Atypeek Mag N°1

1. NOUVEAU L’actualité culturelle : le condensé trimestriel des meilleurs médias compilés Une sélection des meilleurs reportages et interviews Découvrez nos chroniques d’albums, clips, livres, DVD, accessoires design et mode… La scène indépendante en images #01 www.atypeek.fr Oct. Nov. Dec. 2016 ATYPEEK MAG TRIMESTRIEL COLLABORATIF D’ACTUALITÉS GÉNÉRALES PRIX LIBRE KIBLIND AAARG ! SURL SIÈCLE DIGITAL silence and sound CITIZEN JAZZ FREAKSOUND STAR WAX LA SPIRALE UNION indiepoprock W-FENEC froggydelight — MUSIQUE Test Dept. Mismerizer Laurent Pernice Egopusher Schlaasss Dookoom Peaches Noyades — CINéma f. henenlotter A Touch Of Zen — MODE FILLE DE JOIE — STREET CULTURE LAISSEZ LES MURS PROPRES Monsieur GUM — BD FRED DRUART MIKA PUSSE

2. Atypeek Magazine est une publication transversale et hétéro- clite, quelque part entre l’informa- tion et la création, entre le coup de gueule et le journalisme, parfois les deux ou des fois à côté. Son iden- ©DR-Peaches ÉDITORIA Peaches Devenue icône branchée, elle sort deux albums supplémentaires Fatherfucker en 2003 et Impeach My Bush en juillet 2006. En 2012, elle écrit, réalise, et joue dans le film Peaches Does Herself, un opéra électro-rock qui s’inspire de l’histoire de sa vie. Une belle leçon de vie ! Vous retrouverez dans ce magazine ces 2 dernières productions chroniquées.

3. tité est sa pluralité, ses auteurs ou collaborateurs provenant d’horizons très différents animent le magazine et lui donnent âme avec leur regard, leur curiosité et leur créativité. De nombreux médias participent à sa diversité et à son langage singulier. Espace de libre expression authen- tique axée à la base sur nos différents projets qui de fait lui attribue un flou artistique et éditorial mouvant et évolutif. Bon voyage ! Christophe Féray Atypeek Mag L #01 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 3 OURS Rédaction : Atypeek - 21 Rue Prof Weill 69006 Lyon Rédacteur : Christophe Féray (cf@atypeekmusic.com) Graphisme : Atypeek Design Distribution : Digital Publishing Platform for Magazines N° ISBN : 9782955693612 Commission Paritaire : En cours Contributeurs : Léa Vince - Juan Marcos Aubert Jonathan Allirand - Roland Torres Maxime Lachaud - Hazam - Fisto (Olivier Cheravola) - Oli - Roxxi Wallace John Maldoror - CF - Sagittarius - Aisyk P.L. - Philippe Méziat - Willou Le Noise (Jérôme Gillet) - Ted Hervé - Alexandre Lézy - Leoluce Mickaël Mottet - François Becquart Cactus - Jean-Philippe Haas Jérôme Orsoni - Julien Soullière Fred - Antoine Garry - Pierrick Starsky Valentin Blanchot - Arnaud Verchère Philippe Deschemin - Laurent Coureau, Soizic Sanson - Flore Cherry Mika Pusse - Jérôme Tranchant Françoise Millet - Alain R. - Jihane Mriouah Zoom : Steve Albini - Fred Druart Frank Henenlotter - Gareth Branwyn Stephen Witt - Virginie Despentes Publicité : cf@atypeekmusic.com Atypeek Mag est une publication d’Atypeek™.

4. ATYPEE VINYLES INSOLITES : COLORS, SHAPES PICTURES-DISCS Article de Star Wax Juan Marcos Aubert, Journaliste 8-11 Mais Qui ES-TU MISMERIZER ? Interview Roxxi Wallace, Journaliste 20-24 Egopusher : Minimalisme XXL Interview Jonathan Allirand, Journaliste 26-27 SOMmAIR www.atypeek.fr TEST DEPT. Art prolétaire Interview Maxime Lachaud, Journaliste 12-19 ©BigStock ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 La révolution numérique Article Freaksound Propos de Steve Albini Philippe Deschemin, Journaliste 96-99 GARETH BRANWYN « BORG LIKE ME » Interview La Spirale, propos de Laurent Coureau et de Soizic Sanson 102-110 4 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 CHRONIQUES ALBUMS Singles Chroniques 30-55 Dans la cuisine DE FRED DRUART Interview AAARG ! Pierrick Starsky, Journaliste 82-87 Facebook, du réseau social au média Article Siècle Digital Arnaud Verchère, Journaliste 90-95

5. EK MAG #01E Magazine trimestriel collaboratif réalisé à l’initiative d’Atypeek Music OCT/NOV/DéC 2016 NOUVEAU L’actualité culturelle : le condensé trimestriel des meilleurs médias compilés SCHLAASSS Transformation BD de Mika Pusse www.schlaasss.fr 116-119 COMmE UNE COUILLE DANS LE POTAGE Chronique Union Flore Cherry, Journaliste 114-115 DANS LES SALLES Rubrique Cinéma et DVD Jérôme Tranchant, Journaliste 122-125 La mémoire vivante du cinéma d’exploitation : Frank Henenlotter Interview Maxime Lachaud, Journaliste 126-137 LE LIVRE DU MOIS STEPHEN WITT : à l’assaut de l’entreprise du disque 138-141 VIDéoclipS Chronique Léa Vince, Journaliste 58-61 instantanés des copains/ Copines GALERIE 56-57 PANTONE Article Kiblind Magazine 64-65 50 NUANCES DE GRIS Mode Le Village des Créateurs 66-67 FILLE DE JOIE Article Le Village des Créateurs 68-69 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 5 VERNON SUBUTEX CHRONIQUE VIRGINIE DESPENTES Par Françoise Millet. Avec l’aimable autorisation de Prendre son temps pst 142-143 La scène indépendante en images Galerie Photos Hazam, Journaliste / Photographe 144-149 LAISSEZ LES Murs propres Article Quincaillerie Moderne 72-75 L’AVENTUREUX MONSIEUR GUM™ LA GALERIE 76-81

6. Musiques en sous-Sol 6 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

7. Jonathan Allirand - Journaliste ©DR Oct/Nov/Déc 2016 VINYLES INSOLITES : COLORS, SHAPES PICTURES-DISCS Article I Star Wax Juan Marcos Aubert, Journaliste TEST DEPT. Art prolétaire Interview Maxime Lachaud, Journaliste Mais Qui ES-TU MISMERIZER ? Interview Roxxi Wallace, Journaliste Egopusher : Minimalisme XXL Interview Jonathan Allirand, Journaliste CHRONIQUES ALBUMS Singles instantanés des copains/Copines VIDéoclipS Chronique Léa Vince, Journaliste L E C A H I E R D E S C U R I O S I T É S ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 7

8. C M J CM MJ CJ CMJ N 8 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 VINYLES INSOLITES : COLORS, SHAPES PICTURES-DISCS

9. ©DR/StarWax PARTENARIAT : www.starwaxmag.com / Star Wax N°39 Extrait de Star Wax n°39 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 9 POUR LA PLUPART D’ENTRE NOUS UN VINYLE EST DE FORME RONDE, DE PETITE TAILLE (17,5 cm) OU EN GRAND FORMAT (30 cm) ET DE COULEUR NOIRE. OUTRE QU’IL EXISTE UN FORMAT INTERMÉDIAIRE, IL EST AUSSI POSSIBLE DE FAIRE DES DISQUES DE COULEUR, D’AUTRES AVEC DES IMAGES SUR TOUTE LA SURFACE DU VINYLE ET MÊME DES SUPPORTS À LA FORME UNIQUE, SORTIS TOUT DROIT DE L’IMAGINAIRE DE CRÉATIFS. NATHALIE RABIER FAIT PARTIE DES FANS DE VINYLES INSOLITES DES ANNÉES 70-80. ELLE LE FAIT SAVOIR VIA SON BLOG LES COPAINS D’ABORD. SUITE À NOS ÉCHANGES, NOUS AVONS DÉCIDÉ D’AP- PROFONDIR LE SUJET ET DE VOUS FAIRE PARTAGER CETTE PASSION COMMUNE. AvANt-propos Pas besoin d’être Dj pour être fasciné par les vinyles translucides colorés. Nathalie Rabier fait partie de ces individus « éblouis » par ces disques qui interpellent de par leur esthétique. Elle raconte sur son blog qu’elle n’avait pas eu de vinyles à la grande époque mais elle a débuté sa passion en trouvant le premier en 2008, complètement par hasard, dans un vide-grenier. « C’était un 45 tours de Gérard Lenorman, « Vive Les Vacances », en photo ci-dessus. Je n’aime pas Lenorman mais je trouvais ce disque bleu tellement joli que je l’ai acheté ! ». Puis l’idée d’écrire un sujet lui est venue suite à la découverte d’une page, dans un numéro de Télé Junior de 1979, intitulée « Les Disques En Cou- leur. Comment Sont-Ils Fabriqués ? ». C’était dans la rubrique de Claude Pierrard qui s’appelait « Réponse À Tout ». Un papier riche en informations où il était expliqué notamment la différence de qualité sonore entre un disque noir et un disque couleur. Pour connaître l’histoire de la naissance des premiers vinyles, nous vous invitons à télécharger sur starwaxmag.com le n° 29 (hiver 2013-2014) et de lire le papier « Les 70 Ans Du Vinyle ». Ou encore l’article « Du Gramophone Au 33 Tours » dans le Star Wax n° 9 (hiver 2008-2009). Maintenant attardons-nous sur ces fameux disques de couleur. Vinyle de couleur Au départ, la matière utilisée pour la fabrication des disques, le polychlorure de vinyle ou PVC (produit plastique dérivé du pé- trole), est incolore et il faut lui ajouter beaucoup de colorant pour obtenir une pâte noire. Malgré un traitement complémentaire donc un coût supplémentaire, nous ne saurons pas pourquoi les disques noir coûtent moins cher à fabriquer que ceux translucides, avec du PVC brut. Et pourquoi les premiers vinyles colorés sont apparus au début des années 70, plus de trente ans après les premiers disques à base de vinylite. Pour les disques rouges, bleus, vert, il faut moins de colorants. Ce qui est surprenant c’est qu’en théorie la qualité sonore des vinyles de couleur est meil- leure que ceux édités en noir. Mais le noir est resté majoritaire pour la production, il permet de mieux repérer les plages musi- cales à la surface du disque. En général les disques de couleur sont précédés par un pressage standard en vinyle noir. Ce qui est nettement moins le cas de nos jours. À la ﬁn des années 70, le vinyle coloré était également un outil marketing. Par exemple Coca-Cola faisait gagner six 7 inch de couleurs, de pochettes et de thèmes différents. Nathalie a aussi trouvé un 7 inch blanc de 1983 avec la musique de la pub pour les déodorants Sintony. (Ça doit sentir bon !). Tout aussi surprenant ce sont les artistes ou labels qui éditaient le même album en plusieurs pressages de couleurs différents. Exemple « Animals » de Pink Floyd. Aujourd’hui, notamment à cause de la dématérialisation, les artistes souhaitent encore plus créer des objets insolites en produisant un disque. Donc il est plus fréquent de tomber sur des vinyles de couleur.

