Arte gótico

ARTE GÓTICO 1
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

ARTE GÓTICO

1. INTRODUCCIÓN
El Gótico es el estilo que imperó en Europa occidental desde mediados del siglo XII hasta el primer
tercio del siglo XVI. En Italia en el siglo XV fue progresivamente sustituido por el arte renacentista.
Nace en la región de París, se extiende rápidamente por Inglaterra y España, más tardíamente por
Alemania y, como hemos dicho, apenas por Italia donde nacía y se desarrollaría el Renacimiento.
El término gótico nació en Italia en el siglo XVI, con connotaciones peyorativas. Fue acuñado por Vasari
para calificar como bárbaro, propio de los godos, al arte de la Edad Media, en oposición al ideal
renacentista. El siglo XIX, en el contexto del Romanticismo, se entusiasmó con el mundo medieval y
revalorizó el arte gótico.
El contexto histórico del arte gótico fueron los siglos finales de la Edad Media, una época de
profundas transformaciones económicas, políticas y sociales. En estos siglos se desarrollaron las
ciudades, que adquirieron cada vez más peso en lo artístico, en lo político y en lo económico. En las
ciudades surgió una nueva clase social, la burguesía, que emergía a la vez que se iniciaba el declive
feudal. En las ciudades aparecieron también nuevas instituciones culturales, las universidades, que
quebraron el monopolio, aunque no el predominio, de la cultura religiosa. Fue asimismo la época en que se
consolidó el poder de los reyes, fundamentado jurídicamente en la recuperación del derecho romano.
El cambio en la economía fue tan profundo que está en la base de las restantes transformaciones:
renació la artesanía, se desarrolló el comercio, se consolidaron los gremios, surgieron las primeras
instituciones comerciales precapitalistas.
También hubo importantes cambios culturales que se manifiestan sobre todo en la progresiva
secularización de la cultura. El trascendentalismo románico, empieza a ser sustituido por una religión
más humana, por una mayor valoración del hombre y de la naturaleza, considerados bellos en sí mismos
por reflejar la belleza divina.
Otro aspecto importante fue la actitud de la Iglesia. En el siglo XII tuvo lugar la reforma cisterciense,
conducida por San Bernardo de Claraval. En el siglo XIII se crearon nuevas órdenes como la de los
franciscanos o las de los dominicos que se instalaban ya en las ciudades y contribuyeron al cambio de
mentalidad puesto que participaban intensamente en los centros universitarios y difundían la idea de la
belleza como obra de Dios.
No todos los siglos del Gótico fueron de progreso; en el XIV se produjo una profunda crisis. Afectó
a las actividades económicas, a las relaciones entre países (Guerra de los Cien Años), a la demografía
(Peste Negra), a la religión (Cisma de Occidente), a las conciencias y, por supuesto, al arte. Entre las
consecuencias inmediatas de la crisis hubo una exaltación de las formas de religiosidad individual y una
doble manera de entender la vida: la actitud vitalista y mundana de unos se contraponía a los fatalistas,
obsesionados por la muerte. En paralelo surgieron dos formas de concebir el arte, una superficial,
refinada y de evasión, junto con otra caracterizada por un profundo dramatismo trascendente.
En España durante esos siglos se produjeron grandes acontecimientos históricos. Tras la victoria de
Las Navas de Tolosa (1212) contra los almohades, se llevó a cabo el mayor avance reconquistador de los
reinos cristianos que ocuparon, a lo largo del s. XIII, los territorios de Córdoba, Sevilla, Valencia,
Mallorca y Murcia. Sólo quedaba en manos musulmanas el reino de Granada, conquistado en 1492 por los
Reyes Católicos. Fue también una época de expansión exterior de la que son los mejores ejemplos la

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proyección territorial y comercial de la Corona de Aragón en el Mediterráneo y, por parte de Castilla la
ocupación de las islas Canarias y el desarrollo del comercio con Flandes. Al finalizar el periodo, el
matrimonio entre Isabel de Castilla y Fernando de Aragón puso las bases para una futura unidad
peninsular.

