La Santísima Trinidad de Masaccio

Ana Galván Romarate-Zabala Historia de España 2º Bachillerato

COMENTARIO DE IMÁGENES: LA TRINIDAD DE
MASACCIO (RENACIMIENTO)

“Y que esto sea la verdad, se da en Florencia producto en una misma edad a Filippo, Donato, Lorenzo, Paolo Uccello y Masaccio, muy
excelentes cada uno en lo suyo, no solamente se terminan las viejas maneras, que se han mantenido hasta este tiempo, que con
hermosas obras incitó y encendió mucho los espíritus impulsando estos oficios la perfección que se ve en nuestros tiempos. Tenemos,
por verdad, una deuda singular con estos primeros, que por medio de sus cansancios nos mostraron los verdaderos caminos para
alcanzar grados supremos. Y en cuanto al estilo de las pinturas, con Masaccio por poner los pies sobre el plano y en escorzo el
primero, desterrando el hacer las figuras de puntillas de pies, empleado universalmente por todos los pintores hasta este tiempo; y
además por haber dado tanto viveza y tanto relieve a sus pinturas, que; merecen ciertamente ser reconocido como si fuera el inventor
de este arte. Las cosas hechas antes de él no eran realmente pinturas pintadas, no hay comparación con sus competidores al cual
quisieron imitar muchos, mas se ve que tienen falsa vivacidad.”

Extracto de un pasaje dedicado a Masaccio del libro de Giorgio Vasari “Vidas de artistas”

1

Ana Galván Romarate-Zabala
Historia del Arte 2º Bachillerato

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra una de las obras cumbres de la pintura del
Renacimiento italiano: LA SANTÍSIMA TRINIDAD. Es una pintura parietal
que se encuentra en uno de los muros laterales la iglesia de Santa María
Novella de Florencia1. En esta iglesia se conservan importantes obras de
arte de artistas de la talla de Giotto, Paolo Uccello, Ghirlandaio, Filippino
Lippi o Brunelleschi.

-El autor es el pintor italiano MASACCIO (1401-1428). Nacido en un pueblo
de la Toscana, renacentista del Quattrocento, este pintor es el equivalente
en pintura a lo que fue Brunelleschi en arquitectura y Donatello en escultura.
Son pocas las noticias acerca de su vida y de sus obras, que están
escasamente documentadas. Su verdadero nombre era Tomasso di Ser
Giovanni di Mone Cassai, pero era más conocido por su sobrenombre de
Masaccio ("tosco", "pesado"). Vivió en Florencia donde entró en contacto con
los artistas de su tiempo como Donatello o Brunelleschi y como ellos, viajó a
Roma deseoso de estudiar el arte grecorromano. Discípulo del pintor
Masolino, trabajó con él en varios proyectos artísticos como diversas obras en la decoración de la
capilla Brancacci de Florencia. Murió en plena juventud, con tan sólo veintisiete años, -se cree que
envenenado- pero lo que hizo en su corta vida fue suficiente para constituirse en el verdadero pilar
del nuevo estilo pictórico.
-CRONOLÓGICAMENTE esta pintura está fechada circa 1425-1427, pertenece por tanto al
Quattrocento. En cuanto a la TÉCNICA, está realizada al fresco.

-Se desconoce a ciencia cierta quién o quiénes fueron los COMITENTES de esta obra. Se ha
señalado que pudieron ser una poderosa familia florentina de mercaderes cuyos donantes 2
aparecen representados de rodillas, a manera de orantes, en la obra. O bien, pudo ser un monje
dominico3 ya que la basílica de Santa María Novella pertenece a esta orden religiosa. Es más que
probable que fueran fueron los propios monjes quienes dieron las pautas para realizar este fresco
dada la complejidad teológica que presenta.

1
Esta iglesia es medieval pero la fachada fue realizada por León Battista Alberti, el gran arquitecto y tratadista italiano del
Quattrocento.

2
Estos posibles donantes han sido identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra.
3
Domenico di Lenzo.
2


-El TEMA que muestra esta pintura es de carácter religioso. Nos
muestra una doble iconografía de raigambre medieval, pero
interpretado de una forma innovadora y verdaderamente revolucionaria
desde el punto de vista técnico. Por un lado, encontramos
representada a la Santísima Trinidad, que alude a la naturaleza triple
y a la vez, unitaria, de la divinidad cristiana.4 Está formada por Dios
Padre –una figura majestuosa que domina la escena-, Dios Hijo –
Cristo en la Cruz- y Dios Espíritu Santo –una paloma-. Esta iconografía
es llamada “Trono de Gracia”.5 Fue empleada sistemáticamente en la
Baja Edad Media. Por otro lado, Masaccio incorpora el tema de la
crucifixión6, cuestión crucial en el arte cristiano, omnipresente en la
7
Edad Media . Como es frecuente, aparece Cristo con su madre, la Virgen María y su
discípulo San Juan.
Dos ejemplos de iconografías “Trono de Gracia”. La primera es medieval, de Barnaba de Modena, y la segunda, aunque ya
quattrocentista, de Mariotto di Nardo (c. 1400-1405) presenta todavía rasgos netamente goticistas (fondo dorado, jerarquización de
tamaño, etc.)

