Apuntes Fundamentos del Arte II

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
1.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(I):
EL
ROMANTICISMO

2. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
TEMA
1.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(I):
EL
ROMANTICISMO
1.Introducción
al
Romanticismo.
Contexto
histórico-­‐cultural.
Concepto
y
significación.
2.
Las
bellas
artes
y
el
Romanticismo.
3.
La
música,
la
ópera
y
la
danza
en
el
Romanticismo.
4.
Los
orígenes
de
la
fotografía.
5.
Joyería,
indumentaria
y
mobiliario
de
la
etapa
romántica.
1.INTRODUCCIÓN
AL
ROMANTICISMO.
CONTEXTO
HISTÓRICO-­‐CULTURAL.
CONCEPTO
Y
SIGNIFICACIÓN
Con
el
siglo
XIX
nos
situamos
de
pleno
en
la
época
contemporánea1
,
etapa
devoradora
de
novedades
y
de
grandes
transformaciones
sociales,
económicas,
políticas…
La
burguesía
o
clases
medias
se
van
reafirmando
como
la
clase
rectora
del
siglo
XIX
(protagonizan
varias
revoluciones),
mientras
toman
gran
auge
los
movimientos
obreros,
surgiendo
una
nueva
clase
social:
el
proletariado.
Es
también
el
tiempo
de
los
nacionalismos,
tanto
en
su
vertiente
unificadora
(Alemania
e
Italia)
como
independentista
(Grecia).
En
el
siglo
XIX
se
producen
grandes
adelantos
técnicos
y
científicos:
avances
en
la
astronomía,
química,
medicina
(vacunas…);
surgen
inventos
como
el
teléfono,
el
telégrafo
o
la
lámpara
eléctrica,
produciéndose
progresos
espectaculares
en
las
comunicaciones.
Además
del
ferrocarril,
se
construyen
los
grandes
transatlánticos
de
vapor,
y
ya
a
inicios
del
siglo
XX
aparecen
los
primeros
automóviles.
Asimismo
se
desarrolla
la
Revolución
Industrial
en
Europa.
Había
surgido
ya
en
Inglaterra
en
el
siglo
XVIII.
Las
consecuencias
del
desarrollo
industrial
fueron
profundas
en
la
sociedad,
la
economía
o
el
arte.
En
el
terreno
del
arte
y
la
cultura
el
siglo
XIX
es
extraordinariamente
rico
con
el
surgimiento
de
diversos
movimientos
artísticos
como
el
Romanticismo,
el
Realismo,
el
Impresionismo,
el
Postimpresionismo
y
toda
una
serie
de
revivals
e
historicismos
(neogótico,
neobarroco,
etc.)
Por
último,
y
muy
en
relación
con
la
industrialización,
los
países
europeos
inician
una
frenética
lucha
por
el
control
de
los
territorios
y
recursos
de
otros
continentes:
es
el
periodo
de
formación
de
los
grandes
imperios
coloniales
(Inglaterra,
Francia,
etc.)
España
comienza
el
siglo
trágicamente
con
la
invasión
de
los
franceses
en
1808
(Guerra
de
la
Independencia)
y
termina
con
el
Desastre
de
1898
(pérdida
de
las
últimas
colonias
españolas:
Cuba,
Puerto
Rico,
Filipinas).
El
Romanticismo
es
una
corriente
cultural
y
artística
de
origen
alemán
que
se
desarrolla
en
Europa
durante
la
primera
mitad
del
siglo
XIX,
aunque
sus
orígenes
se
encuentran
ya
en
el
siglo
XVIII.
Más
que
un
estilo
propiamente
dicho
es
una
“manera
de
sentir”.
Vinculado
a
la
filosofía,
concretamente
al
Círculo
de
Jena,
empezó
siendo
una
teoría
filosófica,
un
movimiento
artístico
y
una
actitud
existencial.
Presenta
implicaciones
en
todas
las
artes
de
la
época,
fundamentalmente
la
literatura,
la
música
y
la
pintura.
Es
de
tal
complejidad
que
más
que
de
Romanticismo
podríamos
hablar
de
Romanticismos.
El
genuino
término
romántico
tiene
poco
que
ver
con
la
consideración
que
le
damos
hoy.
Etimológicamente
la
palabra
Romanticismo
requiere
cierta
clarificación
semántica.
Supuestamente
proviene
del
francés
roman
1
Recordemos
que
la
época
contemporánea
abarca
los
siglos
XIX,
XX
y
XXI.

3. 3
(‘novela’).
De
este
modo,
el
término
aludiría
a
la
ficción,
a
lo
novelesco,
frente
al
predominio
de
la
razón
de
la
Ilustración.
Como
afirma
el
crítico
literario
José
Carlos
Mainer2
,
el
término
romántico
tiene
en
la
actualidad
un
uso
degradado,
claramente
derogatorio
y
peyorativo
de
lo
que
fue
el
Romanticismo.
Hoy
entendemos
por
una
persona
romántica
a
alguien
soñador
y
fantasioso
que
se
escabulle
de
la
realidad
que
le
rodea,
con
tendencias
cursilonas.
Pero
no
debemos
olvidar,
que
el
Romanticismo
será
la
base
de
la
conciencia
revolucionaria
y
punto
de
partida,
además,
de
movimientos
políticos
nacionalistas
y
de
totalitarismos
de
toda
laya
o
condición.3
Los
rasgos
esenciales
del
Romanticismo
son:
*En
primer
lugar,
el
común
denominador
de
esta
corriente
cultural
es
el
ansia
de
libertad.
Exaltan
los
sentimientos
de
rebeldía,
de
libertad
artística
y
política.
*En
el
romanticismo
encontramos
una
supremacía
del
sentimiento
sobre
la
razón
y
por
ello
exaltan
la
sensibilidad,
la
imaginación
y
las
pasiones.
Rechazan
el
sometimiento
a
las
normas.
Subrayan
el
individualismo
y
la
subjetividad
del
artista,
su
“propio
yo”.
Creen
en
el
mito
del
artista
como
genio
solitario,
frecuentemente
incomprendido
y
fracasado.
*Les
fascina
la
Edad
Media
–su
arte
y
su
literatura-­‐
y
reivindican
los
nacionalismos.
De
hecho,
hay
una
clara
conexión
entre
el
auge
de
los
nacionalismos
y
el
Romanticismo,
particularmente
en
Alemania
e
Italia
que
culminaron
en
esta
etapa
su
proceso
de
unificación.
*Asimismo,
sienten
predilección
por
todo
lo
exótico
y
oriental.
Los
románticos
ya
no
viajaban
sólo
a
Italia,
como
habían
hecho
hasta
entonces.
Sus
destinos
son
otros:
Turquía,
Marruecos,
Argelia
o
España,
que
se
puso
de
moda
en
toda
Europa
como
prototipo
de
un
exotismo
cercano.
Así
por
ejemplo,
muchos
románticos
ingleses,
franceses
y
alemanes
viajan
a
nuestro
país
(la
Alhambra,
etc.)
fascinados
por
“los
turcos
de
Europa”,
es
decir,
los
españoles.
*Los
artistas
románticos
son
unos
eternos
inadaptados,
siempre
descontentos
y
siempre
rompiendo
con
las
convenciones
sociales.
Así,
sienten
especial
interés
por
temas
como
la
muerte,
la
locura,
el
suicidio,
el
mundo
de
los
sueños,
lo
irracional.
En
este
sentido,
van
a
ser
un
precedente
del
Surrealismo
y
de
otros
ismos.
*La
nómina
de
artistas
románticos
es
ingente.
Entre
los
escritores
destacamos
Lord
Byron
en
Inglaterra,
Victor
Hugo
en
Francia,
Novalis
en
Alemania,
Larra
y
Bécquer
en
España,
etc.
Sobre
Lord
Byron
(Londres,
1788-­‐Missolonghi,
1824),
paradigma
del
artista
romántico,
concretamente
poeta,
hay
que
señalar
que
su
auténtico
nombre
era
George
Gordon
Noel
y
que
ganó
una
gran
notoriedad
por
su
escandalosa
vida
privada
–según
los
parámetros
burgueses
de
la
época-­‐
ya
que
era
bisexual,
tuvo
una
hija
con
su
hermanastra,
acumuló
numerosas
deudas...
Fue
un
célebre
escritor
que
viajó
sin
descanso
por
Europa,
especialmente
por
el
Meditarráneo
(Italia,
Grecia…).
Luchó
apoyando
a
los
griegos
en
su
guerra
de
independencia
contra
los
turcos
otamanos.
Murió
en
1824
en
Missolonghi,
actual
Grecia,
fruto
de
unas
fiebres.
Su
muerte
fue
muy
sentida
en
Inglaterra.
Una
de
sus
obras
más
conocidas
fue
“Don
Juan”.
Lord
Byron
ejemplifica
también
la
figura
del
dandi,
como
Beau
Brummel,
caracterizados
por
su
refinado
y
excéntrico
gusto
en
el
vestir.
En
conclusión,
tal
vez
la
figura
de
lord
Byron
sea
más
importante
que
su
propia
obra
literaria.
Es
un
rasgo
que
comparte
con
otros
escritores.
Y
es
que
es
difícil
separar
al
personaje
de
su
obra
y
a
la
persona
del
personaje.
2
A
este
respecto,
puede
consultarse
la
conferencia
de
dicho
autor
en
la
web
de
la
Fundación
March
de
Madrid
“Romanticismo
o
Romanticismos”
(26-­‐02-­‐
2009).
3
Consúltese
la
conferencia
del
catedrádico
de
Filosofía
Javier
Hernández
-­‐Pacheco
en
la
Fundación
March
sobre
“El
Círculo
de
Jena
o
la
filosofía
romántica”:
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=22605

4. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
2.
LAS
BELLAS
ARTES
Y
EL
ROMANTICISMO
Más
que
propiamente
un
“estilo”
artístico,
el
Romanticismo
fue
“una
manera
de
sentir”,
una
actitud
vital
rebelde,
escapista
e
individualista,
que
valora
los
sentimientos
y
lucha
contra
los
valores
burgueses
establecidos,
sintiendo
fascinación
por
Oriente
y
la
Edad
Media,
el
mundo
de
los
sueños,
la
muerte
–incluido
el
suicidio-­‐,
la
noche,
la
huida
a
paraísos
reales
o
ficticios,
la
subjetividad
del
artista…
Siendo
un
movimiento
cultural
básicamente
literario
y
filosófico,
también
es
cierto
que
tuvo
un
fuerte
impacto
en
el
arte
de
la
época.
La
conexión
con
la
música,
es
también
muy
evidente.
Aunque
sus
orígenes
cabe
rastrearlos
ya
desde
el
siglo
XVIII,
hará
eclosión
en
el
XIX
y
por
lo
tanto
aparecerá
ligado
a
los
revivals,
historicismos
y
eclecticismos
propios
de
la
época
decimonónica4
.
El
Romanticismo
no
afectó
por
igual
a
todas
las
artes.
Fundamentalmente
las
bellas
artes
que
se
vieron
más
influidas
por
el
espíritu
romántico
fueron
la
pintura
y
la
arquitectura.
La
arquitectura
la
estudiaremos
en
detalle
en
el
siguiente
tema.
La
pintura
del
Romanticismo
Por
lo
que
se
refiere
a
la
PINTURA
ROMÁNTICA,
se
caracteriza
por:
•
Predomina
el
color
sobre
el
dibujo,
la
mancha
domina
todo
el
cuadro.
En
general,
rechazan
la
pintura
academicista
neoclásica,
en
el
que
predomina
el
dibujo
y
la
sujeción
a
normas
pictóricas
muy
rígidas.
•
Las
composiciones
son
complejas,
dinámicas
y
desequilibradas
con
frecuentes
escorzos
y
figuras
llenas
de
dramatismo,
en
cierto
sentido
nos
recuerdan
al
Barroco.
•
El
paisaje
con
fuerte
carga
expresiva
de
estados
de
ánimo
adquiere
mucha
importancia.
Les
gustan
escenas
sublimes
y
pintorescas
con
frecuentes
los
paisajes
nubosos,
tormentosos,
con
naufragios,
etc.
La
identificación
del
hombre
con
la
naturaleza
circundante
es
esencial
en
el
Romanticismo.
•
Aparte
de
los
paisajes,
los
temas
preferidos
son
los
de
origen
oriental
(odaliscas…),
revoluciones
políticas,
escenas
costumbristas
y
folklóricas,
retratos,
y
temas
históricos.
Sienten
fascinación
por
la
Edad
Media,
que
reivindican
en
la
pintura,
arquitectura
(neogótico),
literatura,
etc..
La
pasión
por
las
ruinas
(edificios
de
arte
romano,
medievales…)
se
convierten
en
un
tema
romántico
por
excelencia.
•
La
conexión
arte-­‐literatura
es
crucial
en
el
Romanticismo,
siendo
las
obras
literarias
de
diferentes
épocas
y
autores
fuente
esencial
de
inspiración
(Dante,
Shakespeare,
Lord
Byron,
Goethe,
Walter
Scott),
etc.
•
Valoran
mucho
la
creatividad
y
la
originalidad.
El
individualismo
propio
de
la
época
propició
que
los
pintores
no
trabajasen
de
encargo,
sino
conforme
a
los
dictados
de
su
imaginación,
expresándose
a
través
de
la
pintura,
sus
ideas
y
sentimientos
personales.
Los
pintores
románticos
son
muy
numerosos:
en
Francia
descuella
Delacroix
y
Géricault;
en
Inglaterra,
Turner;
en
Alemania,
Caspar
David
Friedrich
y
en
España
Eugenio
Lucas,
Leonardo
Alenza…
y
algunas
obras
de
Goya.
Goya
está
considerado
como
el
primer
pintor
romántico
español.
4
Relativa
al
siglo
XIX.

5. 5
La
PINTURA
ROMÁNTICA
FRANCESA
tiene
en
THÉODORE
GÉRICAULT
(1791-­‐1824)
y
EUGÉNE
DELACROIX
(1798-­‐
1865)
a
sus
dos
principales
representantes.
GÉRICAULT
está
considerado
como
el
iniciador
del
Romanticismo
pictórico.
Su
obra
más
importante
es
la
balsa
de
la
Medusa.
La
historia
del
barco
francés
"Medusa"
fue
uno
de
los
sucesos
más
terribles
de
la
historia
Francia.
Un
barco
naufragó
frente
a
las
costas
africanas
y
un
pequeño
grupo
de
los
pasajeros
sobrevivió
gracias
a
una
balsa.
Una
fragata
de
la
marina
francesa
avistó
a
los
náufragos
pero
no
los
recogió.
Muchos
de
ellos
perecieron
de
hambre,
sed
e
insolación.
Algunos
sobrevivieron
comiendo
los
restos
de
los
cadáveres.
Finalmente,
un
carguero
los
encontró
y
los
llevó
a
salvo
a
Francia.
Esta
historia
fue
censurada
por
el
gobierno,
que
trató
de
impedir
que
que
se
conociera
por
la
prensa.
Géricault
quiso
con
este
cuadro
dejar
constancia
de
este
espeluznante
y
dramático
hecho.
Muestra
–casi
como
una
fotografía-­‐
el
momento
en
el
que
los
náufragos
avistan
el
barco
que
les
va
a
salvar.
Después
de
dos
años
en
los
que
se
prohibió
su
exhibición
pública,
finalmente
se
expuso
en
una
institución
oficial
–el
Salón-­‐,
causando
un
gran
escándalo.
Es
una
obra
que
recoje
la
esencia
del
Romanticismo:
dramatismo,
sentimientos
extremos,
predominio
del
color
sobre
la
mancha,
dinamismo,
escorzos…
Esta
pintura
mide
casi
cinco
metros
de
alto
y
más
de
siete
metros
de
ancho.
Para
documentarse
en
la
realización
de
esta
obra,
realizó
numerosos
bocetos
y
estudios
previos
de
cadáveres.
Como
curiosidad
señalaremos
que
el
joven
hombre
muerto
que
sostiene
el
anciano
del
manto
rojo
es
el
retrato
de
Delacroix,
íntimo
amigo
de
Géricault.
A
su
vez,
Delacroix,
retrató
a
Géricault
como
uno
de
los
muertos
en
el
infierno
que
cruza
su
Barca
de
Dante.
En
definitiva,
La
Balsa
de
la
Medusa
fue
el
cuadro
insignia
del
movimiento
romántico
francés,
en
el
que
el
ser
humano
desconocido
y
sufriente
aparece
como
el
verdadero
sujeto
y
protagonista
de
la
Historia,
como
veremos
también
en
las
pinturas
de
Goya
(Fusilamientos
del
3
de
mayo).
Eugène
DELACROIX:
Procedente
de
una
familia
burguesa,
culta
y
refinada,
era
altivo,
dandi
y
vanidoso.
Se
relacionó
con
otros
pintores,
músicos
y
escritores
románticos.
Sentía
fascinación
por
la
naturaleza,
la
historia
y
la
literatura,
el
exotismo
oriental,
los
retratos,
las
ruinas,
la
fantasía,
el
erotismo
y
lo
misterioso,
que
reflejó
a
la
perfección
en
sus
obras.
Las
conexiones
del
artista
con
España
y
la
pintura
española
van
más
allá
de
la
fascinación
orientalista
habitual
en
los
creadores
del
romanticismo
francés.
Delacroix
realizó
en
1832
un
viaje
a
España
que
marcaría
su
pintura
de
forma
indeleble
y
fue
uno
de
los
primeros
artistas
en
explorar
en
profundidad
el
potencial
expresivo
de
los
Caprichos,
de
Goya,
de
los
que
realizó
diversas
copias.
De
este
viaje
por
España
dejó
constancia
en
sus
“Diarios”.
Visitó
Madrid
(el
Museo
del
Prado)
y
Andalucía.
Recordemos
que
España
se
convirtió
en
un
tema
pictórico
y
literario
del
Romanticismo,
por
su
carácter
exótico,
dado
su
pasado
islámico
y
la
belleza

6. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
de
sus
paisajes
y
monumentos.
De
hecho,
la
España
de
charanga
y
pandereta,
la
imagen
de
una
España
de
majas
y
toreros
se
debe
a
la
visión
que
sobre
nuestro
país
dejaron
pintores
y
escritores
franceses,
alemanes,
ingleses…
ligados
al
Romanticismo.
Tendían
a
identificar
casi
en
exclusiva
Andalucía
con
España,
obviando
el
resto
de
regiones.
Delacroix
también
viajó
por
el
norte
de
África
buscando
inspiración
para
sus
pinturas.
La
pintura
de
Delacroix
no
se
entienden
sin
el
influjo
de
la
pintura
renacentista
(Tiziano)
y
barroca
(Rubens,
Rembrandt,
Velázquez,
Murillo).
Adoraba
la
obra
de
Miguel
Ángel,
su
principal
influencia,
aunque
solo
la
conocía
a
través
de
grabados.
Su
pincelada
es
muy
suelta,
abocetada
y
matérica.
Elige
siempre
los
momentos
más
tensos
y
expresivos,
con
predominio
del
color
sobre
el
dibujo.
Ejemplos
relevantes
de
la
producción
pictórica
de
Delacroix
son
la
muerte
de
Sardanápalo,
Mujeres
de
Argel
y
la
Libertad
guiando
al
pueblo.
La
muerte
de
Sardanápalo
es
un
cuadro
que
se
basa
en
un
escrito
de
Lord
Byron.
Este
romántico
inglés
fue
una
importante
fuentes
de
inspiración
para
Delacroix.
Esta
pintura
de
raíz
tan
literaria
cuenta
la
siguiente
historia:
unos
esclavos
matan
a
las
concubinas
de
un
tirano
antes
de
suicidarse
para
evitar
ser
saqueados
por
sus
enemigos.
Esta
terrible
escena
es
contemplada
de
forma
impávida
por
Sardanápalo
desde
su
lecho.
Escorzos,
dinamismo
y
violencia,
sentimientos
extremos,
compleja
composición,
fuertes
constantes
de
luz…
todo
ello
define
a
esta
obra
maestra
del
Romanticismo
francés.
Tampoco
hay
que
olvidar
el
gusto
por
el
preciosismo
en
la
representación
de
telas
y
joyas,
una
característica
muy
habitual
de
la
pintura
romántica.5
La
obra
más
conocida
de
Delacroix
es
la
libertad
guiando
al
pueblo.
Presenta
una
temática
revolucionaria.
La
mujer
que
simboliza
a
la
Libertad
aparece
con
el
torso
desnudo,
porta
en
su
mano
derecha
la
bandera
tricolor
francesa
y
en
la
izquierda
un
rifle.
Le
acompañan
miembros
de
las
diferentes
clases
sociales
-­‐
un
obrero
con
una
espada,
un
burgués
con
sombrero
de
copa
portando
una
escopeta,
un
adolescente
con
dos
pistolas,
etc.
-­‐
para
manifestar
que
en
el
proceso
revolucionario
ha
existido
amplia
participación.
A
los
pies
de
la
Libertad,
un
moribundo
la
mira
fijamente
para
señalar
que
ha
merecido
la
pena
luchar.
Con
esta
obra,
Delacroix
pone
de
manifiesto
su
ideología
y
su
faceta
de
pintor
de
su
tiempo.
La
composición
se
inscribe
en
una
pirámide
cuya
base
son
los
cadáveres
que
han
caído
en
la
lucha
contra
la
tiranía,
cadáveres
iluminados
para
acentuar
su
importancia.
La
vorágine
de
la
batalla
se
manifiesta
en
la
polvareda
que
difumina
los
contornos
e
impide
contemplar
con
claridad
el
grupo
de
figuras
que
se
sitúa
tras
la
Libertad.
Los
escorzos
y
el
movimiento
de
la
imagen
vuelven
a
recordar
el
Barroco,
igual
que
en
la
Matanza
de
Quíos
o
la
Muerte
de
Sardanápalo.
Con
esta
obra
celebró
la
revolución
burguesa
de
1830
que
provocó
la
caída
de
Carlos
X
y
la
llegada
al
poder
del
rey
Luis
FelipeI
de
Orléans6
.
Los
cuerpos
muertos
nos
remiten
a
los
de
la
Balsa
de
la
Medusa
de
Géricault.
Delacroix
murió
en
Paris.
Fue,
quizá,
el
pintor
del
siglo
XIX
más
preocupado
por
los
problemas
de
la
técnica
pictórica.
Su
influencia
marcó
a
los
impresionistas,
a
Millet,
a
Van
Gogh,
sobre
todo,
en
la
primacía
del
color
sobre
la
línea.
Muchas
de
sus
obras
se
encuentran
en
el
Museo
del
Louvre
de
Lens
–una
filial
del
Louvre
de
París-­‐
En
París
se
conserva
su
deliciosa
casa-­‐museo.
http://www.musee-­‐delacroix.fr/
ANTOINE-­‐JEAN
GROS
(1771-­‐1835)
fue
un
pintor
parisino
vinculado
al
neoclasicismo-­‐romanticismo.
Realizó
impresionantes
retratos
y
pinturas
de
historia.
Fue
discípulo
de
Jacques-­‐Louis
David.
Su
obra
“Visita
de
Napoleón
a
los
apestados
de
Jaffa”
fue
fuente
de
inspiración
para
la
“Matanza
de
Quíos”
de
Delacroix.
Gros
se
suicidó
arrojándose
al
río
Sena,
cansado
de
la
vida.
5
Esta
pintura
suscitó
rechazo
por
parte
de
autoridades
y
artistas
cuando
fue
presentada
en
el
Salón
de
1828,
llegándole
incluso
a
sugerir
que
cambiara
de
estilo
si
quería
recibir
encargos
oficiales.
Pese
a
ello,
es
un
ejemplo
paradigmático
del
Romanticismo.
6
Sobre
esta
obra,
Delacroix
escribió
a
su
hermano
en
1830:
“J´ai
entrepris
un
sujet
moderne,
une
barricade,
et
si
je
n´ai
pas
vaincu
pour
la
patrie,
au
moins,
peindrais-­‐je
pour
elle”

7. 7
CASPAR
DAVID
FRIEDRICH
Caspar
David
Friedrich
(1774-­‐1840)
es
el
máximo
representante
del
Romanticismo
pictórico
en
Alemania,
y
uno
de
los
más
importantes
pintores
de
la
época
en
Europa,
junto
a
Goya,
Delacroix,
Turner
o
Constable.
Un
hecho
traumático
le
marcó
de
por
vida:
cuando
tenía
trece
años
volcó
una
pequeña
embarcación
y
Caspar
David
cayó
al
agua.
Su
hermano
se
lanzó
a
salvarle
pero
murió
en
el
intento
ante
la
aterrada
mirada
de
su
hermano
superviviente.
Caspar
David
fue
educado
en
un
ambiente
muy
religioso
de
carácter
luterano7
.
Durante
1800-­‐1808,
Friedrich
realizó
numerosas
obras
de
estudio,
xilografías
y
dibujos,
en
las
que
los
motivos
predominantes
son
figuras
solitarias,
melancólicas,
o
árboles
muertos,
cuyo
fondo
se
halla
impregnado
del
Sturm
und
Drang8
romántico.
Friedrich
innova
con
a
su
nueva
concepción
del
paisaje,
al
que
confiere
un
carácter
casi
religioso.
Buscaba
suscitar
emociones
con
sus
imágenes
de
figuras
solitarias
en
paisajes
tormentosos
o
deslumbrantes.
Buscaban
la
comunión
con
la
naturaleza.
El
arte
para
él
era
una
vehículo
de
emoción
de
sentimientos.
Friedrich
gozó
de
gran
fama
en
su
época
–desde
dirigentes
político
alemananes
al
zar
de
Rusia,
Goethe,
y
los
más
célebres
escritores
y
pensadores
del
momento-­‐
aunque
con
el
paso
del
tiempo,
se
produjo
el
progresivo
hundimiento
de
su
popularidad.
Su
delicada
salud
al
final
de
su
vida
le
volvió
más
taciturno
y
triste.
Cada
vez
estaba
más
ailado
y
era
más
pobre.
Sus
últimas
obras,
básicamente
dibujos,
se
limitan
a
ruinas,
costas
rocosas,
ataúdes…
Su
fortuna
crítica
ha
sido
oscilante:
Friedrich
cayó
en
el
más
completo
de
los
olvidos
durante
el
siglo
XIX.
Habríamos
de
esperar
al
siglo
XX
y
la
llegada
del
arte
de
vanguardia
para
que
fuera
justamente
valorado
y
reivindicado.
Su
influencia
se
hará
presente
desde
el
Romanticismo
hasta
el
Surrealismo,
el
movimiento
que
más
afirmó
su
influjo
(Max
Ernst,
René
Magritte).
También
en
el
Expresionismo
alemán,
el
arte
abstracto,
etc.
El
alemán
KARL
FRIEDRICH
SCHINKEL
(1781-­‐1841)
fue
no
solo
arquitecto
y
urbanista9
–ligado
al
neoclasicismo
y
al
neogótico-­‐,
sino
también
pintor
y
diseñador
de
muebles.
Como
arquitecto,
se
inspiraba
más
en
Grecia
que
en
Roma.
Cuando
vió
en
Berlín
la
obra
de
Friedrich
–Paseante
sobre
un
mar
de
nubes
(1810)
-­‐
decidió
dejar
la
pintura
–ya
que
pensaba
que
nunca
alcanzaría
la
maestría
de
Friedrich-­‐
y
se
centró
en
la
arquitectura.
7
Fue
amigo
de
Goethe,
con
el
que
mantuvo
una
tensa
relación
que
terminó
por
sus
diferencias
en
la
concepción
del
arte.
8
Movimiento
prerrománico
alemán.
Se
puede
traducir
por
“tormenta
e
ímpetu”.
9
Remodeló
la
ciudad
de
Berlín.
Como
arquitecto
neogótico,
renovó
y
reconstruyó
el
Castillo
Rosenau
de
Coburgo.

8. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
WILLIAM
TURNER
El
paisajismo
inglés
del
Romanticismo
tiene
como
máximos
representantes
a
Turner
y
Constable.
Turner
nació
en
1775
en
Londres
y
murió
en
1851.
Turner
utilizaba
el
paisaje
como
vehículo
para
abordar
los
grandes
temas
de
la
pintura
(luz,
efectos
atmosféricos,
color,
perspectiva).
Turner
solía
tomar
notas
para
sus
cuadros
–bocetos
y
dibujos-­‐-­‐.
Los
encargos
por
parte
de
aristócratas
londinenses
le
permitieron
amasar
una
una
pequeña
fortuna,
llegando
a
convertirse
en
el
pintor
favorito
del
gran
público,
incluso
de
la
realeza,
en
especial
por
sus
paisajes
(década
de
los
años
20
del
siglo
XIX).
Sus
fuentes
de
inspiración
abarcan
la
pintura
renacentista
italiana
y
la
pintura
barroca,
en
especial
Rembrandt,
así
como
los
franceses
Poussin
o
Claudio
de
Lorena
(también
llamado
Claude
Lorrain).
Viajó
a
París
donde
quedó
fascinado
ante
las
obras
maestras
del
Louvre,
que
se
dedicará
a
copiar
con
fruición
(pintores
renacentistas
y
barrocos).
Realizó
asimismo,
diversas
estancias
en
Italia
(Turín,
Milán,
Venecia,
Roma,
Nápoles…)
fuente
de
inspiración
inagotable
para
su
producción
artística10
.
Turner
paulatinamente
fue
caminando
hacia
la
abstracción11
.
Legó
su
producción
artística
a
Inglaterra
con
la
condición
de
que
le
dedicaran
un
museo,
y
tras
muchas
vicisitudes,
se
construyó
la
Tate
Gallery
en
Londres
con
una
impresionante
colección
de
sus
obras
(320
óleos
y
más
de
19.000
acuarelas
y
esbozos).
Se
inauguró
en
1987.
JOHN
CONSTABLE
(1776-­‐1837)
fue
un
pintor
destacado
y
un
tanto
atípico
del
paisajismo
romántico
inglés,
ya
que
no
se
limitó
a
pintar
paisajes
“románticos”
(ruinas,
tormentas,
naufragios…)
sino
que
también
representó
escenas
campestres
de
la
vida
cotidiana.
Alcanzó
un
gran
éxito
en
Francia,
donde
vendió
más
obras
que
en
su
Inglaterra
natal.
Solía
pintar
y
dibujar
al
aire
libre.
Asistía
a
clases
de
pintura
y
a
disecciones
anatómicas.
Como
Turner,
estudiaba
y
copiaba
a
los
grandes
maestros
(especialmente
a
Claude
Lorraine).
Confería
en
sus
paisajes
una
gran
importancia
a
la
luz,
el
color
y
la
pincelada
pastosa.
Influyó
en
artistas
contemporáneos
de
su
época
como
los
románticos
Géricault
y
Delacroix,
así
como
en
los
pintores
franceses
de
la
Escuela
de
Barbizon,
germen
de
los
futuros
impresionistas
que
también
acusaron
su
influjo.
10
De
regreso
a
Londres
en
1820,
puso
de
manifiesto
lo
aprendido
en
uno
de
sus
viajes
a
Italia
en
el
cuadro
titulado
Roma
vista
desde
el
Vaticano
donde
hace
un
sentido
homenaje
a
Rafael.
11
De
hecho,
llegaba
incluso
a
tener
que
clavar
un
clavo
en
el
marco
para
que
se
supiese
cuál
era
la
parte
de
arriba
al
enviarlos
a
las
exposiciones.

9. 9
THOMAS
COLE
(1801-­‐1848)
fue
un
paisajista
estadounidense
de
origen
inglés
que
realizó
también
pinturas
de
historia
y
de
otros
temas
(retratos,
etc.).
Está
considerado
el
primer
gran
paisajista
de
Estados
Unidos.
Vinculado
al
Romanticismo,
fue
el
fundador
de
la
Hudson
River
School,
un
movimiento
artístico
que
floreció
a
mediados
del
siglo
XIX.
En
sus
obras
reflejó
la
belleza
de
los
paisajes
de
Estados
Unidos.
Viajó
a
Inglaterra
y
a
Italia
(Grand
Tour)
y
estudió
allí
la
pintura
paisajística
de
los
grandes
maestros.
FRANCISCO
DE
GOYA
Y
LUCIENTES
nació
en
el
seno
de
una
familia
humilde
en
Fuendetodos
(Zaragoza)
en
1746.
Pronto
se
trasladó
con
su
familia
a
Zaragoza.
Allí
estudió
en
el
taller
de
un
pintor
tardobarroco,
José
Luzán.
En
este
taller
conoció
a
los
hermanos
Bayeu,
muy
importantes
para
su
carrera
profesional.
En
1763
se
trasladó
a
Madrid
con
el
deseo
de
hacer
fortuna
en
la
capital
como
pintor
de
la
Corte.
En
Madrid
trabajará
en
el
taller
de
Francisco
Bayeu.
Viajó
a
Italia
y
después
de
su
estancia
italiana
volvió
a
Zaragoza
donde
recibió
sus
primeros
encargos
dentro
de
una
temática
religiosa
y
un
estilo
totalmente
académico.
En
1773
Goya
contrae
matrimonio
en
Madrid
con
Josefa
Bayeu,
hermana
de
Francisco
y
Ramón
Bayeu.
Los
primeros
encargos
que
recibe
en
la
Corte
son
gracias
a
esta
relación.
Su
destino
sería
la
Real
Fábrica
de
Tapices
de
Santa
Bárbara,
para
la
que
Goya
deberá
realizar
cartones,
es
decir,
bocetos
que
después
se
transformarán
en
tapices.
La
relación
con
la
Real
Fábrica
durará
18
años
y
en
ellos
realizará
sus
cartones
más
preciados:
El
Quitasol,
La
Vendimia
y
un
largo
etcétera.
En
1780
ingresa
en
la
Academia
de
Bellas
Artes
de
San
Fernando
de
Madrid.
En
esta
ciudad,
inicia
su
faceta
retratística
que
le
servirá
para
abrirse
camino
en
la
alta
sociedad
española.
Buen
ejemplo
son
los
magistrales
retratos
de
los
Duques
de
Osuna,
la
condesa
de
Chinchón
o
la
Duquesa
de
Alba.
Fue
pintor
de
los
reyes
Carlos
III
y
Carlos
IV.
Su
relación
con
el
rey
Carlos
IV
fue
muy
estrecha
y
éste
le
nombró
Pintor
de
Cámara
en
1789.
Cobra
honorarios
elevados
y
se
añade
el
“de”
a
su
apellido,
dándose
así
ínfulas
de
personaje
noble
y
gran
artista.
Pero
en
1792
cae
enfermo,
se
desconoce
cuál
fue
su
enfermedad,
pero
le
dejará
una
secuela
de
por
vida:
se
queda
sordo.
La
sordera
le
aislará
y
propiciará
que
su
carácter
sea
más
avinagrado
y
retraido.
Las
influencias
en
la
obra
pictórica
de
Goya
proceden
de
la
pintura
italiana,
Rembrandt,
la
pintura
coetánea
inglesa
y
por
supuesto,
la
escuela
española,
en
especial
Velázquez,
al
que
tratará
de
emular
con
el
retrato
que
realizó
de
la
familia
real
y
que
nos
remite
a
Las
Meninas
velázqueñas.
Su
producción
artística
experimentó
diversas
etapas:
hay
un
primer
Goya
tardobarroco
y
rococó
–de
estilo
suave,
adulador
y
tonos
pasteles-­‐,
a
continuación
un
Goya
neoclásico
–de
líneas
más
depuradas
y
que
se
aprecia
en
detallas
como
la
indumentaria
o
las
joyas
presentes
en
los
retratos
que
realiza-­‐;
un
Goya
romántico
–que
se
deja
llevar
por
el
sentimiento
extremo
y
la
subjetividad,
a
la
vez
que
otorgo
el
protagonismo
al
pueblo
como
sujeto
y
objeto
del
arte-­‐;
hay
también
un
Goya
precedente
del
Impresionismo
–como
vemos
en
la
pincelada
suelta
y
pastosa
de
La
lechera
de
Burdeos,
realizada
un
año
antes
de
su
muerte;
y
finalmente,
el
Goya
más
bronco
y
dramático,
claro
precedente
del
Expresionismo
y
el
arte
de
vanguardia,
el
Goya
de
las
pinturas
negras.
Sin
esta
última
etapa,
Goya
quizá
no
habría
pasado
a
la
posteridad
con
la
importancia
y
relevancia
que
tiene
en
la
Historia
del
Arte.
En
definitiva,
es
una
de
las
figuras
claves
de
la
pintura
española
de
todos
los
tiempos,
y
artista
seminal
de
lo
que
será
el
arte
de
vanguardia,
desde
el
Impresionimo
–la
obra
del
“padre”
del
Impresionismo
Édouard
Manet
no
se
entiende
sin
su
influencia-­‐
hasta
el
Expresionismo,
Surrealismo,
etc.

10. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
Por
último,
hay
que
señalar
que
junto
con
Durero,
Rembrandt
o
Picasso,
forma
parte
del
elenco
de
grandes
grabadores
de
la
historia,
como
podemos
ver
en
sus
grabados
de
los
Caprichos
–donde
critica
de
una
manera
ácida
y
despiadada
a
la
socidad
de
su
tiempo-­‐
o
Los
Desastres
de
la
Guerra
–donde
plasma
el
horror
de
la
guerra
de
la
Independencia
contra
los
franceses-­‐.
La
Familia
de
Carlos
IV
es
el
ejemplo
más
paradigmático
de
la
influencia
de
Velázquez
en
Goya.
Gracias
a
las
cartas
de
la
reina
María
Luisa
de
Parma
a
Godoy
conocemos
paso
a
paso
la
concepción
del
cuadro.
La
obra
fue
realizada
en
Aranjuez
en
1800.
En
ella
aparece
retratada
la
familia
real
al
completo12
.
El
propio
pintor
se
autorretrata
pintando,
emulando
al
Velázquez
de
las
Meninas.
Como
el
gran
cuadro
de
Velázquez,
esta
pintura
es
de
gran
tamaño.
El
artista
muestra
a
los
personajes
como
si
de
un
friso
se
tratara,
en
tres
grupos
para
dar
mayor
movimiento
a
la
obra;
así,
en
el
centro
se
sitúan
los
monarcas
con
sus
dos
hijos
menores;
en
la
derecha,
el
grupo
presidido
por
el
príncipe
heredero
realizado
en
tonalidades
frías,
mientras
que
en
la
izquierda
los
Príncipes
de
Parma,
en
una
gama
caliente.
Todas
las
figuras
están
envueltas
en
una
especie
de
niebla
dorada
que
es
un
punto
de
conexión
más
con
La
familia
de
Felipe
IV.
Goya
quiere
plasmar
la
personalidad
de
los
retratados,
fundamentalmente
de
la
reina,
verdadera
protagonista
de
la
composición,
y
la
del
rey,
de
carácter
más
abúlico
y
ausente.
Estilísticamente
destaca
la
pincelada
tan
suelta
empleada
por
Goya;
desde
una
distancia
prudencial
parece
que
ha
detallado
todas
y
cada
una
de
las
condecoraciones,
pero
al
acercarse
se
aprecian
claramente
las
manchas.
Goya,
a
diferencia
de
Velázquez
en
Las
Meninas,
ha
renunciado
a
los
juegos
de
perspectiva
pero
gracias
a
la
luz
y
al
color
consigue
dar
variedad
a
los
volúmenes
y
ayuda
a
diferenciar
los
distintos
planos
en
profundidad.
Fue
la
primera
obra
de
Goya
que
entró
en
el
Museo
del
Prado,
siendo
valorada
en
1834
en
80.000
reales.
Otras
obras
clave
de
Goya,
muy
conocidas
son:
la
Maja
vestida
y
la
Maja
desnuda;
el
Dos
de
Mayo;
los
Fusilamientos
del
Tres
de
Mayo
de
1808;
Los
Duques
de
Osuna;
la
Condesa
de
Chinchón;
el
Coloso;
las
Pinturas
Negras
(1820-­‐22)
de
su
casa
de
las
afueras
de
Madrid,
donde
da
rienda
suelta
a
sus
miedos,
fantasías
macabras
y
sentimientos-­‐;
la
lechera
de
Burdeos
(1827),
etc.
De
ideología
liberal
e
ilustrado
–en
cierta
medida
era
un
afrancesado
aunque
con
un
enorme
amor
por
España-­‐
Goya
pasó
sus
últimos
años
de
vida
en
el
exilio,
en
Burdeos
(Francia),
donde
murió
en
1828
a
la
edad
de
82
años.
Está
enterrado
en
la
ermita
de
San
Antonio
de
la
Florida
de
Madrid,
donde
se
conservan
los
frescos
que
realizó
en
1789.
3.
LA
MÚSICA,
LA
ÓPERA
Y
LA
DANZA
EN
EL
ROMANTICISMO
Como
señalamos
anteriormente,
el
Romanticismo
propició
la
conexión
e
interrelación
entre
todas
las
artes.
Con
respecto
a
la
música,
la
cronología
abarca
el
período
comprendido
entre
los
años
1800-­‐1890,
aunque
hay
12
De
izquierda
a
derecha,
los
siguientes
personajes:
Carlos
María
Isidro,
hijo
de
Carlos
IV
y
María
Luisa
de
Parma;
el
futuro
Fernando
VII,
hijo
primogénito
de
la
real
pareja;
Goya;
Doña
María
Josefa,
hermana
de
Carlos
IV;
un
personaje
desconocido
que
podría
ser
destinado
a
colocar
el
rostro
de
la
futura
esposa
de
Fernando
cuando
éste
contrajera
matrimonio,
por
lo
que
aparece
con
la
cabeza
vuelta;
María
Isabel,
hija
menor
de
los
reyes;
la
reina
María
Luisa
de
Parma
en
el
centro
de
la
escena,
como
señal
de
poder
ya
que
era
ella
la
que
llevaba
las
riendas
del
Estado
a
través
de
Godoy;
Francisco
de
Paula
de
la
mano
de
su
madre,
de
él
se
decía
que
tenía
un
indecente
parecido
con
Godoy;
el
rey
Carlos
IV,
en
posición
avanzada
respecto
al
grupo;
tras
el
monarca
vemos
a
su
hermano,
Don
Antonio
Pascual;
Carlota
Joaquina,
la
hija
mayor
de
los
reyes,
sólo
muestra
la
cabeza;
cierra
el
grupo
D.
Luis
de
Parma;
su
esposa,
María
Luisa
Josefina,
hija
también
de
Carlos
IV;
y
el
hijito
de
ambos,
Carlos
Luis,
en
brazos
de
su
madre.
Todos
los
hombres
retratados
portan
la
Orden
de
Carlos
III
y
algunos
también
el
Toisón
de
Oro,
mientras
que
las
damas
visten
a
la
moda
Imperio
y
ostentan
la
banda
de
la
Orden
de
María
Luisa.
Carlos
IV
también
luce
la
insignia
de
las
Ordenes
Militares
y
de
la
Orden
de
Cristo
de
Portugal.

11. 11
corrientes
que
presentan
características
románticas
antes
de
estas
fechas
y
en
algunos
países
se
extenderá
hasta
bien
entrado
el
siglo
XX.
Las
notas
distintivas
de
la
música
vinculada
al
Romanticismo
son:
*Carácter
nacionalista:
la
música
del
Romanticismo,
según
los
diversos
países,
suele
tener
rasgos
políticos
e
identitarios
de
las
diversas
naciones
europeas.
Es
el
caso
especialmente
de
Alemania
e
Italia,
países
que
consiguieron
su
unificación
en
pleno
siglo
XIX.
El
nacionalismo
afectará
a
todas
las
artes
y
muy
en
especial
a
la
música.
*Superación
del
Clasicismo
–la
etapa
anterior-­‐.
Los
artistas
románticos
desean
romper
con
las
rígidas
normas
del
Clasicismo,
y
buscan
nuevas
formas
de
expresión
que
les
permitan
dar
rienda
suelta
a
su
impulso
creador.
En
esta
época
de
anhelo
de
libertad.
Crean
obras
para
un
público
que
en
ocasiones
les
adora,
aunque
no
siempre13
.
*Exaltación
de
los
sentimientos
y
las
pasiones.
Este
rasgo
es
muy
carácterístico
de
la
ópera
de
esta
etapa
y
de
algunas
composiciones
musicales,
de
fuerte
lirismo.
La
música
es
la
correa
de
transmisión
de
los
sentimientos.
El
piano
se
configura
con
el
instrumento
estrella
de
esta
etapa.
*Brilla
la
subjetividad
del
artista,
considerado
en
ocasiones
como
un
auténtico
genio.
*
Aparición
de
nuevos
géneros,
como
el
lied,
los
poemas
sinfónicos
o
el
drama
musical
(ópera
de
Wagner).
Recordemos
que
el
lied
–en
plural
en
alemán
lieder-­‐
son
composiciones
líricas
cantadas
por
un
solista
con
acompañamiento
instrumental
del
piano.
*Búsqueda
de
la
unión
de
todas
las
artes,
es
decir,
la
obra
de
arte
total
o
Gesamtkunstwerk
que
aúna
música,
literatura,
danza,
escenografía,
etc.
*La
vida
musical
europea
experimentó
en
esta
etapa
un
periodo
de
gran
intensidad
en
torno
a
ciudades
como
París,
Viena,
Londres,
etc.
Los
escenarios
eran
muy
diversos,
desde
teatros
paradigmáticos
de
la
época
(como
la
Scala
de
Milán,
inaugurado
en
1788)
a
salones
privados
donde
se
llevaban
a
cabo
veladas
musicales.
*Etapas:
Prerromanticismo
(1800-­‐1830):
Beethoven
será
la
figura
clave,
bisagra
entre
el
Clasicismo
y
el
Romanticismo.
En
esta
etapa
destaca
también
Schubert14
,
que
logrará
la
expresión
plena
del
lirismo
romántico
en
sus
piezas
para
piano
y
en
los
lieder.
Beethoven
y
Schubert
fueron
consumados
pianistas
como
muchos
de
los
compositores
de
su
época.
De
ahí
que
en
sus
obras
incorporaran
de
inmediato
los
recursos
técnicos
que
ofrecía
el
instrumento,
en
vertiginosa
evolución
desde
su
invención
décadas
atrás.
Romanticismo
pleno
(1830-­‐1850):
es
la
etapa
de
la
plenitud
del
romanticismo
musical,
que
se
difunde
por
toda
Europa.
La
capital
de
la
música
del
Romanticismo
es
París.
Es
la
época
del
virtuosismo
instrumental
con
autores
como
Franz
Listz
(piano)
o
Paganini
(violín).
Romanticismo
tardío
(1850-­‐1890):
en
esta
etapa
triunfa
la
ópera
alemana
con
Wagner
y
la
italiana
con
Verdi
entre
otros.
Entre
los
compositores
descuella
Brahms.
13
Algunos
músicos
componen
sus
obras
motu
propio,
sin
encargos
previos,
lo
que
propiciará
la
ruina
de
muchos
de
ellos.
14
Como
asegura
Luis
Gago,
Franz
Schubert
representa
un
caso
único
en
la
historia
de
la
música.
Fue
casi
coetáneo
de
Ludwig
van
Beethoven
pero,
al
contrario
que
él,
no
gozó
prácticamente
de
ningún
reconocimiento
en
vida.
Los
dos
vivieron
toda
su
vida
adulta
en
Viena,
uno
como
el
compositor
más
famoso
y
rupturista
de
su
tiempo,
y
el
otro
luchando
infructuosamente
para
que
se
reconociera
su
genio
y
se
publicaran
e
interpretaran
sus
obras.
La
temprana
muerte
de
Schubert
y
la
rápida
eclosión
del
Romanticismo
musical
contribuyeron
aún
más
a
que
gran
parte
de
su
música
permaneciera
en
el
olvido
durante
décadas,
valorada
y
apreciada
sólo
por
un
reducido
círculo
de
entendidos,
con
varios
de
los
grandes
compositores
románticos
a
la
cabeza.
Sólo
a
mediados
del
siglo
XX
empezó
a
cobrarse
conciencia
de
la
verdadera
dimensión
y
de
la
semilla
de
futuro
de
sus
creaciones,
valorándose
no
sólo
sus
Lieder
(compuso
más
de
seiscientos),
los
que
más
fama
le
reportaron
en
su
tiempo,
sino
también
sus
innovaciones
armónicas.

12. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
Ludwig
van
Beethoven
(1770-­‐1827)
Ludwig
van
Beethoven
es,
probablemente,
el
más
célebre
compositor
del
período
romántico
y
uno
de
los
grandes
músicos
de
todos
los
tiempos.
Ejemplifica
el
ideal
de
genio
romántico,
de
gran
éxito
en
vida,
pero
marcado
por
la
sordera
que
empañó
sus
últimos
años,
como
le
ocurrió
a
Goya.
Ha
sido
una
figura
mítica
del
nacionalismo
alemán.
Su
pervivencia
en
nuestra
cultura
innegable,
como
lo
demuestra
el
hecho
de
que
sean
habituales
los
conciertos
de
sus
composiciones
y
sean
numerosas
las
películas
sobre
su
vida
y
obra15
.
Beethoven
nació
en
Bonn
(Alemania)
en
1770.
Allí
se
conserva
su
casa-­‐museo.
Murió
en
1827.
Tuvo
una
infancia
dificil
ya
que
su
padre
era
alcohólico
y
violento.
Al
descubrir
el
talento
musical
de
su
hijo
le
impuso
un
estricto
régimen
de
estudios
de
piano.
En
Viena
conoció
a
Mozart,
y
posteriormente
a
Haydn,
quien
lo
invitó
a
estudiar
con
él
en
la
capital
austriaca
donde
acude
en
1792
para
instalarse
definitivamente.
En
1801
comienzan
los
primeros
síntomas
de
sordera,
a
los
que
seguirán
problemas
psicológicos,
por
lo
que
en
1812
redacta
el
conocido
como
Testamento
de
Heiligenstadt,
casi
al
borde
del
suicidio.
De
espíritu
perfeccionista,
hizo
múltiples
correcciones
de
sus
manuscritos,
por
lo
que
su
catálogo
de
obras
no
es
tan
abundante
como
cabría
esperar.
Su
estilo
sinfónico
influiría
en
las
siguiente
generaciones
de
compositores
y
se
proyecta
hasta
bien
entrado
el
siglo
XX.
La
ópera
Durante
el
Romanticismo
la
ópera
experimenta
una
gran
desarrollo
y
se
convierte
en
el
espectáculo
preferido
de
la
burguesía.
La
ópera
es
el
arte
decimonónico
y
romántico
por
excelencia.
Se
construyen
teatros
por
toda
Europa
y
algunos
cantantes
se
convierten
en
verdaderos
divos
aclamados
por
el
público.
En
Italia,
cuna
de
la
ópera,
es
donde
surgen
las
principales
escuelas
que
marcarán
el
desarrollo
del
género
operístico
en
el
resto
de
Europa.
Podemos
destacar
dos
tendencias
operísticas
que
se
van
a
dar
a
lo
largo
del
Romanticismo:
Bel
Canto
y
Verismo.
*
BEL
CANTO:
Fue
una
etapa
–breve-­‐
de
la
historia
de
la
música
caracterizada
porque
se
concede
más
importancia
a
la
melodía
–bellísimas-­‐
que
al
ritmo
o
la
armonía.
Se
hace
hincapié
en
el
virtuosismo
vocal
de
los
cantantes
–las
voces
deben
sobresalir
sobre
la
orquesta-­‐
y
en
el
dramatismo
emocional.
Son
ejemplos
de
esta
tendencia:
los
compositores
G.
Donizetti
con
"El
elixir
del
amor",
V.
Bellini
con
"Norma"
y
G.
Rossini
con
"EL
barbero
de
Sevilla".
Esta
ópera
fue
la
más
representada
en
todo
el
siglo
XIX.
Con
el
Bel
Canto
surgió
por
primera
vez
el
“do
de
pecho”
(utilizando
el
pecho
como
caja
de
resonancia
y
no
en
falsete).
G.
Dupré
fue
el
primero
en
conseguirlo.
Entre
las
melodías
más
conocidas
del
Bel
Canto
destacan
“una
furtiva
lágrima”
de
Donizetti
o
“Casta
diva”
de
Bellini.
*
VERISMO:
surge
a
finales
del
siglo
XIX
ligado
al
realismo
y
naturalismo
literario.
Oscilan
entre
el
realismo
y
el
romanticismo.
Los
máximos
representantes
de
este
tipo
de
ópera
son
P.
Mascagni
con
"Caballería
rusticana"
y
G.
Puccini
con
sus
impresionantes
óperas
"Tosca",
"
La
Bohème"
o
"Madame
Butterfly".
Giuseppe
Verdi
(1813-­‐1901)
El
genio
de
la
ópera
italiana,
Giuseppe
Verdi
nace
en
Roncole
di
Busseto
(ducado
de
Parma
por
entonces)
en
1813
en
el
seno
de
una
familia
de
agricultores.
Durante
su
infancia
recibe
clases
de
música
del
organista
de
la
iglesia
de
15
También
la
música
de
Beethoven
aparece
en
obras
de
teatro,
documentales,
y
películas
como
El
pianista
(2002)
o
El
discurso
del
rey
(2010).