10. ©DR/StarWax Le picture-disc Même s’il n’existe pas réellement de nom en français, il y a dif- férentes appellations : picture-disque, pic-disc, disque-image, photo-disque. Ils sont certainement plus rares à cause de leur coût plus élevé et d’un souffle qui n’est pas vraiment déran- geant mais qui altère la qualité sonore à cause de deux feuilles fixées de chaque côté du vinylite. Cependant il faut savoir que Resinoplast, à Reims, en corrélation avec des presseurs, tente de mettre au point un procédé qui permettra de produire des disques illustrés conservant une qualité sonore optimale. De plus l’entreprise souhaite prendre de l’avance en créant un vinyle dit « vert » dont les composants en calcium-zinc n’ont pas la nocivité du plomb ou de l’étain, des métaux encore utilisés par certains industriels. Le procédé de fabrication est simple. Cependant il faut une presse spéciale dédiée uniquement au picture-disc. (Ci-contre une presse « abandonnée » dans les locaux de Phonopress, malheureusement elle est trop vieille et ne correspond plus aux normes exigées, du moins en Italie). Le procédé de fabrication est le suivant : de chaque côté de la presse une feuille, puis une seconde avec l’illustration sur un papier au format du vinyle sont superposées et ensuite compactées avec le vinylite au centre. Et vous avez un magnifique picture-disc. Ensuite il est, en géné- ral, commercialisé dans une pochette plastique transparente. Il existe aussi des pochettes en carton avec une grande ouverture ronde d’un côté, ce qui est assez rare mais ça existe encore. Au début, pendant les années 70 et 80, c’étaient souvent les grosses vedettes qui apposaient leurs photos sur l’ensemble du vinyle, souvent en édition limitée, destinée aux collectionneurs et aux fans. De nombreuses bandes originales de film ont éga- lement été pressées en picture-disc. Depuis deux décennies Il est de moins en moins rare de voir des picture-discs avec des dessins. Le design a pris le dessus sur certaines sorties mais ce n’est pas toujours de très bon goût visuel. C’est même votre magazine préféré qui a lancé, avec la marque Posca, le premier concours au monde vous permettant de voir votre œuvre sur tout le disque. Même de nos jours il est assez peu commun de trouver des 7 ou 10 inch en picture- discs.Autre exemple insolite, à l’occasion du Disquaire Day en 2014 et des 30 ans du film « Ghostbusters », la maison de disque concer- née a réédité un vinyle phosphorescent avec un dessin, à 5 000 exemplaires tout de même.Afin d’illustrer ces propos nous avons fait une sélection de ceux que nous avons diggés ou qui sont simplement très beaux. Les disques aux formes insolites Appelé simplement en anglais « shape vinyle » qui signifie « vinyle de forme », ce type de vinyle est encore plus coûteux à dupliquer et donc encore plus rare. Également apparus lors des années 70, ces vinyles ont une forme particulière, autre que circulaire. Évidemment comme une partie du vinyle est découpée selon la forme, l’espace pour graver les sillons est plus ou moins court. Il existe donc des disques colorés ou picture-discs aux formes toutes aussi inattendues. Toujours dans la rareté, des labels ont sorti des disques, comme cet album de Cypress Hill où la dernière face du second vinyle est sans sillon et accueille un visuel gravé au laser. Cependant, avec certains réglages, la gravure au laser peut être réalisée également sur le sillon du disque, sans affecter les rainures. Nous aurions aussi pu nous attarder sur les pochettes avec des découpes particulières, ou encore sur les disques pressés dans d’autres matériaux, en chocolat, en bois, en glace, en verre… sur lesquels des sillons ont également été gravés. Ce sont autant d’objets magnifiques prouvant, si besoin est, que le vinyle est le support indétrônable pour enregistrer la musique. Il n’existe pas d’argus officiel pour ces disques particuliers. La cote pouvant rapidement varier. Mais le site discogs.com reste la référence pour repérer nombres de revendeurs de vinyles. Si vous souhaitez vous en mettre encore plein les mirettes, visitez www. coloredvinylrecords.com un blog participatif en anglais qui répertorie plus de 1 500 vinyles colorés, picture-discs et autres disques insolites. par Juan Marcos Aubert pour STAR WAX 10 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

11. PARTENARIAT : www.starwaxmag.com / Star Wax N°39 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 11 Extrait de Star Wax n°39

12. Art prolétaire TEST DEPT.Test Dept.fut sûrement un des groupes industriels anglais les plus influents à avoir émergé dans le sillage de Throbbing Gristle ou Cabaret Voltaire. À l’instar de Z’EV et Einstürzende Neubauten, leur son se caractérisait par une dimension percussive à base d’instruments inventés ou de matériaux récupérés dans des décharges qu’ils mêlaient à des samplers et des instruments acoustiques. Le terme de « groupe » semble d’ailleurs trop réducteur car ils s’apparentent plus à un collectif multimédia qui, au fil des années 1980, est devenu de plus en plus ambitieux. INTERVIEWARTISTE 12 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

13. INTERVIEW DE Maxime Lachaud Originaires de New Cross dans la banlieue de Londres, ils se caractérisaient aussi par une rage héritée du punk et un engagement contre la politique thatchérienne. Ils ont pu soutenir la grève des mineurs en 1984 par exemple. Leurs performances dans des sites inhabituels et leur attachement aux racines païennes et celtiques ont également marqué durablement toute une frange de la musique postindustrielle. S’étant un petit peu perdu dans la culture rave dans les années 1990, le projet s’est séparé en 1997 pour revenir il y a quelques années, essentiellement pour se produire dans des spectacles qui retrouvent l’énergie de leurs débuts. Invités par l’Étrange Festival, les membres originels, Paul Jamrozy et Graham Cunnington, sont venus présenter à la fois une rétrospective en films de leur travail et ont assuré un concert sous le dénominatif Test Dept Redux, absolument prometteur quant au disque à venir. Votre background était punk. Aviez-vous des liens avec la scène anarchopunk du style Crass ou vous étiez plus dans Throbbing Gristle et toute la premi- ère vague industrielle ? Paul Jamrozy : Avant Test Dept., nous étions dans d’autres groupes, pas vraiment sérieux, et nous nous sommes retrouvés à vivre un an à Amsterdam. C’était l’époque où il y avait des squats partout dans la ville. À l’époque, Crass faisait pas mal de choses en Hollande avec Poison Girls et The Ex. On les a souvent vus en concerts à cette époque. Ils apportaient une nouvelle énergie à l’attitude punk originelle, qui était très politique, comme avec les Clash et les Sex Pistols. Après, tout le monde a voulu ressembler à Sid Vicious et avoir cette attitude nihiliste stupide face à tout, sans jamais penser par eux-mêmes. L’individualité qui était à la base du punk avait créé une armée de zombies et ils ont été récupérés par l’industrie du disque pour être vendus comme de simples marchandises. Quand Crass est ar- rivé, le groupe a donné un aperçu de ce en quoi le punk aurait pu se développer. Nous apprécions beaucoup ce qu’il a apporté à l’époque. une rage héritée du punk “Quand Crass EST arrivé, LE GROUPE A donné un aperçu de ce en quoi le punk aurait pu se développer. Nous apprécions beaucoup ce qu’il A apporté à l’époque.” À SAVOIR Le premier album de Test Dept est généralement considéré comme étant Beating the Retreat, bien que des enregistrements live étaient parus avant. F.M. Einheit (Einstürzende Neubauten) et Genesis P. Orridge (Throbbing Gristle) ont participé à ce disque qui est sorti sur le label Some Bizarre en 1984. ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 13

14. of Power. En tant qu’organisation, il était plus simple d’obtenir des finance- ments pour faire de plus gros spectacles. On nous a passé des commandes par la suite, on a fait The Unacceptable Face of Freedom pour la fin du GLC, le Greater London Council. Livingstone était à la tête, il était très à gauche en tant qu’homme politique. Thatcher a aboli cette organisation. Avant d’en finir, ils ont décidé de donner leur argent à l’art, cet argent nous a permis de faire un gros spectacle. Après ça, on a fait Demonomania en Espagne et ainsi de suite. C’était une plateforme pour faire de plus grosses performances et au final on a fait Second Coming à Glasgow. À la fin c’était devenu tellement gros, nous nous sentions comme des rouages de la machine. À un moment, nous avons voulu en revenir à faire de la musique et redevenir une petite entité. Vous avez même collaboré avec Diamanda Galàs à l’époque mais que pour le live. Graham Cunnington : Il y a des enregistrements ! Un pirate circule avec une très mauvaise qualité. Mais nous l’avons enregistré en 24 pistes. Et nous avons toujours les bandes. MINISTRY OF POWER, ou l’état multimédia Cette idée dès le départ d’un groupe qui était plus qu’un groupe - vous parliez même d’un État -, du moins qui s’apparentait à un projet mul- timédia, d’où c’est venu ? Paul Jamrozy : Quand nous avons commencé, nous vivions à New Cross. Il y avait les industries qui déclinaient mais il y avait aussi le Gold- smiths College qui était une grande université à New Cross. Angus Farquhar, un autre des membres originels de Test Dept., y a été. D’autres personnes que nous connaissions y ont été aussi. À cette époque, nous y allions souvent. L’établissement nous prêtait de l’équipement, des projecteurs, des studios dans lesquels travailler, on allait au département de musique pour ré- péter les percussions, et personne ne nous a jamais demandés si nous étions étudiants. Il n’y avait aucune sécurité. Donc on a dû passer trois ans avec les étudiants de diverses disciplines et c’était à côté du Laban Dance Center. Du coup on a rencontré beaucoup de gens du milieu de la danse. On a rencontré des cinéastes, des artistes visuels. Ils étaient tous nos amis. Donc tout cela s’est fait naturellement. Cela a été un processus naturel, et à un moment nous avons voulu rendre cela officiel, c’est là que nous avons créé le Ministry ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 À SAVOIR En 2015 est paru aux éditions PC Press un gros livre, Total State Machine, retraçant l’histoire de Test Dept. Très illustré, ce gros pavé comprend des textes de Stephen Mallinder (Cabaret Voltaire), Laibach ou Robin Rimbaud (Scanner). 14 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 14 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

15. “Test Dept. était au centre de la performance mais le Ministry of Power nous avait permis d’élargir cela, et les nuits étaient faites de collaborations.” ©FredAmbroisine ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 15

16. INTERVIEW DE Maxime Lachaud Paul Jamrozy : Nous lui avons parlé, elle est a priori d’accord pour que l’on en fasse quelque chose. Graham Cunnington : Mais elle n’est pas simple pour les négociations. C’est aussi parce que pendant des années nous ne l’avons pas sorti. Pendant la performance, il y a eu la première moitié qui a bien fonctionné, puis le micro s’est cassé et nous avons continué, mais elle ne pouvait pas faire certaines choses qu’elle avait prévues. Au final c’était comme un concert punk de taré qu’on a fait. C’était de l’improvisation et c’était très mental et furieux car elle était plutôt énervée à cause de ça. Pour cette raison, elle n’a pas voulu que cela paraisse mais on l’a recontactée il y a quelques années, et elle était partante pour refaire d’autres enregistrements à Los Angeles pour terminer le projet. Cela se fera à un moment car nous avons toutes les pistes et c’est un son vraiment intéressant à travailler. Paul Jamrozy : Nous étions prêts à le faire mais nous avons commencé le projet Redux donc c’est devenu secondaire. Mais ça se fera. Pour rester sur l’aspect historique, après que vous ayez participé au soutien des mineurs en grève dans les années 1984/1985, vous êtes revenus sur votre propre histoire, l’histoire du pays, pour montrer que ces luttes des minorités avaient toujours été là, et vous avez utilisé beaucoup d’instruments tradition- nels. c’est à ce moment-là que vous avez publié Materia Prima, Gododdin, Terra Firma et introduit la musique celtique dans l’univers de Test Dept. Quelle a été la transition de ce travail avec les chorales de mineurs jusqu’à cette période plus païenne et folk ? Graham Cunnington : Après la tournée avec les mineurs, nous avons formé le Ministry of Power pour faire des événements plus ambitieux. Le premier était à Paddington, Londres. Le Ministry of Power était comme une plateforme pour introduire des artistes venant de tous les champs artistiques, des figures politiques et des orateurs jusqu’à des écrivains, des danseurs, des acteurs, des cinéastes, des sculpteurs. Test Dept. était au centre de la performance mais le Ministry of Power nous avait permis d’élargir cela, et les nuits étaient faites de collaborations. Puis nous sommes partis à « C’était comme la dernière résistance de cette culture face à une puissance plus grande. Ils périrent mais en se battant. C’était la défaite héroïque. » ©FredAmbroisine/L’étrangeFestival2016 16 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

