I.U.P.S.M. Extensión SAIA.

1. Identificación de los elementos
del estilo Barroco.
Realizado por:
Alfonzo G.,Willianny.
C.I. 26.344.461
República Bolivariana deVenezuela.
Ministerio del Poder Popular para la Educación Superior.
Instituto Universitario Politécnico Santiago Mariño.
Extensión Porlamar.
Historia de la Arquitectura II.

2. Arquitectura
Barroca.
La arquitectura barroca es un período de la historia de la arquitectura que vino precedida del
Renacimiento y del Manierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta
mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.
El término Barroco, derivado del portugués "barru", "perla de forma diferente o irregular", se
utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del
nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de
composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas
complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de
la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que
sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado.
En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones de la Europa
septentrional se produjo un movimiento más racionalista derivado directamente del
Renacimiento que se denominó Clasicismo barroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando
en Francia un movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se basaba
fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a
buena parte de Europa.
Contrariamente a las teorías según las cuales el movimiento barroco surgió a partir del
Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento que acabó desencadenando en último
término el Barroco. De hecho, la arquitectura manierista no fue suficientemente revolucionaria
para evolucionar radicalmente, en un sentido espacial y no sólo superficial, a partir de los estilos
de la antigüedad a los nuevos fines populares y retóricos de la época del contrarreformismo.

3. Características
de la
Arquitectura
Barroca.
• Arquitecturas cargadas de detalles y complejas. No reniega de las formas clásicas (columnas,
arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a
ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y
adoptan curvas, contracurvas y espirales.
• Se adopta la elípticaoval y otras formas (como la de abeja de Borromini). Las paredes son
cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y
superficies planas.
• Se adopta un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de
movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. Gusta de representar o
sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que
altere y haga irreconocibles las perspectivas). Éxito del orden gigante, con columnas que
abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados.
• Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos,
a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y
teatral.
• Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al
exterior, aunque más sobrio. Amor desenfrenado por lo curvilíneo y el triunfo de la columna
salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas. El arco descansa sobre la
columna por medio de un entablamento (al modo romano), o descansa directamente sobre el
capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento. Se utilizan
grandes cartelas.
• La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas,
urbanísticas, grandes jardines y galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte).

4. Stift Melk,Wachau, Austria.
La Abadía de Melk o Stift Melk es una abadía benedictina sita en Melk, Austria, uno de los
monasterios cristianos más famosos del mundo. Domina el Danubio desde lo alto de un
acantilado rocoso, próximo al valle de Wachau.
Fue fundada en 1089, cuando Leopoldo II, soberano de Austria, entregó uno de sus castillos
a los monjes benedictinos de la Abadía de Lambach. En el siglo XII se fundó una escuela, y la
biblioteca de la abadía alcanzó rápidamente renombre por su extensa colección de manuscritos.
El monasterio fue también un referente en la producción de manuscritos. En el siglo XV la abadía
se convirtió en el centro de la Reforma de Melk, un movimiento que devolvió cierto vigor a la vida
monástica de Austria y el sur de Alemania. Desde 1625 la abadía ha sido miembro de la
Congregación Austríaca, actualmente incluida en la Confederación Benedictina.
La Abadía de Melk consiguió su impresionante aspecto barroco actual entre 1702 y 1736,
tras la reforma dirigida por el arquitecto Jakob Prandtauer. Son particularmente destacables la
iglesia de la abadía, con frescos de Johann Michael Rottmayr, y la magnífica biblioteca, con
incontables manuscritos medievales y frescos de Paul Troger. Debido a su fama y altura
académica, Melk consiguió escapar a la disolución bajo José II, emperador del Sacro Imperio
Romano Germánico, mientras muchas otras abadías austríacas fueron confiscadas y disueltas
entre 1780 y 1790. La abadía consiguió sobrevivir otras amenazas a su existencia durante las
Guerras Napoleónicas, e incluso en el periodo siguiente al Anschluss, la anexión nazi de Austria
en 1938.
La escuela de la abadía volvió a funcionar tras la Segunda Guerra Mundial, y actualmente
cuenta con cerca de novecientos estudiantes de ambos sexos.

