Cartilla didáctica para fortalecer los procesos se aprendizaje se los estudiantes de articulación noveno grado con la (CUN) Corporación Unificada Nacional de Educación Superior.
Bogotá - Colombia.
6. 6
PREHISTORIA
HOY LES CONTARE SOBRE LA
HISTORIA DEL ARTE EMPEZANDO
POR LA PREHISTORIA
El arte prehistórico es el desarrollado por el ser
humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolí-
tico superior, Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad
de los Metales, periodos donde surgieron las
primeras manifestaciones que se pueden conside-
rar como artísticas por parte del Homo sapiens.
¡HOLA!, ME LLAMO LULA
Las primeras manifestaciones artísticas
aparecen, hace unos 65 000 años. Los primeros
vestigios de objetos creados por el hombre son
generalmente utensilios de piedra trabajada,
o bien de hueso o madera. Su principal medio
expresivo era la pintura rupestre con repre-
sentación de animales, En escultura, destacan
las llamadas venus, representaciones femeninas
destacando la Venus de Willendorf.
Otras obras representativas de esta
época son el denominado Hombre
de Brno, el Mamut de Vogelherd y la
Dama de Brassempouy.
Venusde Willendorf
mamut
de vogelherd
damade brassempouy
Paleolítico
7. 7
NEolítico
Edad de los Metales
La pintura neolítica solía ser esquemática, reducida a trazos
básicos (el hombre en forma de cruz, la mujer en forma trian-
gular), se dio la figura humana, muy esquematizada pintadas en
cuevas, barrancos, tolmo o peñascos aislados. En arte mobiliar
se produjo la llamada cerámica cardial, decorada con impresio-
nes de conchas (cardium), y apareció el arte textil.
La última fase prehistórica llega la utilización de elementos
como el cobre, el bronce y el hierro supuso una gran trans-
formación material para estas antiguas sociedades. En el
llamado calcolítico surgió el megalitismo, monumentos funera-
rios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, o el cromlech
inglés, como en el magnífico conjunto de Stonehenge.
Pintura
rupestre
Roca de los Moros, en El Cogul.
Stonehenge
Neolítico
Edad de
los metales
8. 8
Mesopotamia
Se denomina así a las creaciones artísticas de la
primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de
la escritura, destacando las grandes civilizaciones del
Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría
las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de
pueblos y civilizaciones de todos los continentes.
arte mesopotámico
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida
entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak) donde
desde el IV milenio a. C. se sucedieron diversas culturas como
los sumerios, acadios, amorritas, asirios, caldeos, etc..
arqWuitectura
Se caracteriza por el empleo del ladrillo,
con un sistema adintelado y la introducción
de elementos constructivos como el arco y
la bóveda. Destacan los zigurats, grandes
templos de forma escalonada piramidal.
Arte
antiguo
Ancient ziggurat at Ali Air Base Iraq.
9. 9
Con la aparición de esta surgió la literatura,
como medio de expresión de la creatividad del
ser humano. En la literatura sumeria destaca el
Poema de Gilgamesh, del siglo XVII a. C. Se escri-
bieron una treintena de mitos sobre las divinida-
des sumerias y acadias más importantes.
escultura
música
escritura
Se desarrolló en talla exenta o relieve, en escenas
religiosas o de caza y militares, con la presencia de
figuras humanas y animales reales o mitológicos. En
época sumeria se dieron pequeñas estatuas de for-
mas angulosas, con piedra de color. En el periodo
acadio son figuras con cabello y larga barba. En el
dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela
de Hammurabi. De la escultura asiria destacan las
figuras antropomórficas de toros o genios alados,
que flanqueaban las puertas de los palacios.
Se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. C.,
en rituales de los templos sumerios, donde se cantaban
himnos o salmos a los dioses. El canto litúrgico esta-
ba compuesto de responsorios —canto alternado entre
sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre
dos coros—. Tenían varios instrumentos, como la flauta, el
tambor, la lira, entre otros.
iNSTRUMENTOS
MUSICALES
Estela de Hammurabi, museo del Louvre.
Tablilla sobre el diluvio, del Poema de Gilga-
mesh (c. siglo VII a. C.), Museo Británico.
10. 10
eGIPTO
Se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra,
en grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas
columnas. Destacan los monumentos funerarios, con tres tipologías
principales: la mastaba, tumba de forma rectangular; la pirámide,
que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh); y los
hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios
(Valle de los Reyes).
