Design & création & philosophie de la modélisation

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DESIGN ET CRÉATION : ESQUISSE D’UNE PHILOSOPHIE DE LA MODÉLISATION - STÉPHANE VIAL

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Stéphane Vial : docteur en philosophie de l’Université Paris Descartes, Stéphane Vial est
Maître de conférences en Design à l’Université de Nîmes et chercheur à l’Institut ACTE
(UMR 8218), équipe de « Sémiotique des Arts et du Design ».
Cet article interroge les relations entre création et design. Après avoir défini le principe
d’une poïétique du design, il envisage le processus de création en design sous l’angle du
« projet en train de se faire et montre que celui-ci repose sur une boucle de co-détermination
infinie entre le savoir-penser et le savoir-modéliser. Redéfinie à partir de la théorie culturelle
de Bruce Archer, la modélisation est présentée comme l’opération créatrice fondamentale
et caractéristique du design. Loin de se réduire à une technique de représentation, elle
apparaît comme le moyen essentiel du projet pour pro-jeter l’avenir, par quoi se définit
fondamentalement l’acte de design : une pratique de création orientée vers le futur. Ce que
crée le design peut alors être appelé un « idéalect » ou un concept d’idéal.
MOTS-CLÉS : DESIGN, CRÉATION, POÏÉTIQUE, GESTE DE DESIGN, DESIGN
THINKING, DESIGN DOING, MODÉLISATION, PROJET.
En 1937, au Collège de France, Paul Valéry devient titulaire de la chaire de Poétique,
créée pour lui. Par ce mot, forgé à partir du grec poïêsis (ποίησις, « création, fabrication »),
Valéry entend « tout ce qui a trait à la création et à la composition d’ouvrages dont le langage
est à la fois la substance et le moyen » (Valéry, [1937]1957 cité par Passeron, 1989, p. 14).
La poétique, c’est l’idée d’étudier la genèse du poème en tant que processus créatif. De
là vient le concept plus général de poïétique, théorisé par René Passeron (1971, 1989) et
repris par le psychanalyste Didier Anzieu (1981) ou le sémiologue Jean-Jacques Nattiez
(1987). Pour Passeron, « La poïétique n’a aucune raison de se limiter aux arts du langage »
STÉPHANE VIAL
DESIGN ET CRÉATION :
ESQUISSE D’UNE PHILOSOPHIE
DE LA MODÉLISATION

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(Passeron, 1989, p. 14). Son objet, c’est « l’oeuvre en train de se faire ». C’est pourquoi, dès
1971, Passeron propose « d’élargir la position de Valéry à tous les arts », voire à « toutes
les oeuvres de l’homme » (Passeron, 1989, p. 15). Ainsi voit le jour la poïétique « comme
science et comme philosophie de la création » (Passeron, 1991).
À vrai dire, souligne Passeron, « La poïétique existe depuis longtemps, mais elle
se cache, comme un élément dilué, inavouable, à l’intérieur de l’esthétique générale »
(Passeron, 1989, p. 11). Du grec aisthêsis (αἴσθησις, « perception, sensation »), l’esthétique
désigne depuis Baumgarten la « science de la connaissance sensible » (Baumgarten,
[1750]1988, p. 121). Quoiqu’elle ait parfois été réduite (comme chez Hegel) à la seule
« philosophie des beaux-arts » (Hegel, 2004) ou science du beau, elle est généralement
considérée comme la science de l’art et de tout ce qui touche au « jugement de goût » (Kant,
[1790]1993). Mais aux yeux de Passeron, pour que « soit enfin reconnue l’autonomie de la
poïétique comme science et comme philosophie de la création » (Passeron, 1989, p. 11), il
faut la saisir dans son sens originel et général, celui d’une science de la sensation et de la
perception. D’où la série de définitions suivante.
Première série :
« L’esthétique consacre donc son étude à la perception émotionnelle, quel
que soit l’objet qui la frappe, l’art ou la nature » (Passeron, 1989, p. 12) ;
« Appelons poïétique l’ensemble des études qui portent sur l’instauration
de l’oeuvre, et notamment de l’oeuvre d’art » (Passeron, 1989, p. 13).
Deuxième série :
« Bref la poïétique est la promotion philosophique des sciences de l’art
qui se fait : pour elle, par exemple, la peinture est un phénomène d’atelier.
Inversement, l’esthétique est la promotion philosophique des sciences
de l’art qui se consomme (la peinture y est un phénomène de galerie, de
musée, de lieu public) » (Passeron, 1989, p. 16).
Autrement dit, on peut considérer la poïétique comme l’étude des phénomènes
de création et de production, tandis que l’esthétique serait (au sens strict) l’étude des
phénomènes de perception et de réception. Dans cette perspective, afin d’éviter toute
ambiguïté avec les usages classiques, il est peut-être préférable d’adopter la formulation
sémiotique de Jean-Jacques Nattiez (1987), qui distingue entre processus poïétiques
(poietic processes) et processus « esthésiques » (esthesic processes) (Nattiez, 1990, p. 15).
Ce dernier terme a l’avantage de se dégager de la seule question du beau à laquelle tend
parfois à se réduire le terme « esthétique », pour se recentrer sur la question de la perception
sensible dans toutes ses dimensions.

