El documento resume el panorama artístico en la segunda mitad del siglo XIX. Cubre temas como la arquitectura industrial y eclecticista, el realismo y el impresionismo en las artes figurativas, y el modernismo. Destaca figuras como Courbet, Monet, Van Gogh, Gaudí y más, describiendo sus estilos y obras representativas.

1. TEMA 12.El panorama artístico en
la segunda mitad del Siglo XIX
• Urbanismo y arquitectura: los nuevos materiales.
• Las artes figurativas: Courbet y el Realismo
• La pintura impresionista y postimpresionista
• Rodin y la escultura
• El Art Nouveau o Modernismo
• El arte español de época

2. URBANISMO Y ARQUITECTURA:
LOS NUEVOS MATERIALES.

3. LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS
MATERIALES.
ARQUITECTURA INDUSTRIAL O “DEL HIERRO”
• Desarrollo metalúrgico de la primera
revolución industrial. Siglo XIX. Hierro y acero
• Arquitectura funcional, destinada a fábricas,
pabellones.
• Bóvedas de cañón, columnas metálicas y
combina con el cristal y la madera.

4. Biblioteca de Santa Genoveva -
París
Torre Eiffel, París

5. Palacio de Cristal, Londres, 1851

6. Estación de Atocha, 1890
Palacio de Cristal del Retiro, 1887

7. ECLECTICISMO – ARQUITECTURA HISTORICISTA
Se inspira en la antigüedad clásica, la Edad Media, el Renacimiento
y el Barroco. Crea un estilo pomposo y superficial.
El edificio de la Ópera de París de Garnier Neobarroco

8. El Palacio de Westminster – Neogótico inglés

9. Royal Pavilion, Brighton - Neomudejar

10. LA ESCUELA DE CHICAGO
• Una nueva ocupación del suelo.
• Se otorgan nuevos valores espaciales a los
organismos surgidos del aprovechamiento
económico del suelo.
• Un espacio vertical derivado de la utilización
masiva de la estructura metálica y que
impondrá nuevos elementos tecnológicos
como el ascensor, utilizado por vez primera
• 1864 en el Farwell Building de Chicago.

11. • La Escuela de Chicago está integrada por un conjunto de
arquitectos que proponen soluciones similares:
-Estructuras metálicas revestidas según la función del
edificio.
-Ventanas que podían variar de tamaño cuando se deseara
-La eliminación, en muchos casos, de los muros de carga.
-Dejan de llevarse edificios con muros que son sólo de
piedra (y de gran grosor) y dominarán el panorama las
estructuras de hierro recubiertas.
-Otra innovación serán las ventanas corridas que ocuparán
la mayor parte de las fachadas de los edificios esto dará lo
que más adelante se llamará ‘muro cortina’.
-Uso del ascensor eléctrico

12. Home Insurance Building – Le Baron
Jenny

13. Edificio Carson - Sullivan Guaranty Building - Sullivan

14. Reliance Building – Daniel Burnham
Detalle Guaranty Building

15. Burnham y Root. Roockery Building escalinata y
cúpula acristalada.
Burnham y Root. Monadnock Building

16. Rookery Building – Burham y Root

17. > LAS ARTES FIGURATIVAS: COURBET
Y EL REALISMO
> LA PINTURA IMPRESIONISTA Y
POSTIMPRESIONISTA
> RODIN Y LA ESCULTURA

18. EL REALISMO
• Observación objetiva de la realidad presente e
inmediata que identificaban con el progreso.
• Fidelidad en la observación a la naturaleza.
• Obligación estética y moral que pretendía
conducir a un verdadero despertar social.
• Todas las actitudes humanas se consideraban
con la misma dignidad, por eso se empiezan a
representar a las clases más probres
• Entronca con los ideales de la Revolución de
1848

19. MILLET
• Orientó su pintura hacia la temática de los
campesinos, a los que imprime un carácter
glorificador.
• Se detiene en su realidad social y en las
desigualdades que les afectan