-Junto a la Trinidad y la Virgen María y San Juan, no es extraño que encontramos en la pintura de
Masaccio la presencia anacrónica de dos orantes, posiblemente los donantes o comitentes de la
obra. Lo que si es realmente innovador es que presentan unas dimensiones análogas al resto de los
personajes. Toda la escena se sitúa sobre una mesa de altar con columnas clásicas donde se
muestra un sarcófago abierto con un esqueleto y la siguiente inscripción: “Yo fui ya lo que vosotros
sois: y lo que yo soy lo seréis vosotros también”. No es claramente un monumento funerario puesto
que si lo fuera, aparecería el difunto con sus ropajes y referencias a su vida terrena y no es el caso.

4
Dios es uno y trino, según señala la doctrina católica. Un misterio sobre el que tradicionalmente la Iglesia ha realizado sesudos
análisis, ya desde tiempos de la antigua patrística (San Agustín, etc.).
5
Según ha señalado la profesora Irene González Hernando, el término Trono de Gracia (thronum gratiae) es de procedencia bíblica
(Epístola de San Pablo a los Hebreos 4, 16). Fue empleado en las Sagradas Escrituras para referirse a Cristo, gran pontífice, que se
compadece de las flaquezas de la humanidad y le brinda misericordia. En la iconografía cristiana este apelativo fue creado por la
historiografía alemana a finales del siglo XIX. También se la denomina “Trinidad vertical” por la disposición en altura de las tres
personas divinas. En este caso, Dios Padre aparece en vez de sentado –como es habitual en otras obras- de pie, como el sacerdote
en la misa en el momento de la Consagración. Sobre la iconografía de la Trinidad vertical, véase
http://www.ucm.es/centros/cont/descargas/documento18792.pdf
6
Hay que destacar que en el museo de Capodimonte de Nápoles se conserva una crucifixión de Masaccio, donde además de los
personajes antes mencionados, incorporó la figura doliente de María Magdalena.
7
Y en el Renacimiento, Barroco, etc.
3


Lo que aparece es un memento mori, es decir, una referencia a la fugacidad de la vida, al viejo
adagio8 “recuerda que morirás” 9.

-Los ANTECEDENTES de la obra son tanto medievales como renacentistas. Son tardomedievales10
el tema y la iconografía y no lo es menos la influencia del gran pintor italiano del Trecento, Giotto,
con los volúmenes rotundos de las figuras y la gravedad expresiva de los rostros. Curiosamente se
han señalado influencias también de escultores como Donatello ya que las figuras aparecen como
auténticas esculturas y del arquitecto Brunelleschi por la forma de representar la arquitectura con
pleno dominio de la perspectiva geométrica. Se cree que este arquitecto incluso, pudo asesorar al
pintor. También son relevantes las influencias clásicas, bien perceptibles en el tratamiento dado a la
arquitectura (columnas jónicas, bóveda con casetones, presencia de entablamento, etc.).

-Las figuras aparecen representadas en un MARCO
ARQUITECTÓNICO RENACENTISTA, inspirado en los
arcos de triunfo romanos. La rosca del arco, como es
habitual en la arquitectura romana y también en
Brunelleschi, está muy marcada. Aparece una
espectacular bóveda de medio cañón con casetones,
sostenida por columnas jónicas. Este arco presenta en
los flancos laterales dos pilastras corintias y sobre él se
alza un entablamento. Como motivos decorativos
encontramos dos clípeos con motivos vegetales incisos.
-Es verdaderamente revolucionaria esta obra en el
espectacular dominio que hace Masaccio de la PERSPECTIVA. Recordemos que el estudio de la
perspectiva es clave en el Quattrocento. La perspectiva lineal o geométrica se utiliza para crear
espacios tridimensionales, las líneas convergen en un punto de fuga. Da lugar a espacios
construidos de una forma racional propia de la nueva mentalidad renacentista. En este caso, las
líneas de fuga coinciden en la figura-eje de la composición: la Trinidad. Esta pintura es toda una
lección de geometría, pura matemática. El carácter ilusionístico que se consigue con esta
arquitectura “fingida”, ya que parece que el muro está horadado por la bóveda, es lo que llamamos
trampantojo o trompe l´oeil, un recurso pictórico que será muy habitual en la pintura renacentista y
sobre todo en la barroca. Se abandona así, la querencia por los fondos neutros y dorados tan
habituales en el gótico y en la pintura bizantina.
-El punto de vista es muy bajo. La sensación de espacio, con sus escultóricas y monumentales
figuras que se pueden rodear, tan lejanas a la ligereza de las formas góticas, está plenamente
conseguida. Es una obra COMPOSITIVAMENTE, muy armoniosa y simétrica, se estructura en torno
a una forma triangular ascendente. Masaccio recurrió a formas geométricas - cuadrado, rectángulo,
círculo- para organizar el espacio. En la parte alta, el círculo, en la parte central un triángulo o una
pirámide que contiene los personajes de la escena donde Dios Padre es puesto como el vértice y
limitando la base, dos orantes. Y en la parte baja un cuadrado como base de la composición.