2. ARQUITECTURA GÓTICA
2.1. Los edificios góticos. La catedral
Tanto en la esfera civil como en la eclesiástica, el crecimiento de las ciudades planteó nuevos problemas
arquitectónicos. Se necesitaban nuevos tipos de edificios acordes con las necesidades de las
instituciones de gobierno municipal, de los gremios, del comercio y hasta de los nobles que fijaban su
residencia en las ciudades. Por eso, con el arte gótico asistimos a un inusitado florecimiento de la
arquitectura civil. Se construyen ayuntamientos (Bruselas, Lovaina) y otros palacios para organismos
públicos (palacio de la Señoría de Florencia, palacio de la Generalidad de Barcelona), lonjas
comerciales (Ypres; Palma de Mallorca), palacios urbanos (palacio Ducal en Venecia), hospitales (Hotel
Dieu de Beaune), castillos (Bellver en Palma de Mallorca), atarazanas (Barcelona), casas gremiales, etc.
Otro tanto sucede con la arquitectura eclesiástica; la aglomeración urbana precisaba de edificios más
amplios y por ello proliferaron las catedrales. La catedral es el edificio arquetípico del arte gótico,
pues la arquitectura religiosa mantuvo su papel normativo y en ella se generaron y experimentaron las
innovaciones técnicas:
Es la iglesia urbana por excelencia, sede episcopal (la palabra catedral deriva de cátedra, trono
del obispo) y símbolo de la importancia de la ciudad. Refleja la capacidad económica y
artística de la urbe ya que se construye con las aportaciones que hacen los ciudadanos a lo largo
de generaciones. Por supuesto es también la casa de Dios y, como tal, su forma y sus elementos
tienen, como en el románico, valores simbólicos: el abad Suger nos explica que las columnas
aluden a apóstoles y profetas, que la bóveda es el símbolo de Cristo o que la luz que filtran las
vidrieras abre al hombre el camino para ver la verdadera luz de Dios.
La planta típica de la catedral gótica es la basilical, con una nave central amplia y muy elevada y
una o dos laterales a cada lado. Tiene transepto y en el crucero un cimborrio exterior, que a
veces presenta forma de flecha. La cabecera es generalmente macrocéfala, formada por una
capilla central profunda y una o dos girolas con corona de capillas radiales.
El alzado más usual viene caracterizado por la notable elevación de la nave central, constituida
por tres alturas: las arquerías que comunican con las naves laterales, el triforio (andito o pasillo
abierto hacia la nave mediante arcos, que sustituye a la tribuna románica) y el claristorio de
ventanales.
La catedral tiene una o tres fachadas, la más monumental a los pies y las otras dos en los
brazos del transepto. Responden a un modelo formado por un cuerpo central, cuya altura
alcanza la de la nave mayor, y dos torres laterales mucho más elevadas, que algunas veces
acaban en terraza pero la mayoría culminan en agujas. En la parte inferior se abren los portales,
que son muy abocinados, con los arcos frecuentemente subrayados por gabletes. Sobre ellos
puede haber galerías con arcos o frisos con esculturas y un gran rosetón. Abundan los
elementos decorativos.


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2.2. Estructura arquitectónica
La estructura del edificio gótico está constituida por un esqueleto equilibrado y dinámico formado por
arcos, bóvedas, pilares, arbotantes y contrafuertes, que se completa con muro y vidrieras. Para evitar
que la lluvia deteriore las bóvedas, las protegen con un tejado de doble vertiente. Es un sistema
orgánico, de elementos especializados y articulados, que recogen las cargas verticales y trasladan las
presiones laterales, y que permite construir edificios de gran altura y aligerar los muros para abrir
amplios ventanales.
Los elementos sostenidos de la arquitectura gótica son el arco apuntado y la bóveda de crucería:
El arco apuntado está formado por dos segmentos de circunferencia que se cortan. Es el
elemento estructural que, por su esbeltez y por transmitir las cargas más verticalmente que el
arco de medio punto, permitió el aumento en altura del edificio y la apertura de grandes vanos.
El arco gótico clásico tiene la misma anchura que altura, pero en el siglo XIV fue muy frecuente
el alancetado (muy apuntado) y en el XV el rebajado, además de dos arcos nuevos, el carpanel y
el conopial.
La bóveda de crucería está formada por un armazón estructural de nervios. La más sencilla es
la cuatripartita cuyo esqueleto consta de dos arcos formeros y dos fajones, que delimitan un
rectángulo, y dos ojivas diagonales que refuerzan las aristas y, al cruzarse, originan la clave. Los
huecos que quedan entre los nervios se rellenan con paños cóncavos, llamados plementos. Es una
estructura sólida y ligera, que se puede adaptar a espacios poligonales más complicados que el
rectángulo. En el siglo XIV surgieron las bóvedas de terceletes, con nervios menores, y en el XV
se añadieron múltiples nervios pequeños y combados dando lugar a las bóvedas estrelladas.
Los elementos sustentantes del esqueleto gótico son los pilares, los contrafuertes y los arbotantes:
Los pilares reciben, en el interior, las cargas verticales de las bóvedas y las trasladan hasta el
suelo. Son soportes robustos que están recorridos verticalmente por finas columnas adosadas
en que se apean las ojivas y arcos de las bóvedas. Cuando, en el gótico final, estas finas
columnas (baquetones) se multiplican originan el pilar fasciculado. Los pilares suelen adornarse
con un capitel corrido que une todas las columnas a modo de cinta, decorada con motivos
vegetales.
En el exterior, los arbotantes (arcos aéreos rampantes) transmiten los empujes laterales de las
bóvedas a los contrafuertes o estribos. Sirven también para canalizar el agua que baja de los
tejados y la expulsan a través de las gárgolas.
Los contrafuertes reciben, en torno al edificio, las presiones laterales y las trasladan hacia el
suelo. Sobre los contrafuertes, con una función a la vez ornamental y de contrapeso, se
disponen unos pequeños pilares apiramidados, llamados pináculos.
El muro modifica su función arquitectónica tradicional. Pierde gran parte de su papel sustentante y
queda casi limitado a cerrar el espacio, por lo que puede abrirse en múltiples y amplios vanos, sean
ventanales verticales o rosetones circulares. Unos y otros tienen maineles y tracerías caladas para
soportar las vidrieras. La forma de las tracerías evoluciona a lo largo de los siglos. Así, en el XIII, un
mainel divide en dos el vano y lleva pequeños rosetones trifoliados de lóbulos curvos, cobijados bajo el
arco mayor del ventanal. En el XIV aumenta el número de maineles y los lóbulos se hacen apuntados. En
el siglo XV se imponen las tracerías flamígeras con curvas y contra curvas que parecen llamas.