5. Los arcos son muy variados:
medio punto, elípticos,
mixtilíneos, ovales ,... El arco
más utilizado es el de medio
punto.
Los soportes , exentos o
adosados se emplean mucho,
pero, en general, con fines
decorativos .
Se usan los atlantes ,
cariátides y ménsulas y
aparecen dos soportes nuevos
típicamente barrocos: la
columna salomónica y el
estípite .
El muro es el principal soporte
y tiene en carácter dinámico ;
se ondula y modela
permitiendo plantas flexibles .
Los vanos que se abren
pueden tener formas
complejas, ovales, con
sobreventanas, etc.

6. Plaza de San Pedro de Roma.
La Plaza de San Pedro (Piazza San Pietro, en italiano), se encuentra situada en la Ciudad del
Vaticano, dentro de la ciudad y capital italiana de Roma y precede, a modo de gran sala períptera,
a la Basílica de San Pedro, el magno templo del catolicismo. Fue enteramente proyectada por
Gian Lorenzo Bernini entre 1656 y Via della Conciliazione y muestra, al fondo, la magnífica
fachada de la Basílica de San Pedro; esta vía comienza en el largo Giovanni XXIII, muy cerca del
castillo de Sant'Angelo, junto al ríoTíber, pasando al final por la plaza Pío XII.
La plaza es una gran explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente mediante dos
pasajes, con forma elíptica, de columnatas rematadas en una balaustrada sobre la que se
asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares; en su interior se
encuentran dos fuentes, una en cada foco de la elipse,y en medio de la plaza se erigió un
monumental obelisco (de 25 metros de alto y 327 toneladas), un bloque pétreo sin inscripciones
traído desde Egipto que estaba en el centro de un circo romano. En 1586 el Papa Sixto V decidió
colocarlo frente a la Basílica de San Pedro en memoria del martirio de San Pedro en el Circo de
Nerón. Se le conoce como el “testigo mudo”, pues junto a este se crucificó a Pedro. La esfera de
bronce de la cúspide que, según la leyenda medieval, contenía los restos de Julio César, fue
reemplazada por una reliquia de la cruz de Cristo. Los dos pasajes de columnas (284 de 16 metros
cada una) se abren a cada lado simbolizando el abrazo de acogida de la Iglesia al visitante que
parece invitan a entrar.
En esta plaza, el Papa suele celebrar algunas liturgias solemnes (especialmente aquellas que
reúnen a multitudes demasiado grandes como para que entren en la ya de por sí inmensa
basílica) y otros encuentros, sobre todo audiencias públicas. La famosa Plaza de la Concordia en
París es una copia de esta plaza ya que tanto el obelisco como las fuentes y su distribución son
idénticas a las de San Pedro.

7. Se concede gran importancia
al urbanismo.
Volumen pleno y columnas
salomónicas (muy dinámica,
con fuste retorcido que
asciende en sentido
helicoidal), se prefiere el óvalo
al círculo...
Las fachadas se curvan como
consecuencia de la
introducción de
entablamentos curvos .
Inspiradas en el modelo de “ Il
Gesú ” de Vignola, tienen dos
cuerpos, y se van haciendo
más movidas y ricas en
claroscuro . Se llenan de
esculturas, las columnas se
desprenden del muro y el
efecto general es de mayor
riqueza y movimiento .

8. Palacio de Luxemburgo.
El Palacio del Luxemburgo está ubicado en el VI Distrito de París, Francia. El
palacio, sede del Senado francés, fue construido por el arquitecto Salomon de Brosse
para María de Médici entre 1615 y 1627. Sufrió numerosas ampliaciones y recortes a lo
largo de su historia, y el diseño actual corresponde en su mayor parte a las obras
realizadas por el arquitecto Jean-François-Thérèse Chalgrin durante el Primer Imperio
francés. Fue recortado con posterioridad por las obras de urbanización periféricas del
barón Haussmann. Cuenta con un palacio anexo, el Petit Luxembourg. Fue construido
en la misma época y es, desde 1825, la residencia de los presidentes del Senado
francés.
El palacio está situado en el jardín del Luxemburgo, un parque privado de 22,45
ha que le pertenece y es abierto al público.

9. En ocasiones, la artificiosidad en
los procedimientos va en
detrimento de la solidez o
funcionalidad del edificio. Lo que
importa es el efecto global , al que
se subordinarán las formas
escultóricas, pictóricas y
decorativas que embellecen la
arquitectura; de este modo, el
edificio se constituye en un todo
orgánico.
Se emplean todos los órdenes
(dórico, jónico, corintio, toscano,
compuesto) de columnas y sus
entablamentos , aunque se
prefieren las proporciones gigantes
.
Las columnas pierden sus
proporciones clásicas y se hacen
monumentales o enanas , según
convenga al efecto del conjunto.