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Ce que nous proposons, c’est d’élargir encore la perspective, en étendant le
domaine de la poïétique et de l’esthésique jusqu’aux productions du design. L’objet de
l’esthésique du design, c’est le projet en train de se vivre, tandis que l’objet de la poïétique
du design, c’est le projet en train de se faire. Dans cette étude, nous nous concentrerons
sur cette dernière afin d’interroger les rapports entre design et création, et répondre aux
questions suivantes : en quoi le design est-il une pratique de création ? En quoi consiste le
travail créateur d’un designer ? En quel sens peut-on parler d’un « geste de design » et à
quoi oeuvre-t-il ?
LE « GESTE DE DESIGN » : PENSER, MODÉLISER
La poïétique du design est l’étude du design comme processus de création, c’est-à-dire
comme « geste » d’un créateur. Ce geste peut être décomposé en deux dimensions qui,
dans la réalité, sont intimement imbriquées et parfaitement indissociables : la dimension du
geste de penser (design thinking) et la dimension du geste de faire (design doing).
La première dimension considère l’activité du design comme un processus de
pensée. Un projet en train de se faire, c’est principalement une pensée en train de prendre
forme (au sens figuré comme au sens propre). Dans ce cas, le design est l’héritier de son
étymologie anglaise : to design, c’est concevoir en fonction d’un plan, d’une intention,
d’un dessein. L’activité de pensée du designer est donc une affaire de conceptualisation.
Mais cette conceptualisation peut elle-même s’entendre en deux sens : d’une part, il s’agit
d’une pensée-qui-pense (conception du projet), au sens où il s’agit de produire un concept
créatif, c’est-à-dire une idée qui structure la démarche créative et qui doit être scénarisée
(scénarios de projet) ; d’autre part, il s’agit d’une « pensée pensante » (Bourdieu, 1996,
p. 31) (conception du monde), au sens où il s’agit de nourrir le projet d’une réflexion
philosophique sur l’expérience humaine, par une analyse des usages et des pratiques
sociales. C’est en ce sens que « le design est par excellence une chose qui pense » (Vial,
2010, p. 11). C’est également en ce sens qu’il faut entendre la dimension philosophique
indéniable de l’expression en vogue de « design thinking » (Brown, 2008, p. 84), qui tente
de rendre plus intelligible la dimension pensante du processus créateur à l’oeuvre dans
le design.
La seconde dimension considère le design comme un art de faire, ou de fabriquer.
Un projet en train de se faire, ce sont des scénarios en train de prendre forme grâce à des
schémas, des plans, des croquis, des maquettes, des patrons, des zonings, des story-boards,
des wireframes, etc. (à chaque spécialité du design son vocabulaire). Dans ce cas, le design