20. Las espigadoras – F. Millet

21. F. Millet – El Ángelus

22. COURBET
• No representa exactamente los detalles
• A través del realismo alcanza la
independencia y la verdad en la sociedad
• Rechaza la enseñanza oficial
DAUMIER
• Autodidacta
• Escenas de personajes humildes o marginados
• Realiza caricaturas del poder político

23. Entierro en Ornans - Courbet

24. El taller del pintor - Courbet

25. El sueño - Courbet
El origen del mundo - Courbet

26. Vagón de tercera - Daumier

27. La lavandera - Daumier
El melodrama – Daumier

28. ESPAÑA
• Pintura de historia en plena revolución burguesa
• Cuadros de gran formato
INGLATERRA
• Prerrafaelitas: fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada
en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William
Holman Hunt. Los prerrafaelistas rechazaban el arte académico predominante en
la Inglaterra del siglo XIX.
• Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar
el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con
composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos
propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los
primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael (de ahí el nombre del grupo), a
los que consideraban más auténticos.

29. El fusilamiento del general Torrijos – Antonio Gisbert

30. Ejecución de los comuneros de Castilla – Antonio Gisbert

31. Doña Isabel la Católica dictando su testamento – Eduardo Rosales

32. José Casado de Alisal – La campana de Huesca

33. Perséfone - Rossetti Ecce ancilla domini (La Anunciación)- Rossetti

34. Beata Beatrix - Rossetti Venus Astarté - Rossetti

35. Ofelia - Millais

36. El pastor distraído – W. Holman Hunt

37. IMPRESIONISMO
• Cronología: 1874 y 1886.
• La 1ª exposición en el Estudio NADAR
(fotógrafo de la época).
• Será en esta exposición donde un cuadro de
Monet; Impresión de sol naciente fue tomado
como modelo por el crítico de arte Leroy que
apodó esta muestra como Exposición de los
impresionistas

38. ANTECEDENTES
• Prerrafaelistas: Movimiento realista en
Inglaterra.
• Tienen en común con los impresionistas el
rechazo del arte y de la sociedadestablecida.
• Escuela de Barbizón: Técnica de pintura al
aire libre.
• Realistas franceses: Corot, Courbet
• Romanticismo: Ya se veía como Delacroix
influirá en ellos con su fervor romántico, y su
actitud liberada respecto al color.

39. CARACTERÍSTICAS
• El interés de lo instantáneo - La fotografía
Louis Leroy, calificó
despectivamente de
"lametones", las manchas
oscuras de pintura
del cuadro, al igual que lo
haría una cámara
fotográfica de la época.
Boulevard des Capucines - Monet

40. • Pintura al aire libre (plein air)
• Nuevos temas: el paisaje como protagonista
• Nueva valoración de la luz y el color: se
elimina el negro en composiciones de blanco
sobre blanco.
• Esta nueva valoración implica que la mezcla
cromática de colores la realice el espectador
en su retina (a modo de lente fotográfica). Las
formas definidas desaparecen para dar lugar a
manchas que adquieren sus dimensiones en
nuestros sentidos.

41. Almuerzo sobre la hierba - Manet

42. Olimpya - Manet

43. El bar del Folies Bergère - Manet

44. La ejecución del
emperador Maximiliano de
Habsburgo en México - Manet
El balcón - Manet

45. Impresión , sol naciente - Monet

46. Catedral de Rouen
- Monet

47. Estac
ión
de
Saint
Lazar
é -
Mone
t

48. Rue Saint Denis, fiesta del 30 de julio -
Nenúfares - Monet

49. Estanque de los nenúfares - Monet

50. DEGAS
• Preocupación por interpretar la realidad.
• Apasionado por las estampas japonesas , la
fotografía y la captación del movimiento.
• No trató el tema del paisaje.
• Abandona el óleo por la pintura al pastel:

51. El descanso - Degás

52. La clase - Degás

53. La estrella - Degás

54. El barreño - Degás

55. PISARRO
• Emplea una nueva pincelada, en forma
diagonal con el fin de realizar efectos
luminosos.

56. Tejados rojos de un rincón de una villa en invierno - Pissarro

57. El boulevard de Montmartre - Pissarro

58. El baile del Moulin de la Galette - Renoir

59. El almuerzo de los remeros - Renoir

60. En la terraza - Renoir
La primera salida - Renoir

61. La barca
durante
la
inundaci
ón en
Port –
Marly -
Sisley

62. NEOIMPRESIONISMO
• Formula científicamente el proceso visual y
operativo de la pintura impresionista.
• Crean la técnica del puntillismo: división del
tono en sus componentes, en pequeñas
manchas de colores puros que por su
proximidad reproducen en el ojo del
espectador la unidad del tono sin las
impurezas del empaste.

63. SUERAT y SIGNAC
• No hay sensaciones de ni gestos capatados
instantaneamente
• Composición sobre líneas horizontales y
verticales.
• Luz científica, no natural
• Cuerpos son formas geométricas
• Pocas obras dada la dificultad de la técnica

64. Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte - Seurat

65. Un baño en Asnieres - Seurat

66. El puerto de Saint Tropez - Signac

67. Entrada en el puerto de Marsella - Signac

68. POSTIMPRESIONISMO
• Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con
motivo de una exposición de pinturas de Cézanne,
Gauguin y Van Gogh que se celebró en Londres en el
año 1910.
• Este término engloba en realidad diversos estilos
personales planteándolos como una extensión del
Impresionismo y a la vez como un rechazo a las
limitaciones de éste.
• Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza
• Presentaron una visión más subjetiva del mundo.

69. CÉZANNE
• Conforme evoluciona su pintura la pincelada pierde
espesor y el colorido gana en pureza.
• La práctica de la acuarela desde 1880 introducirá
una manera de pintar de pinceladas breves, finas y
nerviosas.
• Es considerado el padre del arte moderno.
• Sus obras son registros acumulativos de sucesivas
instantaneidades.
• Estudiaba los objetos pacientemente desde todas las
posiciones y en distintos momentos, obligándole a
descomponer la perspectiva tradicional.

70. Los jugadores de cartas - Cézanne

71. La montaña de Saint – Victoire - Cézzane

72. Las grandes bañistas - Cézanne

73. VINCENT VAN GOGH
• Está relacionado con el inicio del expresionismo
por la forma en que utiliza los colores y las
formas, que consiguen transmitir sus
sentimientos hacia él y hacia la sociedad.
• Pincelada clara y ligera para los momentos de
alegría, y los tonos oscuros y gran pasta para
representar su sensación de estar desposeído
de la sociedad
• http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

74. Los comedores de patatas – Vincent van Gogh (primeras obras con un
contenido de denuncia social de las clases más pobres)

75. Los girasoles – van Gogh
Autorretrato

77. Iglesia de Auvers –sur – Oise –
van Gogh
La piedad - van Gogh

78. La habitación de Arlés – van Gogh

79. Café de noche – van
Gogh

80. GAUGUIN
• Busca la naturaleza extraña, exótica y lejana
• Retrata gentes no adulteradas por el progreso,
de ingenuidad primitiva
• Pinta formas rotundas y serenas

81. El Cristo amarillo - Gauguin

82. Area area - Gauguin

83. Mujeres de Tahiti - Gauguin

84. TOULOUSSE - LAUTREC
• Logra captar el movimiento con un grafismo
nervioso de líneas vibrantes aprendidas de las
estampas japonesas.
• Su interés por valorar lo esencial le llevó a la
utilización de técnicas rápidas como la
litografía y el pastel.
• Temas: La vida de París, carreras de caballos,
cabarets, bailarinas.

