede ser religiosa, sobre todo en el caso de las tumbas con las representaciones de “El Libro de los Muertos”, pero también hay escenas cotidianas, de cosecha, de trabajo, pesca, caza, bailes, etc. “Anubis con una momia”, es uno de los ejemplos de pintura funeraria en la que se puede ver con claridad la linealidad del dibujo. Primero se pinta el contorno y luego se rellena con color. Las zonas vacías de dibujo se completan con escritura jeroglífica. No se busca la perspectiva, sino que las figuras se superponen. “Las Plañideras” representan el dolor por la muerte del difunto, los ojos se muestran de frente en contraposición del perfil de la figura. En algunos casos la postura de las plañideras es parecida a las de las estatuas cubo. “Ofrendas para el sacrificio”, escena de la tumba de Tutankamón (s. XIV a. C.), sigue diferenciando el tono de color de la piel del hombre, más oscura, frente al de la mujer. La población egipcia es de rasgos negroides, la llamada población Camita, y así serán también los propios faraones, aunque su piel fue diferencián- dose dado que solían contraer sus primeros matri- monios, aquellos que más importancia tenían y de los que surgía el heredero, con mujeres de origen asiático, de la zona de Mesopotamia. El faraón tiene en sus manos todos los poderes del reino, el político, religioso, militar, jurídico, ad- ministrativo, económico, etc. con lo que deduci- mos que se da una fuerte centralización estatal. En pintura mural destaca la “Tumba de Nefertari” (s. XIII a. C.), esposa de Ramsés II, que ha llegado a nosotros en muy buen estado. Escenas del “Libro de los Muertos” y el camino a seguir por la reina hasta el más allá. No aparecen ya franjas superpuestas, sino una única escena que llena toda la pared.

27. Esta tumba es el mayor ejemplo de la pintura egipcia, muestra escenas cotidianas, banquetes, escenas de caza y pesca, juegos, músicos, ... La pintura alrededor de Los dioses egipcios. Para la cultura egipcia, así como la figura del Faraón era de gran importancia, la encarnación propia de un ser resplandeciente de divinidad; en su entorno se mo- vían diversos dioses que encarnaban personalidades de gran relevancia respecto al plano terrenal. Así como la figura real representada como un dios de nombre Horus (cuya figura se representaba por un hal- cón), algunos de los dioses de mayor importancia, y que además se representaron en gran parte de sus obras, especialmente esculturas, son los siguientes: •Amón-Ra: Este era uno de los dioses más importantes, relacionados con el sol. Para la cotidianidad de Egipto, para todas las personas era de gran importancia. Especialmente por lo que representaba: tanto la vida como el renacer. •Anubis: Es una de las máximas representaciones del Antiguo Egipto, mucho se representó especialmente en figuras escultóricas, las cuales se encontraron en muchas timbas reales. Su apariencia es la de un cha- cal en la que se forma revestido como el protector de los muertos cuya función es pasar el corazón de los muertos, para luego en su tránsito elucidar si merece o no una vida eterna. •Hathor: esta estaba representada a partir de formas de vaca o parte de ellas o con un círculo sobre su cabeza, siendo la diosa de la fertilidad. •Kepri: el simbolismo de este dios representaba tanto el renacer como la transformación como el dios solar. Fue el animal sagrado de Egipto el escarabajo, por ello este dios se representa en esta forma. •Khum: este era el encargado de trasladar las almas a los infiernos, por ello es el dios de los muertos. La rigidez y frontalidad como carac- terística en sus pinturas y esculturas Una de las características de gran importancia a nivel estético y artístico especialmente en sus esculturas y pinturas son las formas rígidas en las que estas se mostraron. Todas carecen de movimiento, suelen, de hecho, encontrarse erguidas las figuras especialmente en las esculturas. Todo esto con sentidos rituales especialmente, consi- derando la finalidad de muchas de estas piezas escul- tóricas. Sin embargo, el movimiento suele notarte un poco más tanto en pintura como en bajorrelieve, donde se notan un despliegue tanto en los brazos como en las piernas, aunque por otro lado muestran otras caracte- rísticas que generan la rigidez que denotan la ley de frontalidad. El color y su simbolismo en sus pinturas El color para los egipcios era de gran importancia, aunque por razones un tanto lógicas la gama de tonalidades era reducida a negro, blanco, amarillo, rojo, verde y azul. Sin dejar de considerar que la gama de tonalidades era extraídas de la naturaleza. No eran mezclados los colores, sino que se contras- taban separándose por líneas negras considerable- mente gruesas. Como para ellos el simbolismo era fundamental, el color era uno de ellos. Por un lado, el rojo simbolizaba el Alto Egipto, mientras que el blanco representaba al Bajo Egipto. Asimismo, funcionaba para diferenciar los sexos al hacer uso del color sobre la piel, especialmente si se trataba de la nobleza. Para la mujer se empleaba un tono blanquecido, mientras que para los hombres se le agregaba un tono cobrizo.

28. Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C. El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia del arte que trata de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates. Figurilla femenina procedente de Samarra, c. 6000 a. C. Mesopotamia significa (país) entre ríos. L a antigua Mesopotamia localizada en la actual Iraq tenía una tierra muy fértil a causa de los ríos Tigris y el Éufrates, que desembocan en el Golfo Pérsico; es un terreno envuelto de desierto. Estas tierras fueron ocupadas hace más de 5.000 años a.C. por los sumarios, quienes construyeron las primeras ciudades como Ur y Lagash sobre colinas y las fortificaron para defenderlas de otros pueblos que buscaban un lugar mejor donde vivir. Cada ciudad se gobernaba a sí misma, eran esta- dos independientes. Las civilizaciones fluviales, como es el caso de Mesopotamia, son las ciudades que se formaron con grandes ríos, como el Tigris o el Éufrates, en el caso de Egipto, el Nilo, el rio Indus con India, y los ríos Amarillo y Azul con China. Para los griegos, entre el Tagos (Tajo) y el Anas (el Guadiana) había una Mesopotamia habitada principalmente por celtas. Finalmente, añadir como introducción que los primeros residentes de la región de Mesopotamia fueron las culturas neolítica y calcolítica, hacia el año 7000 a.C. con la eclosión de las primeras poblaciones agrícolas hasta llegar a las ciudades sumerias en el 3700 a.C. Más tarde, se cree que los sumerios se desplaza- ron hacia el noroeste del país entre los dos ríos hacia el año 4000 a. C, y que substituyeron o se mezclaron con las poblaciones locales. El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia del arte que trata de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates. Desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída de Babilonia ante los persas en el año 539 a. C. Entre ambas fechas se desarrollaron las civilizaciones sumeria, acadia, babilonia (o caldea), casi- ta, hurrita (Mittani) y asiria (arte asirio). Tras milenios entre el predominio de la Baja Me- sopotamia y la Alta Mesopotamia, la región, al formarse el imperio persa, se incorporó a una di- mensión espacial de orden muy superior, que el imperio de Alejandro Magno y el helenismo co- nectaron con la época romana (arte persa, arte helenístico). Incluso en la época anterior a los persas, el arte mesopotámico tuvo varias vías de contacto, a tra- vés de la guerra, la diplomacia y el comercio a larga distancia, con el de las demás civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización hitita y otras del Asia Menor; arte fenicio, del antiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante mediterráneo; y el arte egipcio), e incluso con el arte de la India y del Asia central. La pintura Debido a las características del país, existen muy pocas muestras de ello. No obstante, se puede apreciar que tienen la misma temática y técnica que utilizan en los relieves, sin perspectiva.

29. Al igual que los mosaicos (más perdurables) tienen un fin decorativo. En la pintura y los grabados, la jerarquía se mos- traba de acuerdo con el tamaño de las personas representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a comparación con el resto. PINTURA SUMERIA “El Estandarte de Ur” (s. XXVI a. Cto., Museo Bri- tánico, Londres, RU). También realizan un tipo de pintura mediante la in- crustación de figuras de nácar y concha sobre fondo de lapislázuli, como es el caso del “Estandarte de Ur”, que representa una procesión de ofrendas al rey. Es de época Sumeria, hacia el 2800 a. Cto. Los personajes que aparecen tienen la representación física típica de los sumerios, falda de hojas y sin barba. Aparece dividido en franjas, al igual que en el arte egipcio, y este estilo pasará también a Per- sia. El rey aparece en mayor tamaño, lo que indica jerarquización en la pintura. Hallado en el interior de una tumba de Ur, cuando lo hallaron era tal su deterioro que podría identifi- carse con cualquier cosa o con nada. Una vez restaurado, Woolley, su descubridor, pensó que se trataba de una enseña erguida en lo alto de un mástil y de ahí el nombre de “estandarte”. Hoy se aventura que quizá fuera la caja de resonancia de un arpa, pero su función original sólo es una conjetura. Lo cierto es que el marco original de madera estaba descompuesto y el betún, que hacía de adhesivo de las teselas que forman las bellísimas escenas de la decoración de sus cuatro paneles, se había desintegrado. Excavando centímetro a centímetro, Woolley lo extrajo derramando sobre las teselas sueltas parafina caliente y aplicando lienzos para darles consistencia. Los bloques así consolidados fueron levantados y colocados frente a un espejo, pudién- dose comprobar que el desarrollo de los motivos ornamentales era correlativo y que los paneles admitían la recomposición, afortunadamente sin perder su coherencia. De este modo fue posible reconstruir exactamente el delicado mosaico, en sus dos caras principales llamadas “de la paz” y “de la guerra”, así como las laterales. En la escena “de la paz” se representan animales, pescados y otros bienes traídos en procesión ante el rey que celebra un banquete. Las figuras sentadas, vistiendo las repetitivas faldas de vellón de oveja o flecos gruesos, beben con el acompañamiento de un músico que toca un arpa. Escenas de banquete como esta son comunes sobre los sellos cilíndricos de este periodo, como ocurre con el sello de la reina Pu-Abi. El panel “de la guerra” muestra una de las representaciones más tempranas de un ejército sumerio. Los carros, cada uno tirado por cuatro onagros, pisotean a sus enemigos; los soldados de infantería, con capas, llevan lanzas y hachas. Todo delante de un rey que, a su vez, sostiene una lanza.

30. El exquisito objeto apareció en la esquina de una de las cámaras de la tumba, sobre el hombro de un hombre. PINTURA PALEO-BABILÓNICA “Pintura de la investidura de Zimrilín” (Museo de Louvre, París), investido por el dios de la ciudad de Mari. Aparecen dioses de los vasos manantes, figuras vegetales y animales, y tiene muchas cosas en común con la pintura cretense. Se distribuye en franjas sin tercera dimensión, se delimita las figuras con franja oscura (linealidad) y hay un dominio de los colores negro y blanco. “Ofrendas a las divinidades”, en el Palacio de Mari. Las figuras aparecen de perfil con el ojo frontal. PINTURA ASIRIA Decora gran cantidad de muros de los palacios, también reviste los relieves. También las familias aristocráticas utilizan pinturas en sus mansiones. Destaca el Palacio de Til-Barsip, donde hay gran profusión de pinturas.

