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Music Never Ends

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Music is an adventure. It can choke your life out of touch with the world. It can build around you and in your mind a world that is so real you may even forget to breathe. And music is at its best when voices tell a story haunted by the music itself. I even think that ballet is even more powerful since it offers the audience the bodies of the dancers for this audience to admire them, dream of them, desire them within the shrine of the dramatic story told by the voices and wrapped up in the music itself.

And a silence comes in this sound world. The voices just suspend their gliding in the air and the dancers freeze in suspended movement. In such an instant of total suspension the mind, the soul, the senses, all are thrilled into admiration and ecstasy. And the silence comes to an end. Bliss comes back. Blessed be the music that never ends and only suspends its flight for one beat or half a beat.

In the following numerous pages, whose number grows every quarter or so and will go on growing forever, or at least till death us parts, the newer pages are often at the top and open the collection. And this time it is John Adams and his operas that give the first opening salvo. More will come later. I am on Stravinsky right now. That will come later and I guess I could many older episodes. And enjoy the numerous pictures of this Musical Heaven.

I can’t resist and give the reference to the book Ivan Eve and I have published together on Handel’s Agrippina and countertenors in opera. That should be the appetizer. Just enjoy it intensely.

Olliergues March 1, 2018
Dr. Jacques COULARDEAU

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Music Never Ends

  1. 1. Music is an adventure. It can choke your life out of touch with the world. It can build around you and in your mind a world that is so real you may even forget to breathe. And music is at its best when voices tell a story haunted by the music itself. I even think that ballet is even more powerful since it offers the audience the bodies of the dancers for this audience to admire them, dream of them, desire them within the shrine of the dramatic story told by the voices and wrapped up in the music itself. And a silence comes in this sound world. The voices just suspend their gliding in the air and the dancers freeze in suspended movement. In such an instant of total suspension the mind, the soul, the senses, all are thrilled into admiration and ecstasy. And the silence comes to an end. Bliss comes back. Blessed be the music that never ends and only suspends its flight for one beat or half a beat. In the following numerous pages, whose number grows every quarter or so and will go on growing forever, or at least tille death us parts, the newer pages are often at the top and open the collection. And this time it is John Adams and his operas that give the first opening salvo. More will come later. I am on Stravinsky right now. That will come later and I guess I could many older episodes. And enjoy the numerous pictures of this Musical Heaven. I can’t resist and give the reference to the book Ivan Eve and I have published together on Handel’s Agrippina and countertenors in opera. That should be the appetizer. Just enjoy it intensely. Olliergues March 1, 2018 Dr. Jacques COULARDEAU
  2. 2. Jacques Coulardeau & Ivan Eve at Amazon KDP HANDEL'S AGRIPPINA MODERN INTERPRETATIONS AND THE ROLE OF COUNTERTENORS [Format Kindle] Jacques COULARDEAU (Auteur), Ivan EVE (Auteur), Annunzio COULARDEAU (Illustrations) Handel's Agrippina was composed for the Carnival of Venice in 1709. It counts three male voices in the countertenor pitch and range in those days most often held by castratos. Centering on Jean-Claude Malgoire's 2004 production first to come out on DVD, comparing it with two other productions on DVD that came out in the following years, but also with the recent production of Handel's Faramondo, we study the four different dramatic values of countertenors in Handel's operas. This leads us to an in-depth study of the re- emergence of countertenors after at least two centuries of quasi-silence. Is it a transient fad, a freaky sham or a long-running phenomenon? We will meet with two opposed opinions: Russell Oberlin's in 2004 and Laura E. DeMarco's in 2002. I will more or less follow Russell Oberlin who considers they allow the production of Handel's operas and oratorios that had disappeared for two hundred and fifty years. Why can we witness now this epiphanic resurrection? We are far from having all the answers to that simple question. APPENDICES (Only English original resources and reviews) 1- HANDEL – MALGOIRE – AGRIPPINA 2- PHILIPPE JAROUSSKY – STABAT MATER, MOTETS TO THE VIRGIN MARY 3- PHILIPPE JARROUSKY – VIVALDI – VIRTUOSO CANTATAS 4- JOHANN CHRISTIAN BACH – PHILIPPE JAROUSSKY 5- VIVALDI – ERCOLE SUL TERMODONTE – PHILIPPE JAROUSSKY 6- LE CONCERT D’ASTRÉE – EMMANUELLE HAÏM – UNE FËTE BAROQUE 7- PHILIPPE JAROUSSKY - MAX EMMANUEL CENCIC – DUETTI 8- L’ARPEGGIATA – PHILIPPE JAROUSSKY – LOS PAJAROS PERDIDOS 9- HANDEL – FARAMONDO – MAX EMMANUEL CENCIC (FARAMONDO) – PHILIPPE JAROUSSKY (ADOLFO) – XAVIER SABATA (GERNANDO) – TERRY WEY (CHILDERICO) – LUGANO RADIO SVIZZERA 2008 10- GEORG FRIEDRICH HANDEL – ARNOLD OSTMAN – AGRIPPINA 11- JAN WILLEM DE VRIEND – EVA BUCHMANN – HANDEL – AGRIPPINA 12- PHILIPPE JAROUSSKY – THE VOICE – LA VOIX DES RÊVES 13- LEONARDO VINCI – ARTASERSE – PHILIPPE JAROUSSKY – MAX EMMANUEL CENCIC – DANIEL BEHLE (tenor) – FRANCO FAGIOLI – VALER BARNS- SABADUS – YURIY MYNENKO – CONCERTO KÖLN – DIEGO FASOLIS – 2012 14- RUSSELL OBERLIN, AMERICA’S LEGENDARY COUNTERTENOR – RADIO CANADA – 1961 – 1962 – 2004 Editeur : Editions La Dondaine; 11 avril 2013; 146 pages Vendu par : Amazon Media EU SARL Langue : Anglais ASIN: B00CC2KIME Amazon.fr € 6,34, Amazon.com$8.24
  3. 3. Beautiful Music is Spiritual and Prophetic https://medium.com/@JacquesCoulardeau/beautiful- music-is-spiritual-and-prophetic-dfdba188f313 You cannot chain John Adams to his chair John ADAMS and the Opera A retrospective of all operas composed and produced by John Adams both on stage or on screen. Dr. Jacques COULARDEAU I have collected here all I have written on the operas produced so far by John Adams, plus two Chinese extensions for Nixon In China. It shows how John Adams started with a political opera, Nixon In China, and he continued with two more, The Death of Klinghoffer and Dr. Atomic. The other operas are spiritual and referring to several spiritual experiences: The Christian one of course, but also the Hindu way of thinking and the old Inca way of living. John Adams is a highly spiritual and committed composer in his operas: committed to the spiritual regeneration of the world needed in our century. He is also typical of someone who grew in the Western world, mixing Christian and Jewish traditions but vastly opening his interest onto other ways of behaving in the world and seeing that world. First of all, the Hindu tradition, then the Inca tradition and finally Islam. Let’s note the Islamic approach in The Death of Klinghoffer is clear in the opera but messed up in the film adapted from that opera. I regret it. The last element I want to say is that John Adams finds it easy to integrate what has always been seen as apocryphal if not heretic within the Christian context and his defense of the point of view of the third Mary at the foot of the cross, Mary Magdalene, the Mary Jesus loved in his own way but as a love partner and not only a soul to be saved, is exemplary. That brings us back to so deep roots in our culture that I would need pages to explain her position and role. Let’s say she was present in the
  4. 4. Catholic faith up to the 9th or 10th centuries, as I have been able to record in old Romanesque churches in Auvergne, France. She was also identified as a Christian Demeter, hence the Christian triple goddess (and she is the “third” Mary at the foot of the cross). And that makes things very difficult after the 11th century. In my village, there is, in an old church, an undated stone with a wolf, or rather a female wolf, a wolf-bitch, if you are not offended by this word, and the inscription refers to DRIMIDRI, in other words, a ternary DIMIDRI or DEMETER, the triple goddess par excellence. That stone must go back to very old times since the church started being built on an old sacred site (Roman and Celtic) around the 9th century. These Celtic and Gallo-Roman layers in the village have been attested in many ways. In Pignols in Livradois there is a very old castle chapel that has not been destroyed, burnt or damaged by the French Revolution and that has what we can consider its original decoration going back to the 9th century, waiting for some restoration work that might eventually come. This Church is dedicated to the place where it stands, Pignols, meaning the place where pine cones grow and pine cones are the symbol of Demeter, the triple goddess again. Inside, the whole dedication is to light, and of course Mary Magdalene who is identified as the light giver. This light is represented with all sorts of images and symbols, particularly flowers and a surprising swastika, the Indian type, not the Nazi type. And this symbol shows how open this country, this old Christianity was to influences from the East, the Far East, the distant East. But the most surprising element is the Christ sitting in glory in his mandorla on the ceiling of the apse of the church. For him to represent light, LUX in Latin, his image has been slightly transformed. He holds the book in his right hand and he blesses with his left arm and what is thought at first to be a left hand and, after close examination, is a right hand grafted on his left arm. And here is the symbol. His right arm is holding the book in a square L. Then his left arm and elbow are pointing up to be able to bless with a right hand grafted on the left arm and that makes the letter V or U that are the same letter in Latin. Finally, the book and the blessing hand have been crossed from left to right and from right to left and here is the final X. That’s the kind of spirituality you find in John Adams, a spirituality that does not desecrate what people believe in but that looks for a limit in order to bring people beyond that limit not as a transgression but as an opening,
  5. 5. an extension, as mental widening. Then be patient with humanity and enter this world of mental experience that is at the heart of our human destiny. Table of Contents 1- Monday, August 25, 2014, Youmustbeafooltobelieveyouare makinghistory JOHN ADAMS – ELLIE CAULKINS OPERA HOUSE – DENVER, COLORADO – MARIN ALSOP – COLORADO SYMPHONY ORCHESTRA – COLORADO OPERA CHORUS – 2008 – NIXON IN CHINA – 1987 2- Friday, August 29, 2014, It'sashameMaoisdepictedasaninvalid sex-obsessedoldranterandraver JOHN ADAMS – ALICE GOODMAN – PETER SELLARS – THE METROPOLITAN OPERA ORCHESTRA, CHORUS, AND BALLET – JOHN ADAMS conducting – FEBRUARY 12, 2011 live capture – 2012 DVD BLU-RAY DISC – ISBN 075597960884 3- Saturday, September 06, 2014, ChineseCommunismhasdeeproots inruralclassstruggle XIE JIN – THE RED DETACHMENT OF WOMEN – 1961 4- Saturday, September 06, 2014, Thisballetwasquiteaheadofitstime andhasbecomeaChineseclassic Wangchun Shi – Hongwei Dai – THE RED DETACHMENT OF WOMEN – 1970 5- Wednesday, September 24, 2014, Neitheranti-Semiticnorpro- Palestinian JOHN ADAMS – THE DEATH OF KLINGHOFFER – ORCHESTRA OF THE OPÉRA DE LYON – 1991 – ELEKTRA NONESUCH – 1992 6- Friday, September 26, 2014, Thisfilmbetraystheoperawiththe benedictionofthecomposer JOHN ADAMS – THE DEATH OF KLINGHOFFER – LONDON SYMPHONY ORCHESTRA – CONDUCTED BY JOHN ADAMS – DIRECTED BY PENNY WOOLCOCK – 2003 – DVD 7- Thursday, August 28, 2014, Avideooperathattellsusaquitefamous story: Jesusisbeingreborn JOHN ADAMS – KENT NAGANO – PETER SELLARS– DEUTSCHES SYMPHONIE-ORCHESTER BERLIN – EL NINO – THÉÂTRE MUSICAL DE PARIS-CHÂTELET – PREMIERED DECEMBER 2000 – DVD 2001
