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Autoportraits La place de l’autoportrait dans l’art et plus particulièrement dans la photographie.
Les artistes ont commencé à se représenter en marge de la scène importante, comme un élément du décor. Manque de modèles, coûts élevés de ceux-ci en début de carrière, désir de s'immortaliser dans l'œuvre. Comme Raphaël ici dans sa fresque de l’école d’Athènes.
Titien (1477-1576) est considéré comme l'inventeur du genre. Il se représente souvent comme un vieil homme digne et très respectable. Ce nouveau genre coïncide avec la reconnaissance du statut social de l’artiste peintre. Celui-ci est revalorisé, il n’est plus considéré comme un marginal et son statut est reconnu comme l’égal du musicien.
Bien des artistes se sont représentés tout au long de la vie. Manière de révéler comment le temps peut avoir prise sur une image que personne ne maîtrise vraiment.  Durer se représente à 22, 26 et 28 ans… Albrecht Dürer  Autoportrait 1493  Albrecht Dürer  Autoportrait 1497  Albrecht Dürer  Autoportrait 1500
Le plus célèbre et le plus fécond des autoportraitistes est sans conteste  Rembrandt  , dont on a conservé une bonne centaine de tableaux, dessins ou gravures où il se représente. Son premier autoportrait connu date de 1627, son dernier de 1669, quelques semaines avant sa mort. Les raisons d’une telle « frénésie » ne nous sont pas connues, chacun ayant donné sa propre interprétation. Toujours est-il que nous pouvons le voir vieillir au fil des années et sous des déguisements divers, depuis le jeune homme à l’air timide qui se peint à contre-jour alors qu’il vient d’avoir vingt ans, jusqu’au vieil homme fatigué, ridé, au nez bourgeonnant de 1669.  Autoportrait en jeune homme   1634  Autoportrait   1640 Self Portrait with Two Circles c. 1665 - 1669  Autoportrait   1669 Autoportrait en jeune homme   1628 Self Portrait with Beret and Two Gold Chains c. 1642-1643   Self Portrait with Beret and Turned-Up Collar 1659   Autoportrait   1669
Aucune complaisance chez Van Gogh, qui s’est peint trente-sept fois entre 1886 et 1889. Dans tous ces autoportraits on est frappé par le regard du peintre, et même lorsqu'il nous fixe semble regarder ailleurs.  Les autoportraits de Van Gogh témoignent de l’angoisse du peintre face à la maladie qui progresse  Self-Portrait with Dark Felt Hat 1886 Self-Portrait with Straw Hat 1887 Self-Portrait (Dedicated to Paul Gauguin) Arles: September, 1888 Self-Portrait . Saint-Rémy: September, 1889
Les nombreux autoportraits d‘Egon Schiele méritent l’intérêt, car aucun autre que lui n’est allé aussi loin dans l’exhibitionnisme, se représentant parfois nu, avec un visage desséché et tourmenté, ou affligé d'un strabisme impressionnant, allusion humoristique à son nom de famille: en effet, « schielen » signifie loucher en allemand  Self-Portrait Pulling Cheek 1910  Self-Portrait with Raised Right Elbow 1914  Self-Portrait 1911
Avec Frida KALHO les choses sont différentes. On sait qu’à la suite d’un terrible accident elle dut passer de nombreuses années de sa vie alitée, n’ayant qu’elle-même pour modèle. On lui doit de nombreux autoportraits en buste, mais aussi des représentations cauchemardesques dont beaucoup symbolisent les souffrances physiques qu’elle a vécues.  Self-Portrait 1929   The Broken Column 1944   Self-Portrait with Loose Hair 1947
Les autoportraits sont aussi une très belle façon pour voir l’évolution d’un artiste, ici Picasso.  Autoportrait Paris, printemps 1906  Autoportrait mal coiffé Barcelone, 1896  Autoportrait (tête) Mougins, 30 juin 1972  Autoportrait Paris Fin 1901  L'artiste devant sa toile Paris, 22 mars 1938
Study for a Self-Portrait, 1969  Self Portrait with Injured Eye, 1972  Self Portrait, 1979  Self Portrait, 1987  Bacon voit dans les êtres humains l’essence de la chair : “ nous sommes des carcasses en puissance ”, comme il l’a dis. Notre substance est la viande. La viande humaine, comme la viande animale est livrée aux même lois de la nature. Il essaie de peindre et de montrer le visage tel qu’il est , de pénétrer les masques que pose la réalité de la photographie et d’enregistrer ses sentiments de la façon la plus proche à son système nerveux. Son art ne concerne pas de grandes déclarations sur la nature de l’homme, mais plutôt une expérience vécue personnelle, sa propre réalité, sa vision.  Les autoportraits de Bacon, comme ses autres portraits, possèdent un air tragique et pessimiste (si on souscrit à sa vision, on peut dire aussi : réaliste). Il n’essaie pas de comprendre l’origine des cris qu’il présente, mais les cris mêmes.