-Las figuras sagradas de la escena presentan todavía nimbo, un rasgo arcaizante 11 (que
progresivamente irá desapareciendo en el Renacimiento y en el Barroco). El único dinamismo de la
escena parece proceder de la mano de la Virgen María que se dirige a su hijo como mostrando el
camino de salvación.

8
Según la RAE, un adagio es una “sentencia breve, comúnmente recibida, y, la mayoría de las veces, moral”.
9
Así se denominan las representaciones de difuntos en la historia del arte. Las referencias a la brevedad de la vida, a la fugacidad
de las cosas terrenas será muy recurrente en el arte barroco en los cuadros denominados “vanitas”.
10
Ejemplos de esta iconografía Trono de Gracia la encontramos en artistas italianos como Bartolo di Fredi (1396) o Mariotto di Nardo
(c.1400-1405).
11
Medievalizante en este caso.
4


-Masaccio prescinde de lo anecdótico aunque se aprecia un cierto detallismo en los motivos
decorativos que aparecen en el marco arquitectónico –por ejemplo en el entablamento-. En las
vestiduras de los personajes, no se aprecia un interés por mostrar en detalle las texturas. Interesa
hacer hincapié en las formas geométricas.

-La luz adquiere una gran importancia, modela las figuras, y junto con las sombras, matiza los
contornos. 12Masaccio concentra la luz en las figuras, quedando el interior de la capilla en una fuerte
penumbra.

-Por lo que respecta al color, predominan tres: azul, rojo y blanco. Estos tres colores han sido
asociados tradicionalmente a la Trinidad.

-La FUNCIÓN o FINALIDAD de esta obra es doble. Por un lado, es evidente su carácter religioso
ligado al dogma de la Santísima Trinidad. Su situación en una iglesia sepulcral, justo enfrente de la
puerta de entrada del cementerio anexo a la basílica. La presencia del memento mori, además,
acentúa el carácter catequético de la escena que viene a significar un mensaje de salvación ligado a
Cristo. La pintura puede interpretarse en un sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la
salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre),
pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la
redención (Cristo crucificado). En conclusión, es una respuesta teológica al tema de la muerte.

12
Se ha señalado que es una de las primeras pinturas en presentar el uso de las sombras.
5


-Por otro lado, la presencia de los orantes-comitentes, puede simbolizar un mensaje exaltativo a
mayor gloria de estos personajes, cuyos nombres no nos han transcendido con total seguridad.
Finalmente, y no menos importante, es evidente que Masaccio no se conformó con repetir un
esquema habitual en el gótico y decidió innovar y crear una obra de arte revolucionaria, una obra de
un nuevo estilo, el Renacimiento.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, que hemos de poner en relación con
otras frescos del pintor, sobre todo los que se conservan en la capilla Brancacci13 en la iglesia del
Carmen de Florencia, hay que señalar, que influirá en numerosos artistas del Renacimiento, será un
referente para Paolo Ucello –el gran pintor de la perspectiva-, Botticelli, Piero della Francesca
Leonardo da Vinci o de Miguel Ángel. El esquema compositivo de pintura mural que vemos en
esta obra será la fuente de inspiración de pinturas e incluso esculturas de carácter funerario con arco
triunfal y pilastras como vemos en Antonio Rossellino y Desiderio da Settignano en la iglesia de
Santa Croce de Florencia.

-La SIGNIFICACIÓN histórica de esta obra viene dada, por un lado, por ser no sólo uno de los
ejemplos más perfectos de la pintura del Quattrocento, sino una de sus pinturas fundacionales. Es
una obra en la que Masaccio representa la afirmación del nuevo estilo, el Renacimiento, que
encuentra en este autor a uno de sus primeros formuladores. Sus innovaciones en el uso de la
perspectiva iniciaron la era moderna de la pintura. Sin embargo, no podemos olvidar la labor
preparatoria de otros pintores fundamentales como Giotto o Fra Angelico.

-El ESTADO DE CONSERVACIÓN de la obra es bueno y ha sido restaurado entre los años 1999 y
2001. Hay que destacar que fue redescubierta en su integridad en 1861, después de ocultarse en el
siglo XVI por un retablo de Vasari y un altar de piedra.

-En CONCLUSIÓN, la Trinidad de Masaccio sintetiza las características y logros principales de la
pintura quattrocentista italiana.

II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SE ADSCRIBE LA OBRA

-Estilísticamente este fresco es plenamente renacentista14. Podemos definir el RENACIMIENTO
como un movimiento artístico y cultural que surge en Italia y que implica una vuelta, un renacer a
los ideales del mundo clásico (Grecia y Roma).
-Ese interés por el mundo antiguo clásico se manifestó en sus vertientes históricas, filosóficas,
políticas, culturales y artísticas. La Antigüedad clásica es el modelo cultural a seguir y no sólo en las
artes plásticas, sino a todas las manifestaciones del conocimiento humano.
-Pocos movimientos culturales han sido más idealizados y mitificados (glorificado) como el
Renacimiento, aunque sobrecoge la nómina de los arquitectos, pintores, escultores, etc. de la época
y el extraordinario desarrollo de las artes durante el Renacimiento (Ghiberti, Donatello, Verrochio,
Miguel Ángel, Botticelli, Masaccio, Leonardo, Rafael...) Pero hay pocos movimientos en la Historia
del arte que hayan explicado mejor que el Renacimiento su principal intención y que sin embargo,
resulten luego más polémicos y complejos (se discute su cronología etc.).
-Sus raíces, son embargo, deben buscarse en la Edad Media tardía, a la que despreciaban y contra
la que aparentemente reaccionaban. No parece claro que este renacimiento de la Antigüedad fuera
la única causa del fenómeno cultural que se produjo en Italia en el siglo XV y que se extendió a partir