  6. 6. 8- Friday, August 22, 2014, 9/11willalwaysbesubliminallyengravedin ourmemories,aslongasthevideooftheeventcanbeseen JOHN ADAMS – NEW YORK PHILHARMONIC – LORIN MAAZEL, CONDUCTOR – ON THE TRANSMIGRATION OF SOULS – 2002 9- Thursday, August 21, 2014, A miracle of religious and cultural mixing JOHN ADAMS – A FLOWERING TREE – LONDON SYMPHONY ORCHESTRA – SCHOLA CANTORUM VENEZUELA – 2006 10- Friday, September 05, 2014, Mostsymbolicalandpessimistictale aboutwarandnopeace JOHN ADAMS – DOCTOR ATOMIC – SAN FRANCISCO – OCTOBER 1st 2005 – DE NEDERLANDSE OPERA – 2007 11- Tuesday, August 05, 2014, ThisPassionistalkingtousinthe modernworld JOHN ADAMS – THE GOSPEL ACCORDING TO THE OTHER MARY – 2012 – GUSTAVO DUDAMEL – LOS ANGELES PHILHARMONIC & LOS ANGELES CHORALE – 2014
  7. 7. MUSIC – MUSICA – MUSIQUE – MUSIK A universal language Some have tried to introduce a lexicon of music and a syntax of music and they all have failed because apart from the notes that have been rather stable since the 18th century, and the rhythms that have changed from one century to the next and yet are always the same, binary, ternary and quaternary, two-fold, three-fold or four- fold with all possible combinations with the units of length, once again rather stable across ages, all the rest is the result of the art of the composer, his or her emotions, and the meaning is, altogether on the side of the composer, on the second side of the interpreters and on the third side of the audience, the result of the empathy and feelings of each one person in these three fields. When you add words onto this music, sung or spoken, then these words have their own meaning, their own syntax and these lexical and syntactic combinations are amplified in a way or another, positively or negatively, by the music itself. I celebrate here many composers and many styles, many periods and many genres. Most of the various sections of this document refer to wider, at times a lot wider, documents that may count many dozen pages or even a few hundred pages. Patience and persistence – equanimity in one word – have to be your two bread and butter, bread and water, butter and cheese (with bread if possible), cheese and fruit and I am sure many of you will see many different meanings in my way of looking at things. Enjoy then this forest of many different trees, including Lao She’s reverie trees that only grow on Mars. Some pages are in French, which is good for dreaming. Dr. Jacques COULARDEAU
  8. 8. Jacques Coulardeau at Academia.edu BENJAMIN BRITTEN’S OPERAS https://www.academia.edu/24239693/BENJAMIN_BRITTE N_S_OPERAS Abstract: BENJAMIN BRITTEN’S OPERAS DEATH – MARGINALITY – TRANSCENDENCE – LOVE DENIAL On the basis of the very first steps in that project for Avignon’s University, I submit to discussion the following notes. Britten sounds to me like a spiritual transcending chant and song of death beyond life in the heart of life itself. That love, that life, that transcendence is like the figure of the boy killed in Curlew River or some other operas, since I will only deal with operas, including of course Death in Venice, the perfect sacred garden and cemetery of Benjamin Britten, the graveyard of his belief that life can only be in death, or if you prefer that death can only exist in life. Here are the operas I will consider after collecting them. Some are ballets, some are vaudevilles, some are operettas, but all are about that strange foreigner who is the only stranger in our life that counts: death, death our friend, death our lover, death our life partner. Thinking of it now, just at the beginning of this search and hunt, I feel death is the most beautiful experience man can have, and that is not morbid because any “Danse Macabre” is not a simple ordinary dance. It is a trance that leads us to bliss and full mental orgasmic enjoyment. One of my starting blocks is La Chaise Dieu’s Danse Macabre and I add to this first lap my review of two books on this Danse Macabre. Research Interests: Christianity, Sociology of Children and Childhood, Death Studies, War Studies, Opera, Early Christianity, British Music, Second World War, Death and Burial (Archaeology), New Testament and Christian Origins, Philosophy of Love, Jesus Parables, Q, Historical Jesus, and Biblical Hermeneutics for Ethico- Political Interpretation of New Testament, The relation between Theology and Ethics in Pauline Letters, Masculinity, Fatherhood, Boys, Coventry, and Requiem Discussion https://www.academia.edu/s/bfa3ddcc3d This is only the beginning of this research. Benjamin Britten is a phenomenal composer and yet his works are scattered and there is no comprehensive presentation of his music divided among various publishers or producers and with repeats from one to the other and many works published
  9. 9. separately. What I am interested in is the figure of the stranger or the foreigner in his operas and other stage productions. That leads to death most of the time, particularly the death of young boys, or young men. This and the Christian inspiration leads me to look into the way death was considered in the past centuries, particularly in the Middle Ages and the 15th century, the century when plague, war, and economic collapse could have had unpredictable consequences. I found a lot on this subject in the direct Benedictine heritage in my corner of the world. A strong Christian presence can be seen in his various productions, at times directly imported from the Bible with the theme of being rejected for one reason or another, and also being forgiven or even saved, be it only after death or after some martyrdom. This denial of love in the midst of the assertion of love is poignant and disquieting. The full paper is due for December and I have to explore some 18 works, whose list is provided at the beginning. If you think I have missed one or two, please let me know. Jacques COULARDEAU & Benjamin BRITTEN at Academia.edu The Turn of the Screw, from James to Britten https://www.academia.edu/s/6394c1fda3 https://www.academia.edu/27527052/The_Turn_of_the_Screw_f rom_James_to_Britten Presentation of discussion I have to deliver a full article in December on the figure of the stranger in Benjamin Britten's operas. I have listed 21 works in that field and I still have six to go. The Turn of the Screw is particularly important because of the career the
  10. 10. opera has had on operatic stages in the world. It is also crucial because more than with any other work this one has brought a wide - and wild - critical approach to Benjamin Britten's sexual orientation which is not at stake in this opera the way I read it, within the others like The Little Sweep that also deals with children in an upper-class family. It is this way I would like to submit to your discussion and I am quite open to all ideas though it is quite clear that I will not discuss in my article the sexual orientation of the composer. Abstract: The following comparison of Henry James’ The Turn of the Screw and Benjamin Britten’s adaptation of this novella to the operatic stage reveals there are two oceans that are crossed: The Atlantic Ocean and the ocean of time. In spite of his life spent between the USA where he was born and where he had brother, sister, father and mother, Henry James is not English at all. This ghost story is typically American and never reaches the Gothic level that British stories construct or the ironic if not sarcastic level of Oscar Wilde. It is also the time of the great debunkers of ghost stories known as Sherlock Holmes and Dr. Watson who do not believe in ghosts but do believe in criminals and murderers and know from experience that ghosts are a good cover up for a crime, still used in many TV series. On the other side, Benjamin Britten is British to the core and ghosts cannot be ghosts because the ocean of time has been crossed along with two world wars, the two successive births of globalization. We have more or less abandoned the soul in psychiatry and we have vastly replaced it with the mind and the great masters of the mind in 1955 were Sigmund Freud, Carl Jung, Jacques Lacan
  11. 11. already and emerging fast, but not yet Michel Foucault. Each one of these set the mind in one special place of the body. For Freud, the mind is in emotions and impulses. For Jung, the mind is a heritage from the old culture we receive with our milk after birth. For Jacques Lacan, it is in the conflict and constructs of two essential dimensions: the basic physiological body and the concept of authority, both in their conflict and cooperation constructing a superego he called the Phallus. Michel Foucault sets the mind at the level of the consciousness of one’s sexual apparatus, in many ways like Wilhelm Reich but with a mental dimension that Wilhelm Reich never reached, tied up and locked up in the sexual drives, both penile and anal, or vaginal and anal. But, and that’s my main point, Benjamin Britten moves away from the ghosts to deal with mental memories or constructs that replace the parents these children do not have any more, but he refuses the innuendo Henry James invested in his novella all the time in the form of extreme sexual obsession in the nameless Governess. He brings the kids back to their ages, eight and ten, and at ten a boy needs a male model and not a male sexual partner. This model is a father substitute when the father is absent or a father extension that brings into the mental father of the boy new elements to build his superego, or Phallus to use Lacan’s concept. And Benjamin Britten shows his deep consciousness that with any maternal figure in that situation who would be too possessive and in this particular case a power and control (sexual) freak, the boy might be mentally destroyed to the point of desiring to get out of this world back into the world where his mental model is living, since Quint is dead and not dead at the same time. Simultaneously that boy, in the most innocent way, will punish the maternal substitute who dared push him into non-existence by dying in her arms, in her lap, his big death punishing
  12. 12. the mother-torturer-executioner who dared provoke some ripples in the field of his still un-awake little death without understanding that you cannot play with that impulse even with a boy of ten without running the risk of destroying him because it is castrating if you frustrate the dim satisfaction of it and traumatic if an adult takes advantage of it to satisfy his or in this case her phantasms. This is part of a longer study due in December on the figure of the stranger in Benjamin Britten’s operas, still, six to go out of twenty-one. Research Interests: Child and adolescent mental health, Mental Health, Posttraumatic Stress Disorder (PTSD), Opera, Mental Representation, Trauma Studies, Benjamin Britten, Henry James, Post traumatic stress disorder, Mental Imagery, Mental Models, PTSS, Ghost stories, and Control Freaks Jacques Coulardeau & Paul Bunyan at Academia.edu Paul Bunyan, from wilderness to consumer's society https://www.academia.edu/27809566/Paul_Bunyan_from_wilder ness_to_consumers_society
  13. 13. Abstract: In the project going on right now to cover the figure of the stranger in Benjamin Britten's operas, I have reached the first opera after many more I have studied before. This one is more a manifesto, musical and political, on Auden and Britten's side than a purely evanescent "entertainment neither true nor beautiful nor witty." The revival version though has cut off two essential scenes. But what is important here is the fact that Bunyan reaches both the level of the epic hero of a picaresque adventure and that of a myth, a legend, a folkloric character that becomes universal in his all-encompassing historical vision of his conquest of the West, like in a way the Chinese Monkey of the Buddhist Journey to the West. Is the stranger, the eternal guest as he calls himself, that Bunyan is in our world an ideal, a prophet, a guru, or just a friend to accompany our dreams of a better world? Research Interests: Marxism, Sigmund Freud, Freud and Feminist Psychoanalysis, Karl Marx, Hollywood, Soup, Lumber industry, Beans, John Bunyan, Oedipus, Spanish conquest of the Americas, Campfire, Lumbering, Manhattan, Grand Central Station, Lumber History, and A brief summary in Spanish about Jocasta