10. Iglesia del Gesú.
La Iglesia del Gesù (en italiano, Chiesa del Sacro Nome di Gesù, o Iglesia del Santo Nombre de Jesús) situada en
la plaza del Gesù en Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús, conocida como los jesuitas, una orden de la
Iglesia católica. Su fachada está reconocida como «la primera verdaderamente barroca»1 y fue el modelo de
innumerables iglesias jesuitas en todo el mundo, especialmente en el continente americano.
Aunque Miguel Ángel se ofreció a diseñar la iglesia gratis, el esfuerzo recibía fondos del cardenal Alejandro
Farnesio, nieto del Papa Pablo III, quien había autorizado la fundación de la Compañía de Jesús. Al final, los principales
arquitectos implicados en la construcción fueron Jacopo Vignola y Giacomo della Porta, cuya revisión del diseño de la
fachada de Vignola ha ofrecido a los historiadores de la arquitectura oportunidades para una comparación minuciosa
entre la equilibrada composición de Vignola en tres planos superpuestos y la tensión dinámicamente fusionada de
Della Porta, debida a sus fuertes elementos verticales, contrastes que han agudizado las percepciones de los
historiadores de arquitectura durante el último siglo (Whitman 1970:108). El diseño rechazado de Vignola permaneció
disponible para los arquitectos y posibles mecenas gracias a un grabado de 1573.
La construcción de la iglesia comenzó en 1568 según diseño de Vignola, y, dado que estableció un modelo para
las iglesias jesuitas que perduró hasta el siglo XX, sus innovaciones deben enumerarse. La iglesia madre jesuita fue
construida de acuerdo con las nuevas exigencias formuladas durante el Concilio de Trento. No hay nártex en el que
remolonear: el visitante es proyectado inmediatamente en el cuerpo de la iglesia, una simple nave central, sin naves
laterales, de manera que la congregación esté junta y concentrada en el altar mayor. En lugar de naves laterales hay
una serie de capillas interconectadas detrás de entradas en forma de arco, cuya entrada está controlada por
balaustradas decorativas con rejas. Los transeptos quedan reducidos a esbozos que enfatizan los altares en los muros
del fondo.
El plan sintetiza el planeamiento central del Alto Renacimiento,4 expresado a gran escala por la cúpula y los
prominentes pilares del crucero, con la nave ampliada que había sido característica de las iglesias de predicadores, un
tipo de iglesia creada por los franciscanos y los dominicos desde el siglo XIII. Por todos lados revestimientos de
mármol policromado incrustados son puestos de relieve gracias a los dorados, las bóvedas de cañón pintadas al fresco
enriquecen la techumbre y retóricas esculturas de mármol y estuco blanco rompen su marco tectónico. El ejemplo del
Gesù no eliminó completamente la tradicional iglesia basilical con naves laterales, pero después de que se asentara su
ejemplo, los experimentos con el plano de las iglesias barrocas, ovales o de cruz griega, quedaron en gran medida
limitadas a iglesias menores y capillas.

11. La tradicional planta rectangular da
paso a plantas elípticas, circulares y
mixtas . Se da un claro predominio
de la “ Planta jesuítica ”.
Los edificios son religiosos o civiles
con un sentido simbólico-
propagandístico y con una gran
variedad de plantas. Los edificios
típicos siguen siendo la iglesia y el
palacio en sus distintas variaciones,
aunque también hay que destacar
las plazas y las fuentes que las
decoran.
Todos estos elementos se emplean
con gran libertad , pues lo que se
valora es la invención y la
originalidad en la plasmación de
formas nuevas que impresionen al
espectador .

12. Pintura
Barroca.
La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El
movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el
renacimiento católico,1 2 pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos
en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su
amplia popularidad.3 La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las
manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la
religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor
del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se
identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los
colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista,
que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento,
los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción
estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a
su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini
es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía
evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido
apreciada durante el Renacimiento.

