República Bolivariana de Venezuela Instituto Universitario de Tecnología “Antonio José de Sucre” Extensión Mérida Materia: Historia del Diseño Gráfico Alumna: Fiorella Castellanos C.I.: 26.690.633 Profesora: Belkis Coromoto Sotillo De Vallenilla

1. Profesora: Belkis Coromoto Sotillo De Vallenilla
Alumna: Fiorella Lucía Castellanos D’Andrea
C.I.: 26.690.633
República Bolivariana de Venezuela
Instituto Universitario de Tecnología
“Antonio José de Sucre”
Extensión Mérida
Materia: Historia del diseño Gráfico

2. La edad moderna es periodo
histórico que transcurre entre los
siglos XV y XVIII, en el que se
produce un vuelco en el pensamiento
europeo. Sucedió tras la crisis del
mundo medieval en el siglo XV,
cuando dos hechos marcaron su
inicio : la caída de Constantinopla en
1453 y la llegada de los europeos a
América en 1492.
Las grandes transformaciones en todos los ámbitos de la sociedad fueron la
principal característica de la Edad Moderna: aparecieron los primeros Estados
nacionales en el continente europeo; se descubrieron, exploraron y
colonizaron, por parte de Europa, partes de América, África y Oceanía; se
produjo una ruptura dentro del cristianismo; surgió la sociedad capitalista;
apareció el “conocimiento científico” y culturalmente se desarrolla el
Renacimiento, el Barroco y la Ilustración.

3. Porque es en esta época cuando se establecen las bases del mundo contemporáneo, gracias a los grandes
cambios en los campos políticos, sociales, económicos y culturales. Aunado a eso, los innovadores inventos
que se realizaron durante esta época, son y siguen siendo la base de muchas de las actividades científicas
que se realizan en la actualidad.
1453 toma de
Constantinopla.
1492
descubrimiento de
América. 1517 Martín Lutero
inicia la reforma.
1519-1522 Vuelta al mundo
por Magallanes y Elcano.
1543 Copérnico
enuncia la teoría
heliocéntrica.
1687 Newton enuncia
sus principios
matemáticos.
1750 Primera
Revolución Industrial.
1751 Primer volumen
de La Enciclopedia.
1789 Revolución
francesa.
1605 Cervantes escribe la
primera parte de El Quijote

4. El Renacimiento surgió en Italia, en Florencia en el s. XV como movimiento de
renovación artística principalmente en pintura, arquitectura y escultura. Los nuevos
descubrimientos geográficos hicieron que la civilización europea se expandiese por
todos los continentes, y la invención de la imprenta propició a la universalización de
la cultura. El arte se inspira en el arte clásico grecorromano, por lo que se habla de
“renacimiento” artístico tras el oscurantismo medieval. Inspirado en la naturaleza,
surgen nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva.
Fue un movimiento filosófico, intelectual y cultural, que se inició en el
siglo XIV en Italia y se difundió por el resto de Europa entre los siglos
XV y XVI. Se trató de un cambio radical con respecto al pensamiento
medieval que imperaba en Europa y fue una de las causas del
surgimiento de la edad moderna. Se enfocaba en la capacidad de los
seres humanos de conocer el mundo e interactuar con él mediante la
razón, rompiendo con el teocentrismo propio de la mentalidad
católica medieval.

5. Fue un movimiento intelectual que se desarrolló en
Europa a finales del XVII y comienzos del XVIII. Influyó en
la política, la economía, las ciencias, el arte, la religión y
otros aspectos. Los pensadores ilustrados o también
llamados iluministas, se preguntaban acerca del mundo
que los rodeaba a través del uso de la razón, la cual era
considerada la luz que iluminaba el conocimiento y que
podía terminar con la ignorancia. Así el siglo XVIII, que
fue la época en la que más se desarrolló el movimiento,
es habitualmente llamado “el siglo de las luces”.
Se difundió entre burguesía y sectores de la aristocracia. Consideraba que el pensamiento racional
era la única forma de acceder al conocimiento verdadero. Se llegaba a conocer el mundo a través
del razonamiento, la observación y la experimentación y consideraba las creencias populares y la
religión como supersticiones.

6. Es el conjunto de cambios económicos y tecnológicos que
transformó la sociedad agraria y artesanal del Antiguo
Régimen en las modernas sociedades industriales, dotadas de
una dinámica de crecimiento económico sostenido. Se
desarrolló entre 1760 y 1840, y tuvo su origen en Inglaterra.
La gran aumento de la producción industrial a gran escala; la
disminución de los artesanos y el surgimiento de los operarios de
máquinas; la migración de la población del campo a las ciudades;
el enriquecimiento de la burguesía y el surgimiento del proletariado;
el desarrollo de innovaciones tecnológicas; las mejoras en los
medios de transporte; el uso de nuevos materiales como hierro y
acero, el uso de fuentes de energía además del carbón: gasolina,
electricidad y vapor y el desarrollo del comercio a nivel mundial.