17. Vancouver pour un spectacle similaire qui se nommait Our Finest Hour, puis à Valladolid en Espagne où nous avons fait une performance Demonomania, que l’on trouve dans l’album A Good Night Out. Quelques uns des morceaux en étaient le soundtrack. De ces performances à grande échelle, les collaborations se sont développées. Déjà sur l’album avec les mineurs, nous avons collaboré avec Alan Sutcliffe qui faisait aussi partie du Minis- try of Power. Il était venu à Paddington et Vancouver avec nous. Puis nous avons fait une tournée avec des danseurs et c’était la tournée Materia Prima/Terra Firma. Ce que nous avions fait en Espagne avait introduit des éléments de musique folk. Paul Jamrozy : On peut regarder les choses sous différents angles. D’abord, quand nous avions fait la tournée des mineurs, nous avions invité des gens de la communauté à se joindre à nous, à collaborer. Déjà il y avait les joueurs de cornemuse. Nous avions fait un concert à Bedford et un gars est venu vers nous, il voulait jouer avec nous, il était joueur de cornemuse. Il s’appelait Alistair Adams et par la suite il a rejoint le groupe. Ce fut la première introduction des éléments celtiques. Aussi Angus Farquhar avait sa compagnie en Ecosse NVA et il avait toujours été intéressé par cet angle écossais, celtique. Tout ce qui s’est passé dans ce domaine vient en grande partie de son influence. À Edinburgh, Angus a initié cet ancien rituel celtique le Beltane Fire. C’était un festival païen à l’origine. L’église l’a fait stopper à cause des connotations. Nous avons commencé ce festival et le flyer disait : “Apportez du whisky, du bois à brûler et des chansons”. Nous avons commencé avec trente personnes sur le flanc des col- lines et aujourd’hui c’est un des événements les plus importants du calendrier touristique d’Edinburgh. Nous n’avons plus rien à voir avec ce rendez-vous annuel. Après qu’on l’ait fait pendant dix ans, les personnes impliquées ont créé la Beltane Society et en ont assuré le management et aujourd’hui c’est devenu énorme. À l’époque c’était dangereux, sauvage. Aujourd’hui il y a des barrières de sécurité, une centaine de policiers, etc. Mais ça reste très spectaculaire avec des centaines de performeurs. Graham Cunnington : Il y a des figures iconiques comme l’Homme Vert ou l’Homme Rouge, comme le Printemps du Feu. On boit du vin rouge dans de grandes cornes, de grandes gourdes. Il y a ces danses sexuelles assez obscènes et crues. À présent il y a des centaines d’Hommes Rouges, et des Hommes Bleus ou Verts. La May Queen est une figure centrale également. Les vis- ages sont peints en blanc et noir, les vêtements aussi. Au premier festival on devait être 200, à présent ils sont 10 000 chaque année. Paul Jamrozy : C’était le début des rituels celtiques. À partir de là d’autres personnes ont été intéres- sées comme Brith Gof. On les intéressait sur le plan politique mais aussi les connexions celtiques collaient à la façon dont ils voyaient le projet. Graham Cunnington : Le sujet de Gododdin nous a été présenté par Brith Gof. C’était pertinent car il était question de la mentalité de l’empire britannique et la retourner sur elle-même. Dans l’album avec les mineurs, l’ennemi venait de l’intérieur alors qu’avant il était ex- térieur. Gododdin a été fait au Pays de Galles, en Écosse, pas en Angleterre. Paul Jamrozy : Nous devions le faire en Bretagne. Graham Cunnington : Nous l’avons fait à Frisland en Hollande, une minorité au sein des Pays Bas. Ils ont leur propre langue. On l’a fait aussi en Italie. La méta- phore tournait autour de la marginalisation des cultures minoritaires au sein de la Grande Bretagne. Paul Jamrozy : C’était le plus vieux poème britannique qui est écrit en gallois. Graham Cunnington : Le gallois est le plus proche du vieil anglais. Paul Jamrozy : C’était comme la dernière résistance de cette culture face à une puissance plus grande. Ils périrent mais en se battant. C’était la défaite héroïque. Vous parliez d’un “art pro- létaire” pour votre musique. Qu’est-ce qu’il en reste aujourd’hui ? Êtes-vous les seuls à faire perdurer cette tradition, ce qui explique que vous soyez toujours là ? Graham Cunnington : Il n’y a pas beaucoup de gens qui font de la musique - du moins au Royaume Uni - qui soient riches. Les jeunes qui y arrivent sont les seuls avec les ressources. À Londres il est très difficile d’avoir un espace car l’immobilier coûte si cher. À notre époque, on pouvait aller dans un bâtiment vide et répéter. Aujourd’hui il y a très peu de lieux et personne n’a le temps, car tout le monde doit cumuler deux ou trois emplois. Il semble que les groupes qui percent aujourd’hui viennent de portions plus riches de la société, celles qui peuvent avoir le temps et l’espace. Je parle de groupes plus grand public. Mais dans l’underground il doit toujours rester ce côté prolétaire. Sleaford Mods est vraiment différent du reste en ce sens. C’est une période étrange car la moindre chose coûte si cher maintenant. “Apportez du whisky, du bois à brûler et des chansons” ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 17

18. Pour vous y a-t-il un événement, un album, une rencontre, qui ont vraiment marqué l’histoire de Test Dept. Graham Cunnington : Avec Test Dept., c’est compliqué car nous avons fait tellement de choses diffé- rentes. Mais pour moi The Unacceptable Face of Freedom et Gododdin ont été deux tournants importants, deux points culminants, que ce soit le spectacle et l’album. Le disque avec les mineurs a aussi été très important quant à notre travail mais si je devais en choisir deux, ce serait ces deux-là. Et un événement qui a été important dans votre vie artistique en dehors de la production de Test Dept. ? Paul Jamrozy : En dehors de Test Dept., il y a eu des concerts punk que nous avons vus. Je faisais un fanzine à l’épque qui se nominait Geek, un fanzine post- punk. Ce devait être au début des années 80, peut-être même à la toute fin des années 70. Nous avons grandi avec les fanzines punk comme Sniffin’ Glue. Nous étions inspirés par Mark Perry et Alternative TV, et son travail m’a donné envie de faire un fanzine. Un des premiers événements sur lesquels j’ai écrit était à la YMCA de Londres. Dans le même weekend on avait Joy Division, Cabaret Voltaire, Clock DVA, Throbbing Gristle, Rema Rema. À l’époque ils n’étaient pas si connus qu’ils al- laient le devenir. C’est à ce moment-là que le punk avait trouvé une nouvelle énergie en s’aventurant dans des domaines inexplorés jusqu’alors. Chaque groupe avait un son très spécifique. The Pop Group ne jouaient pas à cet événement mais ils furent aussi très importants, mais dans un autre domaine, avec leur intérêt pour le jazz, l’improvisation et le dub. Cela restait très politique, mais sans être didactique comme ils pourront le devenir plus tard, et c’est pourquoi leur premier album, Y, a été très important. Leurs débuts vieillissent mieux, et c’est peut- être pareil pour nous. Nos vieux titres sont peut-être ceux qui sont le plus connectés avec ce qu’il se passe aujourd’hui. Ces événements ont été très importants, car ils ont montré le potentiel du punk à aller vers des directions différentes. Nous faisions déjà de la musique à l’époque, mais ce n’était pas très bon, nous explorions des choses, essayant de développer des idées et une esthétique. Comment avez vous découvert le constructivisme et le futurisme et qu’est-ce qui vous a attirés dans cette esthétique ? Graham Cunnington : Avant que nous créions Test Dept., nous étions désillusionnés par Londres, l’ambiance était un peu dépressive. Nous sommes partis à Amsterdam. Là bas au Stedelijk Museum il y avait la croix rouge sur le cercle noir de Malevich. Cette image est devenue notre premier symbole. Nous l’avions sur nos bannières. Paul Jamrozy : Notre premier et unique tatouage. Graham Cunnington : C’était le démarrage, nous aimions l’esthétique. L’énergie de l’art soviétique des débuts, les dix premières années avant que ce soit soumis au réalisme social, un art contrôlé par l’Etat. Il y avait une révolution dans la société et dans l’art. De la décoration d’intérieur au cinéma, cette énergie créa- tive touchait à tout. C’était inspirant mais c’était aussi “Nous sommes partis à Amsterdam. Là bas au Stedelijk Museum il y avait la croix rouge sur le cercle noir de Malevich. Cette image est devenue notre premier symbole.” la simple image et le symbole qui trouvait une résonance en nous. Nous ne voulions pas de symboles comme Throbbing Gristle ou Psychic TV ont pu en utiliser qui ont mené l’industriel vers des domaines plus sombres qui ont exploré le passé nazi. Nous voulions nous détacher de ça. Plus tard, Laibach ont aussi utilisé les croix noires de Malevich mais les ont utilisées dans un tout autre contexte et d’autres perspec- tives politiques. On s’entend très bien avec Laibach mais nos angles d’approche sont très différents. Paul Jamrozy : Si on en s’attarde sur Dziga Vertov et le travail qu’il a fait avec son frère, Mikhail Kaufman, notamment sur L’homme à la caméra, ils n’ont fait que documenter en utilisant ce qui se trouve devant leurs yeux. Cette idée de rendre compte d’une communauté, travailler avec les ressources autour de nous, faire des collages avec cela pour le rendre plus abstrait et intéressant, c’est ce qui nous a beaucoup inspiré dans ces films. Cela collait bien avec ce que nous faisions. Plus tard, nous avons sculpté tous ces éléments pour atteindre des significations plus profondes. 18 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

19. ©Fred Ambroisine / L’étrange Festival 2016 Votre travail sur les symboles est intéressant aussi. J’ai toujours trouvé qu’il y avait quelque chose de l’ordre du rituel et de la magie dans votre musique, qui se confirme quand on écoute Terra Firma/Mate- ria Prima par exemple. Graham Cunnington : Le Beltane Fire l’a mieux capté que les disques ou les performances de Materia Prima. Il en reste des images mais les premiers événe- ments n’ont pas été filmés. Il y avait quelque chose de très réel, même personnel, dans ces rites païens, après une période fortement politique. Tout le monde s’est senti brutalisé par Thatcher et ce qui s’est passé à cette période. Après cela, nous avons senti le besoin d’explorer de nouveaux territoires d’une façon plus intime, puis dans les années 90 il y a eu la période plus digitale et dansante. Pour chaque artiste, il y a dif- férentes périodes de leur histoire où ils font de bonnes ou de mauvaises choses. Tu prends même David Bowie, il a fait de la merde aussi. Et il y a eu des périodes où il n’était pas aussi populaire. À présent il est immortalisé. Bien sûr que certaines des choses que nous avons faites auraient pu être mieux, mais ce qui compte ce sont les travaux en cours, essayer des nouvelles choses. La seule des constantes chez nous c’est le changement. Vous avez dit qu’il y avait cette colère en vous et en même temps Test Dept. est un collectif. Vous seriez des artistes solo, ce serait normal de parler de l’exploration de soi. Mais dans le cadre de Test Dept., y avait-il de l’espace pour les émotions indivi- duelles. Laibach disait qu’il n’y avait pas d’individu, ils étaient juste un Nous collectif. Graham Cunnington : C’est vrai que nous étions un collectif avec nos noms jamais mentionnés sur les disques ou en interviews. Le collectif était tout, et nous avons tous apporté des choses et des questionnements dfts dans Test Dept. Paul Jamrozy : Ce n’était pas un accident si le Test Dept. originel est devenu ce qu’il est devenu. Sans rentrer dans les histoires personnelles, nous avions tous une colère en nous qui a fait ce qu’est devenu le projet. Quelque chose de puissant, de brutal et d’honnête. Certains des individus se sont complètement écartés du droit chemin, mais nous avons essayé de canaliser cette énergie pour ceux d’entre nous qui restent, garder la violence dans l’œuvre de façon positive. Il y a des gens que ça a affecté plus que d’autres et ils ont retourné cette violence envers eux mêmes. C’est la dure réalité de la vie dans la civilisation occidentale de nos jours. Quant à votre projet actuel Test Dept Redux, à des moments j’avais l’impression d’écouter des vieux morceaux comme “Gdansk” mais cela s’est transformé en autre chose. On retrouve l’esprit des débuts mais en même temps ce sont de nouveaux morceaux. Graham Cunnington : Cela vient des archives que l’on a remixées, un travail que l’on a fait pour le film DS30 projeté aussi dans le cadre de l’Étrange Festival. Les chansons ont alors été retravaillées de façons totalement différentes. Nous n’avions pas les cassettes originales. Nous ne pouvions aller aux sons individuels d’origine. Nous avons pris les archives en tant que tout mais on ne peut pas se baser sur toutes ces pistes pour ensuite ajouter l’écriture et les amener vers autre chose. Paul Jamrozy : Nous enregistrons actuellement un nouvel album en utilisant beaucoup de ces choses. Mais là encore ça évolue. Même s’il reste le fantôme du pas- sé, ce sera quelque chose de nouveau. C’est une façon de travailler assez intéressante, d’inclure le passé dans DU SYMBOL à LA MAGIE le présent. Nous ne sommes pas comme beaucoup de groupes qui se reforment pour jouer leurs morceaux les plus connus. Nous ne sommes pas nostalgiques. Nous construisons plus des choses aujourd’hui mais avec des éléments du passé. L’album sera prêt pour l’année prochaine ? Graham Cunnington : On va essayer de le finir pour le printemps. Voyant le temps qu’on a mis sur le gros livre rétrospective du groupe, on pourrait travailler sur l’album pendant encore dix ans. Mais nous voulons sortir quelque chose pour libérer l’espace à de nouvelles idées. C’est comme une toile vide. Nous avons des idées mais pour l’instant il n’y a rien dessus. Nous pouvons jeter de la peinture à la Jackson Pol- lock sur la toile avec tout ce que nous avons, ou nous pouvons faire le contraire, laisser un espace blanc et ouvert comme l’artiste qui fait des peintures toutes blanches ou toutes noires, Rothko. Ce peut être les deux à la fois d’ailleurs ! ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 19