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2.3. Espacio y volúmenes del edificio gótico
En la arquitectura gótica predomina el vano sobre el macizo, de lo que deriva una de las principales
características de su espacio interior: la luz coloreada y fragmentada que penetra por las vidrieras
crea un ambiente metafísico y espiritual. El interior gótico es, además, un espacio en tensión entre dos
impulsos, uno vertical y ascendente, creado por la elevación de la nave, la altura a que están situados los
vanos, las forma de los arcos apuntados y los baquetones de los pilares; y otro longitudinal hacia la
cabecera promovido por el ritmo de las arcadas y los pilares que conducen hacia el ábside como ocurre
en todas las plantas basilicales.
Los volúmenes exteriores quedan definidos por la apariencia monumental, el carácter atectónico y la
tensión ascendente. La monumentalidad deriva de las grandes dimensiones del edificio, mientras que la
tendencia ascensional viene dada por los arbotantes rampantes, la verticalidad de los pilares, la altura
de las torres acabadas en flechas, la aguja del crucero, la forma apuntada de pináculos y gabletes, y la
decoración, que en su mayor parte está formada por motivos verticales. Es también una construcción
atectónica, de formas poco definidas y apariencia relativamente liviana. Es la consecuencia de los
pináculos emergentes, de las torres caladas y salientes, de las agujas y flechas, del carácter aéreo de
los arbotantes que permiten que el aire circule entre ellos; todo lo cual integra al edificio en el espacio
y desdibuja los volúmenes.

2.4. Arquitectura gótica europea
El país en que nació el gótico, donde evolucionó y en el que se encuentra la mayoría de las obras
maestras, es Francia:
Al gótico inicial (segunda mitad del siglo XII) pertenecen la cabecera de Saint Denis y la
catedral de Notre Dâme de París, que posee una monumental fachada en H y es el primer gran
edificio construido con arbotantes.
En la primera mitad del siglo XIII encontramos el gótico clásico en el que él se impuso la
bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio y claristorio. La
catedral de Chartres tiene unas proporciones tan equilibradas que la convierten en el
paradigma del clasicismo. La catedral de Reims destaca por la unidad de estilo y su notable
profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en ella eran coronados los reyes de Francia.
La catedral de Amiens, además de su mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio
calado que permite la entrada de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico
radiante. Las tres tienen magníficas fachadas.
El gótico radiante predomina en la segunda mitad del siglo XIII. Se le llama así por la
abundancia y tamaño de los ventanales que prácticamente eliminan el muro. El mejor ejemplo es
la Capilla Santa (Sainte Chapelle) de París, cuyo comitente fue el rey San Luis.
En el gótico flamígero (siglo XV) se acentúa la decoración, se diversifican los tipos de arco, se
complican los nervios de las bóvedas, y se multiplican las claves, muchas de las cuales son
colgantes. Está relacionado con los Países Bajos donde tuvo gran desarrollo. En esta etapa se
inician pocas obras nuevas pero muchas catedrales se completaron con agujas, torres o capillas
añadidas. La ciudad flamígera por excelencia fue Rouen: Saint Maclou y fachada de la
catedral.
Fuera de Francia también hay importantes ejemplos de edificios góticos:


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En Italia, las catedrales de Siena y Milán, el palacio de la Señoría de Florencia y el palacio
de los Dux de Venecia.
Las catedrales de Wells y Gloucester, la abadía de Westminster, y la capilla del King’s
College de Cambridge, en Inglaterra.
En Alemania, las catedrales de Colonia y Ulm.
En los Países Bajos, la catedral de Amberes y la lonja de Ypres.