Autoportraits et photos
Nadar, Autoportrait, 1859 Premier essais à la lumière éléctrique.   Léon Gimpel, 1910 Autoportrait à Notre-Dame de Paris.   Léon Gimpel, 1900 Autoportrait   Autoportrait et statut   Dés les premiers débuts de la photographie, les premiers autoportraits apparaissent. Manque de modèle, facilité de mise en œuvre, besoin de reconnaissance…
Hippolyte Bayard   Autoportrait et statut
Brassaï Dali et Gala à la villa Seurat  1932 Volonté de se mêler à l’œuvre, à l’artiste photographié ? Brassaï
Un des photographes les plus célèbres du XXème siècle est né à Riga, a vécu à Paris, avant de devenir américain en 1948.  Philippe Halsman a été un homme de son époque, qui s’est laissé porter par l’Histoire en côtoyant les grands de ce monde.  Philippe Halsman, with Marilyn Monroe in 1959,  Philippe Halsman
Photographe et écrivain, Claude Cahun est née le 25 octobre 1894, à Nantes, Lucy Renée Mathilde Schwob. L’œuvre de Claude Cahun est surtout connue par ses extraordinaires autoportraits où elle se montre la tête rasée. Photographe, écrivaine et activiste. Elle était femme, lesbienne, juive et résistante : autant de raisons d’être suspecte, et finalement gommée de l’Histoire. Oubliée pendant la guerre, son œuvre est étonnamment proche de celles d’artistes contemporaines : en se mettant en scène, en agissant sur son propre corps, elle préfigure l’art corporel et la performance, annonce les drag Queens. Claude Cahun (autoportrait) 1921   Self portrait 1920  Self portrait, (reflected in mirror) 1928  Claude Cahun
Moi+chat, 1932  Présentée en 1932 à l’exposition futuriste de Trieste, cette œuvre occupe une place importante dans la photographie italienne.  Wanda WULTZ
Cindy Sherman définit ses photographies comme conceptuelles. Cependant, ni théorie esthétique, ni écrits conséquents ne confirment ce fait. Déclinées en séries, ses photographies révèlent des préoccupations axées autour de la place de la femme dans la société.  C’est avec une série d’autoportraits en noir et blanc des années 80 - où l’artiste se met en scène en plagiant les photographies d’actrices de cinéma des années 50 et 60 - que Cindy Sherman devient célèbre du jour au lendemain. Puis, l’artiste passe à la couleur, détourne l’autoportrait. Du glamour, ses « personnages » glissent progressivement vers la mélancolie, la disgrâce, l’épouvante et l’horreur, passant parfois par le pathétique Untitled Film Still #45 . 1979  Untitled Film Still #21 . 1978  Untitled Film Stills  ("Photographie de plateau sans titre"), années 1977-1980   Untitled Film Still #3. 1977   Untitled . 1975  Untitled Film Still #54 . 1980  Cindy Sherman Autoportrait et travestissement
Centerfolds/Horizontals , 1981  Cette série est à l'origine issue d'une commande faite à l'artiste d'un portfolio pour le magazine  Artforum  qui n'a finalement pas été publié car les photographies ont été controversées. En effet, pour ce travail Sherman reproduit le cadre horizontal et serré sur des personnages féminins allongés, esthétique propre aux magazines et revues de charme. Autoportrait et travestissement  Cindy Sherman
Bus Riders  1976/2000 de Cindy Sherman sont des séries d’autoportraits où l’artiste joue une variété de personnages méticuleusement observés. Les photographies ont été tirées en 1976 mais pas imprimées ou exhibées jusqu'en 2000 et sont parmi les premiers travaux  de l’artiste. Sherman utilise des costumes et du maquillage pour transformer son identité pour chaque image, mais la photographe utilise un décor simple avec une chaise en bois pour remplacer le siège d'autobus.  Cindy Sherman Autoportrait et travestissement
Autoportrait avec masque", ou "Pantomime celeste II", photomontage pour "Le chaman et ses créatures"   " L'enchaîné, autoportrait "  Molinier commence par prendre des photos à l'âge de 18 ans et oriente sa production vers l'érotisme dans les années 1950. A l'aide d'un grand nombre d'objets (poupées, membres artificiels, souliers à talons hauts, godemichés).  Pierre Molinier se concentre sur son propre corps considéré comme l'élément constructeur de son œuvre photographique qui est constituée, pour l'essentiel, d'autoportraits en femme.  Pierre Molinier Autoportrait et travestissement
Son ouvrage  Moi et moi, dessins quotidiens et séquences photo  (1971) illustre bien ses débuts : le photographe se met en scène dans ses propres œuvres. Jürgen Klauke, qui se fait également apprécier comme performeur, se plait à provoquer en vue d’inciter les regardeurs à réfléchir sur la consommation des biens artistiques.  De façon presque systématique, Klauke se présente dans ses œuvres en costume sombre, le visage impassible comme recouvert d’un masque, postures raides dont la chorégraphie semble pourtant réglée avec une grande précision…  Desaströses Ich , 2003.   JURGEN KLAUBE Autoportrait et expérimentation
Il réalise ses autoportraits comme des dépôts successifs de messages par superposition de prises de vues. Soumettant son corps à des expériences parfois douloureuses, il se fond dans la matière et subit une étrange métamorphose : enveloppé d'argile, momifié, enseveli, " il projette violemment ses images mentales sur le monde ". L'image de la destruction qu'il met en scène s'oppose à celle de la construction de ses images, méthodique, structurée et longuement réfléchie. La rapidité du déclenchement de l'obturateur est réfutée par ses temps de pose très longs et ses mises en scène préparées longuement à l'avance.  Photographie extraite de Erinnerungsspur   1978-1979  Etude pour Membran-Objekt   1978-1979  Dieter APPLET Autoportrait et expérimentation
