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LA PINTURA BARROCA

       CARAVAGGIO
CARACTERÍSTICAS GENERALES

           El interés contrarreformista de la iglesia católica
           y la monarquía y la valoración de la burguesía
           protestante de lo individual y lo cotidiano
           determinan la principal cualidad de la pintura
           barroca: su vinculación a la realidad,

           El realismo también consecuencia de una
           evolución estilística, ya que, cuando en los
           últimos años del siglo XVI la justificación
           puramente estética y el consciente
           antinaturalismo del manierismo agotan sus
           cauces expresivos, los artistas barrocos
           usan la novedad formal plasmando en sus
           obras aquello que el manierismo rechazaba:
           la realidad y la naturaleza.
   Realismo. Se buscan los
    modelos de la naturaleza, sin
    proceder a su idealización,
    incluso llegando al
    naturalismo, la preocupación por
    la representación del estado
    psicológico, de los sentimientos
    (dolor, alegría), etc. En no pocas
    ocasiones la luz se pone al
    servicio del realismo, resaltando
    texturas y superficies.
   Libertad en la composición, es
    decir composición asimétrica.

   La tendencia instintiva a colocar la
    figura principal en medio y a pintar
    dos mitades de telas semejantes
    (simetría) se pierde, de la misma
    manera que se desecha la malla de
    horizontales y verticales del arte
    clásico.

   Se prefiere todo aquello que
    muestre desequilibrio o sugiera que
    la escena continúa más allá de los
    límites del marco. Esta composición
    atectónica se consigue mediante las
    líneas diagonales que sustituyen a
    las composiciones piramidales del
    siglo anterior.

   A veces se usan formas partidas
    que indiquen que no todo cabe en la
    tela. Las composiciones se abran
    hacia el exterior, son centrífugas.

   En ocasiones se usan puntos de
    vista muy bajos
   Hegemonía de la luz. Se abandona el
    sfumato de Leonardo se pasa a planos de
    luz y sombras donde las formas se dibujan
    con gran precisión.

   El barroco es el arte de plasmar
    pictóricamente la luz y la sombra juega un
    papel hasta entonces inédito, especialmente
    en los primeros ensayos del estilo que han
    venido a denominarse Tenebrismo.

   En el Barroco la forma se subordina a la luz,
    y en algunas ocasiones las formas pueden
    desvanecerse por debilidad o intensidad del
    centelleo luminoso.
   Predominio del color sobre el
                                       dibujo. En los grandes maestros
                                       (Velázquez,Rembrandt, Rubens), las
                                       manchas son las definidoras de las
                                       formas. Se pinta, no se dibuja.

                                      Se pintan las cosas con manchas
                                       de color y luz, perdiéndose los
                                       detalles y con el contorno no
                                       precisado.

                                      La pincelada se hace mas suelta y
                                       abocetada.
Detalles de pintura de Velázquez
   Estudio de la profundidad . En
                                         el barroco se abandona el rigor
                                         de la perspectiva lineal a favor
                                         de la perspectiva aérea.

                                        Para obtener la sensación de
                                         profundidad los procedimientos
                                         utilizados pueden ser líneas
                                         convergentes, series de
                                         escorzos, un primer término
                                         desmesurado, un primer término
                                         oscuro, planos sucesivos de luz
                                         y sombra, plasmación de efectos
                                         atmosféricos: difuminación de
                                         los contornos, enfriamiento de
                                         los colores...
La rendición de Breda de Velazquez
   Preocupación por plasmar el
    movimiento. La pintura barroca es la
    pintura de la vida y ésta no puede
    representarse bajo formas estáticas. La
    turbulencia se antepone a la quietud; las
    figuras son inestables y los escorzos y
    ondulaciones se multiplican.
        A veces este movimiento no existe y el
         exceso de quietud y austeridad se debe
         relacionar con el deseo de vincular la
         obra con la trascendencia religiosa.