2.5. Arquitectura gótica en España
Las primeras grandes catedrales góticas españolas se construyeron en el siglo XIII, en la Corona de
Castilla, si bien algunas iglesias del románico tardío, en la segunda mitad del siglo XII, usaron ya la
bóveda de crucería (Catedral de Zamora, San Vicente de Ávila). También se iniciaron algunos edificios
protogóticos como la catedral de Ávila.
Las grandes catedrales castellanas del siglo XIII, las de Burgos, Toledo y León, se inspiran en
modelos clásicos franceses:
La catedral de Burgos se comenzó en 1221, con el patrocinio del rey Fernando III. Su planta
es de tres naves con crucero muy marcado y cabecera macrocéfala con girola. Tiene un
espléndido triforio con tracerías caladas. La monumental fachada se terminó a finales del XV y,
años más tarde, fueron eliminados los portales góticos.
La catedral de Toledo es la más original e hispana. Fue promovida por el arzobispo Ximénez de
Rada, en 1226, y se edificó en el solar de la antigua mezquita mayor, por lo que su planta es muy
ancha, de cinco naves escalonadas, con doble girola y el transepto no marcado en planta. Los dos
rasgos más originales son los arcos lobulados entrecruzados que hay en el triforio de la
cabecera, y la doble girola resuelta con alternancia de tramos rectangulares y triangulares.
La catedral de León, iniciada a mediados del siglo XIII, es la que imita de modo más fiel los
modelos franceses. El principal arquitecto fue el Maestro Enrique, que también había trabajado
en la catedral de Burgos. León copia la planta de la catedral de Reims, aunque mucho más corta,
y su alzado recuerda a la de Amiens por el triforio calado, que confiere a su interior una
diafanidad incomparable. La fachada, terminada en el siglo XV, tiene dos torres, pero separadas
del cuerpo central.
El siglo XIV se caracteriza por la decadencia del gótico castellano y por el auge artístico de la Corona
de Aragón, sobre todo en Cataluña, Valencia y Mallorca, sus estados marítimos mediterráneos. La
Corona aragonesa alcanzó en la primera mitad del siglo XIV una notable prosperidad económica. Las
actividades comerciales impulsaron la creación de un imperio mediterráneo e hicieron posible el
desarrollo de la burguesía, especialmente próspera en Cataluña. Por eso, además de los edificios
religiosos tuvieron gran importancia las construcciones civiles (lonjas, atarazanas, palacios…):
Los edificios religiosos del gótico mediterráneo se caracterizan por los paramentos lisos y las
ventanas pequeñas, ya que el clima es muy luminoso. La nave central suele ser ancha, las
laterales elevadas y los soportes interiores delgados y airosos: por eso, el espacio interior es
diáfano, de notable amplitud espacial. No suelen tener triforio o lo tienen atrofiado. En el
exterior, robustos contrafuertes recogen las presiones, casi siempre sin arbotantes. La
decoración es escasa tanto dentro como fuera del edificio.
En Barcelona hay dos templos importantes: la catedral y Santa María del Mar, la iglesia del
barrio de los mercaderes. Santa María del Mar tiene tres naves cuyas bóvedas arrancan a


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igual altura sobre los esbeltos pilares lisos; su dilatado y armónico espacio interior de es uno de
los más bellos de la arquitectura española. La catedral de Gerona, aunque tiene la cabecera de
tres naves con girola, se continúa con nave única de casi veintitrés metros de anchura, diseñada
por Guillermo Bofill. La catedral de Palma de Mallorca, también muy espaciosa, llama la
atención por su aspecto exterior de fortaleza debido a la gran cantidad de contrafuertes. En
arquitectura civil, destacan el castillo de Bellver en Palma de Mallorca, y las lonjas de la Seda
de Valencia y de Palma de Mallorca, ambas del siglo XV.
Durante el siglo XV, Castilla recuperó la primacía, al quedar la Corona de Aragón muy debilitada tras la
crisis del siglo XIV. En la primera mitad del siglo se construyó la mayor iglesia de España, la catedral
de Sevilla, de cinco naves, en el solar de la Mezquita mayor almohade. La cabecera es renacentista.
En la Segunda mitad del siglo se impuso el gótico flamígero, al que en España se denomina estilo Hispano
flamenco o Reyes Católicos. La exuberancia decorativa recuerda el horror vacui de la tradición
musulmana. El inventario de motivos es inagotable: elementos heráldicos como el águila de San Juan,
escudos, reyes de armas, yugos y flechas; estatuas adosadas, bolas, conchas, puntas de diamante,
cadenas... En todo el edificio la decoración es abundante, pero se concentra sobre todo en las fachadas,
decoradas como si fueran retablos. Hay dos focos principales, uno en Burgos y otro en Toledo.
En Burgos trabajó el alemán Simón de Colonia autor de la cartuja de Miraflores y de la capilla del
Condestable, en la catedral; la espléndida bóveda estrellada de esta capilla impacta por su plementería
calada y sus nervios cairelados. Relacionado con el foco burgalés está el colegio de San Gregorio de
Valladolid.
El principal maestro del foco de Toledo fue el flamenco Juan Guás que fusionó las formas flamencas
flamígeras con la tradición islámica (arcos mixtilíneos, por ejemplo). Su obra más suntuosa es San Juan
de los Reyes, hecha con el mecenazgo de la reina Isabel. El piso superior del claustro tiene arcos
mixtilíneos y la iglesia, de una sola nave, lleva la cabecera cuajada de decoración. También fue obra de
Guas el castillo de Manzanares el Real. Enrique Egas diseñó el hospital de Santa Cruz de Toledo,
importando un modelo rectangular con cuatro patios y capilla en el centro, de origen flamenco, que se
impuso en España.

3. ESCULTURA GÓTICA
Con el renacer de las ciudades, la aparición de la mentalidad burguesa, la difusión de la cultura en las
universidades y el desarrollo del pensamiento escolástico, se planteó la búsqueda de una religiosidad
más humana que vemos reflejada en la escultura tanto en su aspecto formal como iconográfico. En esta
línea es destacable la influencia de escritores religiosos como San Bernardo (en sus Sermones habla de
que el mundo no es un lugar de pecado sino la obra bella de Dios), San Francisco de Asís (recomienda el
acercamiento del hombre a la naturaleza) y de San Buenaventura (destaca el valor de los
sentimientos).