Dieter APPELT Membran Objekt, aus Erinnerungsspur  1979  Autoportrait et expérimentation Dieter APPLET
Autoportrait au miroir Autoportrait et expérimentation Dieter APPLET
Fille d’un couple d’artistes, Francesca Woodman avait pris l’habitude de se photographier depuis l’âge de treize ans en se mettant en scène. Son univers étrange et sa fin tragique ont contribué à en faire une photographe culte dans monde de l’art. Au cours de sa brève existence elle a développé un univers personnel qui mélange fantastique, introspection et érotisme  Francesca Woodman From Space2 series, Providence, Rhode Island  Self-portrait talking to Vince  Eel series  Autoportrait et expression de soi
Denis ROCHE Denis ROCHE, depuis 1972, explore les stratégies autobiographiques permises par le dispositif photographique: de l'autoportrait aux séries récurrentes d'images prises, à intervalles différents, des mêmes lieux et du même modèle, en passant par les rapprochements formels et temporels nés des photogrammes de la planche-contact. Denis ROCHE rend ainsi sensible l'obsession du passage du temps, son jalonnement et sa mise à l'épreuve par l'exercice répété du regard photographique. Autoportrait et poésie
Jorge MOLDER Jorge MOLDER, photographe portugais se situe au-delà de l’autoreprésentation. Il fait de son visage, de son corps et des images des matériaux de sa réflexion sur le temps.   Série nox, 1998/9  Autoportrait et poésie
Self-Portrait  (Reminiscent of Portrait as a Vanité), New Mexico, 1994  Self Portrait, reminiscent   Joël Peter Witkin poursuit sa quête, quotidienne et obsessionnelle, d’une beauté différente, mise en scène, qui renvoie le spectateur à sa propre étrangeté.  Joël Peter Witkin Autoportrait et poésie
L'Arc de Triomphe, Paris  Hollywood Hills, Californie, 1979  Statue of Liberty, New York  Ambiguous Ambassador Tseng Kwong Chi  Tseng Kwong Chi est né à Hongkong en 1940, et s'établit à New York en 1979, où il débute sa série d'autoportraits. Il continue ce travail devant les monuments les plus célèbres et les plus facilement identifiables à travers le monde, de la Statue de la Liberté à la Tour Eiffel. Pour chaque séance, il est habillé du traditionnel costume Mao, d'une paire de lunettes de soleil, et d'une fausse identité. Il se définit comme un " voyageur curieux, un témoin de son époque et comme un ambassadeur ambigu ".  Tseng Kwong Chi Autoportrait et Ironie
New York City, 1966   Lafayette, Louisiana - 1968   Lee Friedlander Route 9 W, New York, 1969   Lee Friedlander réalise des photographies dans les rues de New York avec une pointe d'ironie sur la société de consommation émergente. Ses autoportraits sont souvent réalisés avec humour surtout lorsqu'il joue avec son ombre et l'environnement dans lequel il réalise la  photographie.  Autoportrait et Ironie
California  1997  Autoportrait et Ironie Lee Friedlander
Self portrait in a bench" 1989  Ana Casas Broda  Ana Casas broda est née en 1965, de parents d’origine Autrichienne et espagnole. Après avoir vécu au Mexique, Ana Casas Broda devenue photographe depuis 1983, a voulu retrouver ses propres racines et identité. La grand-mère d’Ana Casas Broda prenait chaque année des photos de sa petite fille lorsque celle-ci venait à Vienne. Cette dernière a voulu par cette série de photo continuer ce travail sur la mémoire Ana in the garden" 1968 Taken by Hilda Broda  Four generations" 1965 My great grandmother, my grandmother , my mother and I. Taken by José Casas, my father.  Four generations" 1999 My grandmother, my mother, my sister and I.  Autoportrait et mémoire
Requesting Buddha Series no. 1  1999 Thinker  1998 Photographe du mouvement kitsch "Gaudy Art", Wang Qingsong se met en scène dans différents scénarios et contextes culturels "Pop".  Si l'œuvre de Wang Qingsong semble influencée par le travail des années 90 des artistes Pierre et Gilles et Gilbert et George voire Oleg Kulik qui mettent en scène les artistes comme des acteurs jouant dans différents contextes et scénarios culturel Pop, elle a su trouver une spécificité en utilisant des référents historiques et culturels à la tradition chinoise transposés dans le contexte de consumérisme d'une société non encore démocratique. Photographe de talent dont l'esprit inventif, l'humour et le sens de la dérision révèlent un véritable attachement aux détails de la vie quotidienne et à l'art populaire de son pays. Les photos de Wang Qingsong développent de manière directe les scénarios de recherche du plaisir immédiat, d'hédonisme et de consommation sans limites qui sont devenus le " style de vie national " en Chine.  Wang Qingsong Autoportrait et critique sociale
Another Battle Series no.1  (120 x 200cm), Photograph, Wang Qingsong. 2001 Another Battle Series no.8,  120 x 200cm, Photograph, Wang Qingsong. 2001  Wang Qingsong
Self-Portrait   1973   Helnwein nie systématiquement l’aspect autobiographique dans ses autoportraits. Il ne se présente pas comme Gottfried Helnwein l’artiste, ni comme Helnwein l’homme avec son histoire personnelle. Dans ces autoportraits il est un simple modèle, toujours disponible. Il insiste sur le fait que ses autoportraits ne sont pas une forme de thérapie et qu’ils ne révèlent rien sur sa personnalité. Ce sont des portraits d’un être humain représentatif.  Comme ses enfants blessés, l’artiste se présente comme une victime, à la différence que dans les autoportraits, il est aussi souvent le tortionnaire. Il s’inflige des douleurs insupportables avec des instruments métalliques (comme des fourchettes ou des instruments chirurgicaux) qui ne lui permettent pas d’ouvrir les paupières ou déforment sa bouche. Il est évident que ces punitions sont ridicules et inutiles. On peut s’interroger sur la raison pour laquelle l’artiste se punit sévèrement dans son art : est-ce qu’il se présente comme un artiste blessé, ou blessant, par son art ou la société, ou plus généralement, comme un être humain tourmenté et cruel.  GOTTFRIED HELNWEIN  Autoportrait et douleur