13
En ellos la sensación de espacio y atmósfera se halla absolutamente conseguida, junto a la expresión de las pasiones del alma,
como se aprecia en el dolor de Adán y Eva al ser expulsados del Paraíso.
14
Mientras que los calificativos clásico, románico, gótico son posteriores a sus manifestaciones, Renacimiento fue la orgullosa
autodenominación que los teóricos y artistas de aquella época adoptaron para que esta etapa fuese precisamente un renacimiento de
los ideales estéticos del mundo grecorromano.
6


del siglo XVI, por casi toda Europa (Francia, España…), ya que la relación con el mundo antiguo
jamás se rompió y a lo largo de los siglos que abarcan el amplio periodo conocido por Edad Media,
se produjeron varios momentos "renacentistas" del espíritu clásico. Recordemos que se puede
hablar de renacimiento y “renacimientos”: carolingio, románico, etc. En todo caso, fueran cuales
fueran sus antecedentes próximos o remotos, no hallaremos una conciencia clara de lo que debía
ser el nuevo arte y un conjunto de normas teóricas y prácticas lo suficientemente articulado como
para poder definirlo como un lenguaje distinto hasta el siglo XV, momento en el que se formula la
teoría artística del Renacimiento en Florencia. El principal responsable de la misma fue un
humanista florentino, Leon Battista ALBERTI (1404-1472). que publicó tres tratados artísticos
además de ser un excelente arquitecto. Fue el teórico por excelencia del nuevo arte. Encarnó al
nuevo artista, científico y erudito, que culminará con Leonardo. Sus escritos fueron tan importantes
como los edificios que proyectó y, además, tuvieron una mayor difusión. Referidos concretamente a
las artes escribió

"De pictura",
"De statua",
"De re aedificatoria" y una descripción de la ciudad de Roma.

-Podemos distinguir varias ETAPAS en el Renacimiento:
se desarrolla durante los siglos XV y XVI.
*Siglo XV: iniciación, es el Quattrocento.
*Siglo XVI: es el Cinquecento. Es la etapa de madurez, se la denomina Alto Renacimiento pero
también en ese siglo surge la crisis de este estilo dando lugar a partir del año 1520 al Manierismo.

-No es casual que el Renacimiento surgiera en Italia ya que a lo largo de la Edad Media no había
renunciado por completo a su pasado clásico, incluso durante toda la Edad Media.
-El contenido y la finalidad del arte renacentista es la belleza, la armonía, la perfección. Ha sido
paradigma del arte hasta el siglo XVIII. Entienden la belleza como imitación verosímil de la
naturaleza (entre realidad e idealidad). Para ello aplicaron la geometría, cálculos matemáticos y
búsqueda de proporciones armoniosas (Alberti, Leonardo, Brunelleschi…).
-Los principales focos renacentistas en Italia fueron Florencia, Nápoles, Roma, Venecia, Padua y
Ferrara.
-El arte en todas sus manifestaciones (música, pintura, poesía, arquitectura) va a experimentar un
gran esplendor en las cortes europeas teniendo en ocasiones como función esencial la
consolidación del poder del príncipe o monarca, es decir, las obras de arte son un medio de
propaganda del poder principesco, aristocrático o de la realeza. Asimismo, las artes decorativas
experimentaron un gran auge (cerámica, vidrio, rejerías, joyería y orfebrería, artes textiles, mobiliario,
etc.).

-Ciñéndonos a la PINTURA renacentista italiana, podemos destacar que es uno de los capítulos
más apasionantes de la Historia del Arte de todos los tiempos.
-En Italia, y más concretamente en Florencia, se experimentó una auténtica revolución pictórica
en todos los niveles, aunque no debemos olvidar las aportaciones técnicas plantearon los artistas
flamencos15 por la misma época.
-La pintura renacentista supone una vuelta a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada
en la medida, el número y la proporción. Son pinturas que se realizan por encargo (de mecenas
políticos o religiosos).16

15
Flamencos: de Flandes, la actual Bélgica.
16
Se realizaban contratos donde vienen especificadas hasta el mínimo detalle las condiciones (el número de figuras, los
materiales…). Había pintores que estaban al servicio de un mecenas que les daba un sueldo mensual.
7