3.1. Características de la escultura
La temática que más se repite es la religiosa. Aunque se siguen representando los temas del arte
románico, hay preferencia por motivos nuevos como los evangélicos, los marianos (de la Virgen María) y
los hagiográficos (vidas de santos), es decir, aquellos que permiten acercarse a los valores humanos.


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Las fuentes de inspiración iconográfica son, además de la Biblia, los Evangelios apócrifos y la Leyenda
Dorada de Santiago de Vorágine (una colección de vidas de santos y de leyendas piadosas).
Podemos resumir las características estilísticas en que se busca la expresividad a través del
naturalismo. Este naturalismo se manifiesta en aspectos como:
Las figuras adquieren volumen y corporeidad, independientes del marco. Sus proporciones
varían de modo que unas veces son figuras estilizadas y otras monumentales y plásticas.
Los pliegues de los ropajes muchas veces se adaptan a la anatomía corporal con aire clásico,
otras se acartonan en busca de plasticidad, o bien se acumulan movidos a los pies de las figuras.
Los rostros se individualizan y se tornan expresivos. Se vuelve a representar los sentimientos
de tristeza, alegría, dolor, ternura…
Las posturas adquieren naturalidad, usándose el contraposto.

3.2. Modalidades y ejemplos
Imágenes de devoción. Predominan las imágenes de Cristo crucificado y de la Virgen con el Niño. En el
primero se acentúa la expresión dramática y las manifestaciones de dolor: va coronado de espinas, tiene
tres clavos y lleva un pequeño paño de pureza; el cuerpo aparece arqueado por el peso y el dolor. La
Virgen tiene aspecto y gestos maternales. Sonríe y mira tiernamente al Niño o juega con Él. Si está de
pie su cuerpo se arquea en contraposto por el peso de su hijo. A partir del siglo XIV, las figuras se
hacen más dramáticas y aparece el tema de la Piedad. Entre los ejemplos destacados es imprescindible
referirse al Calvario que Klaus Sluter hizo para la Cartuja de Dijon; se ha perdido la imagen del
Crucificado pero se conserva el magistral Pozo de Moisés, que le servía de basamento: va decorado con
las figuras de los cuatro profetas mayores, en un estilo monumental que anticipa a Miguel Ángel. La
Virgen Blanca de la Catedral de Toledo es uno de los ejemplos más hermosos de tema mariano.
Escultura monumental. Aparece sobre todo en los portales de las fachadas, aunque la encontramos en
otras muchas partes del edificio como en las torres, los pináculos, los pilares, las gárgolas, etc. La
ubicación de la escultura en las portadas mantiene básicamente la distribución románica, con algunas
modificaciones como, por ejemplo, que las figuras de las arquivoltas se disponen siguiendo la dirección
de la rosca, que las esculturas van sobre ménsula y bajo dosel, y que el tímpano se divide en registros
(en el siglo XIII en tres, en el XIV en cinco y en el XV se tiende a la escena única):
Siglo XIII. La región de París, fue el primer hogar de la escultura gótica, del que irradió a
otras regiones de Francia y a los demás países europeos. Las cuatro grandes catedrales
francesas de París, Chartres, Amiens y Reims tienen excelentes portadas, varias de ellas
dedicadas a la Virgen.
En Amiens la imagen más importante es el Beau Dieu, situado en la fachada principal, una figura
todavía rígida, pero llena de majestad y clasicismo. En la portada de la Virgen Dorada, de
finales del siglo, la estilizada figura de María del parteluz, sonríe al Niño con dulzura.
La catedral de Reims conserva un excelente conjunto escultórico debido a varios maestros. Las
esculturas más interesantes son el grupo de la Anunciación, perteneciente al llamado Maestro
del ángel de la sonrisa. Otro maestro destacado es el de las figuras antiguas, que se inspira en
la escultura clásica y el autor de la Visitación, en que la acusada diferencia de edad entre la
Virgen María y su prima Isabel pone de manifiesto el humanismo gótico.
Alemania destaca por su tendencia expresionista, en obras como el tímpano de la portada del
Juicio Final de la catedral de Bamberg. La catedral de Estrasburgo (ciudad que formaba