85. Baile en el Molino Rojo – Toulouse-Lautrec

86. Salón de la rue des molins- Toulouse - Lautrec

87. El baño – Toulouse - Lautrec
Jane Avril – Toulouse - Lautrec

89. EL IMPRESIONISMO Y LA
ESCULTURA
• El escultor más importante es Rodin que
plasmó los principios del Impresionismo en al
escultura.
• A través de la composición de las esculturas,
de los materiales empelados y de su técnica,
consiguió los efectos de la captación de la luz
cambiante y la instantaneidad del momento

90. El pensador - Rodin

91. Los burgueses de Calais - Rodin

92. El beso - Rodin

93. EL ART NOUVEAU O MODERNISMO

94. MODERNISMO
• El arquitecto gozará de mayor libertad, que permite el
empleo de nuevos materiales
• Se pretende sacar a relucir los componentes
estructurales del edificio.
• El edificio modernista presenta un acusado carácter
plástico con rotundos contrastes de luces y sombras.
• Las plantas de los edificios son asimétricas, irregulares,
con movimiento, incluso con ondulaciones de evocación
barroca.

95. ELEMENTOS DECORATIVOS
• Imitación de formas naturales.
• Líneas curvas.
• Palmas
• Flores ( amapolas, rosas, lirios, tulipanes)
• Libélulas.
• Pavos reales.
• Mariposas.
• Cisnes de cuello curvado.

96. Denominaciones del modernismo
Art Nouveau - Países francófonos.
Modernismo - España.
Jugendsil (estilo joven) - Alemania.
Sezession (ruptura) - Austria

97. Interior Casa Horta – Victor Horta
Acceso al metro París – Hector Guimard

98. Casa Tassel - V. Horta

99. Casa Mayólica – Otto Wagner

100. Edificio de la Secesión - Olbrich

101. MODERNISMO EN ESPAÑA
Casa Batlló - Gaudí

102. Casa Milá

103. Parque Güell

104. LA SAGRADA FAMILIA

105. PARTADA DEL NACIMIENTO

107. • Al estar dedicada al nacimiento de Jesús, esta fachada presenta una decoración exultante donde todos los
elementos son evocadores de la vida. Se centra en la faceta más humana y familiar de Jesús, con una amplia
profusión de elementos populares, como herramientas y animales domésticos. Orientada al levante
(nordeste), está dividida en tres pórticos, dedicados a las virtudes teologales: de la Esperanza a la izquierda,
de la Fe a la derecha, y de la Caridad en el centro, con la Puerta de Jesús y rematada por el Árbol de la Vida.
La fachada culmina con las torres-campanario dedicadas a San Matías, San Judas Tadeo, San Simón y San
Bernabé. Fue construida entre 1894 y 1930. La escultura es de Carles Mani, Llorenç Matamala y Joan
Matamala.
• Los pórticos están separados por dos grandes columnas: la de José entre el pórtico de la Esperanza y el de la
Caridad, y la de María, entre el pórtico de la Caridad y el de la Fe. En la base de las columnas está
representada una tortuga (una de tierra y una de mar) como símbolo de lo inalterable en el tiempo;
los fustes crecen en espiral, mientras que los capiteles son en forma de hojas de palma, de las que surgen
racimos de dátiles cubiertos de nieve (por el invierno, fecha de la natividad de Jesús), que dan apoyo a dos
ángeles con trompetasque anuncian el nacimiento de Jesús. En contraste con las tortugas, a ambos lados de
la fachada se situaron camaleones, símbolos del cambio. En el proyecto original de Gaudí esta fachada debía
estar policromada, pintando de diversos colores las arquivoltas de los tres pórticos; así, todas la estatuas
habrían sido pintadas, tanto las de figuras humanas como las de flora y fauna y demás objetos.
• Esta fachada fue la elegida por Gaudí para dar una idea global de la estructura y decoración del templo:
como era consciente de que no podría terminar el proyecto en el transcurso de su vida, en vez de ir
construyendo el templo en su conjunto de forma lineal prefirió construir una fachada completa en toda su
verticalidad, para dar una muestra completa de cómo debía ser el resto. Escogió esta fachada por ser, en su
opinión, la que podría ser más atractiva para el público, fomentando así la continuación de la obra tras su
muerte.