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est l’héritier de son étymologie latine : designare, c’est marquer d’un signe distinctif, du
mot signum, « marque, signe », c’est-à-dire former des signes ou signer des formes, qu’il
s’agisse de formes spatiales, volumiques, textiles, graphiques ou interactives (à chaque
spécialité du design son univers formel). Le design est donc une affaire de dessin, c’est-à-
dire plus généralement de prototype. L’art de faire du designer est un art de prototyper.
Tandis qu’un artiste produit des « oeuvres », qu’un scientifique construit des « théories et
des expériences » ou qu’un philosophe crée des « concepts » (Deleuze et Guattari, 1991),
un designer conçoit et fabrique des « prototypes ». La célèbre formule de Hegel selon
laquelle « c’est dans le mot que nous pensons » (Hegel, [1830]1970, § 462) ne lui convient
pas. Si nous sommes designers, c’est dans la forme que nous pensons. La forme dessinée,
maquettée, prototypée. C’est très exactement cela qui distingue en propre le geste de design :
cette forme particulière d’habileté créatrice qui opère dans la pratique de la modélisation
formelle des idées, grâce à tout une gamme d’outils de prototypage.
Le geste de design est donc un geste de pensée modélisante. Il inclut un savoir-penser
dans un savoir-modéliser, et l’un ne va pas sans l’autre. La dimension du geste de
penser et la dimension du geste de faire, sont en effet inséparables. N’importe quel designer
en fait constamment l’expérience : dans la réalité du projet en train de se faire, l’exécution
nourrit la conception à chaque instant (faire pour penser), autant que la conception sans
cesse recommencée nourrit l’exécution (penser pour faire). Le geste de design repose ainsi
sur une « boucle de codétermination » (Darras, 2011) potentiellement infinie entre le penser
et le faire. Au point où, à un moment donné, il faut être capable de prendre la décision d’y
mettre fin afin de terminer un projet qui, par définition, pourrait être interminable.
LA MODÉLISATION COMME LANGAGE CRÉATIF
Dès le milieu des années 1970, Bruce Archer, professeur au Royal College of Arts
de Londres, défend l’idée qu’il existe un mode de connaissance (way of knowing), et par
suite un mode de pensée (way of thinking), propre aux designers. En 1979, il écrit :
Ma conviction actuelle, qui s’est formée durant ces six dernières années,
est qu’il existe un mode de connaissance et de communication propre aux
designers [designerly way of thinking and communicating] qui, quand
il s’applique à ses propres problèmes, est à la fois différent du mode de
connaissance et de communication des scientifiques et des savants, et

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aussi puissant que les méthodes d’enquête des scientifiques et des savants
(Archer, 1979a, p. 17).1
Ce mode de connaissance propre aux designers, c’est très exactement ce que nous
essayons de définir sous le nom de « geste de design ». Aussi, il est intéressant d’analyser
la manière dont Archer l’envisage. D’après lui, il s’agit d’un problème éducatif et culturel.
Il ne s’agit rien moins que de définir une troisième voie éducative, aux côtés de la voie
scientifique et de la voie littéraire. Lorsqu’on élimine les raffinements et la complexité,
il demeure toujours trois compétences essentielles (essential skills) au fondement de toute
éducation : lire, écrire, compter — ce qu’Archer appelle « les trois R » (en anglais, Reading,
wRiting, aRithmetic, Archer, 1979b, p. 18). « Lire et écrire » correspond à la compétence
essentielle qui fonde le champ des Lettres et des Humanités, tandis que « compter »
correspond à la compétence essentielle qui fonde le champ des Sciences. Cela conduit
à la bipartition que l’on connaît des systèmes éducatifs occidentaux, partagés entre deux
modèles d’excellence, celui de la voie littéraire et celui de la voie scientifique, au détriment
regrettable de la voie technologique, en mal de reconnaissance.
Or, selon Archer, il existe une troisième voie éducative (third area in education)
qui s’intéresse à « la dimension du faire et du fabriquer dans l’activité humaine » (Archer,
1979b, p. 18)2, et qui correspond plus ou moins, dans le système éducatif français à la
voie technologie dans laquelle on range les Arts appliqués. Cette dimension implique une
autre compétence essentielle, habituellement négligée par le système éducatif classique,
qui est celle de la modélisation formelle (modelling). Autrement dit, il existe une manière
d’exprimer des idées autrement que par des mots (langue) et autrement que par des nombres
(calcul) : ce sont « ces idées qui sont exprimées par le moyen du faire et du fabriquer »
(Archer, 1979b, p. 19)3 (those ideas which are expressed through the medium of making and
doing), c’est-à-dire par les formes matérielles. Pour Archer, de telles idées possèdent une
nature intellectuelle particulière et constituent une forme authentique et distincte de culture
(a distinctive facet of a culture), la « culture matérielle » (material culture) en tant qu’elle
concerne « les artefacts eux-mêmes mais aussi l’expérience, la sensibilité et les compétences
nécessaires à leur production et leur usage » (Archer, 1979b, p. 19)4. Au sens large, tous
les beaux-arts, tous les artisanats, toutes les techniques appartiennent à cette culture. Cette
culture aurait donc pu s’appeler « Arts » mais, nous dit Archer, le terme a été confisqué par
2-3-4. Traduit par nous.
1. Traduit par nous. Citation originale : « My present belief, formed over the past six years, is that there exists a
designerly way of thinking and commumcating that is both different from scientific and scholarly ways of thinking
and commumcating, and as powerful as scientific and scholarly methods of enquiry, when applied to its own kinds
of problems ».