The Silent Glow of the Avant-Garde I   1986   The Silent Glow of the Avant-Garde (“ L’éclat silencieux de l’avant-garde ”, 1986-1993) est un triptyque d’une série de larges triptyques que l’artiste a créés dès la fin des années quatre-vingt. Au centre de l’œuvre Helnwein peint une copie élargie de La Mer de glace (Le Naufrage) de Caspar David Friedrich (1823-1824).  Il est possible qu’Helnwein se réfère ici à l’interprétation de cette peinture de Friedrich, comme faisant allusion à l’actualité de son époque en évoquant le bateau échoué Griper, qui a participé à plusieurs expéditions cherchant le passage vers le Grand Nord. Dans ce cas, il est logique de présumer l’allusion d’Helnwein à l’impuissance de l’Homme face à la nature. L’homme investit tous ses efforts pour combattre sans succès l’énorme puissance et la destruction inhérente à la nature.  GOTTFRIED HELNWEIN  Autoportrait et douleur
Nan Goldin,  Nan un mois après avoir été battue , 1984.  Nan Goldin L'œuvre de Nan Goldin est inséparable de sa vie : marquée par le suicide de sa sœur, c'est en photographiant sa famille qu'elle entame son œuvre photographique. Par la suite celle-ci reste très proche de l'album de famille, par sa technique comme par ses sujets.  Nan Goldin n'a pas de tabou, allant même jusqu'à se photographier elle-même quelque temps après avoir été battue par son petit ami de l'époque qui avait manqué de lui faire perdre un œil. Cette fameuse photographie fait elle-même partie de la série intitulée « All By Myself » qui évoque et atteste de son propre délabrement, physique et mental.  C'est en étalant publiquement sa vie et son histoire qu'elle réussit à mieux se comprendre elle-même et à s'accepter tout en s'identifiant dans la société.  Nan Goldin nous fait pénétrer dans l'intimité de sa chambre. L'écriture est pour elle une activité aussi importante que la photographie ;  elle a d'ailleurs rempli des dizaines de carnets, tous du même format et de la même couleur... Cette composition relève d'un grand équilibre : la lumière s'organise très exactement sur l'étendue diagonale de son corps et une encoche lumineuse circonscrit et valorise son regard tandis que son activité d'écriture est mise en scène dans l'angle bas, à l'extrême gauche de la photographie. L'image et l'écrit, ce qui fonde sa raison de vivre, sont donc ici réunis. Nous sommes à l'opposé des photographies provocantes, extraverties qui ont fait sa réputation. Nan Goldin est tout ça à la fois.  Nan Goldin,    Autoportrait au journal intime ,  1989.  Autoportrait au quotidien
L’œuvre d’ Elina Brotherus  se compose essentiellement d’autoportraits et de paysages, thèmes qu’elle développa dès ses débuts, notamment au cours d’une résidence au musée Nicéphore Niépce qui fut la première institution à la faire connaître en France dès 1999.  Elina Brotherus  This is the first day of the rest of your life I  1998 False Memories II 1999  Love bites III 1999  Autoportrait au quotidien
La Baigneuse 2001 Baigneuse de Saturnia 1 2003  Elina Brotherus  Si les photographies du début de sa carrière sont empreintes des émotions que lui ont procuré soit des évènements de sa vie intime soit la contemplation de la nature, celle de la récente série The New Painting (2000-2004) marque une évolution chez l’artiste qui délaisse là toute narration personnelle pour ne plus traiter que des qualités purement visuelles, formelles des images. Der wanderer  2003 Der wanderer 3 2004
La Filature , 1981 (détail)  La Filature , commandée en 1981 par le Centre Pompidou pour une exposition consacrée à l’autoportrait, est constituée de mises en scène vécues sur un mode autobiographique. Récit à double-voix: l’enquête du détective sur une journée de l’artiste suivie de photographies floues est accompagnée de la description de sa journée par Sophie Calle et de photographies du détective prises à son insu par un ami de Sophie C. "Je suis entrée dans la vie de M. X détective". Sophie Calle apprécie ses regards, "l’attention qu’il lui porte est telle qu’aucun homme ou femme qui l’a aimée ne lui a jamais donnée...", écrit-elle. Objet et voyeur du regardeur, Sophie Calle dresse, grâce à lui, son autoportrait d’un jour. Sophie Calle Autoportrait et Fiction
Un galeriste, Emmanuel Perrotin  a proposé et a vaincu les réticences de Sophie CALLE d’être à nouveau suivie. Le résultat final est convaincant et ne manque pas de saveur, car il nous projette dans un jeu de piste intéressant et pour le moins réfléchissant.  Sophie Calle Autoportrait et Fiction Vingt ans après , 2001
http://www.photauportrait.jepose.com Très beau site d’autoportraits en cadrage séré, majoritairement en noir et blanc et dans un format carré..  http://olivierj.canalblog.com Beaucoup d’autoportrait souvent avec le même profil et avec l’air très sérieux http://missaniela.com/gallery/ Site très intéressant avec des autoportraits multiples:  Surreal self-portraiture Autoportrait et internet Internet « fourmille » de sites ou de blogs avec des autoportraits.
 

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Autoportrait

  • 1. Autoportraits La place de l’autoportrait dans l’art et plus particulièrement dans la photographie.