  14. 14. Discussion https://www.academia.edu/s/765d8da82f The figure of the stranger in Benjamin Britten's operas is more and more a stranger from outside that completely perturbs the status quo of where he arrives, or a stranger from inside that makes one confront his or her real circumstances or real deeper self. Too often it has been associated with Benjamin Britten's sexual orientation and in this case his collaboration with Auden increases the tendency especially since it is about an all-male environment in which there is ONLY one woman, and also one dog and two cats, all of them sung by women as Auden notes in his introduction to the libretto. Yet I feel that it would be a mistake to consider the question only, first of all or in any priority way as having to do with Benjamin Britten's sexual orientation, just as much of a mistake as connecting his approach of the American conquest of the West with his dentist of a father whose drill he would try to run away from. Benjamin BRITTEN @ Théâtres du Monde n° 27 (2017) http://www.theatresdumonde.com/mn_revue.html The article was published in French in April (32 pages) under the following title: Jacques COULARDEAU ------------------------------------------- p. 155 Benjamin Britten. L’étranger, l’enfant et la mort dans ses opéras
  15. 15. You will find all the reading and research notes IN ENGLISH, opera by opera in the following file of some 140 pages. I am pretty sure opera lovers, Benjamin Britten enthusiasts and music lovers will enjoy following, in chronological order, the building of a whole temple dedicated to the figure of the estranged man, rarely estranged woman, confronted with a child, most of the times a boy, at times a boy and a girl and how these children are confronted with death, real sad death that is anything but natural; but also the death that comes as sinister fate, as war and an obsessive and recurrent Jewish reference, be it Biblical or be it 1939 and Bertolt Brecht’s visionary poem on the extermination of children, and first of all the Jewish child on the decision of a Nazi judge. You will of course love and enjoy over and over again Thomas Mann’s Death in Venice, that poignant story of an old man seeing his end coming and falling in love with a young teenager he will not speak to, he will not touch nor approach in any way, contemplating in him his possible descent, his possible heritage, his possible continuation in his search for beauty, the formal architecture of beauty that is so mesmerizing when met in pure mental and spiritual expectation to survive in it because beauty will survive his own departure. Death becomes an offering to God and life in this empathetic search for fulfillment. Dr. Jacques COULARDEAU
  16. 16. Benjamin BRITTEN & Jacques COULARDEAU @Academia.edu & @slideshare.net Britten's Operas Survival Psychopomp Death https://www.academia.edu/30240729/BrittensOperasSurviv alPsychopompDeath Britten's Operas Love Rejection Death http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/brittens- operas-love-rejection-death Published on Dec 4, 2016 TABLE OF CONTENTS 0. Introduction p. 2 1. Paul Bunyan 1941-1976 p. 5 2. Peter Grimes 1945 p. 13 3. Rape of Lucretia 1946 p. 18 4. Albert Herring 1947 p. 23 5. Saint Nicolas 1948 p. 30 6. The Little Sweep 1949 p. 33 7. Billy Budd 1951 p. 39 8. Canticle II: Abraham and Isaac 1952 p. 43 9. Gloriana 1953 p. 45 10. Turn of the Screw 1954 p. 51 11. Prince of Pagodas 1957 p. 74 12. Noye’s Fludde 1958 p. 75 13. Midsummer Night’s Dream 1960 p. 79 14. War Requiem 1962 p. 92 15. Curlew River 1964 p. 104 16. Burning Fiery Furnace 1966 p. 109 17. The Golden Vanity 1966 p. 119 18. Prodigal Son 1968 p. 120 19. The Children’s Crusade 1969 p. 124 20. Owen Wingrave 1970 p. 126 21. Death in Venice 1973 p. 136
  17. 17. Research Interests: Music, Music History, Jewish Studies, Death Studies, Children and Families, War Studies, Opera, Death and Burial (Archaeology), Philosophy of Love, Ideologies of Motherhood, Masculinity, Fatherhood, Boys, Child Soldiers, Hebrew Bible/Old Testament, Psychopomps and opera Boulez, Bowie, and Cohen Happythe one who can leave in due time https://www.academia.edu/30541300/Happy_the_one_who_can_le ave_in_due_time Death makes life unforgettable http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/death-makes-life- unforgettable In 1974, I knew Pierre Boulez indirectly since I was reading the music treatises of Pierre Schaeffer and some other books on the subject of modern music, concrete music, noise if you want, but also plain music from classical to jazz, from negro spiritual to Black and Soul, from the Beatles to The Who and AC/DC or vice
  18. 18. versa. I was ranting and raving on David Bowie the non-bipolar fluid gender hermaphrodite. I was already waxing sentimental and dazzled by the genius of Leonard Cohen, and yet I was trying to enter another world, the world of a distorted stressed psyche that has managed to survive a couple of traumas including the one of extreme eyesight impairment from birth to the age of six without any medical assistance. You know: “Don’t Pass Me By!” And I had enjoyed in all the twenty-nine years already behind me all that was sound, music, languages, talk, drama, radio, and so many other things to listen to and to hear even if seeing was not exactly the cup of tea in which I could rinse my “spectacles” or glasses if you prefer. Here was my mind then (never ever published since 1974 and only read once to a small audience) DAVIS, CALIFORNIA, 1974 And he looked right and he saw Lawrence And he looked left and he saw Terence And in front of him, he saw Stephens And there and here someone else Someone more A Face anonymous and placid Amorphous and tacit A face with a nose and two eyes With a pose and two lies One for him and one for the world And the pose of the comfort Of the mind We had tried hard to break the lurid front-lights To jump into the dark pit Of the tender-footed neophytes The vertigo of a mosquito Attracted by the bite The fervid taste of blood And the pounding grind of the slap That will forever stop the flight Of the buzzing nuisance To a sad unacceptance The clown was standing in front of his audience
  19. 19. And then all of a sudden The bright imagination beam Takes in its tight spot the face Of what among others that is more And yet nothing more That is for an instant And already no more Of him he flippantly likes And he recreates in his mind In his flesh Recreates with his quivering eyelids Good morning but don’t touch me I love you but don’t touch me I want you but don’t touch me I have you but don’t touch me And phantasy phantasizes the phantasmic phantasms Of his desire He plays his stringy show
  20. 20. On a stringent note of maybe I can Maybe I could Maybe I might Make him understand The turn of my covetousness The counter turn of my ravenousness The stand of my desirousness The clown was standing in front of his audience And got no answer, not even a clap He relapsed in his voyeurism He traced the fine of an ankle The line of a leg The mine of a thigh That shivers at his breath The lip brushes the softness of the hairs The tongue waters the skin of his flesh
  21. 21. The fingers meet into the width of a palm Cupping to retain the wine of the crotch The milk of the breast That mango juice he pines for And lift it to his mouth Furnishing his palate With the sultry caressing lime Green like the never ripe passion of his heart Acid like the never-moored Overflying Dutchman Of his dearth Coating his throat with the reviving paste That springs high That digs deep That will never germinate And yet will carry more fruit Than the carob tree of yon savannah Dead-like and lifeless Like a bug dried in the moonshine Silent Dark And fatefully immobile There the cross of the long-legged roads There were the east and the west meet In the climax of their zenith In the apex of their noon The south emerges Soothing and simmering The flames in the eyes The thirst in the mind With a taste of roundness With a flavor of boldness A bouquet and a fragrance Heady and exhilarating Like the foreplay of the skin Over the sharp edge of the blade Of the brit milah of fervid tradition Ready to penetrate The soft sweet bread of the flesh The clown was standing in front of his audience And got no answer not even a clap From the unreachable posse of indifferent masks Coulardeau Jacques Davis June 1974
  22. 22. – Pierre Boulez – David Bowie – – Leonard Cohen – Blissful Recollection of the Future Music wind of the mind Crawling creeping sliding In out through Ears eyes skin Music tempo of the soul Beating dancing swinging Up down gone Hands feet head Music tempest of the heart Loving hugging cuddling Back forth All around Chest breasts Elbows and arms
  23. 23. Sitting in the dark gloom of the abbey church I listen to the opening of some symphony that reverberates under the vault and among the columns. A butterfly flutters gracefully in the sunshine and perches itself on my knee in some green meadow behind the summer house of the vacation. Snowflakes hover in the air and lightly cover the sidewalk of the still benighted street of my city just one week before Christmas in the cold morning air. On the big square on a bench my street homeless friend wakes up every morning when I come and every morning I give him half my ten thirty snack. And all the time some music resonates in my brain and tells me in a whisper between the notes, among the keys and codas, a message that I will remember. Ever! “Go your way and keep in your fists the acorn you saved last September, keep it for the forlorn forgotten forsaken squirrel of an alley urchin that has no shelter and that longs for love.” An acorn A walnut An apple A pear Shared and split in half Bestowed and received With a hungry smile With two eager lips With many ravenous teeth Flat sharp pure tonic C The schoolboy offers in one hand The sidewalk wanderer gathers with both hands Raises his eyes and locks them On the blue irises pierced with a dark question Why? A voice from on high then vibrates like a tuning fork “I won’t pass you by, I promise! “But don’t vanish and go, ever!” Jacques COULARDEAU Olliergues, February 9, 2017
  24. 24. Boulez-Bowie-Cohen @Academia.edu & SlideShare.net Happythe onewhocanleave indue time https://www.academia.edu/30541300/Happy_the_one_who_can_leave_in _due_time Death makes life unforgettable http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/death-makes-life- unforgettable Abstract: Three living stars have just died in the field of music. Three supernovas that were a galaxy of their own. Leonard Cohen, David Bowie and Pierre Boulez, the whole western world in a nutshell, Canada, Great Britain and France, and the last one directed and recorded Wagner as well as Frank Zappa. A whole world is leaving and we are left alone in the orphanage our world has become. And yet they leave in our hands, in our ears and in our eyes a whole world of illumination, hallucination, inspiration and exquisite frustration. We have to build tomorrow’s world with what they have just granted us as their heritage, as our inheritance. Let’s take care of it for ever and ever. Research Interests: Music, Musicology, Popular Music, Death, Musicians, and Pop Singers
  25. 25. Yvan, Lionel, Stéphane Belmondo Yusef Lateef Dr. Jacques COULARDEAU Un jazz de souffrance dans un écrin méditerranéen (5 critiques en français) Suffering, Morbid, Islamic, Mediterranean Jazz (1 critique en anglais) Intro in English 6 recent CDs Belmondo's, brothers, sons and father, and Yusef Lateef https://www.academia.edu/32171834/Belmondos_brothers_son s_and_father_and_Yusef_Lateef & https://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/belmondos- brothers-sons-and-father-and-yusef-lateef This is jazz and in spite of what John Steinbeck said jazz is the descendant, one of the descendants of Black African polyrhythm that was