20. ZOOM Mismerizer, c’est n’importe quoi avec beaucoup de talent, de sang, de monstres, d’OVNI tout ça tellement bien fait que ça reste unique. Un univers 100% série Z, une esthétique à faire palir Tim Burton. Bienvenue dans la 4e dimension ! « Tremblez… Tout droit sortie des enfers, exorcisant ses démons sur un fond de musique électronique dérangée, MISMERIZER vous sert un son « Creep-hop » à vous donner la chair de poule ! » ©DR RECETTEBIO 20 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

21. Mais Qui ES-TU MISMERIZER ?JOURNALISTE : Roxxi Wallace INFOS WEB : www.mismerizer.fr Après une collaboration de deux ans sur un projet électro-burlesque avec le compositeur Christophe Benoin (Y Front), des débuts sur scène en première partie de Nina Hagen (accompagnée par Emmanuel Hublot - LTNO) et une tournée au Japon… Adeline Loiseau lance son projet solo « MISMERIZER » en 2008. Le premier album expérimental « Eggs » sort en 2009 (Musicast). Elle est accompagnée sur scène de Thomas Suire, Jacques de Candé (Infecticide) et d’Emilie Bera (Performeuse fétiche des Dresden Dolls). En 2011, sort le premier Ep digital Glitch-hop « The Ghost Train » (Tacuara records) produit par Antoine Marroncles (DaFake Panda). Il inclut un featuring avec la chanteuse Hanin Elias (Atari Teenage Riot). En 2013, c’est sur l’album « Get it Back » de cette dernière que l’on retrouve Mismerizer pour un titre electro enragé « Dead Eyes ». Elle rejoint ensuite le groupe d’Hanin pour des concerts en Allemagne avec le groupe « Fantôme ». MISMERIZER s’expatrie en 2014 dans les Caraïbes et élargie le spectre de ses collaborations à l’international. Le 2e Ep digital « Herself » auto-produit et accompagné à la guitare de Polak (Treponem Pal) sort cette même année. Pour Halloween 2015, le premier chapitre d’une trilogie de Mixtapes hor- rifiques, influencées Dirty South / Horrorcore, voit le jour. En duo avec le rappeur américain Creep-Lo, MismeriZer livre avec « 6 Tales of Terror » un son Creep-Hop cauchemardesque à vous donner la chair de poule ! Elle rejoint Atypeek Music en 2016 et prévoit la sortie de « 6 TALES OF TERROR, CHAPTER 1 » en version digital remasterisée pour Halloween. QUELLE EST LE POINT COMmUN ENTRE CREEP LO, DRESDEN DOLL, ATARI TEENAGE RIOT ET INFECTICIDE ? « J’aimais bien l’idée que deux artistes aux univers a priori opposés se rencontrent et créent quelque chose ensemble » Creep Lo est le Big Boss de «Drop it off Entertainment » basé dans le Midwest (Cedar Rapids, Iowa). Implanté dans le milieu du Rap Underground depuis plus de 20 ans, Creep Lo est à la fois Producteur/Ingénieur/Artiste et label manager. Au fils des ans, il a établi la réputation de son label en produisant 7 albums sous le nom de Creep-Lo ainsi que d’innombrables autres projets. Sa créativité, son ingéniosité, son phrasé lui donne un son unique !» ©DR ©DR ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 21

22. MISMERIZER C’est crade, ça pue la sueur et le sangmais c’est essentiel ! INTERVIEWARTISTE 22 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

23. INTERVIEW DE Roxxi Wallace Comment décririez-vous Mismerizer pour le profane? « Electro-horrifique… ? J’aime qualifier ma musique de cauchemardesque, je trouve que ça lui va bien. J’expérimente et je mélange différents styles mais ça reste de la musique électronique au fond… de la musique électronique bizarre. » L’année dernière, vous avez sorti en cassette « 6 TALES OF TERROR » que vous ressortez cette an- née en version digital, un concept et une musique nettement plus hip-hop que d’habitude… Qu’est ce qui vous a donné envie d’aller dans cette direction et de collaborer avec le rappeur Creep-Lo ? « J’aime explorer et piocher ici et là au gré de mes humeurs. J’ai écouté beaucoup de hip-hop ces derniers temps, Horrorcore, Dirty south etc… Et autant j’apprécie la musique, autant les paroles la plupart du temps… Ça m’a donné envie de faire du hip-hop à la sauce MISMERIZER, du « Creep-hop ». J’ai découvert Creep-Lo en surfant sur Youtube un soir et je l’ai contacté, la magie d’internet… le courant est bien passé et on a décidé de travailler sur « 6 Tales of Terror » ensemble. C’est lui qui a produit le Ep, il rap aussi sur le titre « VIVIVI ». J’aimais bien l’idée que deux artistes aux univers a priori opposés se rencontrent et créent quelque chose ensemble. » Vous semblez être revenu à vos origines plus sombres et plus surréalistes avec la vidéo de « Telekinesis » que vous avez co-réalisée avec Volga Wagner, notez-vous des changements dans votre humeur et votre vie personnelle selon que vous travailliez sur tel ou tel genre musical ? « 6 Tales of Terror » était un side project, j’ai travaillé dessus de façon relativement détendue et le tournage du clip VIVIVI était aussi très amusant. En revanche, quand je travaille sur des titres un peu plus péchus et que je produis moi-même, c’est une DU GRIME CREEP AU CREEP HOP « Mon tout premier souvenir du genre HORREUR c’est « Thriller » de Michael Jackson, j’avais 3 ans je crois. » À SAVOIR Mismerizer est également Directrice artistique, elle se fait un malin plaisir à réaliser elle même, ses maquillages et décors. PLUS D’INFOS www.mismerizer.fr ©DR ©DR ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 23

24. des débuts sur scène en première partie de Nina Hagen (accompagnée par Emmanuel Hublot (LTNO) et une tournée au Japon… autre histoire… Je travaille en général la nuit, de façon plus obsessionnelle, buvant beaucoup trop de café et fumant beaucoup trop de cigarettes. » Sur votre site internet, dans vos clips et dans votre musique elle-même, il y a beaucoup de références aux films d’horreurs et à ce genre en général, diriez-vous que cela vous a influencé et quels sont vos films cultes ? « Bien sûr, c’est sûrement l’une de mes influences principales. Mon tout premier souvenir du genre c’est « Thriller » de Michael Jackson, j’avais 3 ans je crois. J’ai grandi en regardant des films d’épouvante, mes parents avaient des Vidéo-clubs et je rentrai le week-end les bras chargés de VHS à la maison. Parmi les premiers films que j’ai vu et qui m’ont marqué je peux citer Démons de Lamberto Bava, mais il y en a tellement… et je les apprécie tous à des degrés différents. L’une de mes influences majeures reste néanmoins la série « La Quatrième Dimension », je suis une grande fan de Rod Serling. » Vous faites de la musique depuis longtemps, vous avez quelques albums à votre actif, mais comment cela a-t-il commencé ? Comment en êtes-vous venu à faire de la musique ? « Tout a commencé par une nuit d’orage il y a plus de 10 ans… La jeune Mismerizer ressent le besoin de crier, de casser tout ce qui lui tombe sous la main et d’enregistrer tout ça. Alors je me suis acheté un MAC, un micro, j’ai téléchargé un logiciel de Mao et c’était parti. » Maintenant, des années plus tard, vous rejoignez Atypeek Records, comment les choses se passent-elles et avez-vous le projet de sortir un nouvel opus ? « Les choses se passent très bien, je suis ravie d’avoir rejoint Atypeek Music et je travaille en ce moment sur plusieurs projets. La sortie de « 6 Tales of Terror » pour Halloween donc, en version Digital remasterisée, de nouveaux titres électro-morbides pour un futur Ep, de nouvelles vidéos et enfin peut-être une Bd… » En tant qu’artiste féminine, et plus particulièrement dans la scène dark indépendante, quels sont les problèmes que vous rencontrez pour diffuser votre musique ? Pensez-vous que les gens comprennent ce que vous faites ou que beaucoup trouvent ça étrange ? « Je pense qu’il y a certainement moins de gens qui ont envie d’entendre une fille chanter en mode possédée qu’en mode ultra-sexy ou pleurnicharde mais que ça ne m’empêchera pas de continuer à faire ce que je fais. Il y a heureusement un publique aussi pour ce genre de divertissement… Des gens qui sûrement comme moi aiment les films étranges et la musique étrange. » ©DR ©DR 24 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

26. Egopusher : Minimalisme XXL Du jazz trip hop qui accorde « bang » et « boom » dans un délirium déchirant, délicat et nerveux. Ce sont des choses qui arrivent, apparemment, quand un violon se trouvent d’autres fréquentations que le clavecin ou le piano. Un violon amplifié, qui plus est, donnant son bras de gentleman à une batterie en robe trouée dont la traîne effilochée se tisse de nappes de synthé et d’une gestion FX retentissante. Elle ferme et signe la marche grandiose du couple, suivant son chemin dérapant et se pliant à la direction donnée par le panneau « partir en vrille ». LIVEREPORT 26 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

27. Plus d’informations sur Egopusher : www.egopusher.com ARTICLE de Jonathan Allirand Classe mais cocasse, l’histoire de la batterie d’Alessandro Giannelli qui éveille la flamme du violon de Tobias Preisig. Instrument à cordes sorti tout droit de sa scène classique pour faire une cour haute en couleur aux tomes généreux de sa bien-aimée percussive. Une cour aux variations vibrantes embrassant les contours et formes d’une love story euphorique et tragique. De pics en pleurs, d’éloges passionnés en lamentations troublantes, les atomes crochus et accrocheurs du duo échangent leurs électrons d’électro ambiancée, projetant leur champ magnétique tel un lasso d’émotions majestueuses et sauvages : le morceau « Patrol » se caracté- rise notamment par cette respiration saccadée, presque à mi-souffle, cet élan impétueux qui enserre, enflamme et élève. Tobias Preisig, comme dans son expérience précédente de quartet, est en phase avec l’héritage classique de son instrument. Mais grâce à l’amplification, toute sa puissance dramatique et la sensibilité exacer- bée de sa texture si touchante se retrouvent démulti- plier. À l’inverse, elles peuvent également s’immiscer en échos discrets, ténus, timides comme sur « Purple air » et « William », à la limite du Chill-out de Savages et de Sound Defects. Minimalisme capricieux, elles se réduisent parfois à un arpège de musiques du monde lancé par Preisig s’il décide que son violon est aussi une guitare, une mandoline ou un ukulélé. Deux personnes, quatre sources de sons dif- férentes. Pas d’erreur ni de piège : au moment où les moulinets de baguettes entament une tyrolienne désar- mante, Preisig, à coups d’archers solennels, vient juste de dépeigner la chevelure métallique de son gentleman à trois cordes. Il lancera, à la Daft Punk, une boucle de quelques notes mélodiques de synthé programmées en récurrence avant de reprendre sa coupe là où il l’avait laissé. Entre deux frappes de colosse, Giannelli fera glisser une baguette sur son pad et libérera l’autre de sa frénésie rythmique afin qu’elle puisse déclencher le mystérieux bouton d’une console codée pour une ambiance profonde et introspective. Egopusher, qui avec deux sonne quatre, fait de « Ego » (« moi » en latin) un « moi » collectif à explorer, sonder. D’abord par circonvolution légère, puis par cible lorsque la trajec- toire de l’ellipse se précise jusqu’à atteindre son point d’intensité le plus élevé. Sur « Dirt », « Ego Eins » et « Duster », la longue nuée transparente soufflée par le violon orientalisant s’illumine au pétillement des cymbales. Très vite, le papillon diaphane se densifie dans le giron de leur rayonnement, comme une seconde chrysalide troquant progressivement les ailes translucides pour des surfaces d’argent chromé. Se conserve la finesse mais s’invitent vitesse, puissance et hargne. Les trémolos tonitruants du violon rappellent alors les tressaillements indomptables de la guitare de Marc Ribot, ouvrant à l’auditeur une tranchée directe vers une veine d’air ascensionnelle. Duo original ou quartet fantôme qui invente les deux autres membres de son équipe, Egopusher est un spectacle d’antithèses harmonieuses : Giannelli, le géant massif, stylé rock, Preisig le fin dandy stylé salon. Récemment en concert durant l’édition 2016 de Jazz à Vi- enne, l’un et l’autre ne manquaient ni d’allure ni de panache, s’escrimant à délivrer leur électro-trip hop jazzy aux pieds d’un cadre seyant si bien à leur prestance : la grandeur du théâtre antique. En espérant un jour que leur présence raisonnante aura l’occasion de s’épanouir à l’intérieur de l’enceinte, il faudra se représenter ce show à partir de leur mini-album éponyme sorti fin 2015 et de leur magnifique clip « Purple Pit ». une love story euphorique et tragique “De pics en pleurs, d’éloges pas- sionnés en lamentations troublantes, les atomes crochus et accrocheurs du duo échangent leurs élec- trons d’électro ambiancée” À SAVOIR Egopusher en live 13/10/2016 au MaMa Festival, (Paris) FR 27/10/16 ISC /W Leech, (Bern) CH 11/11/16 - Stall 6/w Dave Eleanor, (Zurich) CH 12/11/16 Ferme Asile, (Sion) CH ©DR ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 27