31. PINTURA NEO-BABILÓNICA “Panel del Salón del Trono de Babilonia”, en el que se muestra gran variedad de colorido: azul, amarillo y blanco. Se representa a base de cene- fas que rodean las escenas con animales híbri- dos. También se decoran las columnas con motivos vegetales. Pintura esmaltada de la “Puerta de Ishtar” en Ba- bilonia hoy en el Staatliche Museen de Berlín, en el que dominan el azul, amarillo, blanco y ocre. El tipo de animales que representan influirán en la cultura persa. De la Puerta de Ishtar sólo se conserva la parte baja. Lado vitrificado. Los colores son muy llama- tivos y en relieve. Tenía una doble puerta, la parte exterior más baja y la interior más alta. Disponía de un solo arco de medio punto y remataba en almenas. Esta puerta no era maciza, pues tenía dependencias en el interior. En la parte baja hay una cenefa con rosetas con lados amarillos, blancos y azul más claro. Esta cenefa hace de zócalo. Una cenefa similar también aparece arriba y alrededor del vano. El resto es de fondo azul oscuro con decoración de toros y drago- nes amarillos, relacionados con Marduk. Mapa de la Mesopotamia antigua

32. Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.) El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia Arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica o cretense, una civilización prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta entre el III milenio a. C. y el II milenio a. C. Fresco de la taurocatapsia. Palacio de Cnosos. E l arte minoico o cretense es un movimiento artístico que se desarrolló en la isla de Creta durante la Edad del Bronce (3000-1100 a. C), esto es, aproximadamente en la primera mitad del II milenio a.C. Se denomina minoica en referencia al rey Minos de Creta, personaje de la mitología griega, siendo una de las culturas más suntuosas, refinadas y sorprendentes de toda la prehistoria europea. Así, la civilización cretense fue una de las más flo- recientes debido a su gran actividad marítima y comercial. Su privilegiada ubicación en el Mediterráneo, cla- ve en los circuitos comerciales, y el rico sustrato cultural acumulado, considerable desde el Neolí- tico y efecto de la constante llegada de población desde Asia Menor. Características del arte minoico El arte minoico o cretense dejó una honda huella en la tradición helénica, siendo una de las bases del arte y la cultura occidental. Las investigacio- nes desarrolladas por el arqueólogo H. Schlie- mann, descubridor de Troya y Micenas, y por el historiador y arqueólogo A. Evans, descubridor del Palacio de Cnosos, evidenciaron la gran riqueza artística y el desarrollo al que había llegado esta civilización. Así, nos encontramos ante un arte cu- yas principales características son: Es una pintura polícroma con predominio de los colores ocres. La técnica más empleada es la del fresco. Abundan las espirales y los círculos, además de los motivos marinos como pulpos y delfines. Existe un canon muy definido: cuerpos largos con cinturas estrechas, narices alargadas y delgadas, caras sonrientes y de perfil. Las mujeres suelen representarse con el pecho descubierto y largas faldas. Los cabellos son rizados y presentan pei- nados complejos. La pintura mural minoica se ha documentado en Creta y en las islas Cícladas, continuándose en Micenas. Se inició en el Neolítico, con yeso pintado con pigmentos rojos y negros, y se comenzó a desarrollar una técnica de fresco diferente de la que se empleaba en Egipto o el Oriente Próximo. En el periodo palacial se perfeccionó la técnica y se añadieron pigmentos azul, gris, amarillo y blanco; inicialmente sólo con decoración geométrica sobre fondos claros, tanto en paredes como en suelos. Fue en Cnosos donde se inició la decoración figurativa, primero con temas florales, y se hizo más compleja la paleta, añadiendo pigmentos naranja y verde, y oscureciendo los fondos. Los colores son planos y vivos, de gama reducida, consegui- dos mediante pigmentos minerales. Los conjuntos más importantes proceden del palacio de Cnosos y de las casas de Akrotiri, en Thera. La mayoría de los conservados son del final del periodo neopalacial, entre 1600 a. C. y 1480 a. C.

33. La pintura figurativa se desarrolló a partir de pre- cedentes egipcios, sin embargo, desarrolló formas originales. Incluso se especula con la posibilidad de una influencia en sentido opuesto (los llamados “frescos minoicos de Tell el-Daba -Avaris-). Se considera que la función de la pintura minoica sería fundamentalmente religiosa. En cuanto a la temática destacan las escenas de la vida religiosa o cortesana, así como los paisajes. Las figuras humanas representan a personas jó- venes, con hombres atléticos con la piel rojiza o anaranjada solo vestidos con taparrabos o falde- llines cortos y mujeres pálidas vistiendo el traje tí- pico de falda larga de volantes y corpiño que deja al aire los pechos. En los paisajes se representan plantas cretenses o, en ocasiones, egipcias. Los animales son representados en movimiento, con el llamado “ga- lope minoico”. Las pinturas más conocidas han recibido denominaciones específicas: el fresco de los lirios (tam- bién llamado de las azucenas), de una villa de Am- niso, el fresco de la taurocatapsia; los portadores de ofrendas y las decoraciones del Megaron de la reina (a base de delfines) o del Salón del trono de Cnosos, (con grifos). Entre las figuras aisladas sobresalen La Parisien- ne, el príncipe de los lirios, el recolector de azafrán (el más antiguo descubierto, restaurado errónea- mente con rasgos humanos, pero que original- mente representaría un mono azul -en Akrotiri hay unos recolectores de azafrán-), o el pájaro azul. Una de las últimas obras de la pintura cretense se- ría el sarcófago de Hagia Triada, en el que varios personajes realizan actos de culto, como sacrifi- cios cruentos e incruentos, al son de instrumentos musicales. La danzarina Recibe su nombre por la representación de su pelo en movimiento, pero también se ha sugerido la posibilidad de que se trate de la epifanía de una diosa que desciende del cielo Fresco del saltador de toros, del palacio de Cnosos.