  26. 26. imported under duress and in suffering by slavers in their slave ships to America. To survive – a very short life expectancy was their lot, hardly more than 21 years – they had to manage their suffering collectively. They just hummed their basically rhythmic musical African heritage so that all the slaves worked at the same speed and had the same results in the evening, thus avoiding the whippings of the slower slaves and the increase of the requirements for a standard day of work – generally of course from sunup to sundown in the fields which meant getting up before daybreak and going to sleep after nightfall – and even so whippings occurred, especially because it was some kind of game for the slavers, be they slave owners or just white supervisors. African music was polyrhythmic and still is and the music that evolved from this heritage in America is polyrhythmic. And in our modern world, it has become the global heritage of humanity. Many forms exist and jazz is one of them. Polyrhythmic like hell with the drums devised and invented for jazz with real, simple drums and cymbals and other percussions that can produce several rhythmic tempos since the two hands and the two feet are working simultaneously. The bass is another rhythmic instrument and of course, you have the third or third and fourth instruments, no matter what they are that can have their own tempos. There are also quintets and sextets, but those are rarer formations. You add to that the syncopated style and you have these various rhythms swinging not in unison but in coordination. If you take that heritage off this music you may have some “jazzy” music but it is not jazz. A last detail is that generally, every instrument will have a solo moment in the piece when the concerned musician will prove his virtuosity and will in all possible ways build some rhythmic patterns that will be tremendously faster and more intense than the basic rhythmic pattern that is kept in the back. That’s direct heritage from African music. And that’s the real problem with the Belmondo brothers and father. When the father is around you have a tremendously mashed and mundane music for the new middle and upper middle classes of France and Europe that has completely forgotten the past of the slaves since they were on the sole side, if at all, of the slave traders. When you work with Lionel and Stéphane Belmondo alone or together, the sons and brothers, they very systematically borrow from classical music and arrange these
  27. 27. borrowings in a jazzy style. Stéphane in a luminous way. Lionel in a very dark way. Lionel Belmondo’s compositions are generally mortiferous and even morbid. What’s different when Yusef Lateef joins them is that the music is more original but it becomes contemplative and that contemplative atmosphere is like someone, after having fulfilled some religious duty or obligation, after having gotten in peace and communion with some God of sorts, becomes able to just look at the world and not meddle with it. It is not joyous but it is not morbid either. It is just contemplative and some may say happy, though I am not satisfied with this word, more satiated in spirituality and thus able to remain detached from reality. That’s when the Belmondo family really meet with real jazz: this contemplative stance is the direct heritage of the suffering of the past, of the Post Traumatic Slavery Stress Syndrome that is alleviated not by forgetting but by stepping back slightly in full consciousness of the crimes against humanity the Black slaves have suffered but are finally just learning how to keep in place and these crimes are no longer preventing the Blacks in the USA from just living and finding some equilibrium. That’s what the Nation of Islam is saying and practicing, bringing the descendants of the slaves together to share, to bring back the past, as distant as possible, and finally learning how to collectively and personally live with that heritage in peace. The road to go is still long. Of course, the Belmondo brothers and father cannot do that. So their music is jazzy. Lionel seems to invest his own existential suffering in his music but it is still just some neurotic or psychotic existential discomfort. That’s probably why the middle and upper middle classes in Europe love this music because it makes them feel as if they were suffering, as if they were the descendants of the worst possible historical alienation imaginable. And that is a mouthful of qualifiers. Dr. Jacques COULARDEAU
  28. 28. LIONEL BELMONDO – L’HYMNE AU SOLEIL – CLAIR OBSCUR – 2011 Reprise de pièces musicales de compositeurs divers d’aujourd’hui ou hier soir et variations sur leurs thèmes dans une tradition jazz bien acceptées aujourd’hui. Il n’est pas question de reprendre les citations et références. Les citations ne sont que des béquilles, encore faut-il savoir ce que l’on veut en faire et ce que l’on en fait. La musique n’est qu’un accompagnement de la vie – ou de la mort – et c’est cet accompagnement que je veux défricher plus que déchiffrer. Le premier morceau lent et fort n’est aussi rien d’autre que cette force lente qui envoûte pour sûr mais qui nous coupe du soleil du jour comme dans Sainte Croix la romane un jour de canicule.
  29. 29. La seconde plage est lente et langoureuse, tout un monde de salons de grande ville quand elle oublie la rumeur extérieure, dans ces grands salons du Quai des Chartrons ou du Cours Xavier Arnozan feutrés et lambrissés et oubliant qu’en bas, en dessous on commercer de l’esclave avec les îles de là-bas. Cela a laissé comme une douceur opiniâtre qui ne veut pas nous quitter. La troisième piste est une originale composition de Lionel Belmondo. Il joue sur deux rythmiques modérées, l’une à la contrebasse et percussions et l’autre au saxo et autres vents. On a alors un monde en plusieurs couches. Vous vous engoncez dans la couche que vous voulez et oubliez ou estompez les autres. Monde multiple, varié, divers, contradictoire mais sans violence, sans heurts, bien huilé et jouant sur un jazz qui se veut plutôt détonant mais sans détonation. Le souffle d’un boulet sans son bruit et sans dommage apparent dans la vie moderne ambiante. Gentille Love Letter posthume ensuite. Douceur de salon plus que de Forum des Halles ou de Place Jean Jaurès ou des Quinconces. Le cours de l’Intendance une demi-heure après la fermeture du Français. Le charme un peu glacé de Bordeaux aux terrasses de bars et restaurants que rien ne perturbe, disturbe, agite ou même surprend. L’entrecôte cuite aux sarments arrive dans les rires dégingandés de gens insouciants.
  30. 30. Alors l’âme se trouve confrontée à l’appel profond des basses et à l’élévation possible des aigus. Mais entre les deux aucun pont de pierre ou de bois ne balance. Simple dilemme irrésolu. Quand arrivent le piano et les percussions s’ouvre la voie au saxo qui va essayer de dominer la folie qu’il repousse en arrière. Le solo type de tant de morceaux de jazz new-yorkais secoue un peu les branches et on quitte les terrasses de la Place de la Comédie pour faire une incursion de courte durée dans la forêt de pins sylvestres secoués par la tempête, enfin n’exagérons rien, le vent, que dis-je peut-être simplement un peu de brise. Et tant le vent pète que le saxo semble s’enivrer de son propre souffle. Il y a dans ce solo une souffrance qui se veut bonheur, un salut qui se veut perdition, un enfer qui se veut paradisiaque. Et il finit en queue de poisson par un retour au début, une coda sans combat. Le nocturne suivant garde la nuit mais ajoute l’inquiétude des ruelles arrières de New York, la fascination de la faune et de la flore de la nuit de ces villes où tout n’arrive qu’au cœur de l’ombre noire. Le piano essaie de nous tirer de cet engluement nocturne mais n’y arrive qu’en nous entraînant dans un bar tout aussi glauquement gauche et emprisonnant. Où est la liberté dans cette vision de la ville sans lumière naturelle. Tout n’y est qu’artifice et écho de mille choses déjà vues et entendues et à jamais oubliées. Le saxo serait-il la salvation, le salut, la possibilité de s’échapper ? Oh que oui, mais une échappatoire mentale et donc ce n’est qu’un cauchemar dans la nuit urbaine. Un cauchemar accoutumant en diable. Tristement lugubre l’épitaphe est pourtant comme si vous en demandiez encore de la mort lente sans douleur car il est doux de mourir à jamais dans une
  31. 31. phrase qui n’en finit pas de trainer ses oripeaux et ses ors moulus et de ne même pas agiter ses chaînes, pourtant en barbe à papa inaudible. On peut alors repartir pour un tour chuintant et se traînant l’âme en peine et le mal au ventre sans la moindre vigueur vitale ou bovine. Le pianiste va-t-il changer la donne ? Pas vraiment. Déphasé, disjoncté, dépenaillé diront certains, ce piano n’arrivera jamais à s’imposer. On restera donc dans des limbes mélancoliques mêlant le dérangeant et l’inexorablement à jamais pour toujours sans la moindre révolte. Rebelle, oui, le piano, mais sa mini-rébellion renforce l’écrasante domination des autres rayons de ce soleil pris à l’hymne de l’éternelle reproduction de l’actuel. Sur la fin il y a comme une prise du pouvoir pianistique mais elle ne mène à rien qu’au retour de l’origine, de l’alpha qui étouffe, calme et même accablé, l’oméga de ce qui aurait dû être le triomphe final. Elégance mélodique dit-on alors mais surtout double souffle doux d’air dans ce couloir un peu étroit ouvert aux deux extrémités. On tourne de gauche et de droite. On est en est ou en ouest. Comme dans une église sans issue et sans élévation : une chapelle venteuse au fin de fond de la lande. Un Passage Sarget ou une Galerie Bordelaise que l’on se remémore comme étant le passage Dijeaux.
  32. 32. Pourquoi alors Schoenberg vient-il nous déranger dans ce confort inconfortable du luxe pulpeux des salons bordelais ? Probablement du fait de l’immense héritage qu’il a laissé en Allemagne dans un jazz post-nazi et pré- populiste. Ce morceau travaille la profondeur verticale en jouant des instruments comme des voiles multiples de la danse de Salomé, les déroulant l’un après l’autre, et toujours plus comme les peaux de quelque oignon bien emmitouflé pour l’hiver. Où arrive-t-on ainsi après avoir passé tous les jupons de la dame de la belle montagne. Une espèce de fluidité du piano qui voudrait nous faire douter du genre des anges pour ne pas parler de leurs appendices juteux. Mais les chairs meurtries se reconstituent et reprennent le dessus pour nous ré-enfermer dans une coulisse de théâtre sans issue qui n’a pas vue sur la salle. J’ai comme
  33. 33. l’impression que l’on va nous rejouer la scène de la décapitation de Jean Baptiste dans la douche d’Hitchcock. Hommage final à un pianiste sans piano. Triste. Triste. Triste. Trois fois Triste. Et même plus. Langoureux, presque sinistre ou mortuaire. On retrouve le début, notre point de départ lent et puissant, un ton de bonheur funéraire. Le bonheur est au fond u cimetière plutôt qu’au bout du pré. Il n’y a que la mort du cygne pour signer cette clôture tout en un clair-obscur nocturne un jour de nuit sans lune. Dr. Jacques COULARDEAU LIONEL BELMONDO – HYMNE AU SOLEIL – CHŒUR NATIONAL DE LETTONIE – CLAIRIÈRES DANS LE CIEL - 2011 Compositions classiques ou plus modernes, de la fin du 19ème siècle à aujourd’hui dont deux compositions originales de Belmondo lui-même, de ce qu’il appelle le post impressionnisme français dans lequel il injecte ce qu’il appelle le jazz modal. Ensemble donc varié et inspiré par d’autres, à partir d’autres auxquels il affirme être fidèle et qu’il recompose, arrange et même réarrange dans une perspective de jazz modal, ensemble qui donne à Lionel Belmondo et son ensemble l’occasion de déplacer des musiques écrites pour des orchestres plus ou moins symphoniques mais toujours classiques et des concerts mondains pour s’abandonner à des instruments et des orchestres de jazz, vents, cuivres, contrebasses, percussions diverses, le saxo du maître en position d’honneur ici et là, bien que pas trop souvent, et la pratique de l’improvisation typique du jazz.