28. https://tropare.bandcamp.com/

30. NOTRE COUP DE Coeur “6 TALES OF HORROR”MISMERIZER le grand retour Au début des années 90, alors que Miami était fasciné par le cul, le rap de Memphis se tournait plutôt vers les cercles les plus sombres de l’enfer. Une marque de fabrique qui fit sa renommée et qui enfanta, au hasard, la légendaire Three-6-Mafia. Depuis, le horror rap se fait un peu plus discret - même si çà et là des résurgences se font jour, type Suicidesboy$. C’est pourtant sur ce chemin tortueux que vient se balader le groupe Mismerizer redonnant le coup de fouet à ce genre qui n’a pas tout donné. Sa sauce à lui s’appelle le Creep-hop et voici, pour Halloween, leur nouveau single en avant-première avec le grand connais- seur Creep-Lo. Gueugneau Maxime - KIBLIND Pour lire un QR Code, il suffit de télécharger une application de lecture de QR Codes. D’ouvrir l’application et viser le QR Code avec l’appareil photo de son téléphone mobile et l’application lance l’écoute de l’album. CHRONIQUES ALBUMS Singles 30 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

31. ALBUMS MISMERIZER FEAT CREEP-LO 6 TALES OF HORROR - PART. 1 (Atypeek Music) Vous l’aurez compris, Mismerizer viens ici brouiller encore les pistes. Et pour Halloween, en s’associant avec le talentueux Creep-Lo, cet EP de 6 titres vient tapiner là ou on n’aurait pas imaginé Mismerizer. Ce rapprochement est encourageant, puisqu’ils ont su déployé le talent nécessaire pour donner à leur musique un spectre plus vaste et pas uniquement un revival du rap du « American Heartland » et d’hommage à La nuit des masques. Ici il y clairement une capacité à explorer des nouvelles sonorités et toucher un public plus large, et les deux cousins semblent avoir déjà trouvé la bonne formule pour s’émanciper. Pour faire court, l’EP s’ouvre en fanfare avec « The Number of the Bitch » histoire de placer le cadre. Pour l’occasion, Mismerizer installe la du- alité d’une esthétique graphique et d’une musique toute personnelle à l’image d’artistes comme M.I.A., Peaches ou Christeene. ici on est dans le versant le plus moite et groovy du southern rap : la version funky, divertissante et décalée des Geto Boys et Girls. L’EP nous dépeint une vie de loose totale (à la Dope D.O.D.), de déprime soignée aux fêtes satanistes bien colorées et aux errances urbaines… Derrière ses provocs satanistes, « A Tale of Horror Part 1 » est définitivement de ces EP rap qui se complaisent d’avoir les pieds dans le caniveau, le discours vénère, toutes griffes dehors, dont les productions semblent parfois avoir la capacité de lacérer et de compacter le temps. « Werewolf on Heels » en est une bonne illustration et cerise sur le gâteau, le premier extrait lâché en exclusivité avec la vidéo « VIVIVI » est une petite bombe. Mismer- izer se transforme en bombasse cocasse, assortie d’une bande de Bad Girls, sortie de Faster Pussycat version Lolita restauré en technicolor. En achevant son couplet comme souvent, Mismerizer hurle ou chuchotte comme une damnée, posant des couplets violents et secs comme une batte en pleine nuque. VIVIVI est donc incontestablement le tube de l’EP et laisse à imaginer une suite très attendue pour le prochain Halloween avec la partie 2, l’apocalypse est proche, tout se passe comme prévu. ✎ John Maldoror TERMINAL CHEESECAKE Dandelion Sauce Of The Ancients (Box Records) Quand on laisse derrière soi quatre albums aussi majeurs que Angels In Pigtails (1990), Pearlesque Kings Of The Jewmost (1992), Gateau D’Espace (1993) et King Of All Spaceheads (1994), et que l’on a signé les albums majeurs de la noise anglaise des 90’s, les Terminal Cheesecake auraient pu vaquer tran- quille vers d’autres horizons. Mais Russ Smith, John Jobaggy et Gordon Watson en décidèrent autrement et, après 22 ans de silence radio, en 2015, après avoir recruté un casting judicieux avec leur potes Dave Cochrane (Head Of David, God, Techno Animal, The Bug, Greymachine…) et Neil Francis (Gnod), les Terminal Cheesecake se lance corps et âme dans une tournée DIY Européenne mémorable, le groupe enregistrera à l’Embobineuse le live “Cheese Brain Fondue : Live In Marseille”. Histoire de marquer le coup. Un an plus tard, “Dandelion Sauce Of The Ancients” prouve que la saga Terminal Cheesecake est loin d’être finie. Toujours encadré par les guitaristes Russ Smith, Gordon Watson et le batteur John Jobaggy, Neil Francis déroule sa voix tout au long de ce septième album studio qui surprend comme toujours, car aucun de leurs albums ne se ressemblent. Cette fois-ci le rouleau compresseur se met au service d’une noise psychédélique étrange et identifiable en moins de deux mesures. Cette alliance est unique entre guitares saturées et carnassières et refrains pop. On sent même ici les Terminal Cheesecake un brin nostalgiques de leur début, certaines chansons lorgnant même ouvertement vers leur âge d’or de l’aube des 90’s allant jusqu’à faire un détour en 1967 du côté des expériences du jeune Jimi. En 7 coups fatals les Terminal Cheesecake reprennent leur place sur l’échiquier des groupes de noise majeurs aux côtés des Sonic Youth, Butthole Surfers, Swans, Lighnting Bolt, Dälek, Einstürzende Neubauten, Sunn O))) et ils n’ont plus qu’à conquérir la jeune génération, l’ancienne leur restera fidèle. ✎ CF Date de sortie : 11/11/2016 Durée : 39 min Nationalité : UK Styles : experimental doom folk / kraut / no wave / psych NOYADES GO FAST (SK RECORDS / Atypeek Music) Non mais attendez une toute petite seconde : on est en 2016, non ? Je me pose une nouvelle fois la question parce qu’à l’âge qu’ont les trois membres de Noyades – 25 ans printemps maximum, et encore je n’en suis même pas vraiment sûr pour le guitariste – j’aurais littéralement craché dans la soupe d’un air profondé- ment outragé. Quoi ? De la musique instrumentale qui n’a pas peur de bisouiller du côté des seventies dans ce qu’elles ont eu de plus rance ? Sur Go Fast, le tout premier album de Noyades, ce qui impressionne largement ici c’est avant tout la domination sans partage de la fée électrique, la seule et l’unique. C’est peu dire que ce disque déboîte/déchire/nique sa race comme disent les jeunes (encore) mais oui, voilà bien l’un des albums de cette année 2016, toutes catégories confondues. Nous avons donc affaire à trois musiciens chevelus ou barbus – voire les deux en même temps – qui remettent au goût du jour le power trio dans ce qu’il a de plus essentiel. Une guitare intergalactique qui tue, une basse (une Rickenbacker !) avec un gros son tout bien monstrueux comme il faut et un batteur tellement impressionnant que je lui pardon- nerais presque de jouer dans Sunder. La musique est instrumentale mais d’une telle intensité que c’est le genre de détail qui ne peut froisser que les rockers intransigeants et fatigués car le propos est à la fois généreux et complètement sauvage et, malgré les effets de manche, on reste avant tout scotché par cette vision punk et débridée de faire de la musique labyrinthique – repensez un peu à tous ces groupes japonais qui les premiers ont compris que les années 70 n’étaient pas totalement à jeter à la poubelle : Acid Mothers Temple, Mainliner, High Rise, Musica Transonic, etc. En plus le son de l’enregistrement est tout bonnement incroyable, chaque instrument et chaque note restent en tête, et en même temps Go Fast est une boule de feu crépitante, aux ramifications jamais totalement entièrement explorées, une sorte de déambulation enivrante au cœur d’une tempête de sons, au milieu d’un vortex de couleurs insoumises – la violence et la beauté à la fois. Un grand bravo également à Synckop qui a réalisé l’artwork du disque). ✎ Hazam Date de sortie : 22/10/2016 Durée : 45 min Nationalité : FR Styles : Rock Acid / Fuzz / Noise / Psychedelic Punk Stoner Date de sortie : 31/10/2016 Durée : 17 min Nationalité : US/FR Styles : CREEP HOP ELECTRO RAP ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 31