34. Fresco de los delfines Se ha señalado la posibilidad de que, en lugar del muro, estuviera ubicada en el pavimento Príncipe de los lirios Se ha sugerido que tal vez arrastraba un animal. Con respecto a la reconstrucción que figura en el museo de Hera- clión, hay controversia debido a que algunos creen que se han unido fragmentos que en realidad pertenecían a diferentes personajes y que uno de ellos podría ser un atleta o un boxeador mientras que la corona podría haber per- tenecido a una esfinge. Otros arqueólogos, sin embargo, apoyan la reconstrucción propuesta por Evans y Gilliéron Las cabinas de capitán Se trata de varias composiciones de un tipo de objeto formado por tres barras verticales abundantemente decoradas, que se interpretan como cabinas de capitán de barco debido a que en el «fresco de la procesión náutica» se hallan construcciones similares a estas dentro de cada barco ocupadas por una figura masculina

35. Los dibujos de los vestidos son diferentes en cada bailarina. Pese al nombre de arboleda sa- grada, se ha sugerido que los ár- boles de este fresco podrían no tener un carácter especial.Debía decorar una habitación junto con el anterior, de manera que ambos se conocen como «fresco de las figuras en miniatura». La cultura Minoica en la antigüedad se desarrollo en la Isla de Creta en la región Insular de Grecia la cual posee un gran litoral marítimo que le proporciona ventajas para la navegación. Esta situación tan privilegiada le propicio servir de vínculo entre la región del oriente y la del occidente; lo cual tuvo especial connotación en lo relativo a las actividades comerciales. Hacia el año 2800 A. C, se formaron las primeras aldeas, pero no fue hasta el año 2000 A. C que se formaron y desarrollaron las primeras ciudades. En las ciudades cretenses se encontraban palacios bellamente decorados con fastuosa opulencia. Es importante señalar que estas ciudades no estaban amuralladas. Los cretenses eran amantes de la naturaleza, inclinados hacia la vida pacifica y campestre.

36. Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.) El arte micénico fue el desarrollado durante el periodo helénico al final de la llamada Edad de Bronce, específicamente entre los años 1600 y 1200 antes de Cristo. Máscara micénica realizada en una lámina dorada, llamada «máscara de Agamenón», Museo Arqueológico Nacional de Atenas. L a civilización micénica floreció a finales de la Edad del Bronce del siglo XV al XIII a. C., y sus artistas continuarían las tradiciones que les transmitieron desde la Creta minoica . La cerámica, los frescos y la orfebrería representan hábilmente escenas de la naturaleza, la reli- gión, la caza y la guerra. Al desarrollar nuevas formas y estilos, el arte mi- cénico demostraría ser más ambicioso en escala y variedad de materiales que el arte cretense y, con su progresión hacia imágenes cada vez más abstractas, continuaría influyendo en el arte griego posterior en los períodos arcaico y clásico. La civilización micénica se basó en la Grecia continental, pero las ideas y los materiales llegaron a través de contactos comerciales con otras culturas del Mediterráneo. Los materiales importados incluían oro, marfil (principalmente del elefante sirio), cobre y vidrio, mientras que en la otra dirección los productos mi- cénicos, como la cerámica, llegaban a lugares tan lejanos como Egipto , Mesopotamia , el Levante , Anatolia , Sicilia y Chipre . En el arte expresado en frescos, cerámica y jo- yería, la cultura minoica anterior en Creta influyó mucho en el arte micénico. El amor minoico por las formas naturales y el di- seño fluido fue adoptado especialmente por los artesanos micénicos, pero con una tendencia a una representación más esquemática y menos realista. Este nuevo estilo se convertiría en el dominante en todo el Mediterráneo. Los diseños geométricos también eran populares, al igual que los motivos decorativos como espirales y rosetas. Las formas de la cerámica son muy parecidas a las minoicas con las notables adicio- nes de la copa y el alabastron (jarra en cuclillas) con una clara preferencia por las jarras grandes. Las figurillas de terracota de animales y especialmente las figuras femeninas de pie eran populares, al igual que las pequeñas esculturas en marfil, las vasijas de piedra tallada y las intrincadas joyas de oro. Los frescos representaban plantas, grifos, leo- nes, saltos de toros, batallas escenas, guerreros, carros, escudos en forma de ocho y cacerías de jabalíes, una actividad micénica particularmente popular. Pintura micénica La pintura mural es la técnica que conserva mejor el gusto del arte monumental. Los muros de los palacios micénicos estaban recubiertos de frescos en la más pura tradición minoica. Los palacios de Tirinto, Micenas y Pilos han conservado restos de decoración mural que pertene- cen generalmente a la última fase del palacio (siglo XIII a.C.), pero algunos fragmentos se fechan en épocas anteriores.

37. Su repertorio excluye las decoraciones ornamentales inspiradas en elementos vegetales o animales típicos de la pintura minoica. Las técnicas utilizadas solían ser variadas. Las técnicas pictóricas y métodos artisticos que se utilizaban por la cultura micénica viene de los cretenses o minoicos. Los colores solían ser extraídos de minerales que se encontraban localmente y por ese motivo se pueden observar que las tonalidades utilizadas eran el azul, el rojo, el negro y el amarillo. Una de las técnicas más usadas en la pintura era utilizar dichos colores, cuando todavía estaban húmedos, y aplicarlos directamente sobre las paredes con precisión. Los temas principales de la pintura micénica eran principalmente representaciones de escenas cotidianas de las personas, de imágenes bélicas y de cacerías, que hacían alusión a la naturaleza. Guerreros del Palacio de Pilos

38. Escena de carro del Palacio de Pilos El arte decorativo ofrece, en la civilización micé- nica, fuertes elementos de originalidad junto a claros influjos minoicos que hay que supeditar al entronque que tal cultura prehelénica estableció con la que de antiguo florecía en Creta, cuando se puso en contacto con aquella isla, alrededor del año 1450. Mujer ataviada con collar - Micenas Fresco con damas sobre un carro Siglo XIII a.C. Pintura al fresco. Procede del último palacio de Tirinto.