  34. 34. Vous êtes prévenus. Ce n’est pas une suite de simples interprétations d’œuvres du répertoire par la classe symphonique terminale de quelque conservatoire de Bordeaux ou de la Porte de Pantin mais bien des dérives, des variations, des fuites, des envolées bien au-delà de ces compositions. Si vous n’aimez pas le jazz ou le non-respect de la partition, abstenez-vous. Mais alors qu’est-ce que cette interprétation apporte ? Énormément ! On négligera le latin tu début. Il crée cependant un travail vocal incompréhensible linguistiquement (on ne parle pas latin chez les jazzistes), et qui ne veut pas être vraiment compris et qui crée une atmosphère éthérée, vaporeuse, céleste probablement mais un ciel nuageux, des cieux en fait changeants et toujours mystérieux. On retrouve ce travail vocal même avec les pièces en français comme « Demain fera un an » de Francis Jammes sur une musique de Lili Boulanger. Une domination de sopranos très aigues et d’alto féminines tout aussi hautes qui créent ce qui pour moi est un cri féminin qui exprime l’horreur plus que tout autres chose. Mais on ne comprend pas le langage devenu confus et indistinct. Les ténors et basses créent un continuo plus qu’autre chose pour les altos modérés dans l’aigu et les sopranos extrêmes. Mais prenez le temps de lire les paroles. Elles sont en français. Un homme parle dans ce texte alors que les voix féminines du chœur dominent dans le chant. Un homme désemparé, mentalement démembré, abattu, incapable de ne voir autre chose que de la douleur, de la souffrance, sa douleur, sa souffrance dans tout ce qui l’entoure, si désemparé qu’il en est littéralement
  35. 35. démembré et ne devient que « une pauvresse » jetée, abandonnée à quelque fossé. Et on découvre finalement qu’il a perdu une femme, une femme qu’il devait aimer, peut-être métaphoriquement cette « pauvresse au fossé » à laquelle il s’identifie dans son démembrement viril. On a là l’expression d’un achèvement et d’un enfermement dans la douleur, la castration, la stérilisation, l’annihilation qui est si pessimiste, si défaitiste que la musique jazzée ne fait qu’amplifier au point d’en devenir lugubre, funéraire, diabolique, infernale. Ecoutez les basses dans le fond, les voix de Satan, de Lucifer et de Belzébuth en un seul bouquet vocal. La cinquième piste est une plage originale de Lionel Belmondo. Le saxo triomphe sur une sorte de fond répétitif rythmique et minimaliste et des voix qui ne savent que se lamenter, pousser des plaintes, n’être qu’une matière sonore vocale pour sûr mais qui n’a rien à dire. Cri sur cri l’Enigma déroule ses plaintes et ses jérémiades, ses souffles et ses soupirs et enveloppe le saxo soutenu par quelques percussions comme si on avait un cœur de pleureuses africaines et une musique d’adieu à la vie pour le mort qui va partir en fumée ou en cendre ou se dissoudre dans l’ombre de quelque tombe. Il n’y a rien d’énigmatique dans ce deuil musical et vocal comme si on chantait la fin inéluctable de quelque mariage avec la bête. Il y a dans cette pièce une dimension apocalyptique, mais de l’Apocalypse de Saint Jean, et je dis bien SAINT Jean, une dimension religieuse, de recueil, de crainte et de respect de la dimension immense de la mort dans le marital et le natal, dans l’union de l’alpha et de l’oméga et de toutes les autres lettres de l’alphabet. On peut alors nous envoyer Lili Boulanger et Francis Jammes à nouveau avec un texte sur des lilas si sinistres et si mortuaires qu’on en mourrait rien qu’à entendre les deux premières notes. On nous ouvre les portes de l’enfer et on nous prie de bien vouloir y descendre, lilas en mains comme des rameaux de
  36. 36. Pâques ou des pensées indignes un jour de Fête-Dieu. Et les basses nous enterrent avec les cris des sopranos. Sinistres fin de ce qui semble n’avoir jamais commencé et qui n’existe que dans son trépas et son ensevelissement. Une seconde pièce de Lionel Belmondo avec lamentations et gémissements vocaux lugubres sur percussions folles et dérangées, dérangées mentalement dans la tête de je ne sais quelle bête qui nous menace, et des percussions métalliques viennent redoubler les tambours pour nous indiquer la fin ultime qui ne peut qu’arriver ultimement et finalement qu’incessamment tout de suite. Eclosion en douceur qui monte en puissance et s’épanouit en douleur lancinante déferlant sur nos paupières avachies de fatigue. Dans ces percussions et plaintes musicales s’ajoutent quelques gémissements vocaux de ténors éperdus dans la forêt vierge de ce malheur. Et Olivier Messiaen nous rejoint d’un diptyque qui d’emblée nous entraîne dans la chute en fuite descendante d’Orphée ou de je ne sais quel fou qui veut aller chercher son amour où il est enseveli. L’amour de cette musique est un mort ou une morte vivant dans des bois sombres qu’un saxo alors enlève et anime d’une faim de finalité, mais en sachant qu’il n’y a aucune fin dans cette famine sentimentale et vocale, dans cette pénurie et cette disette musicale. C’est un
  37. 37. prodige d’ainsi faire chanter un chœur dans le seul registre du cri et de la plainte lamentée et lamentable. Il manquait dans cet univers nocturne la lune Séléné et elle vient comme par miracle pour apaiser le malheur, bercer un peu les malheureux et les pauvresses, consoler les enfants perdus et abandonnés, plus abandonnés que perdus. Le saxo est le confesseur et le « consoleur » sinon le consolateur de cette pénurie totale de sentiments et de chaleur humains. Ecoutez ces notes lentes et longues qui alternent avec les notes des sopranos qui ne sont peut-être plus des plaintes mais peut-être des souffles de renaissance dans cet univers mortifère. Mais c’est Gabriel Fauré qui a ainsi su rendre à ce Tenebrae terminal un peu d’espoir que le dies irae de cette mort puisse mener à une lamentation consolée, une lamentation bercée du suave de la survie. Y a-t-il un peu d’espoir dans ce malheur consommé sinon consolé, cette fureur apaisée bien qu’apeurée. Lili Boulanger nous ramène dans le lancinant bruit et la sempiternelle fureur de quelque chose qui n’arrive pas à survivre malgré l’intraveineuse de morphine. Arrêtez pleureuse sans fin et donnez-nous un peu de réconciliation dans le réconfort que la mort n’est pas encore universellement distribuée à tous avec le jus d’orange du petit déjeuner. Je trouve qu’il y a dans cette lugubre pérégrination comme la peur d’être perdu au cœur de quelque bûcher d’Arcachon ou des Landes, perdu entre tous ces pins dressés comme des croix sur des tombes, comme des pals d’empalement de quelques Conte Dracula dans sa campagne contre quelques Turcs Ottomans. Des milliers, des dizaines de milliers d’oiseaux morts enfilés sur ces pals, embrochés sur ces pieux. Et pourtant il doit bien y avoir encore un peu de vie dans la ville d’à côté si ce n’est dans le gouffre de quelque Padirac dont on en revient pas. On dirait qu’on fête la mort ultime de tous les Néanderthaliens qui dans leur mort nous offre la survie
  38. 38. Et nous pouvons conclure en anglais avec Yusef Lateef dans un parterre de fleurs. Et les pals d’empalement sont devenus des geôles médiévales de torture sans noms et sans fin. Et l’amour est une salvation salutaire dans cette cave de dépeçage de nos corps et de nos cœurs, l’amour, sursis de quelques instants, échappatoire illusoire de quelques secondes, de quelques bouffées d’air vicié entre les cris, les tenailles, les clous, les tourniquets, les ciseaux, les scies et autres scalpels qui nous coupent en tranches et nous laissent sanguinolents condamnés à ne pas mourir tout de suite. La musique est un étirement sempiternel, éternel et sans fin de notes éraillées et de rythmes et tempos si dépenaillés et si décharnés qu’on a envie de se demander si comme Rimbaud nous ne sommes plus que des moucherons à la pissotière de l’hôtel de passe de la place de la Victoire ou je ne sais quels pucerons à la branche décharnée de quelque rosier qui n’est pas de quelque Madame Husson que ce soit, mais simplement en train de crever exsangue sous les dents de ces charognards parasites car on nous a enlevé toutes les coccinelles dont nous aurions pourtant tant besoin. Nous finissons ainsi sur une musique si tellement tombale et carcérale, enfermés que nous sommes dans la geôle de la souffrance exquise de quelque torture à la Prométhée dont le foie est dévoré jour après jour par l’aigle punisseur de quelque dieu jaloux avant de se reconstituer pendant la nuit pour que l’aigle divin puisse recommencer son travail dévoreur de violeur le lendemain matin. Dr. Jacques COULARDEAU
  39. 39. LIONEL BELMONDO TRIO – EUROPEAN STANDARDS - 2012 Vous reconnaîtrez ici et là les bribes mélodiques des classiques que Lionel Belmondo reprend, décortique, module, distorte, adapte, module, varie et perturbe encore en modulations variées sans fin de jazz. Cela commence avec Johannes Brahms qu’il rend lumineux en diable, même si c’est un soleil langoureux et un peu mélancolique mais le soleil est par essence mélancolique pour qui ne croit qu’à la vie nocturne et Belmondo est l’homme d’un jazz de la nuit alors laissez le soleil se contorsionner sur les trottoirs de la ville tout le jour durant. Puis il se lance tout seul, notre Belmondo, et le voilà qui pirouette à droite, qui pirouette à gauche, qui se met à lentement onduler dans l’espace, un peu reposant mais il manque l’aventure que nous attendons de lui, l’aventure de l’océan si proche et que la batterie voudrait à demi-ton faire trépidant, endiablé, tumultueux et même franchement récalcitrant et déchiquetant du rythme en innombrables bribes tandis que le saxophone essaie vainement de trouver un rythme, une ligne directrice, une voie vers un objectif qu’il semble avoir perdu dans ses hésitations contournantes et retournantes. Le cercle mineur de ce qui ne tourne que quand c’est grave et majeur. Alors autrement il se dévoie un peu sur le gravier arrière d’une batterie qui joue la basse continue. Enfin ce à quoi Lionel Belmondo excelle nous arrive avec The Love of A Dead Man. Le mineur et le lent sont aussi majeur que la mort elle-même et ses ébats lents sur fond de sanglots perlés de gémissements. Lionel Belmondo adore les pleureuses africaines et laisse son saxo descendre dans les limbes de la vie en lambeaux qui nous reste encore après la mort de ceux qu’on aime car leur amour nous est encore un écho dans l’âme au coin de quelque rue qui tourne et se contorsionne entre la Porte Dijeaux et le Cours de l’Intendance. Ce n’est pas la contrebasse qui dira le contraire dans ses va-et-vient sempiternels qui varient de rythme aussi souvent que possible pour chacun des trois conils de notre bonne vieille ville. L’élégie de Fauré est un autre morceau de bravoure dans le thème et le ton printaniers presque jardiniers à s’en étouffer de senteurs douces et âcres de fleurs qui essaient de ne pas plier sous le soleil en sucre d’orge. Il a de l’élégiaque l’élasticité molle que Fauré savait tellement cultiver mais il y ajoute comme une dimension de nostalgie jouisseuse de l’empâtement dans la tourbe rupestre et agricole.