32. ALBUMS LAURENT PERNICE Humus/Musiques Immobiles 5-15 (Atypeek Music) Publié en 2004 par le label russe Monochrome Vi- sions, cet album explore le concept des Musiques Immobiles, imaginé par Laurent Pernice quelques années auparavant, dans le domaine des sons électroniques. Drones, saturations et hasard sont au centre de cette œuvre sombre et abstraite. ✎ P. L. JACQUES BARBERI / LAURENT PERNICE L’Apocalypse des oiseaux (Le Cluricaun / Atypeek) Album concept autour des derniers jours du peintre de la Renaissance Paolo Uccello. Larguant les am- arres d’un électro-jazz normalisé, Laurent Pernice et Jacques Barbéri naviguent ici dans les hautes sphères abstraites des musiques improvisées et de la folie. Mais est-ce bien de la folie ? Publié en CD par le label Le Cluricaun et en version numérique par Atypeek Music en 2015. ✎ P. L. Date de sortie : 30/09/2016 Durée : 1h 16 mn Nationalité : FR Styles : DROnE ELECTRONIC Date de sortie : 31/05/2015 Durée : 1h 13 mn Nationalité : FR Styles : Abstract Musiques improvisées INFECTICIDE Poil de cœur (Da ! Heard It / Atypeek Music) Pour la 29e sortie du label Da ! Heard It Records, Infecticide revient chahuter la chanson française avec éclat et ferveur psychoactive : “Poil de Cœur” arrive avec la nouvelle année, comme une carte de vœux musicale sous un sapin mort. À l’intérieur, une virée en eau profonde entre friandises wave neuroleptiques, sueur punk, et poésie des soirées qui finissent à 15 heures du matin… Les plaisirs dominicaux proposés par Michel Drucker n’auront plus jamais la même saveur. Artistes complets, les trois affreux investissent tous les moyens qui passent entre leurs mains sales pour faire de leur bébé une arme nocturne à caractère sadique, et le public se retrouve à genoux devant tant de maîtrise dans l’art du foutage de gueule. C’est que nous avons à faire à un trouple précieux, dans les pittoresques paysages de France. Même si le trio parisien nous martèle à coups de tarte dans la gueule, comme sur “Fais-le moi-le”, que le plat pays qui n’est pas le sien lui sied à merveille, le réduire à l’élégante EBM assurerait une pluie de tomates pourries. En témoigne l’abrasive “Pistache” qui aurait pu recevoir l’adoubement d’une block party à l’époque du Boogie Down, ou encore “Ton Tanga”, entre puissance électronique et exaltation des dessous intimes. On retrouve avec “Prehis- tronic” ou “Petit Tricheur” ce qui a fait la marque de fabrique de l’escadron sur le premier album, un mélange rock de musiques synthétiques, ou, au choix, une synthèse de rock en synesthésies. Il faut également souligner le panache derrière les lyrics d’Infecticide, comme dans “Le monopole du cœur”, vision fantasmagorique des grands dictateurs de notre histoire, ou dans “Une petite motte de peur” dont les accents slomo dub de l’enfer nous rappellent amicalement notre condition d’être humain : “un chimpanzé en pull, un babouin maléfique”. Les réjouissantes illustrations de Junie Briffaz mettent la touche finale à ces 13 brûlots. L’objet physique au toucher avec les doigts de la main offre 1 badge, 2 cartes postales, les paroles et un sticker. ✎ Aisyk I http://musique-libre.org Date de sortie : 30/09/2016 Durée : 48 min Nationalité : FR Styles : electronic / french electro fun indus / new-wave JACQUESBARBERI/LAURENTPERNICE©DR APRIL FISCHES Carpe d’Or (GROLEKTIF / Atypeek Music) C’est avec un certain retard que je chronique ici Carpe D’Or, le premier enregistrement d’April Fishes. Un quartet aux allures un peu savantes mais re- groupant en fait une poignée de musiciens tous issus de cette scène « néo jazz », « jazz alternatif » – je ne sais pas moi, ça m’emmerde un peu beaucoup les étiquettes – à savoir : Manuel Adnot (guitares et compositions), Adrien Dennefeld (violoncelle et compositions), Sylvain Darrifourcq (batterie et dispositifs électroniques) ainsi que Romain Dugelay (saxophone baryton et dispositifs électroniques également). Comme l’amateur curieux de musique(s) n’a certainement pas attendu le xxie  siècle et les geeks amateurs de dystopies et shootés aux moteurs de recherche internet pour mettre en pratique le principe de sérendipité cher aux scientifiques de tout poil, c’est grâce à ce dernier – Romain Dugelay est actif au sein de Kouma, Polymorphie, Pixvae et CT4C – que j’en suis tout naturellement arrivé à April Fishes. Le projet, initié par Manuel Adnot et dont l’autre tête pensante est Adrien Dennefeld, est aussi poétique que son nom peut le laisser croire ; par poétique j’entends qu’April Fishes joue une musique délicate, toute en finesse, certes très composée mais exempte de toute rigidité, mélange probant et furtif d’explorations jazz, de déploiements rock et de trouvailles électro. Les ambiances sont parfois ténues mais évolutives, pouvant s’écouler non sans lyrisme voire une certaine fulgurance, comme sur La Fosse des Mariannes / Pays De Neige. Le groupe préfère lui employer les termes d’ « étendue » et de « maritime » et cite la très belle reprise d’Eureka de Jim O’Rourke par Otomo Yoshihide comme déclencheur initial de ses propres envies – il n’empêche qu’avec ces poissons-là on n’a pas fini d’explorer les eaux encore inconnues d’une musique toujours en mouvement et toujours en devenir. ✎ Hazam Date de sortie : 21/04/2016 Durée : 44 min Nationalité : FR Styles : POST-ROCK Avant Jazz 32 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

33. DieAntwoord©MarisaRoseFicara ALBUMS Die Antwoord Mount Ninji and da Nice Time Kid (Zef Rec.) Barbie trashy rencontre un anti-Ken pour célébrer une nouvelle fois, autour d’un quatrième album, leur amour du hip hop zef. Elle arbore une coiffure de punkette platine électrisée, lui un attirail de thug rapper à dents chromés. Partisans de la sobriété et du goût commun ? Non, non. Champions de l’autodérision jouissive, de l’agitation enfiévrée et du délire créatif ? Un grand OUI qui les maintient toujours dans la ligne du zef, ce mouvement qui exacerbe le « freak » comme le « rétro » pour en faire une fierté et une source d’inspiration. Le duo Visser-Ninja et leurs débits vocaux mêlés est devenu un classique repoussant les limites de la respiration saccadée. Des athlètes du mic, programme nage libre dans un bain d’acid house et de ragga. On connais- sait le sexy Rich Bitch, l’explosif Fatty Boom Boom et le hargneux I fink u freeky. Les clips mis bout à bout constituent une splendide fresque d’excès chromatiques à interpréter avec toute l’ironie que porte audacieusement chaque chanson. Party time is not over : à prendre au 30 000e degré et à écouter à un nombre équivalent de Watts, le premier single Banana Brain, tiré du nouvel album Mount Ninji and da Nice Time Kid, annonce un opus canon armé d’une sono de rave party tabasseuse d’esgourdes. On est bien tenté de pousser encore le volume pour voir jusqu’où va la baston. Elle continue sur Fat Faded Fuck Face, dans un genre plus retenu qui n’enlève rien à l’âpreté du chant. Sur We Have Candy, le duo volubile nous surprend de nouveau par son placement de voix évoluant dans un cadre fantastique burtonien. Les collaborateurs comme God et The Black Goat réalisent donc un travail immense d’instrus regorgeant de beats inventifs, variés et surboostés. Canaliser toutes ces dynamiques req- uiert également une orchestration minutieuse, défi relevé une fois de plus par Die Antwoord. On pousse encore le volume, seule frustration, le bouton est déjà au max car la voix faussement doucereuse de Yolandi Visser éclaboussant les flows de Ninja est un plat qui se mange fort. ✎ Jonathan Allirand DOOKOOM NO ! (Atypeek Music/I.O.T. Records) DOOKOOM est le groupe par qui le scandale arrive en Afrique du Sud, de la ville du Cap pour être précis. Et pour cause, leur musique est à l’image des ghettos d’où ils débarquent : d’une violence rare. À côté, les banlieues de NYC et L.A., c’est le pays de Candy. Alors lorsque sonne l’heure de la rébellion après de multiples EP, elle scande haut et fort NO ! Pas de préavis, pas de négociation, encore moins de concession, les DOOKOOM sont là pour dire ce qu’ils ont à dire, sans discuter, et ça peut très vite partir en vrille. Leur méthode pour faire entrer leur discours dans nos crânes est rudement agressive, ça ferait même moins mal avec un coup de batte de baseball cloutée. Pour du hip-hop, c’est plus que du rap hardcore. Ce quatuor a mis au point un mélange hautement inflammable d’afro-punk et de grime importé d’Angleterre. Parler de fournaise semble un eu- phémisme. Pas d’uptempo dopé mais des rythmiques énervées sous de rugueuses notes électroniques (« Chop Me Down », « The Devil Made Me Do It »). Il y a beaucoup d’électricité dans l’air. Dans cette tension permanente doublée d’une atmosphère horrifique qui pourrait faire frissonner des Dope D.O.D. (la référence dans le genre), les deux rappeurs de DOOKOOM sont revenus à l’état sauvage avec des lyrics carnivores et révolutionnaires. Tenez, rien que le titre « Bitch, I Poop » (« pét****e, je suis en train de ch*er », NdT) témoigne de cet esprit primaire. La chanteuse Lilith que l’on découvre sur « Marrafuka » dans un style moyen-oriental n’a rien d’un ange non plus. Avoir le CD entre les mains est aussi dangereux qu’avoir un bâton de dynamite à mèche courte. Les DOOKOOM font sensation au point de générer des rushs d’adrénaline. Est-ce que NO ! inflige une gifle à rompre la nuque ? Réponse catégorique : OUI ! Que vous le vouliez ou non. ✎ Sagittarius I http://www.nowplaying-mag.com Date de sortie : 04/03/2016 Durée : 59 min Nationalité : ZA Styles : hip-hop/rap grime / hardcore / noise / punk trap Date de sortie : 16/09/2016 Durée : 54 min Nationalité : ZA Styles : Electro/ Hip-hop/Rap / GRIME ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 33

34. ALBUMS DALËK Asphalt For Eden (Profound Lore) Noise rap, voilà derrière quelle étiquette unanime- ment attribuée se cache la discographie du collectif Dälek. L’effet de surprise de ce nouvel hybride musical avait définitivement pris fin avec la perle “Gutter Tactics” déjà très noir, faisant office de frère siamois hip-hop de l’œuvre des Sonic Youth. Sept ans plus tard (quelques collaborations ayant jalonné cette période), le collectif New-Yorkais nous revient avec la dure tâche de succéder à un album qui a tout du culte. Dur de se mettre au diapason de la créativité, de la profusion sonore (une ébul- lition métallique constante), en voici notre verdict. Un élément frappe dès que l’on place “Asphalt For Eden” en perspective de son illustre prédéces- seur : exit la rudesse et les multiples dissonances erratiques. De fait, c’est presque le contraire auquel on a droit, une sorte d’ambient, sans rup- ture. L’atmosphère est toujours sombre mais pas spécialement dérangeante, plus classique. Ainsi, un Masked Laughter (Nothing’s Left) évoque bien plus un Mogwaï synthétique qu’un Thurston Moore maléfique. Aussi, que dire de l’interminable 6dB, un titre qui ressemblerait presque à une intro qui ne trouverait pas de suite. “Asphalt For Eden” c’est cela, une sorte de pendant urbain et obscur du new age. Alors oui, le chant est là pour apporter sa rythmique mais encore une fois tout est plus dans le liant que dans l’uppercut. Un flow fuy- ant, qui glisse entre les doigts au même titre que l’accompagnement musical, là où “Gutter Tactics” semblait trop dangereux et douloureux pour tenter de s’en saisir. Dälek a donc décidé de passer par d’autres vecteurs musicaux plutôt que réchauffer les recettes du monumental “Gutter Tactics”. En ce qui nous con- cerne, on ne peut que louer la démarche originale, mais le nombre de références à ce dernier dans cet article résume assez bien l’effet principal de “Asphalt For Eden”, qui aura ramené à notre bon souvenir son prédécesseur. S’il ne devait en rester qu’un titre : Guaranteed Struggle. ✎ Willou Iwww.indiepoprock.fr Date de sortie : 22/04/2016 Durée : 38 min Nationalité : US Styles : Hip-Hop/Rap Underground Rap Noise 34 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 10Pute Poupée Russe (Atypeek Music) 10PUTE écrit sur ce qu’elle vit, ce qu’elle sent, les gens qu’elle rencontre, sur les murs, sur sa peau. Performeuse et chorégraphe, elle raconte avec la danse, le tatouage et la musique. 10PUTE vous invite à un récital de 8 titres empreint d’une posture quotidienne engagée dans sa vie d’artiste nomade, féministe queer pro sex. Ce premier album produit par Mika Pusse et mastérisé par Patrick Müller, ce disque ne pouvait qu’être marqué d’une singularité et d’une qualité remarquable à l’image cette rencontre. Une sorte de blues électronique contemporain vient vous susurrer à l’oreille les espaces de liberté qu’il reste à découvrir. Cette performance, parce que c’est bien de cela qui s’agit tisse des liens entre des histoires au travers de ces chansons pour aborder les problématiques qui la transforment et qui façonnent le monde. Poupée Russe propose une poétique intimiste entre sons, voix, et états de corps. Laissez-vous embarquer pour ce voyage initiatique, il en vaut largement le détour. ✎ CF Date de sortie : 15/04/2016 Durée : 33 mn Nationalité : FR/IS Styles : Electroclash EXPERIMENTAL 10PUTE©DR In Love With Axel Erotic (BeCoq / Atypeek Music) Les signes de l’amour (sous toutes ses formes, des plus crues aux plus sublimées) sont récurrents dans la sphère du Tricollectif et entours, et ce depuis « Q » (avec déjà Sylvain Darrifourcq) jusqu’au présent Axel Erotic [1] en passant par la désormais célèbre Loving Suite For Birdy So et, bien sûr, le Tribute To Lucienne Boyer et son « Parlez-moi d’amour ». On attendait avec impatience ce disque, car on en avait eu un avant-goût délicieux dans la compilation du « Tricot ». Et « Bien peigné en toute occasion » est devenu le titre inaugural du présent CD. Dès cette entame, en forme de course à l’abîme, on sait qu’on sera retenu jusqu’au bout. Car il y a de la musique tout le temps, et on se dit même parfois que ce n’est pas si compli- qué que ça au fond : un rythme, des harmonies qui s’enchaînent, une mélodie qui surgit et disparaît. Et puis un autre rythme, ou plusieurs, des couleurs qui changent, des histoires qui se succèdent. Où ça jouit bien sûr, puisque nous sommes bien In Love With (nom du groupe qu’on pourrait dire de Sylvain Darrifourcq puisque c’est lui qui signe toutes les compositions), sous le titre Axel Erotic. Et si ça jouit, ça risque aussi d’exister, ce qui ne va pas de soi quand il serait si simple de seulement vivre. C’est-à-dire dormir. Écoutez par exemple « À saveur de très beurre », qui succède au premier titre, avec sa pulsation quasi organique constante, et les multiples agacements qui viennent en ponctuer la répétition. Elle s’enchaîne directement avec « Asil Guide » qui joue sur de petits motifs bond- issants comme des fusées d’artifice. Et le lien se fait encore directement avec « Sexy Champagne », une courte pièce en forme de pendule ironique. Et quand la pendule déraille, arrivent bien sûr « Les flics de la police », qui enflent jusqu’à une inexorable marche à l’échafaud. Imaginez la suite, et laissez vous porter jusqu’aux emportements crescendo du final. Est-il nécessaire de dire que Théo Ceccaldi et son frère Valentin, sont pour beaucoup dans cette lumière musicale qui nous arrive, et avec l’amour s’il vous plaît. Il nous plaît. ✎ Philippe Méziat Iwww.citizenjazz.com Date de sortie : 22/03/2016 Durée : 35min Nationalité : FR Styles : FREE JAZZ EXPERIMENTAL / IMPROVISATION