  • 2. Les artistes ont commencé à se représenter en marge de la scène importante, comme un élément du décor. Manque de modèles, coûts élevés de ceux-ci en début de carrière, désir de s'immortaliser dans l'œuvre. Comme Raphaël ici dans sa fresque de l’école d’Athènes.
  • 3. Titien (1477-1576) est considéré comme l'inventeur du genre. Il se représente souvent comme un vieil homme digne et très respectable. Ce nouveau genre coïncide avec la reconnaissance du statut social de l’artiste peintre. Celui-ci est revalorisé, il n’est plus considéré comme un marginal et son statut est reconnu comme l’égal du musicien.
  • 4. Bien des artistes se sont représentés tout au long de la vie. Manière de révéler comment le temps peut avoir prise sur une image que personne ne maîtrise vraiment. Durer se représente à 22, 26 et 28 ans… Albrecht Dürer Autoportrait 1493 Albrecht Dürer Autoportrait 1497 Albrecht Dürer Autoportrait 1500
  • 5. Le plus célèbre et le plus fécond des autoportraitistes est sans conteste Rembrandt , dont on a conservé une bonne centaine de tableaux, dessins ou gravures où il se représente. Son premier autoportrait connu date de 1627, son dernier de 1669, quelques semaines avant sa mort. Les raisons d’une telle « frénésie » ne nous sont pas connues, chacun ayant donné sa propre interprétation. Toujours est-il que nous pouvons le voir vieillir au fil des années et sous des déguisements divers, depuis le jeune homme à l’air timide qui se peint à contre-jour alors qu’il vient d’avoir vingt ans, jusqu’au vieil homme fatigué, ridé, au nez bourgeonnant de 1669. Autoportrait en jeune homme 1634 Autoportrait 1640 Self Portrait with Two Circles c. 1665 - 1669 Autoportrait 1669 Autoportrait en jeune homme 1628 Self Portrait with Beret and Two Gold Chains c. 1642-1643 Self Portrait with Beret and Turned-Up Collar 1659 Autoportrait 1669
  • 6. Aucune complaisance chez Van Gogh, qui s’est peint trente-sept fois entre 1886 et 1889. Dans tous ces autoportraits on est frappé par le regard du peintre, et même lorsqu'il nous fixe semble regarder ailleurs. Les autoportraits de Van Gogh témoignent de l’angoisse du peintre face à la maladie qui progresse Self-Portrait with Dark Felt Hat 1886 Self-Portrait with Straw Hat 1887 Self-Portrait (Dedicated to Paul Gauguin) Arles: September, 1888 Self-Portrait . Saint-Rémy: September, 1889
  • 7. Les nombreux autoportraits d‘Egon Schiele méritent l’intérêt, car aucun autre que lui n’est allé aussi loin dans l’exhibitionnisme, se représentant parfois nu, avec un visage desséché et tourmenté, ou affligé d'un strabisme impressionnant, allusion humoristique à son nom de famille: en effet, « schielen » signifie loucher en allemand Self-Portrait Pulling Cheek 1910 Self-Portrait with Raised Right Elbow 1914 Self-Portrait 1911
  • 8. Avec Frida KALHO les choses sont différentes. On sait qu’à la suite d’un terrible accident elle dut passer de nombreuses années de sa vie alitée, n’ayant qu’elle-même pour modèle. On lui doit de nombreux autoportraits en buste, mais aussi des représentations cauchemardesques dont beaucoup symbolisent les souffrances physiques qu’elle a vécues. Self-Portrait 1929 The Broken Column 1944 Self-Portrait with Loose Hair 1947
  • 9. Les autoportraits sont aussi une très belle façon pour voir l’évolution d’un artiste, ici Picasso. Autoportrait Paris, printemps 1906 Autoportrait mal coiffé Barcelone, 1896 Autoportrait (tête) Mougins, 30 juin 1972 Autoportrait Paris Fin 1901 L'artiste devant sa toile Paris, 22 mars 1938
  • 10. Study for a Self-Portrait, 1969 Self Portrait with Injured Eye, 1972 Self Portrait, 1979 Self Portrait, 1987 Bacon voit dans les êtres humains l’essence de la chair : “ nous sommes des carcasses en puissance ”, comme il l’a dis. Notre substance est la viande. La viande humaine, comme la viande animale est livrée aux même lois de la nature. Il essaie de peindre et de montrer le visage tel qu’il est , de pénétrer les masques que pose la réalité de la photographie et d’enregistrer ses sentiments de la façon la plus proche à son système nerveux. Son art ne concerne pas de grandes déclarations sur la nature de l’homme, mais plutôt une expérience vécue personnelle, sa propre réalité, sa vision. Les autoportraits de Bacon, comme ses autres portraits, possèdent un air tragique et pessimiste (si on souscrit à sa vision, on peut dire aussi : réaliste). Il n’essaie pas de comprendre l’origine des cris qu’il présente, mais les cris mêmes.