  40. 40. Désillusion de Lionel Belmondo lui-même a un peu plus de dynamisme et la contrebasse comme la batterie veulent bien se coordonner. Mais le dynamisme se heurte à des envies d’élévation qui ne trouvent pas vraiment leur envolée. Alors il retombe, il se ré-embourbe dans la recherche bouffonne, griffonne et brouillonne d’une sortie dans un monde qui semble vouloir peut-être appeler à une aventure pérambulatoire, mais on tourne, détourne et contourne et la batterie finit pas enterrer le saxo qui donne un écho décharné et éraillé ici et là comme pour retrouver une assise, mais quelle assise peut-on avoir quand il n’y a pas de suivi et de trajectoire, de cible et d’ambition et qu’on se renferme sur soi-même en un dernier accord nostalgiquement lumineux. Alors la Sérénade de Schubert peut essayer de nous faire croire que ce saxo vient nous parler d’amour, un amour tendre et mou à première vue mais qui se met à répéter ses couplets comme s’il n’était qu’un lied germanique romantique d’amour souhaité mais jamais satisfait à la Werther se languissant dans une écharpe portant son cœur comme si c’était un bras cassé. Et le saxo n’arrive pas à échapper à ce romantisme triste à la Lamartine.
  41. 41. Il ne reste plus qu’à demander à J.S. Bach de nous introduire à la mort et de lui faire confiance pour nous l’amener sur un plateau comme la tête de Jean- Baptiste. Avec Bach on ne larmoie pas. On pleure. Avec Bach on n’est pas triste, on déplore la joie et même la vie des autres. Avec Bach on n’espère pas mourir trop tôt, on espère mourir le plus tard possible pour souffrir le plus longtemps possible de la langueur d’une vie qui n’en finit pas de nous torturer et dans laquelle nous nous enterrions la tête la première. Bach est le plus mortifère des musiciens chrétiens qui confond la passion du Christ avec une mission de transformer notre vie en une torture permanente de la naissance à la mort. Il manque cependant la sérénité soumise de Bach qui ne triomphe que dans le total abandon aux phalanges osseuses de cette faucheuse qui n’a de dents qu’à sa faucille prussienne et de mordant qu’à son marteau saxon. Chopin peut alors, après notre mort consommée, nous ouvrir la voie d’un prélude en forme de langueur geignante à la George Sand qui de sa rue Taitbout le laisse partir aussi souvent qu’elle le veut aux rues où il se perd sans espoir sinon de revenir quand elle le lui permettra pour se perdre et reperdre dans ses fumées de cigare et ses jupons en forme de pantalons. Triste désolation amoureuse pour une amante sans âme toute dédiée à des marionnettes au bout de leurs ficelles. Et Chopin lui caresse les cordes de son piano. Rachmaninov est au rendez-vous de Belmondo et essaie de nous ouvrir à l’esprit russe, cet esprit de force physique et de dureté humaine car la vie est une danse cosaque sinon comique et la mort est une danse mongole sinon frivole. Le saxo essaie ainsi de se laisser aller aux variations du continent aussi vaste que deux qu’est la Russie sur le territoire de laquelle le soleil brille toujours quelque part. Mais on regrette que ce ne soit qu’un trio car le monde russe demande plus de diversité et quelques sonorités plus rugueuses plus gouailleuses seraient les bienvenues dans ces terres slaves. On aimerait entendre les ébats des sorcières de quelque sabbat sur quelque mont chauve ou dans quelques forêts sibériennes giboyeuse de loups où l’homme est le gibier, puisque tous les Russes sont des envoyés de Satan et des braconniers en terres étrangères. Et Wagner et son Tannhäuser, ses maisons de sapin, nous attendent au virage et nous assaille au tournant. Et on nous dit que c’est le chant de quelque Evening Star, autrement dit Vénus dans son déshabillé nocturne qui n’a rien à envier à son déshabillé du matin. Mais Wagner, vraiment, inquiétant, menaçant, lourd de quelque tempête, d’un Ragnarok qui ne se dit pas encore prêt mais qui se déclare imminent. Il y en aura pour tous, de la mort en fin du monde, de l’apocalypse en fin de jouissance pulsionnelle irraisonnée. Il y a dans cette plainte descendante comme une forêt de sentiments sombres qui cherchent leur lumière dans le creux de quelque antre enterré au fond de la descente en paradis tête- sur-queue plus encore que tête-à-queue de l’enfer qui a pris la lumière de Lucifer pour le verbe de dieu et plus que le 69 juteux s’adonne à quelque 66 ou 99 de la Bête sanguinolente et sanguinaire de la fin de Babylone où tout n’est qu’histoire
  42. 42. de tête et de queue. Alors sombrez donc dans les cieux de ce sillon inter- mammaire ou intra-fessier. Mais cela nous enfonce dans l’atmosphère glauque de je ne sais quelle Midwinter qui ensevelit la vie pour les mois de l’hiver sans promesse de les faire revivre et pourtant le saxo voudrait nous faire croire que c’est comme la Saint Jean, un jour de joie comme si la joie naissait de la nuit et de l’ombre, du froid et de la glace. La contrebasse nous tient un discours plus réaliste mais tout aussi mensonger et enjôleur pour notre mort et notre malheur. Le saxo nous tente d’une dernière charmante phrase mélodique mais il devient ironique et nous tance de sa propre satisfaction. Dansez donc, vous les vivants mourant comme des mouches dans quelque pissotière de quelque hôtel mal famé place du Palais au détour d’une Promenade Sainte Catherine. Et pour nous conseiller la sagesse sur la route une seconde version en bonus de la Désillusion de tout à l’heure. Et rien n’a changé vraiment. Il nous
  43. 43. nargue à la fin de son jeu et il nous tance, nous intime l’ordre et le défi de bien vouloir partir à la vie pour y trouver je ne sais quelle mort. Il y a chez Lionel Belmondo une langueur nostalgique et triste qui jamais de trouve vraiment une réalisation de ce que l’on pourrait appeler son espoir toujours déçu d’une autre dimension jouisseuse et joyeuse d’une vie que la mort ne menacerait plus. Allez donc, vous les pauvres péquins en bas de la scène de votre lecteur MP3 ou de votre téléphone plus smart que musical, allez donc voir dans les chemins creux de la vie s’il y a encore quelque espoir de ne pas finir en lamentation dilapidée. Orphée est donc remonté mais pour finir larmoyant et morfondu sous un chêne qui l’enterrera car il n’a plus d’espoir du tout. Une fin donc en note suspendue sans rime ni sens, sans son ni rythme. Un jazz urbain aquitain qui sent bon – si vous aimez cette odeur – la nonchalance insouciante des noctambules de Bordeaux pris entre une boîte de nuit bicéphale et un Grand Hôtel d’un genre franchement fluide en diable. Si vous aimez les anges, abstenez-vous. Dr. Jacques COULARDEAU LIONEL & STÉPHANE BELMONDO –YUSEF LATEEF – INFLUENCE - 2005 This double album is probably essential for the career of Lionel Belmondo, performing here with his brother Stéphane and an ad hoc group of musicians that associates the regular musicians Lionel Belmondo uses, plus his brother and some coming along with and for Yusef Lateef, a jazzman from the USA recently deceased, whose life and career span from Tennessee where he
  44. 44. was born, to Massachusetts where he died. He represents a jazz of his own that has impacted Lionel Belmondo’s work tremendously, and yet. . . As soon as the first notes of this recording we have a tone we had not found yet in Belmondo’s music so far in our discovery. A light, florid, rich, deep, joyous and even blissfully ecstatic music that sweats and radiates some happiness, joy and not the morbid mortiferous contemplation we found so often in Lionel Belmondo’s music. But due to the dates, is this mortiferous and morbid style a later style, a style due to something Lionel Belmondo has lost? For sure this here recording is full of light and sunny rays of pleasure. Without entering all the tracks one after the other, I would prefer giving you some impressions rather than a scholastic manual. The presentation booklet that comes along with the CDs is good enough for that and signed by Vincent Bessières who is a journalist at Jazzman, a French magazine on the subject of jazz and jazz performance. Founded in October 1992, it was merged with Jazz Magazine in September 2009 in response to the worldwide economic downturn and the general loss of revenue among music magazines. It was advertised as "the magazine for all jazz." Jazzman began as a free supplement in Le Monde de la musique. It published its first independent number in March 1995. It is not clear whether the separation was a divorce or a way to expand the jazz publication by making it autonomous. The booklet is in both French and English. I have chosen to favor English. Bessières says somewhere the musicians have chosen the blues as their style. I am not sure because for me the blues requires a voice, a singer, words to express the blues itself and the music is generally not jazzy and it is certainly most of the time particularly sad, suffering, crying and weeping, howling at times with despair. Here the music is at most hesitating between having a continuous melodic line or just impressionistic touches like in the second track: “Si tout ceci n’est qu’un pauvre rêve” (If all this is nothing but a pitiful dream). The title by Lili Boulanger originally here arranged by Lionel Belmondo has been made luminous in its hesitation, the search of some elevation but no doubt ever, it will come from
  45. 45. contemplating the inside dimension of this music that is never erratic but only curiously stumbling and touching around to look for a door, an uplifting golden path in the forest of some urban maddening crowd that does not madden you at all. This recording owes a lot to Christophe Dal Sasso who gave two tracks on the first CD. He could be qualified as sad but it does not succeed and I will then consider that his half smile of half happiness is, in fact, the detachment of a contemplative man in front of this world. What could make his music sad makes it, in fact, restful and peaceful? We just let ourselves slip slowly into this music and we enjoy the rest we find there, the abandon and nonchalance that are seeping from the notes and the instruments. Are we lying on a deck chair or chaise lounge on some beach or gently rolling ship on an oily sea without any wind, apart from a light breeze that cannot even fill our sails? Just let’s look at the gulls, at the sun, at the dust dancing in the sunlight, let’s draw the curtains of our mental bedroom and let us recline in the velvety featherbed. Is there any regret at times not to be part of the game, part of that outside world of pure excellence and enjoyment without any exhilaration? There might be a desire behind this music by Christophe Dal Sasso and his use of percussions to make rolling balls dance from right to left and then open some window to some plaintive but aerial and sky like azure flute that could be some Indian musician in the morning challenging the percussions, the drums, the whole of nature and summoning the deepest and most secret animal spirits of our world, those we never listen to and we always want to meet but without the courage to say, OK yes, let the wolves come dancing with me, let the frogs croak with me, let some other deer or bears come celebrate life with me. That’s when a more metallic sound and a humming voice appear, if it is a voice, and deeper, more somber sounds come up, rise, swell in the sky on a canapé of metal
  46. 46. percussion, cymbals and their metallic sweeping, bells, we are confronted to the birth of a world, of a mythology, of a future because any birth means a future that will drop on the side what is not important for that future like the shouts and yells of crowds. The piano brings in the responsibility of life and government. And a saxophone or clarinet or whatever brass instrument comes and amplifies that social forest of responsible enjoyment of what is to come and we call for. The bass can then temporize with that future. And something lurks out of the wings and inflates itself into some existence You are, new-born god, the master of this world and we are your servants, your believers, your powerful intercessors to life and we become the echo of your peace of divine mind and that makes us divine too. Oh! Friend of mine that moved away, that is trekking along some new territory, your voice is still reverberating in my mind and that voice is like a divine message telling me what to think. It is the few isolated notes of a bird’s call and song. And then it can become the recollection of the pleasure of loving you and the pleasure of still loving you though you are blazing some trails in some new forest and a trumpet tells me you are strong, manly, powerful and sure of yourself like some calamus growing in Walt Whitman’s pond in his contemplation of the masculine heart of the conquerors of wild territories. That music is an ode to joy and bliss and orgasmic climax, all contemplative in the mind of the beholder. To contemplate is to have. Just enjoy that contemplation that is your possession, that rich possession that makes you another person and yet the same. That’s how a friend and his love can transform your mind even in his absence because he is always there in your brain. Can’t you feel him squirming when you speak of him?