   Técnicas. La importancia del color y el
    deseo de mostrarlo en toda su brillantez
    hace que se abandone el temple y se
    generaliza el óleo y el uso del lienzo, a
    veces de grandes proporciones y la
    pintura sobre tabla casi se abandona.
        La técnica del fresco se sigue utilizando
         para la pintura decorativa de las
         paredes.
LOS TEMAS

La multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas.
 El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo
   únicamente en las alegorías y mitologías.
 La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes.
 Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se
   convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como,
   escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas
   navales, etc.
 También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de
   naturalezas muertas.

   En cuanto a los temas religiosos abundan la representaciones de la
    Virgen, como Inmaculada, la Piedad, los pasajes evangélicos más
    relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la
    eucaristía), series sobre la vida de los santos y sus martirios Todos en un
    tono teatral, por influencia de la Contrarreforma que pretende llevar al fiel a
    la experiencia religiosa por medio de los sentimientos.
LA PINTURA BARROCA ITALIANA
EL TENEBRISMO             Miguel Angel Merisi,
                              “Caravaggio”
                              (1573-1610)
                De Caravaggio se ha dicho que fue un
                revolucionario tanto por su vida turbulenta
                como por su pintura, en la que planteó una
                oposición consciente al Renacimiento y al
                manierismo. Siempre buscó, ante todo, la
                intensidad efectista a través de vehementes
                contrastes de claroscuro que esculpen las
                figuras y los objetos, y por medio de una
                presencia física de vigor incomparable. Al
                evitar cualquier vestigio de idealización y hacer
                del realismo su bandera, pretendió ante todo
                que ninguna de sus obras dejara indiferente al
                espectador.
Introdujo una profunda revolución en
                                                la pintura italiana del XVII. Dos son
                                                las características básicas de su
                                                obra, el naturalismo , rechazó los
                                                ideales clásicos; cuando pintaba una
                                                escena de tipo religioso, introducía
                                                en los cuadros lo vulgar, las escenas
                                                con gente corriente, sin ningún tipo
                                                de idealización. En segundo lugar,
                                                el tenebrismo, para acentuar el
                                                realismo, realza sus figuras y
                                                escenas por los efectos de luz,
                                                haciéndolas destacar sobre el fondo
                                                oscuro, la luz no se difunde
                                                suavemente, sino que surge de un
                                                vano lateral y cae sobre las figuras,
                                                sobre la escena, delimitando
Los personajes aparecen en actitudes
                                                claramente las formas iluminadas en
sorprendentes, en clara ruptura con lo que
                                                las que los colores son vivos e
se consideraba “decoroso”; el autor quiere
                                                intensos y destacan sobre las zonas
mostrar, de esta manera, la psicología y
                                                oscuras.
las pasiones de los personajes, los “afecti”.
La vocación
de San
Mateo
El USO DE LA LUZ

La luz funciona como un
espacio autónomo, como un
personaje más en el cuadro,
como tiempo, pues introduce el
ritmo narrativo.
 El foco luminoso nunca
aparece en el lienzo y suele ser
artificial, procedente de algún
ángulo lateral. Simboliza
siempre la presencia de lo
sobrenatural o lo divino, ¡Dios
es luz!.

Parece ser que Caravaggio
trabajaba en habitaciones muy
oscuras en las que manejaba
la luz a su antojo
EL CUERPO HUMANO

Los cuerpos de Caravaggio son
casi exclusivamente masculinos,
jóvenes o viejos: no se conocen
representaciones de mujeres
desnudas. Parece tener una
predilección por los cuerpos
marcados, imponentes y dotados
de musculaturas notables: en
numerosas pinturas, los
personajes parecen invadir todo
el cuadro. Esto es apreciable en
los cuadros como el David de
1600, el Cristo en la columna o
incluso en la Coronación de
Espinas.
La crucifixión de San Pedro.


   EL NATURALISMO

•Desde los inicios de su estancia
romana rechazó la característica
belleza ideal del Renacimiento, basada
en normas estrictas, y eligió el camino
de la verdad y el Naturalismo,
realizando sus obras mediante copias
directas del natural, sin ningún tipo de
preparación previa a la obra.