-Es una pintura naturalista, es decir, preocupada por la representación de la realidad de la
Naturaleza. Ello no es óbice para que se tienda a representaciones de belleza idealizada. La idea de
mimesis del mundo griego se hace presente.
-Los pintores renacentistas desarrollaron la perspectiva que podemos considerarla como el
procedimiento para representar gráficamente objetos en tres dimensiones.17 La pintura se configura
como una “nueva ciencia”: tiene su fundamento en la observación de la naturaleza y la perspectiva
matemática.18
-La temática es predominantemente religiosa pero se cultivan también temas mitológicos o
profanos. El retrato tiene un gran auge, muchas veces de perfil. Los retratos –majestuosos y llenos
de serenidad- dejan de ser descriptivos para ser psicológicos, incluso dramáticos (ej: en Rafael y en
Tiziano), se cuida mucho la expresión, la posición de las manos, la riqueza de los vestidos, los
gestos…Los estudios anatómicos son muy frecuentes.
-También son habituales las alegorías: ideas abstractas representadas como imágenes. Por
ejemplo la representación de los sentidos, del vicio versus la virtud, etc.
-El paisaje llega a convertirse en género independiente conforme va avanzando el siglo XV. La
pintura se realiza sobre muros, tablas y lienzos, siendo las técnicas más comunes el fresco , el
temple y el óleo. La principal innovación técnica es, desde 1475, la técnica del óleo .
-La importancia de la luz es crucial. Es uniforme y a veces sirve para modelar y para crear espacios.
Por lo que se refiere a la composición, el paisaje, sin detallismos, sirve para encuadrar escenas y
darles una dimensión espacial y las figuras se reparten ordenadamente y con un plan preconcebido.
-Entre los principales pintores renacentistas italianos, podemos destacar, dentro de un amplísimo
elenco a Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Angel Buonarotti, Tiziano y
Giorgione.

-Por lo que se refiere a la ARQUITECTURA RENACENTISTA tiene sus orígenes en Italia, y se
extenderá por toda Europa. Cuenta entre sus fuentes de inspiración con, por un lado, las ruinas
romanas –poco a poco redescubiertas y valoradas- y por otra con textos y documentos de la antigua
Roma19, esenciales en la formación de los arquitectos renacentistas. Es importante resaltar que esa
vuelta a los ideales de la arquitectura del mundo clásico no fue una mera copia sino una fuente de
inspiración fundamental. Al mismo tiempo, muchos arquitectos renacentistas escriben importantes
tratados teóricos.
-Los arquitectos renacentistas buscaban crear, como los antiguos romanos, obras bellas, sólidas y
prácticas pero debían dar respuesta a otras necesidades (construir iglesias, palacios, etc.)
Buscaban la proporción, la uniformidad, la perspectiva y la unidad espacial. Debía existir una
relación proporcional entre las partes y el todo.
-La decoración prolifera en los inicios del Renacimiento –grutescos, cintas, guirnaldas, etc. – pero
desaparece progresivamente
-En el Quattrocento el centro artístico se encuentra en Florencia y en Cinquecento en Roma.

-Muchas soluciones constructivas son tomadas de la antigua Roma:
*vuelta al sistema de soportes de los órdenes clásicos, encontrándose columnas de
cualquiera de ellos. Los fustes suelen ser lisos.
*arcos: el más habitual es el de medio punto. Suelen presentar molduras en el intradós y en
el trasdós.

17
La perspectiva lineal o geométrica se utiliza para crear espacios tridimensionales, las líneas convergen en un punto de fuga. Da
lugar a espacios construidos de una forma racional propia de la nueva mentalidad renacentista. La perspectiva aérea, por su parte,
perfecciona la anterior, representando a la atmósfera que envuelve los objetos del cuadro, esfumando las líneas convergentes,
eliminando los límites entre el dibujo, la forma y el color.
18
Ya decía Miguel Angel que pintar era “cosa mentale”.
19
El más célebre y legendario tratado de arquitectura romana, fuente de inspiración para los arquitectos renacentistas, era el escrito
por MARCO VITRUBIO, un ingeniero-arquitecto que desarrolló su actividad durante la época de César y Augusto, en los campos de la
construcción de edificios, de la hidráulica y la artillería. A partir de entonces proliferan las ediciones ilustradas de Vitrubio.
8


*las cubiertas (bóveda de cañón, arista, cúpulas, cubiertas de madera con casetones). Las
cúpulas van con pechinas, sobre tambor, en el que se abren ventanas, y están rematadas por una
linterna. Son ejemplos excelentes Santa Maria de las Flores –el Duomo de Florencia– y la capilla
Pazzi, ambas de Brunelleschi.
*Domina la horizontalidad, frente a la verticalidad gótica.
*Empleo en ocasiones de casetones en las cubiertas y utilización de placas decorativas de
mármoles de colores.