13. Características
de la Pintura
Barroca.
• Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o
costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una
búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
• El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina
sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los
contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se
convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos,
define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la
técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
• Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan
perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la
dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las
composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el
espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la
unidad de la escena.
• Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo
sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la
representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin
la idealización y concepción propias del siglo anterior.
• El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en
ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de
perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan «romper» visualmente,
mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había
utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos de
Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se
prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no ya
sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.

14. Rembrandt van Rijn, La ronda de
noche o La compañía del Capitán
Frans Banning Cocq, 1642, óleo
sobre lienzo, 363 × 437 cm.,
Rijksmuseum, Ámsterdam.
La ronda de noche o La
ronda nocturna (en neerlandés:
De Nachtwacht) es el nombre por
el que se conoce comúnmente
una de las más famosas obras
maestras del pintor neerlandés
Rembrandt, pintada entre 1640 y
1642. Este cuadro es una de la
joyas de la exposición permanente
del Rijksmuseum de Ámsterdam,
pinacoteca especializada en arte
neerlandés.

15. Las formas son voluptuosas y
exageradas y las figuras cobran
expresividad y, envueltas en mórbidas
telas, se abrazan las unas a las otras en
actitudes patéticas y dramáticas, a
veces, incluso imposibles.
El color se convierte en el principal
protagonista de la pintura, dejando
definitivamente al dibujo en un
segundo plano. Los contornos se
esfuman en rápidas pinceladas.
El dominio de la tercera dimensión, del
volumen y la profundidad, es absoluto.
Pero también fue de una importancia
capital el desarrollo de la pintura
decorativa al fresco, con la que se
cubría gran monumentalidad y
grandiosidad la arquitectura,
principalmente las bóvedas.

16. Cristo abrazando a san
Bernardo [Francisco Ribalta] 1624-
1627, óleo sobre lienzo, 158 x 113 cm
Cristo abandona la Cruz por un
instante para fundirse en un abrazo con San
Bernardo, fundador de la Orden
Cisterciense. La escena está inspirada en
una visión mística del santo, reflejada en uno
de los libros de devoción más populares del
periodo Barroco como era el Flos
Sanctorum, o Libro de la vida de los Santos,
de Pedro de Ribadeneyra, publicado en
1599.
Ribalta reduce al máximo el colorido
para hacer una escena casi monocromática.
La luz procedente de la izquierda hace que
resalte el blanco del hábito y la anatomía de
Cristo, dando lugar a infinidad de tonos de
marfil que provocan un aspecto casi
escultórico. El efecto de claroscuro muestra
la influencia de Caravaggio en la obra de
Ribalta, quien también parece inspirarse en
imágenes de Sebastiano del Piombo para la
poderosa figura de Cristo.

17. Naturalismo, desemboca en el realismo.
Se representan todo tipo de realidades
Interés de representar las cosas tal y
como son, incluso los temas religiosos
se presentan como si fueran la vida real
para acercar al espectador a la religión.
Para conseguir plasmar la realidad es
fundamental resolver el problema de la
luz. Frente al único foco de luz del
Renacimiento, el Barroco utiliza varios
focos de luz. Esta luz puede ser muy
contrastada con la sombra: El
Tenebrismo

18. Madonna del Rosario
(Caravaggio).
Madonna del Rosario es un cuadro
de la etapa napolitana de
Caravaggio, pintado en 1607. Es
pareja con Siete acciones de
misericordia, también del mismo
autor. Ambas estuvieron
colocadas, en principio, en la
misma iglesia, pero ésta fue
trasladada a Viena por órdenes de
Francisco José I. El cuadro emula a
Leonardo Da Vinci y Rafael
Sanzio, quienes realizaron sendas
versiones de este tema. La luz y
los elementos de intercesión dan
a la escena un toque más religioso
y místico.

19. Utilización de la perspectiva aérea para
conseguir un mayor realismo.
Gran expresividad de las figuras hasta la
teatralidad.
Temas propios de la Contrarreforma:
Virgen; santos; mártires; pasión… Temas
del Antiguo Testamento propio de los
protestantes. Austeridad propia del
calivinismo.
Al principio representan masas
homogéneas y compactas.