  • 12. Nadar, Autoportrait, 1859 Premier essais à la lumière éléctrique. Léon Gimpel, 1910 Autoportrait à Notre-Dame de Paris. Léon Gimpel, 1900 Autoportrait Autoportrait et statut Dés les premiers débuts de la photographie, les premiers autoportraits apparaissent. Manque de modèle, facilité de mise en œuvre, besoin de reconnaissance…
  • 13. Hippolyte Bayard Autoportrait et statut
  • 14. Brassaï Dali et Gala à la villa Seurat 1932 Volonté de se mêler à l’œuvre, à l’artiste photographié ? Brassaï
  • 15. Un des photographes les plus célèbres du XXème siècle est né à Riga, a vécu à Paris, avant de devenir américain en 1948.  Philippe Halsman a été un homme de son époque, qui s’est laissé porter par l’Histoire en côtoyant les grands de ce monde. Philippe Halsman, with Marilyn Monroe in 1959, Philippe Halsman
  • 16. Photographe et écrivain, Claude Cahun est née le 25 octobre 1894, à Nantes, Lucy Renée Mathilde Schwob. L’œuvre de Claude Cahun est surtout connue par ses extraordinaires autoportraits où elle se montre la tête rasée. Photographe, écrivaine et activiste. Elle était femme, lesbienne, juive et résistante : autant de raisons d’être suspecte, et finalement gommée de l’Histoire. Oubliée pendant la guerre, son œuvre est étonnamment proche de celles d’artistes contemporaines : en se mettant en scène, en agissant sur son propre corps, elle préfigure l’art corporel et la performance, annonce les drag Queens. Claude Cahun (autoportrait) 1921 Self portrait 1920 Self portrait, (reflected in mirror) 1928 Claude Cahun
  • 17. Moi+chat, 1932 Présentée en 1932 à l’exposition futuriste de Trieste, cette œuvre occupe une place importante dans la photographie italienne. Wanda WULTZ
  • 18. Cindy Sherman définit ses photographies comme conceptuelles. Cependant, ni théorie esthétique, ni écrits conséquents ne confirment ce fait. Déclinées en séries, ses photographies révèlent des préoccupations axées autour de la place de la femme dans la société. C’est avec une série d’autoportraits en noir et blanc des années 80 - où l’artiste se met en scène en plagiant les photographies d’actrices de cinéma des années 50 et 60 - que Cindy Sherman devient célèbre du jour au lendemain. Puis, l’artiste passe à la couleur, détourne l’autoportrait. Du glamour, ses « personnages » glissent progressivement vers la mélancolie, la disgrâce, l’épouvante et l’horreur, passant parfois par le pathétique Untitled Film Still #45 . 1979 Untitled Film Still #21 . 1978 Untitled Film Stills ("Photographie de plateau sans titre"), années 1977-1980 Untitled Film Still #3. 1977 Untitled . 1975 Untitled Film Still #54 . 1980 Cindy Sherman Autoportrait et travestissement
  • 19. Centerfolds/Horizontals , 1981 Cette série est à l'origine issue d'une commande faite à l'artiste d'un portfolio pour le magazine Artforum qui n'a finalement pas été publié car les photographies ont été controversées. En effet, pour ce travail Sherman reproduit le cadre horizontal et serré sur des personnages féminins allongés, esthétique propre aux magazines et revues de charme. Autoportrait et travestissement Cindy Sherman
  • 20. Bus Riders 1976/2000 de Cindy Sherman sont des séries d’autoportraits où l’artiste joue une variété de personnages méticuleusement observés. Les photographies ont été tirées en 1976 mais pas imprimées ou exhibées jusqu'en 2000 et sont parmi les premiers travaux de l’artiste. Sherman utilise des costumes et du maquillage pour transformer son identité pour chaque image, mais la photographe utilise un décor simple avec une chaise en bois pour remplacer le siège d'autobus. Cindy Sherman Autoportrait et travestissement
  • 21. Autoportrait avec masque", ou "Pantomime celeste II", photomontage pour "Le chaman et ses créatures" " L'enchaîné, autoportrait " Molinier commence par prendre des photos à l'âge de 18 ans et oriente sa production vers l'érotisme dans les années 1950. A l'aide d'un grand nombre d'objets (poupées, membres artificiels, souliers à talons hauts, godemichés). Pierre Molinier se concentre sur son propre corps considéré comme l'élément constructeur de son œuvre photographique qui est constituée, pour l'essentiel, d'autoportraits en femme. Pierre Molinier Autoportrait et travestissement
  • 22. Son ouvrage Moi et moi, dessins quotidiens et séquences photo (1971) illustre bien ses débuts : le photographe se met en scène dans ses propres œuvres. Jürgen Klauke, qui se fait également apprécier comme performeur, se plait à provoquer en vue d’inciter les regardeurs à réfléchir sur la consommation des biens artistiques. De façon presque systématique, Klauke se présente dans ses œuvres en costume sombre, le visage impassible comme recouvert d’un masque, postures raides dont la chorégraphie semble pourtant réglée avec une grande précision… Desaströses Ich , 2003. JURGEN KLAUBE Autoportrait et expérimentation
  • 23. Il réalise ses autoportraits comme des dépôts successifs de messages par superposition de prises de vues. Soumettant son corps à des expériences parfois douloureuses, il se fond dans la matière et subit une étrange métamorphose : enveloppé d'argile, momifié, enseveli, " il projette violemment ses images mentales sur le monde ". L'image de la destruction qu'il met en scène s'oppose à celle de la construction de ses images, méthodique, structurée et longuement réfléchie. La rapidité du déclenchement de l'obturateur est réfutée par ses temps de pose très longs et ses mises en scène préparées longuement à l'avance. Photographie extraite de Erinnerungsspur 1978-1979 Etude pour Membran-Objekt 1978-1979 Dieter APPLET Autoportrait et expérimentation