-Por lo que se refiere a las tipologías arquitectónicas, la arquitectura civil va a aventajar a la
religiosa: palacios, villas, hospitales… Es en la arquitectura civil donde se da el paso decisivo en el
Renacimiento.
-Los palacios urbanos suelen tener tres cuerpos o plantas superpuestas, en ellos predominan la
horizontalidad, llevan remate en cornisa y la articulación de todo el edificio se realiza en torno a un
patio central o cortile. Los sillares se pueden realzar mediante almohadillado (Ej.: Palacio Ruccellai
de Alberti). En el siglo XV el palacio se abrió a la ciudad multiplicando los vanos y suprimiendo las
torres y el aspecto amenazador, habitual durante la etapa medieval.20
-Las villas, especie de palacios campestres como alternativa a la vida en las ciudades, van a tener
un gran desarrollo a lo largo de todo el Renacimiento21.
-Las iglesias suelen presentar plantas centralizadas con cúpulas aunque no se abandona la planta
basilical. En general se busca el equilibrio planta-alzado: la altura debe ser el doble que la anchura.
El muro es más macizo y los vanos son menores.
-El urbanismo renacentista en gran parte se basa en el urbanismo grecorromano. Al mismo tiempo
es sumamente imaginativo y original. Existía una grave contradicción: a la vez que se elaboraba una
nueva concepción de la ciudad, la ciudad preexistente hacía imposible llevarlas a la práctica. Fue
más que nada un urbanismo de papel, es decir, con más propuestas teóricas que prácticas.
Ejemplos de proyectos urbanísticos renacentistas son la ciudad de Sforzinda de Filarete, la ciudad
de Ferrara, Pienza, etc.

-Aparte de Brunelleschi, el gran arquitecto del Quattrocento italiano fue ALBERTI. Entre sus obras
más destacadas realizó la fachada de la iglesia de Santa María Novella (1456) en Florencia, la
fachada del palacio Rucellai,(1450-60) o el templo de San Francesco en Rímini (1450-1466) más
conocido como templo malatestiano.22
-El siglo XVI es el siglo del Clasicismo y también de su crisis: el Manierismo. A la arquitectura del
CINQUECENTO –sobre todo entre los años 1500-1520- se la denomina Clasicismo o Alto
Renacimiento. Implica llevar el ideal renacentista hasta su máximo desarrollo y esplendor. Esta
etapa apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI. Durante el Cinquecento encontramos
una arquitectura de una monumentalidad grandiosa, muy bien proporcionada e inspirada en el
mundo clásico. El gran centro artístico ya no fue Florencia sino Roma y el mayor mecenas, el
papado (Julio II). Pocas veces ha podido contar una ciudad con una reunión de talentos geniales
como la que Roma logró en las dos primeras décadas del quinientos con Bramante, Miguel Ángel y
Rafael, la más alta cima del Clasicismo, y a la vez génesis de los movimientos manieristas que
siguieron. También se dio en la Ciudad Eterna un plantel de mecenas y promotores que, junto con
los pontífices, cardenales y banqueros, la embellecieron hasta convertirla en el enclave monumental
más prestigioso de Europa.
-Entre los principales arquitectos del Clasicismo del Cinquecento encontramos a DONATO
BRAMANTE con su impresionante templete de San Pietro in Montorio, de Roma, realizado por
encargo de los Reyes Católicos.

20
El modelo de palacio renacentista fue el Palacio Médici realizado por Michelozzo (1444-1464).
21
Ejemplo: la villa que Giuliano da Sangallo realizó para Lorenzo de Médici en Poggio a Caiano hacia 1480.
22
Fue el encargo a Alberti de uno de esos príncipes humanistas que definen toda la época: Segismundo Malatesta.
9


-El MANIERISMO sucede a la etapa del Clasicismo. En torno a 1520-1530 se abandona
paulatinamente la severidad, la claridad y el equilibrio del clasicismo. El modelo clásico entra en
crisis. El manierismo adquiere una gran difusión en cortes europeas como en la del emperador
Rodolfo II de Praga, en la de Felipe II en El Escorial, los círculos papales, la república veneciana,
etc. Hay en el manierismo una fascinación por lo caprichoso, lo exótico y sorprendente. Es una
tendencia ecléctica que no propugna un único modelo estético. El Manierismo se plasma en pintura,
escultura, arquitectura y artes decorativas. Fue una tendencia artística un tanto críptica (: de difícil
comprensión), sólo apta para iniciados.

-El primer arquitecto en romper el lenguaje clásico será MIGUEL ÁNGEL. Arquitecto, escultor, pintor
y poeta, él será quien inicie estas nuevas formas, sometiendo los elementos clásicos a una
interpretación personal. Miguel Ángel se siente ante todo escultor y trata a la arquitectura como si de
una escultura se tratase; utiliza las formas clásicas con plena libertad. Entre las obras
arquitectónicas que desarrolló Miguel Ángel la más grandiosa fue la cúpula de la Basílica de San
Pedro del Vaticano. 23 La cúpula, con 42 metros de diámetro y sobre un espectacular tambor, se
eleva por encima de las colinas de la urbe, quedando como punto de referencia para toda la
cristiandad. Esta cúpula, inspirada en la realizada por Brunelleschi para la catedral de Santa María
de las Flores de Florencia, se terminó de construir varios años después de la muerte de Miguel
Ángel.

-Finalmente, por lo que se refiere a la ESCULTURA renacentista surge, como la pintura y la
escultura en Italia, en concreto en Florencia. Allí encontraremos a los más importantes escultores y
teóricos de la escultura. Y también en Roma. La imitación de las formas clásicas comienza en la
escultura antes que en las otras artes.