20. Martirio de San Bartolomé (Ribera)
La pintura ilustra un argumento de
martirio y tormento físico. El apóstol
Bartolomé, casi desnudo, mira
indefenso hacia nosotros, mientras un
verdugo embriagado lo desuella con
entusiasmo sádico. Por el suelo, una
escultura clásica, que se debe
identificar con el dios Baldach, y en el
fondo, dos sacerdotes con la cabeza
cubierta actúan como testigos del
suplicio. La pintura sigue el texto de
Jacobo de la Vorágine en la «Leyenda
áurea», que es la versión cristiana de la
fábula del fauno Marsias, quien
padeció el mismo castigo que san
Bartolomé. Es una obra que muestra
el excelente arte de «lo Spagnoletto».
Antes de ingresar en el MNAC
perteneció al ilustrador Alexandre de
Riquer.

21. Retratos Autoafirmación del individuo o grupo.
Personajes nítidamente iluminados aparecen
junto a otros que apenas se distinguen de las
sombras que les envuelven
El dibujo y la línea limita el realismo que se
desea.
Se prefiere el color y su aplicación para
individualizar cada elemento del cuadro.
El cuadro representa escenas de la realidad que
se tornan teatrales.
Se desarrollan logros del manierismo:
Asimetría o lateralidad del protagonista

22. Escultura
Barroca.
Se trata de una escultura realista en la que aparecen composiciones de
gran dinamismo. Un dinamismo que no es ordenado, sino espontáneo. Utiliza
el mismo tipo de material, mármol, bronce y madera. Los temas tienden a ser
más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular
importancia. Los retratos, bustos, recobran su importancia, continúan
haciéndose monumentos funerarios, en los que se exalta la fama y la virtud.
Sin embargo, predominan los temas religiosos. Se acude frecuentemente
a las fuentes mitológicas. Pero, además, la escultura se vuelve urbana,
aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.
Predomina el gusto por el movimiento, la realización de esquemas
compositivos libres del geometrismo, la inquietud que se manifiesta en
personajes y escenas, la importancia de los ropajes.

23. Características
de la Escultura
Barroca.
• Naturalismo, es decir, representación de la naturaleza tal y como es, sin idealizarla.
• Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad dramática.
• Esquemas compositivos libres del geometrismo y la proporción equilibrada propia de la
escultura del Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el movimiento; se
proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la
helicoidal o serpentinata, y multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad
se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y ampulosidad de
los ropajes, en el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión de distintos
materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.
• Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido
mediante una composición asimétrica, donde predominan las diagonales y
serpentinatas, las poses sesgadas y oblicuas, el escorzo y los contornos difusos e
intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresividad.
• A pesar de la identificación del Barroco con un "arte de la Contrarreforma", adecuado al
sentimiento de la devoción popular, la escultura barroca, incluso en los países católicos,
tuvo una gran pluralidad de temas (religiosos, funerarios, mitológicos, retratos, etc.)
• La manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la ornamentación de espacios
interiores y exteriores de los edificios, así como de los espacios abiertos, tanto privados
(jardines) como públicos (plazas). Las fuentes son un tipo escultórico particularmente
adecuado al estilo barroco. Particularmente en España, tuvieron un extraordinario
desarrollo la imaginería y los retablos.

24. Fuente de losCuatro Ríos
La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos,
se encuentra en la Piazza Navona de Roma
(Italia) y fue ideada y cincelada por el
escultor, arquitecto y pintor Gian Lorenzo
Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio
X, en plena época barroca, durante el
periodo más prolífico del genial artista y
cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa
di SanGiacomo degli Spagnoli.
La fuente se compone de una base
formada de una gran piscina elíptica,
coronada en su centro de una gran mole de
mármol, sobre la cual se eleva un obelisco
egipcio de época romana, el obelisco de
Domiciano.
Las estatuas que componen la fuente,
tienen unas dimensiones mayores que en la
realidad y son alegorías de los cuatro ríos
principales del mundo (el Nilo, el Ganges, el
Danubio, y el Río de la Plata), cada uno de
ellos en los continentes conocidos en la
época. En la fuente cada uno de estos ríos
está representado por un gigante de
mármol.

25. Naturalismo. Se trata de plasmar con el mayor realismo
posible las figuras y sus ropas. Para ello utilizarán
mármoles de distinto color o madera policromada. Las
telas forman volúmenes con entidad propia y efectos de
claroscuro.
Movimiento de las figuras. Predominio de las
composiciones abiertas o centrífugas, en diagonal, en
aspa, formando líneas sinuosas.
Enorme expresividad, llegando a ser excesiva, teatral. El
rostro, las manos y los gestos corporales revelan los
sentimientos de la acción, que siempre reproducen el
momento cumbre, el más dramático.
La escultura se hace para un lugar determinado teniendo
en cuenta la iluminación y la altura. Al cambiar de lugar los
efectos que se quieren conseguir, desaparecen.