35. Nick Cave ©DR ALBUMS “Let us go now, my darling companion. Set out for the distant skies. See the sun. See it rising. See it risng. Rising in your eyes” “Les arbres se moquent bien du chant des oiseaux…” On pinaille, on tergiverse. Nick Cave n’aurait rien sorti de bon depuis longtemps, aurait perdu de sa superbe, et sa plus belle période est derrière lui. Nous n’avons pas dû écouter le même disque car Push the Sky Away était tout bonnement superbe. Et qu’on l’accepte ou non, et c’est forcément mieux et plus intéressant musicalement ainsi, sa musique n’a cessé d’évoluer, cherchant toujours à “repousser le ciel”. Nick Cave s’est imposé définitivement comme une figure majeure de la musique rock, noire, habitée et radicale. Skeleton Tree n’est pas encore sorti que la toile et les réseaux sociaux ne parlent que de ce disque. Normal. À chacun de donner son avis, forcément définitif, en une journée, grâce à des liens de téléchargement. C’est assez pittoresque à une époque où l’on ne cesse de parler des qualités d’écoute du disque vinyle, et pas qu’entre parenthèses d’ailleurs, ce n’est pas la plus grande marque de respect pour un musicien et son travail. Peut-on détacher Skeleton Tree de ce qui est arrivé à son auteur, soit le décès accidentel de son fils ? Un de ses fils s’est tué en juillet 2015 après avoir chuté sous l’emprise du LSD d’une falaise à Brighton. Pour Nick Cave qui avait trouvé une certaine sérénité grâce notamment à sa famille, ce fut un coup dur. Mais pour qui cela ne le serait pas ? La mort d’un enfant va contre le sens même de la vie, quel père ne préférait pas mourir cent fois que de voir partir l’un de ses enfants ? Une grande partie des huit titres ayant été écrits avant l’accident, à peu près au moment où sortait 20 000 Days on Earth, il est donc faux de faire de ce disque une œuvre totalement cathartique. Pour cela, il faut voir One more time with feeling, documentaire pas forcément génial, réalisé par son ami Andrew Dominik (Chopper, L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford), où l’on assiste à des séances en studio et aux confessions du chanteur sur les répercus- sions de la mort de son fils sur sa vie, sur sa musique. Seul véritable “beau” moment : le générique de fin où l’on entend les voix des jumeaux Arthur et Earl reprendre “Deep Water”, le titre composé par leur père pour Marianne Faithfull est absolument déchirant. “Nun seh’ ich wohl, warum so dunkle Flammen”. Si le désespoir, le chagrin sont présents ils sont ailleurs. Dans la projection que nous en faisons sur les chansons, dans l’interprétation, sombre, habitée et pourtant presque absente parfois, “espressivo con doloroso” et dans les arrangements jouant l’économie (ce qui ne veut pas dire qu’il n’y a pas un véritable travail sur le son) signés par l’omniprésent vieux frère Warren Ellis. Skeleton Tree est donc un disque ambivalent, quelque part entre l’ombre et la lumière que nous voulons y voir, miroir de notre propre détresse. “You grow old and you grow cold”. La mort, thème qui traverse l’intégralité de la discographie du musicien Australien, et la religion (le christ, la résignation du legs des âmes à Dieu : “You believe in God, but you get no special dispensation for this belief now” dans “Jesus Alone”) sont naturellement présentes encore ici. Mais Skeleton Tree est un disque plus cru, plus brut (le très sombre “Jesus Alone”, “Girl In Amber”, “Magneto”), intime et bouleversant (le très beau “Distant Sky” en duo avec Else Torp, “I need you”). Quant aux textes ils sont toujours aussi intenses, poésie témoignant d’une profonde mélancolie. “Nun will die Sonn’ so hell aufgeh’n”. Comment ne pas faire un rapprochement, avec les Kindertotenlieder de Gustav Mahler, recueil de cinq Chants sur la mort d’enfants ? Le sens de cette œuvre est l’espoir d’une rédemption après, mais aussi et surtout par-delà le deuil, espoir qui sera constamment symbolisé par la lumière. Le titre final, “Skeleton Tree” pourrait par ses harmonies majeures symboliser cette lumière. On ne saurait passer également sous silence l’importance de l’orchestration comme porteuse de sens aussi bien dans les Kindertotenlieder que dans ce Skeleton Tree. Dans les deux cas, cette orchestration joue la réduction, le choix du timbre. Il est encore trop tôt pour dire si ce Skeleton Tree marquera la carrière de son auteur, qu’il soit très bien, cela nous pouvons l’affirmer. Date de sortie : 09/09-/2016 Durée : 39 min Nationalité : AS Styles : ROCK ✎ Le Noise (Jérôme Gillet) Iwww.froggydelight.com Nick Cave The Bad Seeds Skeleton TreE (Bad Seed Ltd)

36. ALBUMS LA GALE Salem city rockers (Vitesse Records) Que ceux qui s’émerveillent devant la féminisation du rap hardcore se jettent directement sur Salem city rockers de La Gale. Représenté par l’actrice suis-so-libanaise et ancienne punk-rockeuse Karine Guillard, en tant qu’MC, et produit par le beatmaker Al’Tarba - que l’on ne vous présente plus - avec son acolyte de Sick Digger Recordz I.N.C.H., ce deuxième album est marqué par la révolte et le désenchantement. Le ton hargneux et les textes fielleux abordant des sujets d’actualité assez com- muns au rap (l’establishment, l’immigration…), font inévitablement penser aux travaux de La Rumeur (avec qui la rappeuse est amie depuis la série TV « De l’encre »), Keny Arkana ou Casey. Sans pour autant être une redite, La Gale sait admirablement faire l’union entre des sonorités modernes et un hip-hop loin des modes actuelles, plutôt inspiré d’ailleurs par celui des 90’s. Pas vraiment étonnant lorsque l’on sait qui gère la prod’ derrière. Salem city rockers est la confluence de plusieurs artistes (l’album compte pas mal de featurings) parlant le même langage, celui de l’indépendance d’une part, et de l’ouverture (musicale ou non) d’autre part. Un projet super abouti, jusqu’à la réalisation de l’artwork par Ammo, dont le thème est la sorcellerie. Bref, un gros doigt aux rigoristes de tous bords qui ferait bien de choper La Gale, soit dit en passant. ✎ Ted I www.w-fenec.org Date de sortie : 02/10/2015 Nationalité : CH Styles : hip-hop / rap Fange PurgE (Throatruiner Lost Pilgrims Records) En v’la du gras, en v’la. À l’origine simple side- projet du guitariste de Huata, Fange avait créé la sensation en 2014 avec Poisse, premier album particulièrement visqueux et lourd, en un mot comme en cent (en sang) : violent. Une réussite due à un je-ne-sais-quoi de bricoler (et donc de spontanément crade) et à ce mélange détonnant de guitares saturées et grésillantes et de bidouilles bruitistes ; soit la rencontre entre un hardcore lent et gluant et quelques tentatives de harshnoise manuel. Il fallait juste y penser, mais le mariage, même du bout de la langue, entre Merzbow et Buzzov-en semblait enfin consommé, pour le meilleur évidemment. Quelques changements de line-up plus tard – à savoir l’arrivée d’un nouveau batteur et celle de Matthias Jungbluth, grand timonier du label Throatruiner, titularisé au poste de chanteur – Fange est enfin de retour avec un deuxième album, le bien nommé Purge. L’idée est toujours la même à savoir balancer des riffs d’une crasse et d’une épaisseur infinies sur fond de rythmes martelés avec sadisme et de saloperies harsh et autres. Ce qui change, c’est le son et la production gé- nérale du disque : fini les approximations pleines de charme vénéneux de Poisse, place à un plus gros son, un son plus maîtrisé et, fatalement plus calibré. Mais que l’on se rassure… à une époque ou les groupes de hardcore et affiliés ont tend- ance à tous sonner de la même façon (Kurt Ballou motherfucker), Fange tire largement son épingle du jeu – un autre exemple en la matière, bien que complètement différent musicalement, serait les Lyonnais de Plèvre. Alors, si Purge fait un peu moins peur que Poisse, il fait quand même beaucoup plus mal, surtout avec les titres Roy-Vermine, Étouffoir et De Guerre Lasse, trilogie infernale et noyau dur d’un album particulièrement poisseux et malsain. Laissez-vous donc malmener… ✎ Hazam Date de sortie : 02/09/2016 Nationalité : FR Styles : death metal / harsh noise / crust metallic hardcore Nina Hagen Nina Die Beste ! Kompilieren Fur 60 Jahre Jubilaum (2015) (Unofficial) Avec ses couettes brunes ou multicolores encadrant son visage aux traits outrés, Nina Hagen semblait déjà inventer le personnage d’Harley Quinn une vingtaine d’années avant sa création. Diva psyché à la voix caméléon qui sut s’étirer aussi bien sur une tessiture immense que sur une gamine de genres mêlant rock (psychédélique, indé), pop, punk, métal et chant lyrique. De l’opéra allemand en pleine déflagration rock, voila, entre autres, ce qui s’échappait de la bouche déformée par les ondulations vocales de la Germanique surexcitée. Impératrice du braillement stylisé, elle devait hurler sa langue natale ou balader son accent sur ces titres en anglais pendant trente ans, ayant réussi à s’adapter à tous les soubresauts de la musique, des années 70 jusqu’aux années 2010. Une compilation rassemblant les grands suc- cès de sa carrière a donc de quoi ressembler à un bestiaire extraordinaire bondé d’anomalies curieuses de la génétique animale : de Du Hast Den Farbfilm Vergessen (1974) en passant par sa collaboration avec Apocalyptica (2003) jusqu’à Am Dunklen Fluss (2014). Et bien sûr, African Reggae (1979), Smack Jack (1982), New York, New York (1983) ou encore Russischer Reggae (1985). Enfin, également, sa reprise inoubliable de My Way (1980). Actrice aux yeux exorbités par ses vociférations majestueuses, elle pousse ses rôles jusqu’à la caricature grotesque et fascine par son sens affirmé du grandiloquent, de l’excentrique, extravagance démultipliée par ses shows survoltés. Une énergie qui explique la longévité de son charisme sidérant puisqu’il s’agit d’un grand écart sur trois décennies. Mais qu’est- ce qu’un grand écart de cette envergure pour une femme qui a alimenté ses prestations scéniques de pirouettes et de gestes désarticulés en tout genre ? ! Une gymnastique horrifique aussi célèbre que ses déguisements chamarrés, ses grimaces démesurées et son maquillage sombre hérissant son visage de pointes noires. Tout comme sa voix qui n’a eu de cesse de gagner en éraillement bluesy, son masque de scène n’aura jamais vieilli. ✎ Jonathan Allirand Date de sortie : 2015 Nationalité : DE Styles : pop / punk métal LAGALE©DR 36 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