13. 13
su
pueblo.
Prosiguió
sus
estudios
musicales
de
forma
intermitente
hasta
que
encontró
un
mecenas,
Antonio
Barezzi,
un
comerciante,
amante
de
la
música
y
presidente
de
la
Filarmónica
local
que
le
costeará
los
estudios
de
música.
Será
en
el
futuro
su
yerno
porque
se
casó
con
su
hija
Margarita
que
le
dará
dos
hijos.
Verdi
realizó
estudios
de
música
en
Milán16
–aunque
no
en
el
Conservatorio
ya
que
no
superó
el
examen
de
ingreso-­‐
.
En
1839
consiguió
estrenar
su
primera
ópera
en
el
Teatro
de
la
Scala
de
Milán17
,
obteniendo
un
discreto
éxito.
Sus
óperas
suelen
inspirarse
en
autores
románticos
como
Schiller
(Luisa
Miller),
Víctor
Hugo
(Hernani),
Alejandro
Dumas
(La
Traviata),
Byron
(Los
Corsarios)
o
Scribe
(Un
Ballo
in
Maschera),
así
como
en
dramaturgos
españoles
(Il
Trovatore)
y
por
supuesto
las
miserias
y
bajas
pasiones
de
las
tramas
shakesperianas.
La
base
sobre
la
que
se
sustenta
su
ópera
es
la
contradictoria
idea
que
“inventar
la
verdad
es
mucho
mejor
que
copiarla”.
El
fallecimiento
de
su
jovencísima
esposa
y
de
sus
dos
hijos
en
breve
intervalo
de
tiempo
le
sumieron
en
una
gran
tristeza.
Afortunadamente,
en
1842
estrenó
su
gran
ópera
Nabucco
con
la
que
obtendría
un
clamoroso
éxito
popular,
especialmente
el
coro
de
los
esclavos
de
Nabucco,
que
fue
interpretado
en
clave
de
liberación
patriótica
frente
al
dominio
de
los
austriacos
que
gobernaban
el
norte
de
Italia.
Fue
tan
popular
que
la
gente
lo
cantaba
por
la
calle.
Se
convirtió
en
un
himno
italiano.
1842
es
un
año
vital
en
su
vida,
ya
que
conoce
a
la
soprano
y
pianista
Giuseppina
Strepponi
que
será
su
segunda
mujer
y
a
la
la
condesa
Clarina
Maffei,
gracias
a
la
cual
se
le
abren
las
puertas
de
la
alta
sociedad
milanesa.
Comienza
entonces,
una
fructífera
etapa
en
su
producción
operística,
trabajando
sin
descanso.
En
la
década
de
los
40
estrena
varias
óperas
como
Hernani
(en
italiano
Ernani),
I
due
foscari,
Macbeth,
etc.
En
los
años
50
su
éxito
se
acrecienta
con
el
estreno
de
sus
tres
óperas
más
populares:
Rigoletto
,
Il
Trovatore
y
La
Traviata.
En
la
década
de
los
60
participa
en
política
ya
que
será
diputado
del
primer
parlamento
italiano
y
en
1874
fue
elegido
senador.
Por
entonces
compone
La
forza
del
destino
(1862)
y
la
célebre
Don
Carlos
(1867),
basada
en
la
trágica
historia
del
hijo
del
rey
español
Felipe
II.
Verdi
también
encontró
el
modo
y
el
tiempo
de
dedicarse
a
los
demás,
en
especial
a
los
más
necesitados:
en
1888
inauguró
un
hospital
en
Villanova
D’Arda,
enteramente
financiado
por
él
y
en
1880
compró
un
terreno
para
construir
una
“Casa
di
Riposo
per
Musicisti”,
que
todavía
existe
y
que
consideraba
como
su
“obra
más
bella”.
En
sus
últimos
años
de
vida
escribe
la
ópera
Otello;
la
única
ópera
cómica,
Falstaff
y
en
1898
varias
composiciones
de
música
sacra18
.
Murió
en
Milán
en
1901,
aclamado
y
adorado
por
el
público,
convertido
en
un
símbolo
nacionalista
de
la
cultura
italiana.
Recordemos
que
hasta
su
apellido
pasó
a
ser
un
acrónonimo
de
reivindicación
de
la
unidad
italiana
a
través
del
rey:
Vittorio
Emmanuele
Rey
De
Italia.
Richard
Wagner
(1813-­‐1883)
y
la
mitología
germánica
Durante
la
primera
mitad
del
siglo
XIX
se
desarrolló
en
Alemania
una
ópera
inspirada
en
la
mitología
y
la
literatura
germánica.
Son
obras
de
gran
dramatismo,
en
las
que
el
protagonismo
se
halla
en
la
naturaleza,
lo
mágico
y
sobrenatural.
Los
orígenes
de
este
tipo
de
ópera
legendaria
tienen
a
Carl
María
von
Weber
a
su
principal
configurador
con
su
obra
“El
cazador
furtivo”.
Pero
el
compositor
que
marcaría
la
pauta
de
la
ópera
alemana
en
el
siglo
XIX
fue
el
genial
Richard
Wagner.
De
vida
un
tanto
turbulenta,
y
carácter
egocéntrico
y
dominante,
no
solo
fue
compositor
de
óperas,
también
fue
director
de
orquestas,
poeta,
dramaturgo
y
teórico
musical
alemán.
16
Su
profesor
fue
el
músico
Vincenzo
Lavigna
del
que
recibió
en
Milán
clases
particulares.
17
La
ópera
se
llamaba
“Oberto
Conte
di
San
Bonifacio”.
18
Stabat
Mater
,
Laudi
alla
Vergine
e
Te
Deum.

14. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
14
Wagner
nació
en
Leipzig
y
murió
en
Venecia.
Su
pasión
por
la
música
comenzó
al
conocer
las
obras
de
Weber
y
Beethoven.
Fue
músico
prácticamente
autodidacta.
Después
de
una
vida
disipada
entre
el
juego
y
las
mujeres,
contrae
matrimonio
y
se
instaló
primero
en
París
y
luego
en
Dresde,
donde
encontrará
el
éxito.
Por
motivos
políticos
–estuvo
involucrado
en
partidos
nacionalistas
de
izquierda
19
-­‐
se
exilió
en
Suiza.
Vuelve
a
Munich
y
allí
se
separa
de
su
esposa
y
comienza
una
relación
amorosa
con
Cosima,
hija
de
Franz
Listz
y
esposa
de
Hans
von
Bülow.
De
carácter
egocéntrico
y
dominante,
tuvo
acérrimos
adversarios
y
grandes
partidarios
y
amigos.
El
principal
legado
artístico
de
Wagner
son
sus
obras
operísticas.
Fue
el
renovador
de
la
ópera
romántica
que
en
su
caso,
dado
el
intenso
dramatismo
de
sus
tramas
se
han
denominado
como
“dramas
musicales”
(aunque
él
no
usó
ese
nombre
para
referirse
a
ellas).
En
sus
óperas
no
se
limita
a
escribir
la
música
sino
también
los
textos
(el
libreto).
A
estos
libretos
los
denominaba
“poemas”.
Sus
textos
son
exaltados,
ampulosos,
con
un
vocabulario
muy
barroco.
Los
dramas
musicales
de
Wagner
se
caracterizan
por:
*La
ópera
para
Wagner
es
Gesamtkunstwerk
o
"la
obra
de
arte
total",
ya
que
busca
la
fusión
de
todas
las
artes
(poesía,
música,
escenografía,
acción,...)
que
se
aglutinan
de
manera
inseparable
en
sus
obras.
*Utiliza
la
melodía
infinita,
que
no
se
interrumpe,
para
dotar
de
mayor
dramatismo
a
su
obra.
*La
música
está
al
servicio
de
la
expresión
dramática.
La
orquesta
tiene
un
papel
principal
en
el
desarrollo
y
explicación
de
la
acción.
*Wagner
confería
igual
importancia
a
la
orquesta
que
al
canto.
*En
sus
últimas
óperas
incluye
el
uso
de
leitmotivs,
temas
o
motivos
musicales
que
se
van
repitiendo
a
lo
largo
de
toda
la
composición
*Son
óperas
larguísimas:
pueden
sobrepasar
las
cinco
horas
sin
interrupciones.
*Durante
una
etapa
de
su
vida,
fue
amigo
del
filósofo
alemán
Nietzsche20
y
en
sus
óperas
se
puede
observar
la
influencia
de
diversos
filósofos
como
Schopenhauer,
Pierre-­‐Joseph
Proudhon
y
Ludwig
Feuerbach.
*Por
lo
que
se
refiere
a
la
mitología
nórdica
presente
en
sus
ópera,
Wagner
encontró
en
la
Biblioteca
Real
de
Dresde
unos
manuscritos
que
trataban
de
la
leyenda
de
los
nibelungos
y
de
Sigfrido,
personajes
típicos
de
la
mitología
escandinava
que
conforman
una
de
las
“sagas”
más
famosas
de
esta
literatura.
Las
sagas
eran
leyendas
sobre
seres
heróicos
o
mitológicos.
La
mitología
escandinava
es
casi
tan
complicada
como
la
greco-­‐
romana
y
presenta
algunas
analogías
con
ella,
a
causa
del
común
origen
de
estos
pueblos.
La
mitología
nórdica
se
basa
mucho
en
las
fuerzas
luminosas
y
benéficas
de
la
naturaleza
(el
sol,
la
luz,
la
lluviaeran
diosas)
y
en
las
malignas
(borrascas,
frío,
fuego
volcánico,
…)
representados
por
gigantes,
seres
monstruosos.
Los
enemigos
de
los
dioses
eran
los
enanos
(nibelungos),
que
surgieron
de
las
tinieblas
subterráneas
hasta
el
fondo
de
los
ríos
y
los
lagos.
Los
dioses
de
las
sagas
nórdicas
son
muy
guerreros.
El
dios
principal
es
Odín,
que
nos
recuerda
mucho
al
Zeus
griego
o
al
Jupiter
romano.
Las
valkirias
eran
las
vírgenes
guerreras
que
cabalgaban
sobre
las
nubes
con
indómitos
corceles.
Descendían
al
campo
de
batalla
para
llevarse
a
los
héroes
caídos
al
Valhalla,
el
paraíso.
Brunilda
era
la
preferida
de
Odín.
Su
desobediencia
–por
proteger
a
un
héroe
llamado
Siegmund-­‐
la
hizo
perder
la
esencia
divina
y
convertirse
en
una
simple
mujer.
Entonces
Odin
la
sumió
en
un
sueño
eterno
y
la
abandonó
en
19
Wagner
era
claramente
de
tendencia
antisemita
como
se
puede
comprobar
leyendo
sus
escritos.
20
Friedrich
Nietzsche
formó
parte
del
círculo
de
amigos
más
íntimo
de
Wagner
durante
la
década
de
1870
y
su
primera
obra
publicada,
El
nacimiento
de
la
tragedia
en
el
espíritu
de
la
música,
es
un
canto
a
la
música
de
Wagner
como
ideal
regeneracionista
dionisíaco
frente
a
la
decadente
cultura
europea
apolínea.
Pero
Nietzsche
rompió
su
relación
con
el
compositor
después
del
primer
Festival
de
Bayreuth,
cuando
detectó
en
él
signos
de
complacencia
con
el
cristianismo
así
como
sumisión
al
nuevo
Imperio
alemán.