39. Máscara de Agamenón Museo Arqueológico Nacional, Atenas. Homero hablaba de la “ventosa Troya” y Troya era, en verdad, lugar muy venteado. Si llamaba, pues, a Micenas “áurea”, es que en Micenas había oro. En 1876 empezó a buscarlo Schlie- mann. En una profunda zanja, los ojos de Sofía descubrieron algo que brillaba: un anillo de oro. Despidieron a los trabajadores y fueron Schliemann, su mujer y Stamakatis, ar- queólogo delegado del gobierno griego, quienes excavaron las cinco tumbas. Hallaron un verdadero tesoro, no sólo por la materia de los objetos, sino por la magnificencia de su arte: diademas, copas, puñales, alfileres, petos y másca- ras de oro. Cuando Schliemann alzó la máscara, apareció un rostro intacto que inmediatamente identificó como el del “Rey de Hombres” homérico. Lleno de emoción, Schliemann se inclinó y le dio un beso. Debió de ser un instante verda- deramente cenital. La civilización micénica forma parte de la civilización egea o, en plural, civilizaciones egeas, que son denominaciones historiográficas para la designación de un grupo de civilizaciones prehelénicas (es decir, anteriores a la civilización griega) que se desarrollaron en la protohistoria en el espacio en torno al mar Egeo. Además de la micénica, están las civilizaciones cicládica (en torno a las islas Cícladas), y la minoica (isla de Creta). También se ha especulado con una cuarta civilización, la luvita.

40. Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.) El arte de La Antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el “mundo ideal” del modelo platónico, o mediante la “imitación de la naturaleza” en el sentido de la mímesis aristotélica. Diadúmeno, de Policleto (3.er cuarto del siglo V a. C.). P intura griega clásica se llama a la pintura del periodo clásico en la Antigua Grecia (Héla- de) que comprende la época entre las Gue- rras Médicas y hasta el reinado de Alejandro Mag- no, desde el siglo V hasta mediados del siglo IV a.C. Es conocida como la etapa de elegancia que sigue a la pintura arcaica y precede a la pintura helenística. Como se menciona en el resumen de la pintura griega, apenas se han conservado obras pictóri- cas de este y otros periodos del arte griego. Su estudio se basa en los pocos vestigios que se han encontrado —por ejemplo, fragmentos de tablillas—, en los textos de los historiadores clásicos y las copias romanas posteriores. Al igual que durante el periodo arcaico, la mayor muestra pinturas griegas clásicas son los vasos de cerámica pintados. Pero al ser una pintura de tipo decorativa, dependiente del soporte y muy condicionada por su forma y dimensiones; sacar conclusiones generales a partir del estudio de estas piezas ofrece una visión sesgada e incompleta de la pintura de este periodo. Además, se considera que, durante la pintura griega clásica, puestos a analizar la disciplina a través de obras no originales, existe una correlación más precisa entre las obras pictóricas y las copias romanas (mosaicos y frescos) que entre estas y la cerámica pintados. Características de la pintura griega clásica La pintura griega clásica, como en el periodo arcaico, se sigue usando para la decoración de piezas de cerámica, en ornamentos escultóricos de la arquitectura griega (en templos, tumbas, palacios, etc.), en la policromía de estatuas y relieves, en estelas funerarias y tablillas independientes. Los cuadros pequeños son las pinturas de moda en este periodo. Se sabe por la literatura clásica que las exhibiciones y concursos eran habituales en ciudades como Atenas o Delfos. Su polaridad contrasta con la pérdida de interés por las grandes pinturas murales. De las características de la pintura arcaica se mantienen el predominio del dibujo y la importancia de la línea, la economía en los detalles y la aplicación de colores planos. Sin embargo, durante la pintura clásica griega, el dibujo de las figuras se refina, se exploran nuevas vistas en la representación del cuerpo humano y sus partes, y aunque la anatomía se mantiene idealizada (por ejemplo: el perfil griego) su efecto es más realista. También se avanza en los efectos de tridimensio- nalidad de la pintura. Se ponen en práctica unas formulas básicas de perspectiva como la superpo- sición de figuras y su situación en distintos planos de la escena (arriba o abajo) según su distancia. Intermitentemente, también probarán los pintores griegos a crear un efecto de claroscuro primitivo enfatizando las líneas de algunos pliegues y con un sombreado a rayas para modelar objetos curvos. Tanto los conocimientos de perspectiva y anato- mía alcanzados durante este periodo no serán su- perados hasta el Renacimiento.