26. Monumento a Felipe IV
El Monumento a Felipe IV o Fuente
de Felipe IV ocupa el centro de la Plaza
de Oriente, uno de los recintos de mayor
interés histórico-artístico de Madrid
(España). Fue levantado a instancias de
la reina Isabel II en la primera mitad del
siglo XIX, si bien su pieza más relevante,
la estatua ecuestre del rey Felipe IV, data
del siglo XVII.
Se trata de una obra maestra de la
estatuaria ecuestre, no sólo por su
calidad artística, sino también por sus
características técnicas. Es la primera
escultura a caballo del mundo en la que
éste se sostiene únicamente sobre sus
dos patas traseras, y discretamente
también sobre su cola. La obra consigue
su difícil equilibrio gracias a un calculado
estudio de los puntos de apoyo y la
distribución de los pesos

27. La escultura está subordinada a la
arquitectura, pero forma un conjunto con
ella.
Las esculturas tienen numerosos puntos
de vista quedan una visión distinta de ella.
Predominan las líneas sesgadas y los
escorzos, los pliegues ondulantes, los
contrastes lumínicos, los puntos de vista,
composiciones quebradas, actitudes
violentas.
Las figuras de las alegorías son colosales,
realizadas en travertino, y acompañadas
por un caballo (Europa), un león (África) y
un caimán (América). El conjunto se
encuentra coronado por un obelisco.

28. Fama de Luis XIV
La fama de Luis XIV o La
Renommée du roi en su título
original. Es una obra esculpida en
mármol por el escultor barroco
francés Antoine Coysevox.
El artista recibió el encargo,
en 1699, de un grupo de dos
temas ecuestres destinados a
exaltar La fama del rey. Fueron
situadas a la entrada del parque
del Palacio de Marly. El grupo fue
esculpido en mármol de Carrara
entre 1701 y 1702, el escultor
subrayó sobre la inscripción del
pedestal que la terminación de
estos bloques monolíticos en el
espacio de dos años fue una
proeza.

29. El patetismo: boca entreabierta, ojos cerrados,
cuerpo desmayado, mano suspendida en el
espacio, pie desnudo, etc.
El contenido emocional de las figuras: Santa
Teresa con expresión de goce y dolor al mismo
tiempo, ángel sonriente.
Por el marco en que aparece: en un altar dentro
de un nicho cuya arquitectura se convierte en
escenario , incluso lateralmente aparecen unas
figuras pintadas que observan la escena
Por el tratamiento de los ropajes: grandes
plegados que dan lugar a efectos lumínicos de
claroscuro. Los ropajes adquieren personalidad
propia

30. El Mausoleo del Papa Alejandro
VII.
La escena central se
representa en la parte inferior.
Del perfecto cortinaje de mármol
que se pliega y rodea a toda la
escena, surge un esqueleto
dorado representando a la
Muerte que parece romper la
serenidad de la escena anterior.
Tan sólo logra extender el brazo y
mostrar al espectador en primer
plano un reloj de arena,
recordándole que el tiempo pasa
rápido y pronto la Muerte se
deshará de las cadenas que le
impiden imponerse. Para añadir
más teatralidad, la macabra
figura parece provenir de una
misteriosa puerta que se abre
justo debajo, como si fueran las
puertas del Más Allá.

31. Las mismas del Éxtasis de Santa Teresa. El
tema es la muerte de la Beata representada
en el momento en que esta le sorprende -
captación del instante-. Expresa el dolor
que le produce, no sólo en la cara sino
también en las manos, dinamismo. Obra de
carácter espectacular, siendo el marco de la
capilla redecorado por el propio Bernini.
Se puede apreciar un cambio en la
concepción del sepulcro papal. El pontífice
no aparece aquí de un modo arrogante,
sino arrodillado humildemente y sin la tiara.
Bajo él esta la puerta de una de las
sacristías de San Pedro, utilizada aquí en un
sentido dramático y espacial como entrada
al Más Allá. Ésta es señalada por la Muerte,
no como la Fama del Sepulcro de Urbano
VIII, sino portando un reloj da arena a modo
de recuerdo de su omnipresencia.