Egipcia fue la primera en desarrollar un formato
literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro.
Destaca el Libro de los muertos, escrito en el Papiro
de Ani, datado hacia el siglo XIII a. C.
La otra gran edificación es el templo, conjuntos
monumentales precedidos de una avenida de
esfinges y dos obeliscos, un acceso con dos
ilonos o muros trapeciales, un patio hípetro, una
sala hipóstila y el santuario.
literatura
arquitectura
esfinges
Gran Esfinge de Guiza.
piramide
En Egipto surgió una de las primeras grandes civiliza-
ciones, con obras de arte elaboradas y complejas que
suponen ya una especialización profesional por parte del
artista/artesano. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte
egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si
bien su influencia persistió en el arte copto y bizantino.
11. 11
Comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las prime-
ras dinastías, alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio
absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte
majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como
el granito o la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el
hieratismo, con formas tendentes a la geometrización, dado su
carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena.
Se caracteriza principalmente por presentar figuras
yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se
representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: el
faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los
enemigos que están a su lado. Predominaba el canon de
perfil, que consistía en representar la cabeza y las extre-
midades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.
Era principalmente de signo religioso, con un gran
protagonismo del canto vocal, desarrollando un
ciclo anual de festividades cada una de las cuales
tenía su música correspondiente —hecho que pasó a
la liturgia judía y cristiana—.
pintura
música
escultura
Entre sus instrumentos figuraban el sistro, el
ser (pandero), el ben (arpa), la seba (flauta),
el sneb (trompeta) y el met (clarinete).
canonde perfil
Ushebti de Ramsés IV.
Museo del Louvre.
12. 12
grecia
Destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico,
jónico y corintio. Eran construcciones en piedra, sobre un basamento (krepis), con o
sin pórtico (o con pórtico delante y detrás, es decir, anfipróstilo), con o sin columnas
(que pueden ser frontales, laterales, o pueden rodear todo el edificio, en cuyo caso
se denomina períptero), y coronados generalmente en forma de frontón, situado por
encima del entablamento, cuyo friso muestra habitualmente relieves escultóricos.
La musica griega nos es desconocida a nivel auditivo, tan sólo tenemos idea
de cómo podía ser por documentos escritos. Los griegos escribían músi-
ca con las letras del alfabeto. Mientras la literatua alcanzó cotas de gran
calidad, poniendo las bases de la literatura occidental. Se configuraron los
géneros literarios (épica, lírica y dramática), siendo la base argumental de
sus obras la religión y la mitología.
arquitectura
música y literatura
Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.
En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artís-
ticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos
inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte
griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico.
Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y
proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza.
13. 13
Predominó la representación del cuerpo humano, basado en
la armonía de las proporciones. En época arcaica se dieron
formas rígidas y esquemáticas, de gran expresividad, des-
tacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca. También
son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos
(kouros) y de muchachas vestidas (kore). En el siglo V a. C.
Se desarrolló sobre todo en la cerámica, en escenas
cotidianas o de temática histórica o mitológica. Se suele
establecer dos épocas, en función de la técnica utilizada
en la confección de cerámica pintada: «figuras negras
sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. C.) y «figuras rojas
sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. C.)
En Grecia nació el teatro entendido
como «arte dramático», donde junto a
un texto —donde predomina el diálogo,
base de la representación escénica—,
intervienen también los actores, la
escenografía, las luces y efectos de
sonido, el vestuario, el maquillaje, etc.
escultura
pintura
teatro
Se tiene constancia por fuentes históricas del nombre
de varios famosos pintores griegos, como Zeuxis, Apeles,
Parrasio, Eufranor, Polignoto, etc. Zeuxis y las muchachas de Crotona
François-André Vincent.Museo del Louvre
Teatro de Dioniso, bajo la Acrópolis de Atenas.
venus
de milo
14. 14
roma
Inspirada en la griega, se centró igualmente en la figu-
ra humana, aunque con más realismo, no les importaba
mostrar defectos que eran ignorados por la ideali-
zada escultura griega. Un género muy difundido fue el
retrato, con gran detallismo y fidelidad en los rasgos,
perceptible en el uso del trépano para producir cla-
roscuro y en el hecho de grabar las pupilas.