•El tratamiento de los temas
religiosos, como escenas cotidianas,
con toda su vulgaridad, hizo que en
algunos casos sus obras no fuesen
bien aceptadas, producían la
sensación de falta de respeto hacia el
tema y los personajes representados.
La “narración” se reduce al momento
culminante de la historia y tiene, en
muchas ocasiones, el aspecto de una
fotografía instantánea. En ese instante
se concentraba toda la acción, todo el
dramatismo.

La ausencia de fondos, por otra parte,
acentuaba el contraste luminoso. Las
figuras, parcialmente iluminadas contra
la oscuridad, se destacan enfatizando
sus gestos y expresiones.

La suma de recursos tan efectistas
deslumbran la mirada (claroscuros,
contrapicados, gestualidad de los
personajes, etc.), crean un espacio
profundamente teatral, rico en
significados y deslumbrante, a pesar de
la “atmósfera tenebrosa” que domina
muchas de sus composiciones.
                                          La conversión de camino a Damasco
El martirio de
San mateo,
Öleo sobre
lienzo.
3.23 x 3.43 m.
Capilla
Contarelli,
S. Luís de los
franceses,
Roma
San Mateo y el ángel,
            1602. Óleo sobre lienzo.




Los rostros, las manos y los pies
de estos personajes aparecen
maltratados, con suciedad. Se
trata de una clara reivindicación
de lo popular en lo sagrado, de
conectar la fe con la verdadera
piedad, aquella que huye de los
oropeles y la pompa, tan querida
por la jerarquía eclesiástica.
David
         1600
   Óleo sobre lienzo
      110 x 91 cm
Museo del Prado, Madrid
Cena en Emaús, 1601-2. öleo sobre lienzo. 1,39 x 1.95 m. National Galleri de Londres
La crucifixión de San Pedro.
  1600. Óleo sobre lienzo,
         230 x 175 cm
 Capilla Cerasi, Santa Maria
      del Popolo, Roma
La conversión de
     camino
   a Damasco
Óleo sobre lienzo, 2.3
       x 1.75.
   San Luís de los
  franceses, Roma
La incredulidad de Santo Tomás 1601-02
Óleo sobre lienzo , 107 x 146 cm Sanssouci, Potsdam
En las pinturas religiosas
  de Caravagio, el reino de
  Dios está en lo cotidiano
  y lo miserable,
  manifestándose en los
  pecadores y marginados
  de los que hablan las
  Sagradas Escrituras.




El enterramiento de Cristo
 Óleo sobre lienzo, 16002-3
       3 m. x 2.03 m
    Pinacoteca vaticana
San Jerónimo
        1605-6
  Óleo sobre lienzo
    1.18 x 0.81 m.
Monasterio de Monserrat
La muerte de la Virgen
           1606, Óleo sobre lienzo
               3.69 x 2.45 m.
              Museo del Prado




La pintura de Caravaggio que
causaría el mayor escándalo a los
ojos de la Iglesia fue La muerte de la
Virgen, por la representación tan
realista del cuerpo de la Virgen
María con el vientre hinchado
-acompañado de sulfurosos rumores
según los cuales el modelo habría
sido el cadáver de una prostituta
encinta ahogada en el Tïber.
Las tendencias homosexuales de
Caravaggio apenas han sido
establecidas con exactitud, incluso
en nuestros días, es un asunto con
el que los cronistas se sienten
incomodados y prefieren guardar
en silencio, pero la observación de
su obra deja pocas dudas a este
respecto.
Esa sexualidad, considerada
infame en la época y
vigorosamente condenada por la
Iglesia, le acarreó muchos
problemas con la justicia y con el
poder: fue implicado en numerosos
asuntos de “malas costumbres”.
Joven con cesto de frutas
         c. 1593
    Óleo sobre lienzo
       70 x 67 cm
   Galeria Borghese,
          Roma
Baco
      c. 1596
 Óleo sobre lienzo
    95 x 85 cm
Galleria degli Uffizi,
     Florencia
   Tomás Pérez
   Elena La Banda