41. Se cree que el fondo de las populares tablillas era pintado de blanco con líneas base que separaban los grupos de figuras y que, ocasionalmente y al contrario que en la cerámica, los escenarios eran ambientados con los elementos sencillos de un paisaje (por ejemplo: árboles y rocas). Materiales y técnicas de la pintura griega clásica Aunque la mayoría de las muestras de pintura clásica están pintadas sobre piezas de cerámica, esto no quiere decir que fuese el soporte predi- lecto. Los medios y técnicas de la pintura griega fueron tan variados como sus usos. Para las pinturas al fresco o al temple de los muros, las esculturas de piedra pintadas con tempera y encáustica y las tablillas de madera y terracota, se supone que se empleaba una amplia paleta de colores: rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón basándose en las muestras de los excepcionales lecitos áticos blancos con figuras polícromas y los mosaicos romanos que copiaron pinturas de este periodo. En la decoración de los vasos de cerámica por lo general la paleta de colores se limitaba a aquellos pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno—amarillo, rojo, blanco y negro—y sus combinaciones. Características de este periodo son las vasijas de figuras rojas sobre fondo negro. Temas de la pintura griega clásica Junto a los temas mitológicos, batallas históricas y heroicas y las escenas de la vida cotidiana que ya se pintaban durante el periodo arcaico, la de- manda creciente de encargos privados introduce otros temas como: Tablas votivas para ser ofrecidas en los templos. Bodegones decorativos con cornucopias y guir- naldas de flores y frutos. Imágenes eróticas. La introducción al retrato y a la caricatura de cuerpo entero con características generales. Pintores de la Grecia clásica El nombre de los pintores griegos clásicos y los títulos o detalles de algunas de sus obras se conocen gracias a los registros de los historiadores clásicos: Polignoto de Tasos: A Polignoto se le atribuye el posicionamiento de las figuras a distintas alturas dentro de una escena. También fue apreciado por la expresividad de sus figuras y la calidad de sus dibujos. Apolodoro de Atenas: Apolodoro está considera- do el inventor del sistema primitivo de claroscuro (skiagrafía, σκιαγραφία) con una trama de líneas para modelan los objetos y figuras curvos. Zeuxis de Heraclea: Zeuxis fue apreciado por sus pinturas de escenas cotidianas sobre tablillas. Parrasio: Al igual que Zeuxis, Parrasio perteneció a la escuela naturalista jónica. Destacó por la elegancia y expresión dramática en el dibujo de sus figuras. Apollo usando guirnalda de laurel o mirto. Tondo en fondo blanco del periodo clásico griego, encontrado en ofrenda funeraria. Museo de Arqueología de Delphis. Tomisti/ CC BY- SA 3.0/ Wikimedia Commons

42. En los siguientes períodos, la historia de la Anti- gua Grecia se dividió así: Arcadio (776 – 499 A.C.), durante esta etapa, los jonios, acadios, dorios, eolios, aqueos, se establecieron en Grecia continental y las islas del mar Egeo, terminando por conquistar Asia Menor, sur de Italia, incluyendo Sicilia. Surgieron las polis como Atenas, Tebas, Esparta, Corintos, Argos, aunque independientes, unidas por costumbres comunes, formaron el territorio Hélade. Clásico (499 – 323 A.C.), se desarrollaron las llamadas guerras médicas contra el Imperio persa, que venció Grecia. A partir de aquí, Atenas inició una época esplen- dorosa bajo el gobierno de Pericles, hasta caer en dominio de Esparta. Helenístico (323 – 30 A.C.), Alejandro Magno de- rrota a los persas, conquistando los territorios del Mediterráneo y parte de Oriente. En el año 200 A.C., los romanos tomaron las co- lonias griegas, no obstante, Atenas siguió siendo una ciudad importante. Desde el 392 D.C., los griegos formaron parte del Imperio bizantino hasta la invasión del poderoso Imperio otomano en 1204. No es hasta 1830, bajo una etapa de lucha encar- nizada y con el apoyo de países europeos, que Grecia obtiene su independencia de manera con- dicional. Para 1832, con el reconocimiento pleno, se cons- tituye el nuevo reino de Grecia como Estado so- berano. Años después, continuaron acontecimientos como las batallas contra los turcos para recuperar territorios durante el siglo XIX, una dictadura fascista y la ocupación nazi en la primera mitad del siglo XX, decantaron en la actual República de Grecia desde 1950. ‘El rapto de Perséfone’ (s. IV a.C.), fresco encontrado en la tumba Vergina (Macedonia). Una de las pocas pinturas de la Antigua Grecia que se conocen. Dominio público. Fersu y su víctima. Tumba de Augurs finales del siglo VI. A.C Tarquinia. Italia.

43. Lécito de tiempos de Pericles, siglo V a.C. Museo Arqueológico de Atenas Los funerales de Patroclo. Vaso griego de figuras rojas Extracción de arcilla para cerámica. Tablilla de terracota , Corinto, s.VII-VI Altes Museum de Berlín, Alemania. Mapa de la Antigua Grecia.

44. Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.) El arte etrusco fue la forma de arte figurativo producido por la civilización etrusca que se desarrolló en la Italia central entre el siglo IX y el siglo II a. C. El arte que se conserva es de carácter funerario, relacionado tanto con la pintura (frescos) como con la escultura. Caballeros etruscos, lámina de plata incisa con relieves dorados. L os etruscos fueron una sociedad civilizada que vivió en Italia durante las edades del Bronce y del Hierro. Sus ciudades-estado estaban ubicadas en Etru- ria, una región en el centro de Italia que limitaba al sur con la actual Roma y finalmente se expandió hacia el norte hasta la actual Milán. Los etruscos eran contemporáneos de los griegos y tenían una fuerte relación comercial con ellos. El arte y la cultura etrusca finalmente fueron absorbi- dos por lo que se convertiría en la cultura italiana predominante, el surgimiento de Roma. Los artistas y artesanos de esta cultura son conocidos por su trabajo en oro, paneles de terracota pintada y escultura figurativa hecha de piedra y terracota. En la pintura etrusca se puede ver una clara influencia de Grecia y luego así mismo la pintura etrusca hará lo propio en la pintura romana. La técnica de la pintura etrusca se caracterizaba por pintar directamente sobre el yeso fresco para que la pintura se adhiriera al yeso y así pasara a formar parte del propio muro. Muchas pinturas sobrevivientes son las de los frescos de las paredes en los sitios de entierro. Técnicas posteriores incluyeron aquellas como el claroscuro, que le da mayor profundidad y valor. Los temas incluían escenas de la vida cotidiana, temas religiosos y mitológicos. Está muy relacionada con el mundo funerario, ya que han aparecido en el interior de las tumbas, decorándolas. Por un lado, aparecen escenas funerarias y, por otro, aparecen situaciones de la vida cotidiana para envolver al muerto de todo lo que había tenido. El auge de la pintura se dio en el s. VI, aunque en el s. IV, cuando empieza a decaer, aparece una preocupación por representar el volumen y la tercera dimensión. Los etruscos más ricos podían permitirse pintar frescos en las paredes de sus villas que eran más alegres que los de los lugares de enterramiento, por razones obvias. Representaban personas o parejas que bailaban sanamente o que celebra- ban, llenas de vitalidad y felicidad. Los etruscos dejaron más de 13.000 textos, y los eruditos todavía están trabajando para descifrar- los. Destacan los textos que fueron creados sobre finas láminas de oro y los que son inscripciones en monumentos. El alfabeto etrusco influyó en la creación del alfabeto latino, que es el precursor del nuestro. Aspectos destacados del arte etrusco: La palabra “persona” en inglés se deriva de una figura mitológica etrusca enmascarada, Phersu, que jugaba un juego de derramamiento de sangre con una víctima para apaciguar al difunto, y este “juego” fue lo que luego se convirtió en los juegos de gladiadores de los romanos.