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le secteur des Lettres et des Humanités. Elle aurait pu aussi s’appeler « Technique », mais
le terme n’est pas très populaire et souvent dévalorisé. C’est pourquoi Archer propose de la
nommer « Design avec un grand D » (‘Design’, spelt with a big D) — pour faire la différence,
en langue anglaise, avec le sens courant du mot design (« conception »).
La nécessité de lui donner un nom et de la distinguer des deux autres cultures est
justifiée selon lui par le fait que, dans le domaine de la connaissance, il existe bel et bien
une manière de connaître (way of knowing) différente de celle de la Science et de celle des
Humanités. Cette manière de connaître propre aux designers (designerly way of knowing)
est une forme de « connaissance pratique » (practical knowledge) fondée sur « la sensibilité,
l’invention, la validation et l’implémentation ». Tandis que le langage essentiel de la
Science est la notation mathématique et que celui des Humanités est la langue naturelle,
poursuit Archer, « le langage essentiel du Design est la modélisation formelle [modelling] »
(Archer, 1979b, p. 20)5. En d’autres termes, modéliser, prototyper, donner forme, ce n’est
rien d’autre que parler une langue. Le dessin est un art de penser et la modélisation un
langage créatif. Et cela est valable aussi bien pour les arts appliqués entendus comme arts
de la conception, que pour les arts plastiques entendus comme arts de la mise en forme
(πλαστικóς « malléable, relatif au modelage »). C’est pourquoi il nous faut examiner enfin
ce qui caractérise en propre la modélisation dans la discipline du design.
LA MODÉLISATION EN DESIGN :
UNE PHILOSOPHIE DE L’ANTICIPATION
Si le geste créateur du design est un geste de modélisation, il ne doit néanmoins pas
être confondu avec une procédure purement technique. Le prototype n’est pas seulement un
outil, une méthode, une étape. C’est un lieu où l’on projette un idéal, où l’on fabrique des
idées d’avenir, où l’on travaille le matériau du futur. La pensée-design est fondamentalement
une pensée de l’anticipation. C’est en cela qu’elle est créatrice et là que réside proprement
sa créativité. Elle entretient un lien consubstantiel avec le futur. Herbert Simon est le
premier à l’avoir souligné, dès 1969, dans Les sciences de l’artificiel : « Quiconque imagine
quelques dispositions visant à changer une situation existante en une situation préférée, est
un concepteur » (Simon, 1969, p. 111)6. Les auteurs de l’ouvrage récent Design Research
Through Practice l’affirment aussi : le design est orienté-futur (future-oriented) car « les
designers sont des gens qui sont payés pour produire des visions d’un avenir meilleur et
5. Traduit par nous.
6. Traduit par nous. Citation originale : « Everyone designs who devises courses of action aimed at changing
existing situations into preferred ones ».