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Pintura Barroca: Caravaggio

  • 1. LA PINTURA BARROCA CARAVAGGIO
  • 2. CARACTERÍSTICAS GENERALES El interés contrarreformista de la iglesia católica y la monarquía y la valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo cotidiano determinan la principal cualidad de la pintura barroca: su vinculación a la realidad, El realismo también consecuencia de una evolución estilística, ya que, cuando en los últimos años del siglo XVI la justificación puramente estética y el consciente antinaturalismo del manierismo agotan sus cauces expresivos, los artistas barrocos usan la novedad formal plasmando en sus obras aquello que el manierismo rechazaba: la realidad y la naturaleza.
  • 3. Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo, la preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos (dolor, alegría), etc. En no pocas ocasiones la luz se pone al servicio del realismo, resaltando texturas y superficies.
  • 4. Libertad en la composición, es decir composición asimétrica.  La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico.  Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco. Esta composición atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior.  A veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la tela. Las composiciones se abran hacia el exterior, son centrífugas.  En ocasiones se usan puntos de vista muy bajos
  • 5. Hegemonía de la luz. Se abandona el sfumato de Leonardo se pasa a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión.  El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo.  En el Barroco la forma se subordina a la luz, y en algunas ocasiones las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
  • 6. Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes maestros (Velázquez,Rembrandt, Rubens), las manchas son las definidoras de las formas. Se pinta, no se dibuja.  Se pintan las cosas con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado.  La pincelada se hace mas suelta y abocetada. Detalles de pintura de Velázquez
  • 7. Estudio de la profundidad . En el barroco se abandona el rigor de la perspectiva lineal a favor de la perspectiva aérea.  Para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer término desmesurado, un primer término oscuro, planos sucesivos de luz y sombra, plasmación de efectos atmosféricos: difuminación de los contornos, enfriamiento de los colores... La rendición de Breda de Velazquez
  • 8. Preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas. La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican.  A veces este movimiento no existe y el exceso de quietud y austeridad se debe relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia religiosa.  Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleo y el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura sobre tabla casi se abandona.  La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de las paredes.
  • 9. LOS TEMAS La multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas.  El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías.  La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes.  Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como, escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas navales, etc.  También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas.  En cuanto a los temas religiosos abundan la representaciones de la Virgen, como Inmaculada, la Piedad, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los santos y sus martirios Todos en un tono teatral, por influencia de la Contrarreforma que pretende llevar al fiel a la experiencia religiosa por medio de los sentimientos.
  • 10. LA PINTURA BARROCA ITALIANA EL TENEBRISMO Miguel Angel Merisi, “Caravaggio” (1573-1610) De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador.
  • 11. Introdujo una profunda revolución en la pintura italiana del XVII. Dos son las características básicas de su obra, el naturalismo , rechazó los ideales clásicos; cuando pintaba una escena de tipo religioso, introducía en los cuadros lo vulgar, las escenas con gente corriente, sin ningún tipo de idealización. En segundo lugar, el tenebrismo, para acentuar el realismo, realza sus figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre el fondo oscuro, la luz no se difunde suavemente, sino que surge de un vano lateral y cae sobre las figuras, sobre la escena, delimitando Los personajes aparecen en actitudes claramente las formas iluminadas en sorprendentes, en clara ruptura con lo que las que los colores son vivos e se consideraba “decoroso”; el autor quiere intensos y destacan sobre las zonas mostrar, de esta manera, la psicología y oscuras. las pasiones de los personajes, los “afecti”.