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parte del Sacro Imperio alemán) tiene una escultura más parecida a la francesa, como vemos en
la Sinagoga, una grácil figura con revoloteo de pliegues en la parte inferior, obra de la
escultora Sabina von Steinbach.
Durante el siglo XIII hay en Castilla dos centros destacados, Burgos y León. En la catedral de
Burgos se conservan las dos portadas del transepto y otra que da al claustro. La más importante
es la del Sarmental, cuyo tema (Cristo y Tetramorfos) es románico, aunque las figuras de los
evangelistas que están escribiendo en sus pupitres son naturalistas. Entre las esculturas del
claustro son especialmente hermosas las de Alfonso X el Sabio y su esposa.
Los maestros de León funden la tradición y la novedad. La portada del Juicio Final, en la
fachada principal de la catedral, es la obra maestra: el relieve del dintel, en el que aparecen
justos y pecadores, destaca por el virtuosismo y minuciosidad; por su parte la Virgen Blanca del
parteluz, considerada la mejor escultura castellana de la época, es muy clásica.
En el siglo XIV se decora la catedral de Toledo, con un programa en el que la Virgen tiene la
absoluta primacía: la portada más importante es la puerta del Reloj. También merece citarse la
puerta Preciosa del claustro de la catedral de Pamplona.
Los sepulcros pueden ser exentos o adosados bajo arcosolio. Los exentos llevan sobre la tapa la imagen
yacente del difunto, como en un lecho; si es un sepulcro matrimonial aparecen ambos cónyuges. Los
personajes están representados con los ojos abiertos o dormidos, vestidos con ropas ceremoniales de
su rango y con un animal acostado a sus pies, un perro, si es la tumba de una mujer, un el león si es la de
un hombre. Los frentes del sepulcro se decoran con escudos heráldicos y con otros motivos figurativos:
en el siglo XIII se prefiere representar el cortejo fúnebre; a finales del XIII y en el XIV son
frecuentes las figuras de santos; desde final del siglo XIV se pusieron de moda los plañideros
encapuchados.
Uno de los mejores sepulcros del siglo XIII es el del Infante Don Felipe en Villalcázar de Sirga,
perteneciente a la escuela burgalesa, la más importante de Europa. Del siglo XIV es el del duque de
Borgoña Felipe el Atrevido, en Dijon, hecho por Klaus Sluter, el escultor de la corte borgoñona, que
puso de moda el tema de los encapuchados. La obra maestra del siglo XV en España es el de los reyes
Juan II y su esposa en la Cartuja de Miraflores, de Gil de Siloé.
También es obra de Siloé uno de los mejores sepulcros de arcosolio. En éstos el difunto puede
aparecer yacente pero también arrodillado, en actitud orante, o recostado. Orando de rodillas sobre un
reclinatorio está el Infante Don Alfonso, obra de Siloé, en la Cartuja de Miraflores, mientras el
Doncel de Sigüenza, de Sebastián de Almonacid, aparece recostado leyendo.
Los retablos son conjuntos de tableros de madera ensamblados, decorados con esculturas o pinturas,
que se colocan detrás del altar. Aunque surgieron en el siglo XIV, la época de auge del retablo gótico
fue el siglo XV, en especial en los Países Bajos, Alemania y España. La escultura de los retablos se talla
en bulto redondo o en relieve y se dora, es decir, se recubre con pan de oro. El más grandioso y
monumental de los retablos españoles de este periodo es el de la catedral de Toledo, obra de varios
maestros. Mucho menor es el tríptico de Covarrubias, que representa la Epifanía. Gil de Siloé hizo el
de la cartuja de Miraflores.
En el Gótico encontramos otras modalidades escultóricas:
Las sillerías son conjuntos de sitiales para el coro, tallados generalmente en madera y
decorados con relieves en los respaldos, brazos, doseles y misericordias. El maestro Rodrigo


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Alemán, a finales del siglo XV, es el autor de la sillería baja de la catedral de Toledo, que
decoró con temas de la recién terminada guerra de Granada.
Las puertas monumentales eran de bronce fundido. Las más destacadas se hicieron en Italia,
como las del baptisterio de la catedral de Florencia, de Andrea Pisano.

4. PINTURA GÓTICA
Debido a la estructura del templo gótico, que presenta escasas superficies para la pintura mural, se
desarrollaron nuevos campos pictóricos en retablos, trípticos, vidrieras, tapices, miniaturas, etc. La
pintura de los siglos del Gótico no es homogénea estilísticamente, sino diversa y multiforme; se
presenta como un arte en evolución cronológica y con diferencias regionales. Por ello es más correcto
que hablar de pintura gótica, referirse a las escuelas pictóricas de la época del Gótico.

4.1. Características
Técnica y soportes. Para la tabla, que es el soporte más utilizado, se utiliza la técnica del temple. La
pintura mural emplea el fresco seco sobre el muro enfoscado pero tuvo poca importancia salvo en Italia
y en las regiones mediterráneas de la Corona de Aragón. Desde Flandes, en el siglo XV, se difundió el
óleo sobre tabla.
Rasgos de estilo. No hay un estilo definido, sino que evoluciona desde una pintura puramente lineal, que
imita la vidriera, falta de espacio (muchas veces con fondos dorados) y de colores planos y puros, hasta
adquirir la sensación de corporeidad y de volumen mediante la matización cromática y la gradación de la
luz y la sombra. Asimismo se inicia la búsqueda del espacio pictórico con formas de perspectiva
rudimentarias, pero progresivamente más correctas.
Se representan los mismos temas de la escultura, es decir, los evangélicos, los marianos y los
hagiográficos, enfocados de forma narrativa. Para resaltar los valores humanos, escenas y figuras
buscan el naturalismo e intentan expresar sentimientos y emociones, aunque muchas veces pecan de
ingenuidad.