7. La Revolución Industrial fue, sin comparación, el
mayor cambio de la historia, siendo un proceso de
transformación tecnológica, económica y social que
trajo consigo un aumento en la productividad del
hombre, y consecuentemente su prosperidad. En la
sociedad actual, todos los aspectos de nuestras vidas
y su producción en masa de bienes provienen de ella:
la Revolución Industrial marcó el inicio de un nuevo
sistema económico, el capitalismo, el sistema
económico por el que se rige el mundo actual, y
supuso una transformación en la organización de la
sociedad, la sociedad de clases, con la aparición del
proletariado.

8. Es una corriente artística que nace en Francia a partir de la segunda mitad del
siglo XIX, considerada como un movimiento pictórico, aunque se expandió a
otras ramas del arte. Fue creado intencionalmente por un grupo de pintores
que se conocían entre sí. Aspiraba a reproducir en sus obras la “impresión”
vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el
momento exacto en que observaban el mundo. El manejo de la luz se
considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la
pintura.
En el impresionismo se usan los colores puros sin mezclar, el hecho
de no ocultar la pincelada, y el darle protagonismo ante todo a la
luz y el color, diluyéndose las formas de manera imprecisa
dependiendo de la luz a la que están sometidas. Una misma forma
cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a
una pintura totalmente distinta. Se caracteriza por ser fiel a la
realidad y por destacar los paisajes. También se eliminaron la
importancia del dibujo, los contornos y las sombras negras.

9. Su importancia como escuela y movimiento, deriva de la forma en que
convulsionó al mundo artístico, rompiendo definitivamente con la tradición
social de su época. Sus predecesores, que favorecían las figuras plenas e
identificables, criticaron fuertemente este estilo, ellos veían en sus obras
increíbles desastres artísticos, llegando a la idea de que no sabían pintar y
por eso hacían manchones indefinidos en los lienzos.
Lo que ellos no sabían era que estaba naciendo con estos pintores una idea
de experimentación sobre la observación de la realidad que luego serviría de
inspiración para nuevas disrupciones en las formas, en el color, en las
proporciones y en todos los elementos que componen a una obra artística. El
impresionismo fue así central para transformar la cultura occidental y el arte
desde entonces hasta la actualidad.
Algunos de los representantes del impresionismo fueron: Édouard Manet,
Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste, Berthe Morisot y Francesco
Filippini.

10. El naturalismo es una corriente literaria, artística y filosófica que
surge como una tendencia dentro del Realismo alrededor de 1860
y cobra importancia entre 1870 y 80. Representaba a los objetos
realistas en un ambiente natural por ello “naturalista” es el arte que
aspiraba a reproducir la realidad de la sociedad humana con el
mayor grado de objetividad y detalle, tanto en sus aspectos más
sublimes y loables, como en los más vulgares y despreciables.
Este arte se defendía en contra de las representaciones
estilizadas e idealizadas (simbólicas) del Romanticismo. Se
caracteriza en sus obras presentando los temas de paisaje,
actividades humanas al aire libre o en relación directa con
animales o plantas. Prefieren los temas campesinos obreros,
en lugar de temas históricos. Las mejores pinturas naturalistas
tienen una calidad casi fotográfica: una calidad que requiere
una cantidad mínima de detalles visuales.

11. Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Fue un litógrafo, pintor
postimpresionista y cartelista francés natural de Albi, que fue todo un
precursor en el diseño del cartel moderno, innovando en cuanto a colores,
efectos y sobre todo las tipografías.
Toulouse hizo de la técnica de la litografía arte y ayudó a establecer la función
de medio directo que tiene actualmente el cartel publicitario. En 1884 montó
su propio estudio en el barrio de Montmartre, centro destacado de ocio
nocturno que contaba con importantes locales en los que se refugiaba e
inspiraba para crear sus carteles. Los dueños de estos cabarets quedaron
asombrados de su potencial artístico, y reclamaban sus carteles para
promocionar sus espectáculos.
La prostitución se convirtió en el tema principal de su obra, junto con los
actores y bailarines. Su otra pasión era ridiculizar a los poderosos, lo que se
nota en sus carteles que simbolizan la hipocresía de la vida privada en los
cabarets de muchos burgueses, convirtiéndose prácticamente en un cronista
social.