-La escultura renacentista en Italia se base fundamentalmente en:

• El estudio e imitación de la Naturaleza embelleciéndola si es necesario. Son obras idealizadas,
armoniosas, proporcionadas…
• La influencia de la escultura del mundo clásico (Grecia y Roma) (en temática, materiales,
ideal de belleza)

-La escultura medieval solía tener una función de adoctrinar (docente-catequética), era muy
importante la temática, y a veces interesaba más el fondo que la forma. Por el contrario los artistas
del Renacimiento se buscan la perfección y la belleza y conceden menos importancia al mensaje
religioso, aunque pueda tenerlo. Las esculturas renacentistas tienen un principio y un fin en si mismo,
es el arte por el arte, la búsqueda del placer estético.

-La temática de la escultura renacentista en Italia oscila entre temas religiosos y profanos. Los
temas religiosos representan a santos, figuras sagradas del Antiguo y el Nuevo Testamento, etc. El
género religioso fue siempre cultivado con preferencia.
-Por lo que se refiere a los temas profanos, la escultura profana en ocasiones está hecha para
mayor gloria del retratado. Estatuas ecuestres y retratos de figuras poderosas de la ciudad pueblan
las calles y plazas de las ciudades. El retrato es el gran descubrimiento de esta época. Encontramos
frecuentemente temática de carácter mitológico. También los escultores realizan monumentos
funerarios.
23
La basílica de San Pedro del Vaticano en su origen fue una iglesia paleocristiana construida para conservar el cuerpo del apóstol
San Pedro, el primer Papa de la historia. Pero, con el paso de tiempo amenazaba ruina. Durante el Renacimiento varios arquitectos
presentaron diversos proyectos para reconstruir la iglesia: en primer lugar, Bramante, que planteó una iglesia de planta de cruz griega
inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas. Pero su muerte interrumpió este proyecto. Intervinieron después Rafael –que
prefería una planta de cruz latina-; Sangallo; y Miguel Ángel. Miguel Ángel retomó la idea de Bramante de planta de cruz griega y
diseñó la gran cúpula concebida sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol San Pedro.
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-Es la hora, asimismo, de la ornamentación de los jardines que reclaman, para sus glorietas y
grutas caprichosas, fuentes y esculturas alegóricas, a veces volcadas hacia la extravagancia y la
irracionalidad, pero ordenadas en pautas urbanísticas asomadas a la naturaleza, el verdor de la
fronda y la cantarina sonoridad del agua. Las fuentes monumentales también contribuirán, en
competencia con las estatuas y retratos históricos, al ornato de calles y plazas del trazado urbano.
-Surge en esta etapa una gran afición por el estudio científico y anatómico del cuerpo humano, del
desnudo. El desnudo había estado muy vetado por la Iglesia durante la etapa medieval siendo poco
frecuente en el arte. El gusto por el desnudo tanto en relieve como en bulto redondo es muy
frecuente en la escultura renacentista, como lo fue también en la escultura grecorromana.

-Encontramos ejemplos tanto en obras de bulto redondo o exentas como en relieve, ya sea
altorrelieve, o bajo relieve.

-Por lo que se refiere a los materiales, son diversos. La escultura del Renacimiento se sirvió de toda
clase de materiales principalmente del mármol, bronce y madera. La técnica de la fundición del
bronce alcanza una extraordinaria perfección igual que la habrá del mármol o de la piedra. Muchos
escultores proceden del ámbito de la orfebrería, de ahí el uso del bronce. Se usa también la madera
policromada. En Florencia se generalizó el barro cocido –la terracota- que se solía colorear y vidriar.

• Las estatuas y relieves de madera en esta época suelen decorarse con pinturas siendo
preferida en el siglo XVI (sin abandonarla del todo en los siguientes) la decoración llamada al
estofado.
• Las esculturas en mármol se dejan con el natural color de la piedra por haber creído los
artistas que en la escultura clásica no se les aplicaba ninguna pintura.

- Los escultores salen del anonimato. Las esculturas del renacimiento no suelen ser anónimas. Los
artistas suelen realizar las obras por encargo. Influyen en los artistas porque los coleccionistas
atesoran las obras de arte que son fuentes de inspiración para los escultores. Ej los Medici en
Florencia

-En el Renacimiento se vive una época dorada de la escultura.

-En los primeros artistas del Quattrocento puede advertirse una esbeltez de proporciones y una
elegancia lineal y curvilínea que viene del gótico internacional, junto a un gusto por lo realista y
anecdótico de la misma procedencia. Los grandes escultores del Quattrocento fueron: Ghiberti,
Donatello, Jacopo della Quercia, Verrochio, Lucca della Robbia y un largo etcétera. La escultura
del Cinquecento se caracteriza por el gusto por lo monumental, el relieve plano casi desaparece y se
prefiere el bulto redondo y el tamaño superior al natural. Recordemos que en 1506 se produjo el
descubrimiento de la escultura helenística del Laocoonte que tanto influiría en la época, sobre todo
en Miguel Ángel. En el Cinquecento, el centro artístico fue Roma y los grandes escultores de esa
etapa se vieron eclipsados por el gran genio de Miguel Angel.