37. Ces plateformes dominent le marché et se revendiquent faussement comme de simples intermédiaires techniques. Leur statut d’hébergeur, prévu par le droit européen, ne les obligent pas à rémunérer les créateurs. QUEL EST LE PROBLÈME ? QUE FAIRE ? Les plateformes de services donnent accès à des contenus agrégés ou téléchargés par leurs utilisateurs. Les fournisseurs de services numériques donnent accès à des contenus sous licences. Une part équitable des revenus pour les créateurs         graphicdesign~nikisiou Il existe 2 types de fournisseurs de contenus culturels qui, tous deux, devraient suivre les mêmes règles concernant le droit d’auteur. Et pourtant, ils ne le font pas ; créant ainsi une distorsion de concurrence. Réviser le droit d’auteur européen pour clariﬁer le statut de ces plateformes qui rendent ces contenus culturels accessibles au public. Elles ne pourront ainsi pas échapper à leurs obligations de rémunération des créateurs. C’EST CE QU’ON APPELLE : LE TRANSFERT DE VALEUR. RÉSULTAT  Utilisateurs actifs en Europe : 600 millions par mois. Utilisateurs actifs en Europe : 60 millions par mois. € Les fournisseurs rémunèrent les créateurs pour l’utilisation de leurs œuvres et se trouvent en concurrence directe avec certaines plateformes qui n’ont pas les mêmes obligations. POUR UNE JUSTE RÉMUNÉRATION DES CRÉATEURS SUR INTERNET  Les contenus culturels génèrent d’importants revenus pour les plateformes en ligne. Mais une part inﬁme de ces revenus revient aux créateurs de ces contenus. Des conditions de concurrence équitable sur le marché. Plus d’innovation et une offre plus large pour tous. WWW.AUTHORSOCIETIES.EU

38. ALBUMS Crystal Castles Amnesty (I) (Casablanca / Fiction) Quand il y a deux ans Alice a annoncé avec perte et fracas la fin de sa collaboration avec son com- parse, on en avait logiquement déduit que Crystal castles n’existait plus. Et puis, Ethan Kath a lancé un nouveau titre, annoncé la suite de l’aventure et, dans le même temps, affirmé que la contribu- tion d’Alice à la musique de Crystal castles était de toute façon mineure. Car le long de leurs trois albums ensemble, Ethan Kath et Alice Glass ont évolué, les climats épais et introspectifs de “(III)” n’ayant pas grand chose à voir avec l’ambiance incendiaire et foutraque de leur premier opus. Et en aucun cas on ne croira que cette évolution n’ait pas été le résultat d’une émulation entre deux personnalités mais le seul fait d’Ethan Kath. Depuis, Edith Frances a pris la place d’Alice Glass au chant et, sur Frail, le premier titre sur lequel elle est apparue et qu’on retrouve sur “Amnesty (I)”, la première réflexion qui nous est venue est que sa voix fait étrangement penser au timbre de celle qui l’a précédée… À bien y écouter pourtant, Edith Frances n’a pas le grain de folie et le magnétisme d’Alice Glass, aspect particulièrement criant quand Edith se lance dans ce qui ressemble presque à de la singerie (Enth). En revanche, elle se montre plutôt à son avantage dans les passages plus nuancés où elle peut installer un chant plus “classique”, sur Char par exemple, ou sur Sadist. Musicalement, “Amnesty (I)” est sans ambiguïté possible un album de Crystal castles, le côté brut et binaire de Fleece, la mélodie catchy de Char en dépit de sonorités basiques, les rythmes endiablés et les moments faussement apaisés, l’identité et la marque de fabrique sont là. Cependant, “Amnesty (I)” est un disque sur lequel Ethan Kath recycle, souvent avec pertinence. En d’autres termes, si on se montre clément, c’est avant tout parce qu’il faut aborder l’album comme un redémarrage. Reste à savoir maintenant à quoi ressemblera la suite. L’opération survie est accomplie, l’étape réinvention s’annonce beaucoup plus ardue. ✎ Hervé Iwww.indiepoprock.fr Date de sortie : 19/08/2016 Durée : 33 min Nationalité : CA Styles : new rave electro Experimental Pinku Saido Démo 2016 (AUTOPRODUIT) Pinku Saido est un groupe basé à Lyon avec quelques têtes connues dedans (je crois bien avoir déjà avoir croisé le guitariste quelques fois) et dont voici la toute première démo, enregistrée à la maison, au local de répète quoi, publiée uniquement en cassette et écoutable à vie sur le bandcamp du groupe. Pour un machin enregistré avec les moyens du bord et mixé au fond des chiottes, le résultat est plus que convaincant. D’abord parce que le punk-rock de Pinku Saido est enrichi d’une bonne dose de mélodies psyché qui donne un attrait certain à cette démo qui contient ainsi quelques titres qui ne seraient pas loin de devenir des tubes avec une bonne prod. Et puis il y a le chant féminin et en japonais qui, en dépit d’une prise de son un peu aléatoire, attire inévitablement l’oreille. Oui, c’est beau le japonais. Et ça colle parfaitement à cette musique de jeunesse éternelle. Aux dernières nouvelles Pinku Saido aurait enregistré un vrai disque, dans de bonnes conditions, en studio donc, un disque prévu pour le courant de l’année 2017. On en reparlera en temps voulu, et en attendant laissez-moi terminer mon pain-frites tranquillement. ✎ Hazam Date de sortie : 29/01/2016 Durée : 17 min Nationalité : FR Styles : punk psychedelic apollonius abraham schwarz apollonius abraham schwarz (Atypeek Music) Véritable coup de cœur sur scène, ce trio de Lausanne en Suisse, au nom intrigant et à la configuration originale, risque bien d’en surprendre un grand nombre avec ce premier album éponyme abrasif à contre-courant. Mené par le guitariste compositeur David Doyon, gourou exalté au jeu inimitable et survolté, Ap0llonius AbRaham ScHwartz est l’incarnation du groupe qui fait réfléchir son public tout en lui faisant remuer la tête et taper du pied ! Jusqu’à un certain point, il est vrai, étant donné la richesse rythmique affichée. Complexe et abordable à la fois, le trio s’alimente de sons de guitares tantôt doux tantôt grinçants mais aussi et pour le coup, d’une originalité déconcertante avec la présence du saxophone baryton de Laurent Waeber. Remplaçant d’une basse en quelque sorte, il réussit à administrer une touche de mélodie profonde que d’autres instruments ne permettraient pas d’obtenir. Autre élément indispensable et d’une flamboyance toute particulière, la batterie de Dominic Frey, magicien des fûts, cymbales et autre wok. Il amène une dynamique élégante et ravageuse, même dans les signatures rythmiques les plus asymétriques. Certains morceaux dominent par leurs phrases accrocheuses, pertinentes et démonstratives comme dans « Scum », « Le Baron vampire » ou « Lamel- lirostre », ceux plus courts servant de sas de décom- pression et d’expérimentations comme « Odessa » ou « Le miel de Dersim ». Tout est idéalement agencé pour produire l’effet de rebondissements et à la fois d’homogénéité. Il y a toujours de l’intention pour le meilleur des effets. Ap0llonius AbRaham ScHwartz signe ici une perle à la fois de RIO mais aussi de math- rock, le véritable, celui qui sait compter, empiler, décaler, déconstruire. L’écriture soignée démontre que l’expérimentation n’est pas le fruit du hasard ou d’une improvisation approximative ou fortuite mais bien d’une réflexion profonde, ancrée dans les divers recoins du rock et du jazz dont les sonorités se mélangent ici à foison. Brillant ! ✎ Alexandre Lézy Iwww.chromatique.net Date de sortie : 20/10/2016 Durée : 48 min Nationalité : CH Styles : RIO MATH ROCK PinkuSaido©DR 38 ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016

39. ZËRO©DR Zëro San Francisco (Ici d’ailleurs) Une fois de plus concis, San Francisco montre un Zëro prototypique dans ses envies d’exploration et d’ouverture. De Places Where We Go In Dreams, Zëro n’a gardé que le monochrome, la dichotomie et la concision. Cette fois-ci, la pochette est rouge mais renferme toujours des morceaux tiraillés entre élans cinématographiques et fulgurances noise, tour à tour oniriques et tendus et l’ensemble est plutôt ramassé dans le temps. Ça n’a d’ailleurs pas dû être une mince affaire de distribuer des morceaux aussi disparates que Lac Baïkal, plutôt posé et synthétique, Cheap Dream Elevator, très pop (voire virevoltant) et Cracking par exemple, plus prototypique de Zëro et donc plus incisif, sans rompre le paradigme. Triturant en permanence la matière sonore, ce cinquième album est tout à la fois indivisible et éclaté. Pourtant, Zëro n’arrondit aucunement ses angles, la tension reste intacte et bien présente mais elle peut désormais naître d’une ataraxie qui lui sied joliment. Le dernier morceau éponyme est d’ailleurs très représentatif de cette langueur nouvelle. Porté par une batterie à peine effleurée et un motif de guitare hypnotique, il nous emmène dans une forme d’errance qui perdure longtemps après que la dernière note se soit tue. Et puis il y a aussi Ich… Ein Groupie, planqué en deuxième position, qui expose au grand jour des racines pop plutôt bien cachées jusqu’ici (mais pas absentes), comme si le trio avait voulu ouvrir les fenêtres en grand pour pousser les murs et changer de focale. Quelque chose comme un grand-angle encore plus grand. Ce qui fait sans doute de San Francisco l’album le plus varié de Zëro, le plus libre aussi. Alors bien sûr, il fait partie des murs - c’est bien ce que montre la pochette - mais en s’autorisant tout sans jamais faire n’importe quoi, Zëro continue à surprendre, de plus en plus libre, de plus en plus serein. Et toujours pertinent. ✎ Leoluce Iwww.indierockmag.com Date de sortie : 26/02/2015 Durée : 35 min Nationalité : FR Styles : INDIE / NOISE Felix Kubin Das Mineralorchester II : Music For Film and Theatre ((Dekorder)) Artiste inclassable et fondateur du label Gagarin Records, Felix Kubin joue depuis plus d’un quart de siècle à contourner les genres et les faire exploser au contact de ses désirs, mélangeant une certaine dose d’humour et de dadaïsme, de collages im- probables et de musique concrète complètement décervelée, de punk attitude et de noise avec son groupe Klangkrieg avec Tim Buhre, de pop déviante à l’image des albums sortis aux cotés de Pia Burnette. Felix Kubin a aussi beaucoup composé pour le théâ- tre, la radio et le cinéma. Avec cette compilation II : Music For Film and Theatre, il regroupe des titres réalisés pour la pièce de théâtre Makbet Remix du polonais Robert Florczak ainsi que la B.O. du ﬁlm d’animation Somnambule de Hanke Feuchtenberger, entre autres., où l’on peut apprécier toute la diversité de l’artiste allemand, alternant les registres et les ambiances, capable de jouer avec les collages ou les compositions orchestrales, de faire exploser les rythmes en vol avant de nous rattraper à coups de cordes ou d’expérimentations enivrantes. Felix Kubin est doté d’une solide capacité à élaborer des titres, qui même sortis de leur contexte continuent de créer leur lot d’images et d’écrire leurs propres histoires de par leur puissance évocatrice, énorme chaudron magique où le trip hop peut se muer en électro inquiétante, où l’expérimental peut virer au jeu d’enfant doté d’un humour couperet aux airs d’innocence pernicieuse. Une partie seulement du talent de Félix Kubin est concentré à travers cette compilation, parfaite introduction au monde d’un producteur au talent hors-norme. Jouissif. ✎ Roland Torres Iwww.silenceandsound.me Date de sortie : 30/09/2016 Durée : 48 min Nationalité : GE Styles : ELECRONIC EXPéRIMENTAL FelixKubin©MarthaColburn ATYPEEK MAG #01 OCT./NOV./DEC. 2016 39

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