4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)
Italia, una de las regiones más prósperas de la Europa bajomedieval, fue la cuna, en el siglo XIV, de una
importante actividad pictórica, mural y sobre tabla, trascendental para la evolución del arte occidental.
A estos maestros se les ha denominado primitivos, por iniciar una tradición pictórica que desembocó en
el Renacimiento Su rasgo más característico es el acercamiento directo a la realidad, quizás por
influencia de la religiosidad franciscana. Forman dos escuelas, una en Florencia y otra en Siena.
La Escuela de Florencia fue iniciada, a finales del siglo XIII, por Cimabue (Madonna
entronizada, Uffizi), un pintor de estilo aún muy bizantino, maestro de Giotto.
Giotto ha sido valorado como el padre de la pintura moderna por sus aportaciones a la
plasticidad pictórica. Conocemos de su vida lo que nos cuenta Vasari, que lo presenta como el
primer pintor con prestigio social y bien pagado, considerado un renovador por sus
contemporáneos. Las figuras que pinta Giotto son sólidas y monumentales, de apariencia pesada.
Solía colocar personajes en primer plano, vueltos de espaldas, para que destaque su masa
corpórea y sirvan de referencia espacial. Intensifica los sentimientos en un afán de resaltar la
humanidad de los personajes: para ello confiere dramatismo al ambiente y busca la unidad


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psicológica mediante gestos teatrales. Ambienta las escenas en marcos reales con paisajes o
ámbitos urbanos pero estereotipados como si se tratara de un decorado teatral. La luz actúa
con una doble función, plástica para acentuar la sensación de espacio, y expresiva para dar
unidad a las composiciones.
A Giotto pertenecen la Madonna entronizada de los Uffizi y el Crucificado de Santa María
Novella, ambos en tabla, y las pinturas murales de Asís, sobre la vida de San Francisco. Su
obra maestra son los frescos de la capilla Scrovegni, en la Arena de Padua, con escenas tan
conocidas como Abrazo ante la Puerta Dorada, Llanto sobre Cristo Muerto y el
Prendimiento.
Escuela de Siena. Mientras Florencia se encaminaba hacia el Renacimiento a través de los
hallazgos de Giotto, Siena permaneció más ligada al Gótico. Se mantuvo viva la tradición
bizantina y predominó una concepción lineal a base de un dibujo caligráfico y sinuoso, que se
detiene en el detalle y en lo anecdótico. Los pintores de Siena buscan lo delicado y lo agradable
a través de la estilización, de la expresión soñadora y del colorido preciosista. La plasticidad
queda en un segundo plano.
El creador de la escuela fue Duccio, autor de la Maestá de la catedral de Siena, pero el
principal representante es Simone Martini. En la Anunciación, del museo florentino de los
Uffici, podemos admirar su estilo de suaves líneas onduladas con el que crea personajes
esbeltos, de rostros ovalados, boca pequeña y ojos oblicuos.
Los hermanos Lorenzetti mezclan las características sienesas con la influencia florentina en
obras como los frescos alegóricos del Buen y Mal Gobierno, en el Palacio público de Siena.
España recibió la influencia de ambas escuelas italianas. En el Museo del Prado está el retablo del
arzobispo Sancho de Rojas, anónimo, de tradición florentina. Pero fue más importante el influjo de los
pintores de Siena, que se manifiesta sobre todo en la Corona de Aragón, en obras como el retablo de
Tobed, de los Hermanos Serra.

4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)
Se les denomina primitivos, como a los italianos, por ser los creadores de una de las tradiciones
pictóricas de mayor brillantez en la historia de la pintura europea. La pintura flamenca nació, como un
arte urbano y burgués, en las ricas ciudades de los Países Bajos, en Brujas, Amberes, Gante, Ypres,
Bruselas. La prosperidad económica de esta región se debía a una boyante agricultura, una floreciente
industria de paños y un activo comercio internacional. El territorio estaba gobernado por los duques de
Borgoña. La Iglesia, los propios duques y sobre todo la emergente burguesía eran los mecenas de la
pintura flamenca.

a) Características del estilo
El soporte que utilizan es la tabla, cuidadosamente seleccionada, curada durante años y con imprimación
de blanco de plomo.
La técnica es el óleo, en el que aglutinan los pigmentos con aceite de linaza o de nuez, a los que añaden
un secativo. Su aplicación permite trabajar lenta y cuidadosamente y superponer los colores mediante
veladuras. Para terminar el cuadro aplican un barniz protector. Consiguen obras de intensa brillantez y
acabado perfecto como si fueran de esmalte.
El colorido es de gran riqueza, con tonos vivos de infinitos matices, luminosos y translúcidos.