  • 24. Dieter APPELT Membran Objekt, aus Erinnerungsspur 1979 Autoportrait et expérimentation Dieter APPLET
  • 25. Autoportrait au miroir Autoportrait et expérimentation Dieter APPLET
  • 26. Fille d’un couple d’artistes, Francesca Woodman avait pris l’habitude de se photographier depuis l’âge de treize ans en se mettant en scène. Son univers étrange et sa fin tragique ont contribué à en faire une photographe culte dans monde de l’art. Au cours de sa brève existence elle a développé un univers personnel qui mélange fantastique, introspection et érotisme Francesca Woodman From Space2 series, Providence, Rhode Island Self-portrait talking to Vince Eel series Autoportrait et expression de soi
  • 27. Denis ROCHE Denis ROCHE, depuis 1972, explore les stratégies autobiographiques permises par le dispositif photographique: de l'autoportrait aux séries récurrentes d'images prises, à intervalles différents, des mêmes lieux et du même modèle, en passant par les rapprochements formels et temporels nés des photogrammes de la planche-contact. Denis ROCHE rend ainsi sensible l'obsession du passage du temps, son jalonnement et sa mise à l'épreuve par l'exercice répété du regard photographique. Autoportrait et poésie
  • 28. Jorge MOLDER Jorge MOLDER, photographe portugais se situe au-delà de l’autoreprésentation. Il fait de son visage, de son corps et des images des matériaux de sa réflexion sur le temps. Série nox, 1998/9 Autoportrait et poésie
  • 29. Self-Portrait (Reminiscent of Portrait as a Vanité), New Mexico, 1994 Self Portrait, reminiscent Joël Peter Witkin poursuit sa quête, quotidienne et obsessionnelle, d’une beauté différente, mise en scène, qui renvoie le spectateur à sa propre étrangeté. Joël Peter Witkin Autoportrait et poésie
  • 30. L'Arc de Triomphe, Paris Hollywood Hills, Californie, 1979 Statue of Liberty, New York Ambiguous Ambassador Tseng Kwong Chi Tseng Kwong Chi est né à Hongkong en 1940, et s'établit à New York en 1979, où il débute sa série d'autoportraits. Il continue ce travail devant les monuments les plus célèbres et les plus facilement identifiables à travers le monde, de la Statue de la Liberté à la Tour Eiffel. Pour chaque séance, il est habillé du traditionnel costume Mao, d'une paire de lunettes de soleil, et d'une fausse identité. Il se définit comme un " voyageur curieux, un témoin de son époque et comme un ambassadeur ambigu ". Tseng Kwong Chi Autoportrait et Ironie
  • 31. New York City, 1966 Lafayette, Louisiana - 1968 Lee Friedlander Route 9 W, New York, 1969 Lee Friedlander réalise des photographies dans les rues de New York avec une pointe d'ironie sur la société de consommation émergente. Ses autoportraits sont souvent réalisés avec humour surtout lorsqu'il joue avec son ombre et l'environnement dans lequel il réalise la  photographie. Autoportrait et Ironie
  • 32. California 1997 Autoportrait et Ironie Lee Friedlander
  • 33. Self portrait in a bench" 1989 Ana Casas Broda Ana Casas broda est née en 1965, de parents d’origine Autrichienne et espagnole. Après avoir vécu au Mexique, Ana Casas Broda devenue photographe depuis 1983, a voulu retrouver ses propres racines et identité. La grand-mère d’Ana Casas Broda prenait chaque année des photos de sa petite fille lorsque celle-ci venait à Vienne. Cette dernière a voulu par cette série de photo continuer ce travail sur la mémoire Ana in the garden" 1968 Taken by Hilda Broda Four generations" 1965 My great grandmother, my grandmother , my mother and I. Taken by José Casas, my father. Four generations" 1999 My grandmother, my mother, my sister and I. Autoportrait et mémoire
  • 34. Requesting Buddha Series no. 1 1999 Thinker 1998 Photographe du mouvement kitsch "Gaudy Art", Wang Qingsong se met en scène dans différents scénarios et contextes culturels "Pop". Si l'œuvre de Wang Qingsong semble influencée par le travail des années 90 des artistes Pierre et Gilles et Gilbert et George voire Oleg Kulik qui mettent en scène les artistes comme des acteurs jouant dans différents contextes et scénarios culturel Pop, elle a su trouver une spécificité en utilisant des référents historiques et culturels à la tradition chinoise transposés dans le contexte de consumérisme d'une société non encore démocratique. Photographe de talent dont l'esprit inventif, l'humour et le sens de la dérision révèlent un véritable attachement aux détails de la vie quotidienne et à l'art populaire de son pays. Les photos de Wang Qingsong développent de manière directe les scénarios de recherche du plaisir immédiat, d'hédonisme et de consommation sans limites qui sont devenus le " style de vie national " en Chine. Wang Qingsong Autoportrait et critique sociale
  • 35. Another Battle Series no.1 (120 x 200cm), Photograph, Wang Qingsong. 2001 Another Battle Series no.8, 120 x 200cm, Photograph, Wang Qingsong. 2001 Wang Qingsong
  • 36. Self-Portrait 1973 Helnwein nie systématiquement l’aspect autobiographique dans ses autoportraits. Il ne se présente pas comme Gottfried Helnwein l’artiste, ni comme Helnwein l’homme avec son histoire personnelle. Dans ces autoportraits il est un simple modèle, toujours disponible. Il insiste sur le fait que ses autoportraits ne sont pas une forme de thérapie et qu’ils ne révèlent rien sur sa personnalité. Ce sont des portraits d’un être humain représentatif. Comme ses enfants blessés, l’artiste se présente comme une victime, à la différence que dans les autoportraits, il est aussi souvent le tortionnaire. Il s’inflige des douleurs insupportables avec des instruments métalliques (comme des fourchettes ou des instruments chirurgicaux) qui ne lui permettent pas d’ouvrir les paupières ou déforment sa bouche. Il est évident que ces punitions sont ridicules et inutiles. On peut s’interroger sur la raison pour laquelle l’artiste se punit sévèrement dans son art : est-ce qu’il se présente comme un artiste blessé, ou blessant, par son art ou la société, ou plus généralement, comme un être humain tourmenté et cruel. GOTTFRIED HELNWEIN Autoportrait et douleur