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faire en sorte que cela arrive » (Koskinen et al., 2012, p. 42)7. Alain Findeli le dit encore
autrement, en mettant l’accent sur la notion de « projet » chère aux designers :
Le regard que pose le design sur le monde est projectif. Entendons par
là que, pour les designers-chercheurs, le monde est à parfaire, il est un
projet et non seulement un objet qu’il faut décrire, dont il faut expliquer
les causes ou comprendre le sens (Findeli, 2006, p. 23).
Le design est donc une pratique de création orientée vers le futur et sous-tendue
par une intention méliorative. Il s’agit de mettre la création au service de l’amélioration
des conditions de vie, dans le but « d’améliorer ou au moins de maintenir l’habitabilité du
monde » (Findeli, 2010, p. 292)8. C’est ce que nous avons appelé ailleurs « l’enchantement
factitif » (Vial, 2013) auquel oeuvre le desigsa visée créative est de faire-être et de faire-faire
(ce que désigne le terme « factitivité ») en vue de remodeler l’expérience possible et
d’améliorer la qualité vécue de l’existence.
Dans cette perspective, la notion de modélisation en design prend un relief
philosophique et anthropologique qui confine au projet quasi-politique. Car elle n’est pas
seulement une technique de représentation, comme elle peut l’être dans d’autres disciplines
de la conception telle l’ingénierie. Elle est l’espace d’élaboration d’un idéal qui prend
forme. Le prototype, c’est un idéal réalisable. À travers lui, le design crée des idées, mais
ces idées ne sont ni les « concepts » de la science ou de la philosophie, ni les « affects »
ou les « percepts » de l’art (Deleuze et Guattari, 1991). Ce sont ce que nous proposons
d’appeler des « idéalects ». Par là, il faut entendre des concepts ayant la forme d’idéaux, à
condition de préciser qu’il s’agit d’idéaux rationnellement réalisables. Les idéalects sont
des idées qui portent un devoir-être exécutable. C’est pourquoi un idéalect a autant la forme
d’un idéal désirable que la force d’un concept opératoire. Il produit la conception d’un
avenir souhaitable et atteignable.
Et comme le design est toujours une pratique située, un idéalect a toujours une
portée limitée, restreinte au domaine particulier d’intervention du projet dans lequel il
s’élabore. Par exemple, un projet de design dans le domaine médical produit un idéalect de
la médecine, c’est-à-dire une certaine idée de ce que devrait être la médecine. Et cet idéalect
ne doit pas seulement être sensible et perceptible dans le dispositif pratique auquel aboutit
8. Citation originale : « la finalité du design est d’améliorer ou au moins de maintenir “l’habitabilité” du
monde dans toutes ses dimensions ».
7. Traduit par nous. Citation originale : « Designers are people who are paid to produce visions of better
futures and make those futures happen ».

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le projet comme processus de création (recherche pour le design) ; il doit être formulable et
énonçable dans un travail théorique de « recherche-projet » (Findeli, 2005) qui accompagne
le processus de création (recherche par le design). Un idéalect est quelque chose dont on
peut construire la théorie.
En outre, tout comme les idées dans la science, les idéalects dans le design sont
falsifiables. Leur durée de validité est éphémère parce qu’ils nécessitent de constantes
mises à jour en fonction de l’évolution sociale. Chacun d’eux porte une vision du monde
qui n’a de sens que jusqu’à ce qu’elle soit suffisamment mise en oeuvre pour être épuisée.
L’idéalect est un produit d’époque qui se renouvelle avec l’époque. Par exemple, le concept
d’« unité d’habitation » selon Le Corbusier, dont le modèle est donné par la célèbre Cité
Radieuse à Marseille, est un idéalect. C’est-à-dire : une certaine idée-concept de ce que
devrait être l’habitation à une époque donnée. Mais cette époque est aujourd’hui dépassée
et cet idéalect périmé : on ne construit plus de logements selon les principes de Le Corbusier
parce que l’on est animé par d’autres idéalects d’habitation, qui sont le fruit de la critique
des précédents. Un idéalect est donc une certaine vision du monde que l’on projette à un
moment donné dans un domaine donné, qui va nourrir le modèle d’avenir que l’on se donne
pendant un certain temps, et qui va irrémédiablement s’épuiser.
C’est pourquoi la notion de « projet » est si décisive en design. Car le projet en train
de se faire, c’est le futur en train de se chercher. Ainsi le design pro-jette littéralement, au
sens où il jette devant nos yeux un idéalect qui doit être mis en oeuvre. Modéliser le monde,
ce n’est donc pas le représenter, c’est le re-penser. La modélisation en design n’est pas
seulement une technique, c’est une philosophie du monde.
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