45. Algunas urnas funerarias tenían forma de “chozas” que estaban destinadas a albergar a los muertos. Estas urnas dan a los estudiosos una idea de cómo habrían sido las viviendas etruscas reales de la Edad del Hierro. A medida que Etruria se hizo más rica, los lugares de entierro se volvieron elaborados con tumbas que eran casas casi enteras y estaban decoradas con gran opulencia. Muchas culturas han incluido objetos en las tumbas para ayudar a los muertos a continuar en el más allá, pero los etruscos lo hicieron a gran escala y, en un caso, incluyeron una cama y un ca- rruaje de bronce de tamaño completo. Los romanos estaban tan fuertemente influencia- dos por los etruscos y respetaban tanto su conocimiento que durante muchos cientos de años los romanos mantuvieron un sacerdocio etrusco que consultaban para pedir consejo sobre cómo lu- char contra los bárbaros. Los etruscos fueron los primeros planificadores urbanos en diseñar ciudades en un patrón de cua- drícula. En el estudio de la pintura etrusca se diferencias tres épocas cronológicas: El influjo oriental, entre el 700 y el 575 a. C., con dos subperíodos, uno entre el 700 y el 625 a. C., con influencias fenicias y chipriotas, y otro entre el 625 y el 575 a. C., con influencias griegas. Esta es la época del gran esplendor de la pintura etrusca. El tercer período se extiende hasta el siglo III a. C., ya de decadencia, hasta enlazar con la pintura romana. Se ha relacionado con las culturas del Mediterrá- neo oriental. Se cree que las técnicas que usaron los etruscos son las mismas que usaban los pintores heléni- cos, ya que el arte etrusco parece seguir la misma evolución. Los temas reflejan sus creen- cias religiosas, el pensamiento acerca de la muerte y la espe- ranza de la vida eterna y gozosa tras el fallecimiento. Las tumbas eran labradas en la roca o construidas con grandes bloques de piedra. Dentro se colocaba el sepulcro y las paredes se pintaban al fresco, técnica permite que las pinturas perduren a lo largo de los siglos, ya que al secarse el yeso sobre el que se aplica el pigmento, la pintura pasa a formar parte de la propia pared. Se representaban escenas que nada tenían que ver con la tristeza de la ausencia del ser querido, sino que presentan aspectos de lo que fue la vida del difunto, alegría y fiestas junto a su familia, juegos, cacerías, etc. Los etruscos copiaron profusamente el paisaje que tenían a su alrededor, tanto natural como social. Retrataban escenas mitológicas y funerarias. Necrópolis de Tarquinia

46. Pintura mural de Fersu corriendo o danzando en la Tumba de los Augures, finales del siglo VI a. C., Tarquinia. (Public Domain) El sarcófago de Seianti Hanunia Tlesnasa es un artefacto etrusco del siglo II a. C. descubierto en 1886 cerca de Chuisi. El sarcófago se conserva en el Museo Británico de Londres. Es una de las obras más importantes del arte funerario etrusco final. Pintura etrusca representando a un músico, en la llamada «Tumba del Triclinio», en Tarquinia.

47. Los etruscos se asentaron en el centro de Italia, aproximadamente en las actuales regiones de Toscana, Lacio y Umbria. Desde ahí se exten- dieron hacia el norte y costa sur del mar Tirreno, hasta la Campania. Llegaron a ocupar la isla de Córcega. Pintura mural etrusca, representando a un músico, en la llamada «Tumba del Triclinio», en Tarquinia, h. 480 a. C. Tumba de los Leopardos – hacia el año 500 a. C., en Tarquinia

48. Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.) El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos Busto romano de Antínoo. Expuesto en el Museo del Louvre en París. E l arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos. El arte romano así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un entramado político y social muy complejo. Para comprender mejor el contexto en el que se desarrolló el arte romano y estudiar sus características, viajemos al pasado y veamos cual es el origen del arte romano. En la pintura romana va a influir decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas. Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla te- nían mayor prestigio. La pintura mural se realizaba con la técnica del fresco, aunque también se discute que en algunas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas al temple y a la encaústica. La gama de colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio se les suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a veces también se utilizaron verdes, azules y violetas. Se aplicaban mezclados con agua y a veces con cola. La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya. Las pinturas de Pompeya son las mejor conservadas ya que en el año 79 d.C. una erupción del Vesubio cubrió toda la ciudad, permitiendo que se conservaran las pinturas (entre otras muchas cosas) como no se han conservado en ninguna otra ciudad. Todas las pinturas de Pompeya se encontraban en Domus.