  • 37. The Silent Glow of the Avant-Garde I 1986 The Silent Glow of the Avant-Garde (“ L’éclat silencieux de l’avant-garde ”, 1986-1993) est un triptyque d’une série de larges triptyques que l’artiste a créés dès la fin des années quatre-vingt. Au centre de l’œuvre Helnwein peint une copie élargie de La Mer de glace (Le Naufrage) de Caspar David Friedrich (1823-1824). Il est possible qu’Helnwein se réfère ici à l’interprétation de cette peinture de Friedrich, comme faisant allusion à l’actualité de son époque en évoquant le bateau échoué Griper, qui a participé à plusieurs expéditions cherchant le passage vers le Grand Nord. Dans ce cas, il est logique de présumer l’allusion d’Helnwein à l’impuissance de l’Homme face à la nature. L’homme investit tous ses efforts pour combattre sans succès l’énorme puissance et la destruction inhérente à la nature. GOTTFRIED HELNWEIN Autoportrait et douleur
  • 38. Nan Goldin, Nan un mois après avoir été battue , 1984. Nan Goldin L'œuvre de Nan Goldin est inséparable de sa vie : marquée par le suicide de sa sœur, c'est en photographiant sa famille qu'elle entame son œuvre photographique. Par la suite celle-ci reste très proche de l'album de famille, par sa technique comme par ses sujets. Nan Goldin n'a pas de tabou, allant même jusqu'à se photographier elle-même quelque temps après avoir été battue par son petit ami de l'époque qui avait manqué de lui faire perdre un œil. Cette fameuse photographie fait elle-même partie de la série intitulée « All By Myself » qui évoque et atteste de son propre délabrement, physique et mental. C'est en étalant publiquement sa vie et son histoire qu'elle réussit à mieux se comprendre elle-même et à s'accepter tout en s'identifiant dans la société. Nan Goldin nous fait pénétrer dans l'intimité de sa chambre. L'écriture est pour elle une activité aussi importante que la photographie ;  elle a d'ailleurs rempli des dizaines de carnets, tous du même format et de la même couleur... Cette composition relève d'un grand équilibre : la lumière s'organise très exactement sur l'étendue diagonale de son corps et une encoche lumineuse circonscrit et valorise son regard tandis que son activité d'écriture est mise en scène dans l'angle bas, à l'extrême gauche de la photographie. L'image et l'écrit, ce qui fonde sa raison de vivre, sont donc ici réunis. Nous sommes à l'opposé des photographies provocantes, extraverties qui ont fait sa réputation. Nan Goldin est tout ça à la fois. Nan Goldin,   Autoportrait au journal intime ,  1989. Autoportrait au quotidien
  • 39. L’œuvre d’ Elina Brotherus se compose essentiellement d’autoportraits et de paysages, thèmes qu’elle développa dès ses débuts, notamment au cours d’une résidence au musée Nicéphore Niépce qui fut la première institution à la faire connaître en France dès 1999. Elina Brotherus This is the first day of the rest of your life I 1998 False Memories II 1999 Love bites III 1999 Autoportrait au quotidien
  • 40. La Baigneuse 2001 Baigneuse de Saturnia 1 2003 Elina Brotherus Si les photographies du début de sa carrière sont empreintes des émotions que lui ont procuré soit des évènements de sa vie intime soit la contemplation de la nature, celle de la récente série The New Painting (2000-2004) marque une évolution chez l’artiste qui délaisse là toute narration personnelle pour ne plus traiter que des qualités purement visuelles, formelles des images. Der wanderer 2003 Der wanderer 3 2004
  • 41. La Filature , 1981 (détail) La Filature , commandée en 1981 par le Centre Pompidou pour une exposition consacrée à l’autoportrait, est constituée de mises en scène vécues sur un mode autobiographique. Récit à double-voix: l’enquête du détective sur une journée de l’artiste suivie de photographies floues est accompagnée de la description de sa journée par Sophie Calle et de photographies du détective prises à son insu par un ami de Sophie C. "Je suis entrée dans la vie de M. X détective". Sophie Calle apprécie ses regards, "l’attention qu’il lui porte est telle qu’aucun homme ou femme qui l’a aimée ne lui a jamais donnée...", écrit-elle. Objet et voyeur du regardeur, Sophie Calle dresse, grâce à lui, son autoportrait d’un jour. Sophie Calle Autoportrait et Fiction
  • 42. Un galeriste, Emmanuel Perrotin a proposé et a vaincu les réticences de Sophie CALLE d’être à nouveau suivie. Le résultat final est convaincant et ne manque pas de saveur, car il nous projette dans un jeu de piste intéressant et pour le moins réfléchissant. Sophie Calle Autoportrait et Fiction Vingt ans après , 2001
  • 43. http://www.photauportrait.jepose.com Très beau site d’autoportraits en cadrage séré, majoritairement en noir et blanc et dans un format carré.. http://olivierj.canalblog.com Beaucoup d’autoportrait souvent avec le même profil et avec l’air très sérieux http://missaniela.com/gallery/ Site très intéressant avec des autoportraits multiples: Surreal self-portraiture Autoportrait et internet Internet « fourmille » de sites ou de blogs avec des autoportraits.
  • 44.