  47. 47. If you find Christophe Dal Sasso slightly liquorish and satiating, maybe too much, too hypnotic, just take a rest with Lionel Belmondo and his saxophone. No problem; you can go drunk on that heady music that titillates in you the dark humors that have to come out to become sunny and happy. He is the pleasure bringer, the hawker in the street that tries to hawkishly sell you the shiny trinkets you do not need and yet that will be so useful for you to dance all night as if you were happy in some luxurious and lustful reception in some palace imagined by Lestat de Lioncourt somewhere in Auvergne. Don’t let your fingers be taken up by these strings. Resist the envy and the desire to be nice with the Hawker who is a predator like his name says and he will draw all he can out of you to let you go on your wooly legs totally empty of all your blood. You will sit on a public bench and you will admire your new acquisition of empty air. And that’s when across the street on the second CD Yusef Lateef comes and transform our urban stroll into a rainforest chase for unknown species. Chattanooga, Tennessee, is the destination. Is it Chattanooga today or the Chattanooga of the times of slavery? Is it the past or the future? To ask the question is sure to never get an answer. Just enjoy the trip. I guess Southern Comfort is next on that road to the south but definitely with an urban background from the north. But it is a day to wake some vast ideal from morning to dusk. Iqbal dominates the whole suite and it brings together so many things, in 2005 and even more today. The great and mythic by now Sir Muhammad Iqbal, widely known as Allama Iqbal, was a poet, philosopher, and politician, as well as an academic, barrister and scholar in British India who is widely regarded as having inspired the Pakistan Movement. Born: November 9, 1877, Sialkot, Pakistan. Died: April 21, 1938, Lahore, Pakistan. There is in this music something that goes
  48. 48. beyond the slowness and nonchalance of the south. There is something that enters the Muslim mind of Yusef Lateef, a Muslim mind that comes from his reference to Pakistan, an aspiration to develop, an aspiration to thrive but also a tremendous fear that behind the green canopy of the trees there may be a very aggressive and violent sky and yet let the canopy of leaves and birds in their nest lock itself up onto the shady happiness of here inside this temple and let our words open our hearts to the divine beyond this closed up cell of nature. That divine grandeur is not outside this cell; it is not outside our own minds. It is inside our minds and we have to cultivate that call, that language, our prayers, our demands, our request from God who does not have any obligation and would even consider this request as some kind of undue begging. Do we have the right to beg from God for small little advantages and presents? We should be the ones offering and not the ones being granted any offering. And by the ones offering I feel in that music how we are supposed to let ourselves be taken and we are becoming the offering itself this music makes to the giant monsters of life. We are the offering on the altar, on the pyre assembled for the sacrifice, we are the ones open, entirely open and receptive to the blade of the knife that makes us the redeeming sacrifice music brings up to the world to salvage this humanity. This jazz is an expiating sacrifice to save the world from its evilness, its monstrosity, its hawkish carrion eating raptors that are soaring and circling high in the sky over us, their preys. But strangely enough, Yusef Lateef tries to convince us there is nothing to be afraid of and we can just sit back and lie low and enjoy the orgasmic communion with nature and with the duration of things and the cosmos, of the whole universe. That music is so pacifying, so smoothly caressing that we may forget the world outside is not that nice after all. And Allama Iqbal becomes an Iqbal sports champion, or an Iqmal child overworked and exploited by some wild capitalism in underdeveloped countries like Pakistan. There are so many Iqbal in this world.
  49. 49. But if we come down from this vision we come to some may-fest on the village green, with pipes and some dancing elves. The world is so beautiful when we look at it with the eyes of someone who has satisfied his divine duties and has thus rebuilt his ability to just take the world the way it comes and enjoy it in pleasure and bliss along the dancing crowds. Don’t wonder who this Brother John is. He certainly is not Saint John and his Apocalypse; there is nothing apocalyptic in this music, nothing menacing, just multifarious and multi-voiced hymns and canticles dedicated to the peace of mind you reach when you concentrate your mind on the divine. This music is so Muslim in all possible ways. There is no contradiction that is not reduced to a broken bone that heals all by itself with the bandage of belief, faith, and submission to the truth of on-high, of beyond all the dangers that are not of life but of some other world that has to be forgotten and nullified. There is nothing bluesy in this music, nothing sad, mortiferous and morbid. Why on earth has Lionel Belmondo later on developed his morbid and death-loving style? There probably is no answer to that question. But his productions of 2011 and 2012 are in complete contradiction with this radiating bright luminous maybe slightly unempathetic style. Happiness is at the bottom of the flowery meadow like in The Sound of Music. It is well known, provided the world is the microcosm of Switzerland untouched and unconcerned by the violence outside its borders. I must say I miss the drama and the tragedy of so much jazz that pushes its roots and branches into the compost of centuries of
  50. 50. inhumane and barbaric history of slavery and exploitation. That’s maybe this contemplation of monstrosities from under the crystal dome of protected relaxation that is so common in Bordeaux and its region, in the Landes forest and on the lakes there, that explains the coming together of two jazzmen who are so different. The world is beautiful and life is marvelous. Let’s enjoy them both till we are drunk with an overdose of sugar and alcohol. Dr. Jacques COULARDEAU STEPHANE BELMONDO – THE SAME AS IT NEVER WAS BEFORE - 2011 Un trompettiste, d’abord et avant tout qui a donc joué toute sa vie durant dans des formations de jazz ou plus légères mais ici qui s’adonne aussi à des morceaux qu’il porte de son propre nom, donc comme compositeur. Le titre anglais est bien sûr une provocation. Comment prétendre faire dans le jazz autrement qu’en anglais ? Mais comme dirait Steinbeck : « Prenez n’importe quelle musique dans n’importe quel genre ou pays et improvisez dessus en tempo syncopé et vous avez du jazz. » Il disait cela dans l’ancienne Union Soviétique. C’est la pratique la plus courante de son frère Lionel, à notre Stéphane, qui prend des morceaux classiques et les déjante en jazz, les dé-jazze en quelque sorte.
  51. 51. Stéphane Belmondo reprend une pièce sur deux à des artistes de langue anglaise et probablement américains. Et cela donne de la variété en style alterné comme un tissu pied de poule. Le premier morceau de Stéphane Belmondo est nostalgique en diable et m’évoque le vertige contemplateur qu’on peut développer d’une cime de montagne plus ou moins élevée quand devant vous, sous vos pieds ou presque, à vos pieds pour sûr vous n’avez que le vide et l’envolée tombante si par malheur vous oubliez d’ouvrir vos ailes musicales pour descendre en vol plané. Stevie Wonder donne ensuite du rythme, de la joie, car lui il ne voit pas le vide sous ses pieds et donc il peut danser sans s’arrêter quel que soit le climat ou le paysage. Par contre Habiba de Kirk Lightsey introduit un sous-bois plutôt simple pour la trompette ou autre cousine dérivée ou cousin mal luné qui peut alors s’introduire et montre son caractère grincheux, hésitant, un peu révolté ou insoumis qui se demande s’il doit aller à droite ou à gauche, s’il doit s’envoler ou se poser, plonger ou faire la planche. Il joue même d’une sorte d’écho de lui- même, une voix de tête de sa voix de poitrine. Très bonne introduction à ce qui vient ensuite, le corps principal de ce ou cet ou cette Habiba qui me rappelle Habib Bourguiba dans ma mémoire ancienne, mais en fait c’est de l’anglais urbain comme ils disent là-bas de l’anglais presque vulgaire ou argotique des quartiers dits populaires comme Belleville ou Ménilmontant. Et là, le sens est simple :
  52. 52. “The meaning of Habiba is beloved, sweetheart or loved one, and it's incredibly accurate. A Habiba is a stunning human being, with a brilliant sense of humor and a personality that reminds you why it is a pleasure to be alive. Habiba can make you laugh when you've had the worst day. You can talk to her as though you've known her your whole life, and trust her with anything. Habiba's are beautiful creatures, and if you know one then hold on! You feel that the world is a brighter place simply by talking to her. She is the kindest, most genuine individual, who you can be yourself - no matter how ridiculous that is - with, and an absolute honor to have in your life :) Habiba is the kind of incredible friend that I would happily share Tom Hiddleston with. Cheekbones and all. I love her so, so much.” L’amour parfait mais que l’on est prêt à partager. Etrange concept de l’amour qui est comme l’amour d’une bonne pièce de bœuf que l’on partage avec son meilleur ami. Mais cet amour partagé devient fou avec la trompette qui s’emballe comme un taureau devant un morceau de chiffon rouge. Il ferait bien de freiner un de ces jours, de s’arrêter, mais rien à faire. Il danse comme un fou, un
  53. 53. dératé, un inconscient aux mains pleines qui se ruent vers le ravin comme un bison poussé par le troupeau en folie et qui va aller s‘écraser au fond d’un ravin. Les charognards viendront après comme la batterie, tambours et cymbales qui s’en donnent à cœur joie du silence de la bête. Là aussi, il y a de l’amour qui se clôt par quatre notes de piano. Stéphane Belmondo nous donne alors une de ses compositions et on retrouve le ton un peu lent et hésitant mais nostalgique, presque triste malgré le titre « free for three » qui devrait être enthousiasmant car trois ça tourne en diable comme une valse en Sainte Trinité et libre c’est encore plus tournant, mais non pas tourner de l’œil d’émoi alangui mais tourner comme une toupie au bord de la falaise, et on reçoit en priorité l’appel du vide et de la chute. On hésite, d’un orteil ou de deux, vais-je sauter, plonger, sombrer ou réfléchir à deux fois ou simplement m’abandonner au plaisir de commencer la chute en oubliant les remontrances d’un vieux père que l’on doit penser la fin avant de commencer. Mais le fils et frère n’écoute rien sinon l’appel du tambour. Mais une fois ne vient jamais seule et Stéphane Belmondo nous donne une autre composition de lui qui commence avec les vagissements d’un bébé et un solo de contrebasse aux cordes piqués, pincées et tordues comme il se doit. Puis cymbales, piano et nous voilà parti et la trompette prend le lead, le lied, la tête et le chant. Et la lumière sur Rita tombe sèche et langoureuse, elle sera humide plus tard. Pour le moment elle est jouisseuse de la vue voyeuriste et le piano piaffe un peu d’impatience. Mais Rita n’est pas vraiment à prendre, du moins pas encore. La trompette se fait un peu plus attirante, moqueuse, attirante, appelante, et même un peu exhibitionniste. Alors piano me prendras-tu ou pas.