12. Henri era muy observador lo
que le permitía captar la
psicología y actitudes de los
personajes a los que
representaba, exageraba los
gestos y caricaturizaba el aspecto
y semblante de sus modelos para
acentuar así su expresividad.
Toulouse-Lautrec's, elevó el
estado del cartel a la categoría
de arte. Las exposiciones, los
expositores y los distribuidores
del cartel proliferaron,
satisfaciendo la demanda del
público por el cartel.

13. En Reino Unido, a finales del siglo XIX, el diseñador y
arquitecto William Morris fundó este movimiento para
poner en valor la creación artesanal frente a la
despersonalización de los productos en masa de la
Revolución Industrial. Se extendió por Europa como
una tendencia de diseño, perdiendo el compromiso
social con el que fue concebido, lo que da paso al Art
Nouveau.
• Uso de líneas serpenteadas y asimétricas.
• Simplicidad de formas.
• Volúmenes llanos y lineales.
• Primera fase: inspirada en vegetales y animales de la naturaleza.
• Segunda fase: Más abstracta, inspirada en el movimientos y criaturas
míticas.

14. Entre las ideas más características del Arts & Crafts no solo se
encuentran principios estéticos, sino también filosóficos, éticos y
políticos. Algunos de los más destacados eran: El rechazo de la
separación entre arte y artesanía y el diseño de los objetos útiles
que es considerado una necesidad funcional y moral.
Este movimiento rescató lo que fueron las artes y oficios
medievales y se incluyó en el diseño, la decoración, la
arquitectura y las artes. Su influencia llega hasta hoy en sus
diferentes interpretaciones: su gusto por lo orgánico fue
utilizado por el art decó y el art nouveau, los que también
eran un intento por borrar las jerarquías dentro de las
expresiones artísticas. Pero, lo más importante, fue la idea de
que el hombre es capaz de crear cosas bellas, útiles y únicas
la que prevalece hasta hoy en conceptos dentro del arte
decorativo actual como el “Do It Yourself (DIY)” o “Hágalo
Usted Mismo” en español.

15. El Art Nouveau (del francés “arte nuevo”) es un movimiento cultural que
nació a finales del siglo XIX, cuando los artistas muestran cierto
cansancio ante la falta de originalidad del arte occidental, es lo que hoy
llamamos Modernismo. Tuvo como objeto modernizar el diseño y crear
un nuevo lenguaje artístico que huyese del eclecticismo de otros estilos
artísticos históricos. Se manifestó, ante todo, en el diseño gráfico, la
fotografía, las artes visuales, la arquitectura y el diseño de joyas, muebles
y objetos.
Es característico de este arte el uso de formas y líneas onduladas, libres y
casi nunca rectas; el desborde de detalles pero en un sentido calmado o
elegante, el relleno de todo el espacio (horror vacui) , los colores, las
figuras femeninas delicadas, pálidas y muy sensuales y la inspiración en
el arte japonés. A diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los
materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo
moderno.

16. El Art Nouveau se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas,
como en la ilustración de libros y revistas, en soportes como paneles
decorativos, papel pintado, estampados textiles y en el cartelismo. El Art
Nouveau convierte el cartel publicitario en un objeto bello y sofisticado,
en un objeto de arte, incluyéndose en las exposiciones y galerías. Pero
también se hizo popular porque consiguió fusionar lo práctico y lo
exclusivo. Los llamativos carteles podían adquirirse a bajo precio, lo que
era un incentivo para los artistas, que veían cómo las personas sencillas
eran receptivas a sus novedosas ideas expuestas con claridad. El cartel
Art Nouveau fue un vehículo de comunicación visual entre el artista
(quienes anhelaban cambiar la sociedad a través del arte) y el pueblo.
Alfons Mucha, de origen checo, fue muy influyente e imitado por sus
carteles de diseños con predominancia de la figura femenina y un
excelso arte lleno de delicadeza que le permitió obtener importantes
trabajos internacionales, siendo sin duda el exponente de un estilo
artístico comercial.

17. Fue una influyente escuela de diseño fundada por el arquitecto Walter
Gropius en 1919. La Bauhaus se traduce como “casa de construcción”
y es que aunaba diseño, arte y arquitectura para aportar una estética a
los productos industriales sin perder la funcionalidad.
Aplica características geométricas, anti-ornamentales y minimalistas; la
fotografía es la nueva imagen moderna junto con la tipografía; se establece una
jerarquía tipográfica para dirigir la atención del espectador; la función se
prioriza respecto a la decoración; la simplicidad como estilo de interiorismo y
de vida; los colores eran los básicos y primarios; buscó unificar las disciplinas
estéticas, desde la pintura hasta el diseño de muebles, todo giraba en torno al
diseño y la fusión de la tradición artesanal con la tecnología moderna.