15. 15
un
castillo
rodeado
de
fuego
para
que
nadie
llegara
hasta
ella.
Pero
Sigurd
(Siegfried),
el
más
valiente
de
los
héroes,
atravesó
las
llamas
y
la
despertó.
El
anillo
del
Nibelungo
wagneriano
es
una
síntesis
de
la
mitología
nórdico-­‐germánica.
Una
amalgama
de
diferentes
cuentos
mitológicos
que
destila
una
historia
que
abarca
el
principio
y
el
fin
de
un
mundo.
Una
obra
que
ha
sido
interpretada
en
un
número
casi
infinito
de
formas. La
esencia
del
drama
de
El
Anillo
es
una
lucha
entre
el
poder
(o
la
política)
y
el
amor. Wagner
muestra
como
el
amor
puede
luchar
contra
estas
injusticias,
aunque
todo
el
mundo
pueda
ser
destruido
en
dicha
lucha.
Wagner
reinterpreta
la
mitología
a
su
manera,
siguiendo
el
gusto
romántico
del
momento,
siempre
dentro
de
un
gran
simbolismo
de
carácter
filosófico.
Como
señalaba
Nietzche,
Wagner
es
mucho
más
que
música…
*
Entre
sus
principales
óperas,
todas
de
gran
complejidad
y
ambientadas
en
la
mitología
escandinava
destacan
"Tristán
e
Isolda"
–considerada
como
la
ópera
iniciadora
de
la
música
moderna-­‐,
"Tannhäuser",
“El
holandés
errante”
y
la
tetralogía
"El
anillo
de
los
Nibelungos".
Resumidamente,
esta
ópera
cuenta
la
historia
del
héroe
Siegfried
que
debe
recuperar
un
anillo
de
oro
que
han
fabricado
los
nibelungos
tras
robar
el
mineral
de
las
aguas
del
Rin.
Siegfried
tiene
que
devolver
ese
anillo
a
las
hijas
del
Rin
pero
no
lo
consigue
y
muere.
Un
drama
al
más
puro
estilo
romántico.
*Gracias
al
mecenazgo
del
rey
Luis
II
de
Baviera,
Wagner
concibió
un
teatro
y
un
festival
llamado
Bayreuth
en
la
ciudad
alemana
de
homónimo
nombre,
dedicado
a
la
representación
de
sus
óperas.
Hoy
en
día
este
festival,
meca
de
peregrinación
para
los
entusiastas
de
Wagner,
lo
dirigen
los
descendientes
de
este
compositor
alemán.
*La
obra
de
Wagner
ha
influido
en
filósofos,
escritores,
artes
visuales
y
teatro
del
siglo
XX.
Por
lo
demás,
fue
el
compositor
musical
favorito
de
Hitler.
Gustav
Mahler
afirmó
sobre
él,
«solo
hubo
Beethoven
y
Wagner;
y
después
de
ellos,
nadie»
Por
último,
hay
que
subrayar
que
a
través
de
youtube
podemos
disfrutar
on-­‐line
de
extractos
de
óperas
de
los
compositores
citados,
con
actuaciones
estelares
de
María
Callas,
Enrico
Caruso,
Montserrat
Caballé,
Pavarotti,
Plácido
Domingo,
Alfredo
Kraus,
etc.
La
danza
en
el
Romanticismo
El
ballet
es
una
de
las
artes
escénicas.
El
término
“ballet”
procede
del
italiano
“balleto”,
diminutivo
de
“ballo”
que
quiere
decir
danza.
Esta
palabra,
que
es
francesa,
deriva
del
latín
y
a
su
vez
del
griego.
El
ballet
es
un
tipo
de
danza
que
se
remonta
al
Renacimiento
italiano
(siglo
XV).
Ya
durante
el
siglo
XVII,
en
Francia,
en
la
corte
de
Luis
XIV,
el
rey
Sol,
surge
la
mayor
parte
de
vocablos
relativos
al
ballet,
por
supuesto
en
francés.
Todavía
hoy
se
utiliza
esta
terminología.
El
ballet
es
un
tipo
de
danza
con
una
enorme
difusión
por
todo
occidente
(Europa,
Estados
Unidos,
etc.)
El
ballet
romántico
apareció
a
inicios
del
siglo
XIX
y
cronológicamente
se
extiende
de
1815
a
1845-­‐1850.
El
ballet
romántico
abandonó
los
mitos
de
la
Grecia
antigua
para
centrarse
en
la
mitología
nórdica,
poblada
de
elfos
(enanos
con
poderes
mágicos21
),
ondinas
(ninfas
de
las
aguas)
y
trolls
(monstruos).
Es
una
danza
etérea,
llena
de
gracia
y
delicadeza.
A
inicios
del
Romanticismo
algunos
coreógrafos
franceses
se
instalaron
en
Rusia22
–en
particular
el
bailarín
y
coreógrafo
Marius
Petipá-­‐
siendo
el
gérmen
de
una
escuela
de
ballets
rusos,
cuyo
prestigio
y
relevancia
se
han
mantenido
hasta
la
actualidad
(Ballet
Bolshoi
de
Moscú,
el
Marinsky
de
San
Petersburgo
…).
Petipa
es
célebre
sobre
todo
por
sus
coreografías
de
los
ballets
Cascanueces,
La
bella
durmiente
o
El
lago
de
los
cisnes
con
música
de
Tchaikovsky
(1840-­‐1893).
La
palabra
“clásico”
como
sinónimo
de
“ballet
romántico”
hizo
su
aparición
con
los
Ballets
rusos
en
1910
y
actualmente
se
sigue
denominando
así.
Estos
ballets
continúan
representándose
en
todo
el
mundo.
El
primer
gran
ballet
romántico
fue
“La
Sílfide”
(La
Sylphide).
Las
sílfides
en
la
mitología
nórdica
son
un
tipo
de
ninfas
etéreas,
bellas
y
delgadas,
espíritus
del
aire.
Este
ballet
fue
estrenado
en
el
Teatro
de
la
Ópera
de
París
en
21
Eran
herreros,
orfebres,
alquimistas…
22
Entre
los
bailarines
destacados
se
encuentra
el
ruso
V.
Nijinski
(1890-­‐1950).

16. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
16
1832
por
el
coreógrafo
Filippo
Taglioni
para
su
hija
María.
Fue
la
apoteosis
del
ballet
blanc23
(ballet
blanco)
que
triunfará
durante
treinta
años.
María
Taglioni
(1804-­‐1884)
se
convertirá
en
la
gran
bailarina
de
la
época
romántica,
participando
en
los
estrenos
de
los
ballets
de
los
principales
compositores.
Era
sueca
de
origen
italiano
y
fue
la
primera
en
llevar
tutú,
precisamente
en
el
ballet
de
la
Silfide
y
en
bailar
ese
ballet
en
puntas,
aunque
se
atribuye
la
invención
de
esa
técnica
a
la
bailarina
italiana
Amalia
Brugnoli
en
1823
en
Viena.24
A
partir
de
María
Taglioni,
el
tutú
será
el
“uniforme”
por
excelencia
de
la
bailarina
de
ballet
clásico.
Tanto
con
el
tutú
-­‐que
es
una
falda
de
ballet
compuesta
por
varias
capas
de
tul25
-­‐
como
con
las
puntas,
se
conseguía
que
la
bailarina
fuera
un
ser
etéreo,
ingrávido,
delicado,
elegante
y
muy
femenino.
El
tutú
normalmente
va
cosido
a
un
“bustier”
o
cuerpo.
Aunque
con
diversas
variantes,
podemos
distinguir
dos
tipologías
principales
de
tutús:
*El
tutú
largo
romántico,
también
llamado
“tutú
Degas”,
por
referencia
al
pintor
impresionista
Degas
que
pintó
decenas
de
bailarinas.
*El
tutú
plateau
o
“plato”
por
sus
formas
redondas,
que
parten
desde
la
cadera,
nunca
desde
la
cintura.
La
elección
de
un
tutú
u
otro
depende
del
tipo
de
ballet
que
se
va
a
representar,
por
ejemplo
Giselle
suele
ser
con
tutú
largo
mientras
que
en
El
Lago
de
los
cisnes
o
Don
Quijote26
predomina
el
tutú
plato.
Los
materiales
que
se
utlizan
para
su
fabricación
son
ligeros,
finos,
fluidos
y
dejan
pasar
la
luz.
Pueden
estar
fabricados
con
tul,
gasa,
muselina,
organza
…
incluso
nilon
en
el
siglo
XX.
El
término
tutú
surgió
mucho
después
de
creada
la
prenda,
en
concreto
en
1881.
Una
hipótesis
sobre
el
origen
de
este
vocablo
considera
que
deriva
del
material
con
el
que
están
hechos
los
tutús,
el
“tul”.
En
aquella
época,
eran
las
propias
bailarinas
las
que
debían
costearse
el
tutú
que
llevaban
en
escena,
con
dimensiones
estrictas
en
cuanto
al
largo
de
la
falda.
Con
el
tiempo,
las
faldas
de
los
tutús
fueron
acortándose,
permitiendo
así,
mayor
libertad
de
movimientos
a
las
bailarinas.
A
finales
del
siglo
XIX,
los
tutús
en
el
Teatro
de
la
Ópera
de
París,
23
El
ballet
blanco
fue
creado
en
París
y
se
caracteriza
porque
es
una
escena
en
la
que
se
visten
de
blanco
todos
los
integrantes
del
corps
o
cuerpo
de
baile.
Desde
los
tiempos
del
ballet
romántico
estas
escenas
están
pobladas
por
hadas,
sílfides,
etc.
24
En
la
década
de
los
20
y
los
30,
la
bailarina,
coreógrafa
y
actriz
Harriet
Hoctor,
llevó
el
baile
en
puntas
al
género
de
vaudeville
y
burlesque.
25
Habitualmente
de
3
a
5
capas
de
tul.
26
El
bellísimo
ballet
Don
Quijote
fue
estrenado
en
1869
en
el
Teatro
Imperial
de
Bolshoi
de
Moscú,
con
coreografía
y
libreto
de
Marius
Petipa
y
música
de
Ludwig
Minkus.