ARTE GÓTICO 11

Prefieren la temática religiosa, pero la novedad estriba en su tratamiento. Influidos por los gustos
burgueses, afrontan los temas con un realismo directo y ambientan sus escenas como interiores de
viviendas de la época. La temática religiosa suele ir acompañada de un marcado simbolismo que dificulta
la interpretación de la obra. También pintan retratos y paisajes.
La búsqueda de la realidad se manifiesta en el detallismo y en el interés por la tercera dimensión. El
primoroso dibujo define las formas y los objetos con gran minuciosidad, captando cada detalle como en
una miniatura. Las figuras tienen apariencia monumental ya que los abundantes pliegues de las
vestiduras son acartonados, de acuerdo con la tradición escultórica de Klaus Sluter. Utilizan con mimo
la luz para degradar los tonos y dar volumen a las figuras. Con el dibujo, la luz y el color consiguen una
excepcional captación de las calidades táctiles de los objetos: paños, cristal, metales, joyas.
El espacio gana profundidad mediante el empleo de líneas de fuga, aunque no emplean perspectiva
científica sino intuitiva. Para fingir la sensación espacial usan también otros procedimientos como el
efectismo de los espejos cóncavos o la asociación de dos espacios sucesivos (el interior se abre hacia un
paisaje exterior profundo).

b) Evolución de la pintura flamenca
Es frecuente hablar de tres generaciones de pintores:
La primera generación estuvo formada por Van Eyck, Campin y Van der Weyden.
Según una tradición inexacta, los hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, fueron los creadores de la
técnica del óleo. Realizaron conjuntamente, para la catedral de San Bavón en Gante, el Políptico
del Cordero Místico, aunque no se sabe cuál fue la aportación de cada uno, ya que el mayor,
Humberto, murió antes de finalizada la obra. El tema del políptico es una compleja iconografía
teológica en torno a la Redención. Jan Van Eyck, el hermano menor, trabajó al servicio del duque
de Borgoña y de su corte. De él conservamos retratos como el excepcional Matrimonio Arnolfini
y cuadros religiosos de la Virgen, acompañada de donante, como la Virgen del Canciller Rollin y
la Virgen del Canónigo Van der Paele. En todas ellas nos muestra su maestría cromática y la
precisión en la apariencia táctil de los objetos.
Robert Campin tiene un estilo más gótico que los Van Eyck, como queda de manifiesto en la
deliciosa Santa Bárbara del Museo del Prado.
Roger Van der Weyden, discípulo de Campin, concibe las figuras con sentido escultórico en
contraste con el escaso interés que muestra por los fondos espaciales, en los que emplea con
frecuencia el oro. El Descendimiento del Museo del Prado es un excepcional ejemplo de sus
composiciones cuidadosamente elaboradas y de sus figuras de intenso sentido dramático. La
obra más monumental de Van der Weyden es el políptico del Juicio Final.
Los pintores de la segunda generación trabajaron en la segunda mitad del siglo XV. Hans
Memling, en el tríptico de la Adoración de los Reyes, nos muestra figuras delicadas y
alargadas, manieristas. Consigue un colorido vivo, a veces tornasolado, acabado con primor, por
el que ha sido considerado el mejor colorista de la escuela. Gerard David (Descanso en la
Huida a Egipto) es autor de figuras graciosas y delicadas y un excelente luminista. Hugo Van
der Goes fue un pintor de gran sensibilidad e intensa expresividad, que murió loco. Su obra
principal es el tríptico Portinari que le fue encargado por un mercader de la casa Médici en
Brujas y que, cuando su dueño lo llevó a Florencia, produjo un impacto notable en los pintores
del Quattrocento.


ARTE GÓTICO 12

Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el especial protagonismo que
concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan
accesorios, son un mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas
panorámicas.
Entre sus obras destacan El descanso en la Huida a Egipto, de temática religiosa, aunque
excusa de un estupendo marco paisajístico; y La Laguna Estigia, de idénticas características,
aunque combinando motivos cristianos y paganos.
El más importante de este grupo fue El Bosco (1450-1516). Aunque fue un creador original, de
imaginación desbordante, enlaza con las tradiciones medievales. Sus temas iconográficos, llenos
de seres fantásticos, cuya apariencia irreal anticipa el surrealismo, son deudores de los
bestiarios. Era un técnico formidable de colorido delicado y cuidadosa ejecución. Los temas
moralizadores, apoyados en figuras caricaturescas y seres monstruosos, le sirven para hacer
crítica religiosa y social. En el Museo del Prado se encuentran la mesa de los Pecados
Capitales, el tríptico del Carro de Heno y el tríptico del Jardín de las Delicias.

c) Pintura hispano-flamenca
La fama de Van Eyck y el prestigio del estilo flamenco motivó su difusión por Francia, Alemania,
Portugal y España. En Cataluña, Luis Dalmau hizo un viaje a Flandes que marcó su trayectoria artística
como puso de manifiesto en la Virgen de los Consellers. También Jaime Huguet muestra la influencia
flamenca en el retablo de los Santos Abdón y Senén. El aragonés Bartolomé Bermejo, que dominaba el
óleo y gustaba de los dorados y el lujo, pintó a Santo Domingo de Silos. En Castilla el maestro más
popular fue Fernando Gallego, autor de martirios de expresionismo dramático ( La Piedad). El autor
anónimo de la Virgen de los Reyes Católicos tiene también todas las características de los primitivos
flamencos.

PREGUNTAS PAEG:
Características de la arquitectura gótica: catedrales, lonjas y ayuntamientos.
La arquitectura gótica española.
Características de la escultura gótica.
Pintura gótica: Giotto y los primitivos flamencos.


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