49. Esta pintura procedente de Pompeya es una de las obras maestras del cuarto estilo. De clara influencia helénica, el héroe aparece representado completamente desnudo. Teseo fue el gran héroe de la región del Atica que consiguió entre muchas otras hazañas, y con la ayuda de Ariadna, vencer al monstruo de cabeza de hombre y cuerpo de toro. Este mismo tema lo encontramos en un fresco de la basílica de Her- culano. Estilos de Incrustación Este estilo de pintura romana se desarrolla desde mediados del s.II a.C. hasta principios del s.I a.C., todavía en época republicana. Es así llamado porque imita la decoración de már- moles que se aplicaban en época helenística. Es un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso. El muro suele estar dividido en tres: un zócalo pintado imitando granito, una zona media imitando mármol y un remate a modo de cornisa realizada en estuco. Estilo Arquitectónico Se desarrolla durante el s.I a.C, en la época de César. Es llamado estilo arquitectónico porque imita no sólo revestimientos sino también arquitecturas. También es llamado “Estilo de perspectiva arquitectónica” porque busca profundidad y perspectiva. Esto hace que las estancias pa- rezcan más grandes. Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que se puede ver edificios, y resulta más teatral, ade- más, aparece el paisaje. En definitiva, se trata de una pintura romana que tiende a la disolución del muro. Es un estilo ya de plena creación romana. Estilo Mixto u Ornamental Pintura romana en la Casa de la Fortuna de Car- tagena Sé dio entre el 27 a.C. hasta la mitad del s.I d. C, es decir, durante la época de Augusto y sus sucesores. Es un estilo mixto porque en cierta manera es una mezcla de los dos anteriores. Es un estilo menos real y más fantástico. Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros, apareciendo también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy estilizados, figuritas de animales, de humanos también pero más pequeñas y deli- cadas, y pequeñas escenas mitológicas. Los colores son muy intensos. Se dio más en Roma que en Pompeya y destacan las de la Domus Aérea de Nerón.

50. Uno de los murales del segundo estilo (s I a.C.) en el triclinio de la Villa de los Misterios (Pompeya) que posiblemente repre- sente la iniciación en los misterios dionisíacos. Fuente: Wikimedia Commons Pintura Mural Destacaba por los diferentes temas y temáticas que se usaban: Arricio: usaban la cal, arena y el agua durante el proceso de preparación de la superficie, y aprovechaban la humedad para la aplicación de los colores. Intonaco: aquí se usaba una mezcla más fina de polvo de mármol, cal y agua, para meter los pigmentos corres- pondientes despues. Fresco: la más conocida y la que perduró en la historia con mayor claridad, se aplica- ba una base de yeso, suce- dida por varias de cal hasta que se disponía de una última que se usaba como superficie para dibujar las imágenes. Estilos de la pintura romana Pintura en Mosaico Durante el proceso de conquista y expansión del Imperio Romano, el mosaico fue el tipo de pintura romana más popular , de hecho llegó a encontrarse en todas las obras algo de este estilo. Los mosaicos se hacían con pequeñas piezas de vidrio, incluso de cerámicas conocidas como “teselas”, las cuales se colocaban en las superficies a modo de puzzles. Se colocaban sobre una masa de cemento para producir diferentes matices de color y textura. Aunque al principio solo se usó en paredes y techos, por miedo a los daños, con el paso del tiempo, se empleó en los suelos, tras mejorar y perfeccionar la técnica. Opus Vermiculatum: eran piezas muy pequeñas, ya que se usaban en las curvas y en las zonas más estrechas y de difícil acceso. Opus Masivum: se usaban en las paredes de las estructuras. Opus signinum: su significado procede de Signia, una zona de Italia famosa por usar tejas y materiales de construcción. No solo se usó dentro del Imperio Romano, pero también evolucionó y progresó hasta otras zonas de Occidente, donde podía verse sobre todo en los suelos. Opus Sectile: eran las piezas más grandes y se podrían observar muchas variedades en los tamaños. Aunque también destacaba el uso de diferentes colores, figuras geométricas, de animales y humanas.

51. Mosaico romano figurativo en la villa romana de La Olmeda, Pedrosa de la Vega (Palencia, Castilla y León). Pintura al Temple Una de las más antiguas, procede desde Grecia y se basaba en el uso del agua y de alguna grasa animal, o del huevo, que era la opción preferida por el gran Miguel Ángel. Según los expertos de arte, la pintura al temple es fácil de encontrar dentro de la pintura de Roma. Pintura encáustica Una de las características de este tipo de pintura es la cera que usaban, y es que daban un aspecto cremoso y denso en la pintura y en los colores. Tras acabar la obra, se pasaba una tela de lino para limpiar las impurezas, lo que a su vez ayudaba a que se conservase mejor. Ejemplo de encáustica proveniente de Solunto, Sicilia (siglo I a. C., Museo ar- cheologico regionale di Palermo). Frontal de altar pintado al temple sobre tabla, autor anónimo, siglo XII, procede de la Seo de Urgel, actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

52. Villa de los misterios. Pompeya Pinturas de la casa de la concha de venus Iconográficamente, la escena principal se reserva a Venus y su nacimiento, flotando sobre las aguas sobre su concha. Saturno castra a su padre Urano y lanza sus testículos al mar. Al contacto con el agua surge de las olas Venus que, en su concha, es empujada por Céfiro hacia Citirea y Chi- pre, en donde será recibida por las Estaciones que las con- ducen hacia el Olimpo. La civilización romana se origi- nó en la región del Lacio, en el centro de la península itálica. A lo largo de doce siglos se expan- dió por la cuenca del mar Medi- terráneo, el centro de Europa, Asia menor y parte de las Islas Británicas.

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