- Entre los escultores manieristas, el más destacado es Miguel Ángel, exceptuando sus inicios, que
podemos encuadrar dentro del Alto Renacimiento o Renacimiento pleno (clasicismo). Benvenuto
Cellini es también un relevante orfebre y escultor manierista.

III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO

-Como ya señalamos anteriormente, CRONOLÓGICAMENTE esta pintura está fechada en el siglo
XV y pertenece por tanto al Quattrocento italiano. Está considerada como la última obra que realizó
el artista antes de su muerte.
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-Por lo que se refiere al CONTEXTO HISTÓRICO, el Renacimiento fue una época de hechos
históricos transcendentales. El surgimiento del Renacimiento no se entiende sin tener en cuenta toda
una serie de transformaciones sociales, técnicas, y religiosas: inventos como la imprenta, avances
en la navegación, perfeccionamiento de la cartografía y del transporte marítimo (lo que favorecerá
los descubrimientos como el de América). Se desarrolla un incipiente capitalismo: se va afirmando
la economía monetaria. Nace la sociedad de mercado y con ella, el ascenso de la burguesía y de
poderosas ciudades italianas. Surge una nueva concepción política: es la idea de Estado moderno,
ligado al desarrollo de las nacionalidades (Ej. RRCC en España o Enrique VII de Inglaterra).
Asimismo, fue de vital importancia la Reforma protestante, llevaba a cabo durante el primer tercio
del siglo XVI, que quebrantó la identidad cristiana occidental, dividiendo con un nuevo y
profundísimo frente los intereses políticos de Europa. Así, en el siglo XVI se suceden las guerras de
religión entre católicos y protestantes (también en la primera mitad del siglo XVII). Se produce una
mayor expansión cultural (universidad, cultura secularizada…).
-Italia era bocado apetecido de Francia y España y al mismo tiempo aparecía configurada como un
mosaico de ciudades-estado que pugnaban entre sí por dominar la península transalpina: Florencia,
Urbino, Mantua, el Reino de Nápoles, los Estados pontificios, la República de Venecia, el Ducado de
Milán…En ellas florecía el comercio, la banca y las más diversas actividades financieras, ligadas a
una pujante burguesía urbana (los Peruzzi, Pazzi, Bardi, Medici, etc.)
-España, con los Reyes Católicos (RRCC) (1474-1517) asiste a la unión entre Castilla-Aragón, la
anexión de Navarra, la conquista de Granada, la colonización de Canarias… Se inicia así el ciclo
hegemónico de la Corona española (Descubrimiento de América). Los Reyes españoles del
Renacimiento fueron Carlos V y Felipe II.
-El Humanismo es la vertiente intelectual del Renacimiento, basada en su interés por el hombre y la
naturaleza. Su referente es la cultura grecorromana. El Renacimiento propicia el desarrollo de una
cultura humanista: pasándose de una sociedad teocéntrica a una antropocéntrica, pero lejos de ser
atea, y muy vinculada a la filosofía. El movimiento cultural del Humanismo surgió en Florencia a
mediados del siglo XIV.
-El nuevo papel del artista se hace patente durante el Renacimiento. Tratan de romper con la
tradicional dependencia de los gremios artesanales. Los pintores, escultores y arquitectos
abandonaron la condición de artesanos. Consideraban su labor como una actividad de carácter
mental.
-Surgió un nuevo tipo de institución, la academia, donde se formaban los artistas.
-Se produjo un gran desarrollo del coleccionismo del arte. Las empresas artísticas no eran
simplemente un lujo ni un dispendio innecesario, sino una inversión perentoria orientada a
desarrollar la imagen y el honor de mecenas y coleccionistas. Grandes coleccionistas fueron: los
Medici, los Este, los Ferrara, los Montefeltro, etc. y en España sobre todo Felipe II, además, un gran
mecenas de las artes.

PARA SABER MÁS

www.youtube.com/watch?v=1ouUzGSk4BM
http://www.youtube.com/watch?v=UtJI64leGFg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=xSbdAjZ5A-s
http://www.youtube.com/watch?v=Jw4fPxegd9Y&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=UJ-QYRejmkY&feature=related
http://www.abcgallery.com/M/masaccio/masaccio.html
http://www.imss.fi.it/masaccio/ipresentazione.html
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=hIGzHYGRItk#!
http://www.youtube.com/watch?v=xSbdAjZ5A-s&feature=player_embedded
http://giubileo.comune.fi.it/musei/smnovella/capolavori.htm

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IMÁGENES

Detalle de la Trinidad de Masaccio: la Virgen María, San Juan, Dios Padre

Detalle de la Trinidad de Masaccio: Cristo en la cruz

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La crucifixión de Masaccio, realizada para el retablo del políptico de Pisa, hoy en el museo Capodimonte de Nápoles

Otros frescos de Masaccio en la capilla Brancacci de la iglesia del Carmen de Florencia: La expulsión de Adán y Eva del paraíso.
Antes y después de la Restauración.

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Escenas de la vida de San Pedro en la capilla Brancacci de Florencia

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La Santísima Trinidad de Masaccio

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