18. La escuela sentó las bases para el diseño moderno actual. Su objetivo era
reformar la enseñanza de las artes con el fin de transformar la sociedad
burguesa. Su ideología principal era la de simplificar los objetos a sus
formas más simples geométricamente, lo que se indica en la frase “la
forma sigue a la función” que aún en el diseño actual está presente.
Antes de la Bauhaus el diseño industrial y gráfico no existían como
profesiones, de modo en que fueron concebidas dentro de esta escuela y
se establecieron las bases normativas y los fundamentos académicos tal y
como los conocemos en la actualidad, incorporando una nueva estética
contemporánea.
Algo transcendente de sus aportaciones es la equiparación del diseño
gráfico a las bellas artes, la Bauhaus inaugura el campo de las artes
visuales, uniendo los principios artísticos con los del diseño gráfico. El
aporte tipográfico también fue significante, se crearon varias fuentes
tipográficas, destacándose la Tipografía Universal que fue producida por
Herbart Bayer.

19. El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más
tarde, en 1960 en Estados Unidos. Estaba inspirado en la cultura de masas y
el imaginario del consumo capitalista y se caracterizó por su estética popular y
comercial, los elementos y personajes que aparecen en el Pop Art son
recuperados de los medios de comunicación, el cine, pósters publicitarios y
cómics de la época.
El arte pop buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista
cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas
o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún
elemento cultural usualmente a través del uso de la ironía. Las obras reflejaban
una crítica a la sociedad, caracterizada por el consumismo, la importancia de
la imagen, el materialismo y la moda. Las técnicas que se utilizan son el
collage, la serigrafía y la sobreposición de las imágenes.
Una de las figuras más emblemáticas de este movimiento es Andy Warhol, exponente que goza de vigencia en
sus obras hasta el día de hoy. Sus obras destacan por la reproducción y carga visual del color de sus imágenes.

20. El arte óptico, también llamado Op Art, puede definirse como un tipo de
arte abstracto o concreto que consiste en formas geométricas que crean
varios tipos de ilusión óptica. Es un tipo de arte muy científico, donde la
expresión de los sentimientos queda en segundo plano. Su fin es que el
espectador tenga la sensación de movimiento como consecuencia de los
efectos y dinamismo que se contempla en los espacios planos, que al
observarlo toma forma tridimensional con movimientos.
Es originario de Hungría y uno de los más exponentes interesados del arte
abstracto, fue considerado el pionero del arte óptico con la obra Zebra.
Vasarely desde su desempeño como diseñador gráfico comercial en París en
los años treinta y cuarenta, hasta sus últimas décadas, promovió un nuevo
lenguaje visual para el arte y el diseño arquitectónico. Evolucionó como un
artista único cuya precisión técnica fue acompañada por una conciencia
científica sobre geometría y percepción.

21. El arte cinético tuvo su origen en París hacia la segunda mitad del siglo
XX y al igual que el arte óptico, es una corriente artística basada en la
estética del movimiento. Este tipo de arte rompió los paradigmas de la
escultura y la pintura estática, ya que la exposición de estas grandes
obras buscó no solo que se reflejara el movimiento sino que sí tuvieran
movimiento.
El movimiento con el que es conocido este arte también incluye trabajos
tridimensionales que tienen movimiento mecánico o los móviles sin
motor. Otra modalidad de estas obras es el movimiento lumínico que
consiste en los cambios constantes de la luz, color y trama.
En el cinetismo, el espectador no se limita a recibir la imagen puesta
frente a su retina, sino que por medio de sus ojos y su mente se hace
constructor activo de la obra.Entre sus representantes más notables se
encuentran Alexander Calder, Víctor Vasarely, Jesús Soto, Julio Le Parc,
Naum Gabo y Carlos Cruz Díez, entre otros.

22. Es un movimiento artístico integrado en las vanguardias modernistas
europeas. Surgió en 1910 con la aparición de la obra Primera
acuarela abstracta del pintor ruso Kandinsk. Resulta del impresionismo
y la forma y el color tienen un papel muy importante, expresando una
sensación de libertad en el arte y su creación en sí mismo, es decir,
es un arte que se aleja de lo figurativo y no pretende imitar ni
reproducir elementos reales o naturales, dándole privilegio a las
sensaciones.
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura, nacido a finales de los
años 60, que reproduce la realidad con una nitidez y definición muy
parecida a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o
escultóricas que hacen la imagen aún más vívida que la fotografía. Es un
arte que quiere copiar la realidad milímetro a milímetro, por lo que no
suele haber huellas de pinceladas, se elimina toda materia e incluso toda
emoción o sentimiento.

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Materia: Historia del Diseño Gráfico
Alumna: Fiorella Castellanos
Profesora: Belkis Coromoto Sotillo
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