  54. 54. Plutôt pas que oui mais pas question de fuir hurle la trompette, taratata. Mais rien n’y fait le piano a perdu son latin et son envie j’imagine à cette trompette dominante. Il se noie plus ou moins dans la contrebasse comme si pianoter dans la contrebasse pouvait couper le nœud gordien de l’impossible rencontre d’un piano un peu trop réservé et d’une trompette devenue un peu trop aguichante comme si on était place Clichy quatre minute après minuit, demandez à Stephen King, il sait tout ce qui peut arriver à cette heure fatidique. Et la trompette revient pour une dernière absinthe sur un sucre et la batterie ajoute un peu d’eau sur le sucre pour diluer l’absinthe et en faire un jus de fruit désorbitant. Musique parisienne en diable, du Paris populaire et du Paris érotique pour ne pas dire pornographique. Matt Denis a alors rendez-vous avec nos musiciens et c’est le cas de la dire Everything Happens to Me. Et là ma chère trompette tenez-vous bien et ne dérangez pas l’étal du magasin. Calme, lentement, avancez d’un pas plus sûr qu’il n’y paraît et faites donc que le destin qui est derrière vous, vous soutienne et vous pousse vers des extrémités, des fins, des finalités inconnues et nouvelles. Mais la langueur paresseuse de notre trompette résiste à la poussée et ne ressent pas l’appel alors elle se prend d’une jouissance personnelle sur place, tournant sur un pied et un talon et se demandant s’il n’y aurait pas un ciel d’aube qui puisse se révéler dans la nuit de ce boulevard à la porte du Cimetière du Père Lachaise incapable de pousser le portillon ou de passer le mur pour enfin se trouver dans la seule chose qui arrivera un jour pour sûr, de jour comme de nuit, la mort certaine et la fin en terre ou en fumée comme si rien ne pouvait dépasser cette limite triste. Ah quoi bon pourvu qu’on ait un verre de vin j’imagine, en cinq notes. Mais Stéphane Belmondo se devait bien d’en appeler à Dieu et son Godspeed n’a rien de bien rapide ni divin mais bien plus diabolique, répétitif, lancinant, méchant même. Il y a un charme dans cette titillation sans fin comme si on était dans un concours de chatouillis et de gratouillis qui finit heureusement avant d’exploser.
  55. 55. Wayne Shorter veut nous prêcher l’unité dans son United, une unité comme pour du square dancing disjoncté et qui n’en finit pas de ne pas se trouver. Il part ici et là dans un jazz plus urbain mais ne se retrouve quand même pas. Unis, nous sommes peut-être mais cela devient fébrile, intense, prenant, emportant, impératif, pressant, injonctif et tout sauf conditionnel. Le mouvement nous prend les pieds et le corps et nous déboulons sur l’avenue principale de je ne sais quelle New York, Nunited, Nyounited, Newnited. Le piano se croit dans un speakeasy alcoolique et il nous enivre de ses touches noires et blanches, de son clavier qui ondule dans notre ivresse. La batterie nous tanne la peau et le dos comme si nous étions quelques esclaves méritant le fouet, et la trompette peut revenir avec un chat à neuf queues pour ajouter quelques griffures à notre dos balafré de fouettage salé. Et on retombe dans le petit air mélodique du début comme si de rien n’était, comme si ce fouettage n’avait été qu’un exercice de jouissance dans l’exquise douleur de ce qui ne dure qu’un temps toujours trop court. Et nous finissons avec Stéphane Belmondo qui nous hante maintenant et est hanté de la même façon. Hanté, hantant, bref pris d’un spectre en forme de trompette et de quelques chaînes pianistiques en prière. Voyez-vous le revenant, le fantôme de je ne sais quelle nuit folle au matin arrivé et qui se doit de se demander ce qui a bien pu arriver dans ce monde nocturne. Et le piano fait ses vocalises sur nos nerfs tirés à blanc. Vous mourrez bien ce matin, petit frère mal appris et spectral. Mais nous en parlerons dans quelques heures quand j’aurai repris du poil de la bête. Et après une pause tout reprend dans des gargouillis et un équilibre retrouvé. Le fantôme de la gueule de bois est parti et il ne reste plus qu’un appétit à en mourir de faim. Et bien dansez donc maintenant. Dr. Jacques COULARDEAU
  56. 56. BELMONDO FAMILY SEXTET – MEDITERRANEAN SOUND – 2013 Soyons donc familiaux et familiers et rencontrons le père et ses deux fils, de vrais frères, dans la musique dans laquelle les fils sont nés et ont grandi et dans laquelle ils vont nous bercer pendant une heure. On est loin d’une musique dramatique, morbide ou funéraire comme si souvent attaché à Lionel Belmondo. Ici c’est la musique douce de la Riviera, de la Côte d’Azur, une côte si paisible quand on ne voit que l’élite des villas de luxe, que le farniente de ceux qui ne travaillent pas ou que peu, la joie et la facilité de vivre dans un monde nonchalant car ceux qui peinent et suent pour que cette façade de vie facile et insouciante puisse se développer et rutiler sont bien cachés, loin de la Promenade des Anglais ou de la Croisette, loin des casinos qui pourtant ne pourraient pas vivre sans leur travail mais on ne les voit, ces pauvres hères du travail, que le matin tôt ou le soir pas trop tard quand ils vont travailler pour l’élite (et souvent très tôt) ou reviennent du travail pour cette même élite (et dans ce cas parfois très tard). Et dans certaines zones dites industrielles, les activités de ce genre sont des activités hautement supérieures en revenus et en prestige comme fabricant de torpille pour les industries de l’armement, trop souvent directement liées à l’état avec des salariés quasi-fonctionnaires de facto travaillant un gros maximum de 1200 heures par an, et parfois même bien moins, là où la moyenne des Français font 1600 heures et cela implique que certains font jusqu’à 2000 heures dans l’année.
  57. 57. C’est cette musique insouciante et légère que nous avons ici. C’est du jazz bien sûr mais ce n’est pas le jazz auquel je donnerai des palmes d’honneur ou des heures d’écoute car il n’apporte pas grand-chose si ce n’est le confort de l’écoute justement, le silence de l’éthique, le calme du repos perpétuel, et oui, une certaine mort de l’esprit et de la conscience. Le jazz blanc des quartiers huppés de New York ou de Chicago, des hôtels et restaurants cinq étoiles, des casinos de Las Vegas. Mais le jazz noir des quartiers populaires de la Nouvelle Orléans, de New York (et c’est de moins en moins Harlem en pleine mutation de classe supérieure), du Sud profond et du Midwest industriel est absent de ce disque. Dommage. Comme je suis prêt à donner à Jimi Hendrix du temps et de l’honneur et peu par contre aux Beach Boys, à David Bowie et peu aux Boys Bands de toutes catégories qui sont juste capables de se mesurer à des Sheila et même pas Petula Clark, à Sydney Bechet et même Dave Brubeck mais certainement pas au jazz d’ascenseur, le célèbre Elevator Jazz que l’on peut entendre et en fait subir sans dommage dans les ascenseurs, bien sûr, mais aussi dans de nombreux lieux publics musicalisés, autant je suis capable de ne pas donner quoi que ce soit à ce jazz devenu une religion de la classe moyenne où ils et elles montrent leurs cravates (le Slip Français en vitrine) et leurs jupettes (lingerie fine sexy en prime).
  58. 58. Une exception d’une autre inspiration est l’emprunt (car toutes ces musiques sont empruntées) à Jules Massenet, « Méditation », mis en ordre jazzé, tendre, langoureux, gentil comme tout, une musique tout, tout ce que l’on peut attendre pour survivre à la langueur d’une vie sans vie, une musique toutou ou pékinois pour mémé endormie et pépé assoupi. Il y a cependant un peu de dépassement car même Jules Massenet rêvait de faire de la musique pour autre chose que les salons bourgeois parisiens. Mais ce n’est pas assez pour régénérer une heure de musique qui adoucit les mœurs. Cela me rappelle un inspecteur primaire, vraiment primaire, il y a longtemps qui expliquait dans sa conférence de rentrée aux instituteurs de l’école de Sainte Foy La Grande que la musique était faite pour adoucir les sentiments des gens vers la paix, le calme et l’entente universelle, bref le méchoui passé à la moulinette pour esprits surtout pas critiques, éveillés et alertes. Une heure entière de ce discours de petit intellectuel assis dans un fauteuil de velours m’avait endormi en son temps, ce qui me valut une remarque acerbe que je n’avais pas écouté avec soin et attention. Voilà. Dommage mais cette musique ne me remue pas les méninges, ni mêmes les hormones et me laisse plutôt froid et réservé comme si pris dans un bocal de conserve qui a vieilli sur les rayonnages de ma cave depuis plusieurs années et a perdu toute couleur dans l’obscurité et presque tout goût dans le verre, mais a vieilli, vieilli sans fin comme un vin gaulois récupéré deux mille ans
  59. 59. plus tard, même si ce vin gaulois est plutôt romain, mais qu’importe l’ivresse pourvu qu’on ait la bouteille Lionel Belmondo ou Stéphane Belmondo peuvent faire mieux, beaucoup mieux, surtout Lionel dans ses compositions mais ici ils ne sont que des instrumentalistes de qualité pour une musique qui n’est qu’un trip, j’allais dire une tripe, nostalgique d’une heure de musique avec papa. Notons que cela donne du jazz une image phallocrate dont j’ai horreur : le jazz est une musique d’homme qui se transmet de père en fils, et est faite pour des hommes. Je sais, on doit bien trouver une femme par ci par là, mais dieux que cela est rare aussi rare qu’une femme dans le grand conseil du Vice-Président Pence sur les droits de la femme réuni à la fin mars 2017 à la Maison Blanche : c’est clair PAS UNE SEULE. J’imagine que le jazz doit faire un peu mieux. Mais combien de femmes dans un big band classique de jazz ? A quand un big band de femmes ? Tu rêves Jacquot ! Tu rêves debout un rêve de « gender fluidity ». Restons raisonnable, s’il te plait. Dr. Jacques COULARDEAU

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