  • 13.
  • 14.
  • 15. El USO DE LA LUZ La luz funciona como un espacio autónomo, como un personaje más en el cuadro, como tiempo, pues introduce el ritmo narrativo. El foco luminoso nunca aparece en el lienzo y suele ser artificial, procedente de algún ángulo lateral. Simboliza siempre la presencia de lo sobrenatural o lo divino, ¡Dios es luz!. Parece ser que Caravaggio trabajaba en habitaciones muy oscuras en las que manejaba la luz a su antojo
  • 16. EL CUERPO HUMANO Los cuerpos de Caravaggio son casi exclusivamente masculinos, jóvenes o viejos: no se conocen representaciones de mujeres desnudas. Parece tener una predilección por los cuerpos marcados, imponentes y dotados de musculaturas notables: en numerosas pinturas, los personajes parecen invadir todo el cuadro. Esto es apreciable en los cuadros como el David de 1600, el Cristo en la columna o incluso en la Coronación de Espinas.
  • 17. La crucifixión de San Pedro. EL NATURALISMO •Desde los inicios de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el Naturalismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa a la obra. •El tratamiento de los temas religiosos, como escenas cotidianas, con toda su vulgaridad, hizo que en algunos casos sus obras no fuesen bien aceptadas, producían la sensación de falta de respeto hacia el tema y los personajes representados.
  • 18. La “narración” se reduce al momento culminante de la historia y tiene, en muchas ocasiones, el aspecto de una fotografía instantánea. En ese instante se concentraba toda la acción, todo el dramatismo. La ausencia de fondos, por otra parte, acentuaba el contraste luminoso. Las figuras, parcialmente iluminadas contra la oscuridad, se destacan enfatizando sus gestos y expresiones. La suma de recursos tan efectistas deslumbran la mirada (claroscuros, contrapicados, gestualidad de los personajes, etc.), crean un espacio profundamente teatral, rico en significados y deslumbrante, a pesar de la “atmósfera tenebrosa” que domina muchas de sus composiciones. La conversión de camino a Damasco
  • 19. El martirio de San mateo, Öleo sobre lienzo. 3.23 x 3.43 m. Capilla Contarelli, S. Luís de los franceses, Roma
  • 20. San Mateo y el ángel, 1602. Óleo sobre lienzo. Los rostros, las manos y los pies de estos personajes aparecen maltratados, con suciedad. Se trata de una clara reivindicación de lo popular en lo sagrado, de conectar la fe con la verdadera piedad, aquella que huye de los oropeles y la pompa, tan querida por la jerarquía eclesiástica.
  • 21. David 1600 Óleo sobre lienzo 110 x 91 cm Museo del Prado, Madrid
  • 22. Cena en Emaús, 1601-2. öleo sobre lienzo. 1,39 x 1.95 m. National Galleri de Londres
  • 23. La crucifixión de San Pedro. 1600. Óleo sobre lienzo, 230 x 175 cm Capilla Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma
  • 24. La conversión de camino a Damasco Óleo sobre lienzo, 2.3 x 1.75. San Luís de los franceses, Roma
  • 25. La incredulidad de Santo Tomás 1601-02 Óleo sobre lienzo , 107 x 146 cm Sanssouci, Potsdam
  • 26. En las pinturas religiosas de Caravagio, el reino de Dios está en lo cotidiano y lo miserable, manifestándose en los pecadores y marginados de los que hablan las Sagradas Escrituras. El enterramiento de Cristo Óleo sobre lienzo, 16002-3 3 m. x 2.03 m Pinacoteca vaticana
  • 27.
  • 28. San Jerónimo 1605-6 Óleo sobre lienzo 1.18 x 0.81 m. Monasterio de Monserrat
  • 29. La muerte de la Virgen 1606, Óleo sobre lienzo 3.69 x 2.45 m. Museo del Prado La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tïber.
  • 30. Las tendencias homosexuales de Caravaggio apenas han sido establecidas con exactitud, incluso en nuestros días, es un asunto con el que los cronistas se sienten incomodados y prefieren guardar en silencio, pero la observación de su obra deja pocas dudas a este respecto. Esa sexualidad, considerada infame en la época y vigorosamente condenada por la Iglesia, le acarreó muchos problemas con la justicia y con el poder: fue implicado en numerosos asuntos de “malas costumbres”.
  • 31. Joven con cesto de frutas c. 1593 Óleo sobre lienzo 70 x 67 cm Galeria Borghese, Roma
  • 32. Baco c. 1596 Óleo sobre lienzo 95 x 85 cm Galleria degli Uffizi, Florencia
  • 33. Tomás Pérez  Elena La Banda