Recibió como en el resto de las artes la influencia
griega, de la que adoptaron técnica y géneros;
la principal innovación latina fue el concepto de
«estilo» que los romanos aplicaron a sus obras.
arquitectura
Destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros
y constructores, los romanos destacaron en arquitectura civil,
con la construcción de carreteras, puentes, acueductos y obras
urbanísticas, así como templos, palacios, teatros, anfiteatros,
circos, termas, arcos de triunfo, etc.
escultura
literatura
El Coliseo
de Roma
Augusto de
Prima Porta
Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una
gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio romano,
el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa,
norte de África y Próximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro
arte desarrollado en estas zonas.
15. 15
Es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se perciben
cuatro estilos: el de incrustación, que imita el revestimiento en mármol; el arqui-
tectónico, llamado así por simular arquitecturas; el ornamental, con arquitecturas
fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el fantástico, mezcla de los dos anteriores,
con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas.
Recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos
espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y
la danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de las
tibiae —una especie de aulos—; más tarde, al añadirse la música vocal,
surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—, que
mezclaban canto y mimo (las saturae, origen de la sátira). Al parecer, fue
Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. C. introdujo en
estos espectáculos la narración de una historia.
pintura
También destacó el mosaico, en opus sectile, de formas
geométricas, u opus tesellatum, con pequeñas piezas
que forman escenas figurativas, como El sacrificio de
Ifigenia en Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles.
teatro
Fresco hallado en Pompeya.
File:Fresco showing fruit bowl, jar of wine, jar of raisins, from the Hou-
se of Julia Felix in Pompeii, Naples National Archaeological Museum
Mosaico de la Batalla de Isos, Casa del Fauno, Pompeya.
File:Alexandermosaic.jpg
16. 16
paleocristianISMO
arquitectura
Las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los
cementerios o «catacumbas», que servían a la vez de lugares de
reunión para los perseguidos devotos cristianos. Con la legaliza-
ción de su religión, destacó como tipología la basílica, adaptación
del edificio romano de mismo nombre que, sin embargo, pasó de
una función civil a una religiosa. Generalmente constaba de tres
partes: un atrio de acceso, el cuerpo de la basílica, dividido en
tres naves, y el presbiterio, donde se sitúa el altar.
Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano,
San Juan de Letrán, San Lorenzo y San Clemente
en Roma, y San Apolinar en Rávena.
Se halla especialmente representada por los
sarcófagos decorados con temas del Crismón,
estrígilos, escenas bíblicas y representaciones
alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius
en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza.
También se conservan algunas estatuas exentas,
como varias con el tema del Buen Pastor, laudas
sepulcrales y mosaicos que por su técnica y senti-
do del color siguen los modelos romanos.
escultura
La pintura paleocristiana o latino-cristiana
se desarrolló durante el Imperio romano, por
lo que puede considerarse cronológicamente
dentro de la pintura romana; sin embargo,
por su temática y características, supone la
iniciación de la pintura medieval.
Pintura
Sarcófago de Junio Baso, Roma,
mediados del siglo IV d. C.
Curación de la hemorroísa. Fresco
de las catacumbas de Roma.
Basílica de Aquilea, en Italia.
Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los
primeros seguidores de esta nueva religión, primero
de forma oculta, mientras aún eran perseguidos por
el poder imperial, para pasar posteriormente, tras
la conversión al cristianismo del emperador romano
Constantino, a ser el estilo oficial del Imperio.
17. 17
bizantino
Del mundo romano y paleocristiano oriental mantuvo varios elemen-
tos tales como materiales de ladrillo y piedra para revestimientos
exteriores e interiores de mosaico, arquerías de medio punto, etc.
Pero también aportaron nuevos rasgos entre los que se destaca la
nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido
espacial y, sobre todo, su aportación más importante, el empleo sis-
temático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre
pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan
el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula.
La plástica escultórica bizantina supuso la culmi-
nación del arte paleocristiano, manteniendo sus
técnicas y su estética de progresivo alejamiento
de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la re-
petición de modelos estereotipado, la preferencia
del bajorrelieve a las obras de bulto redondo.
El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamen-
tal del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía
el revestimiento de los muros de sus templos con
mosaicos, no solo para ocultar la pobreza de los
materiales usados, sino también como un medio para
expresar la religiosidad y el carácter semidivino del
poder imperial (cesaropapismo). Las figuras acusan
una cierta rigidez y monotonía, pero muy expresivas
en su simbolismo, con evidente desprecio del natu-
ral y las leyes espaciales; son alargadas y con un
aspecto de cierta deshumanización.
Terminada la lucha
iconoclasta, a me-
diados del siglo IX es
cuando verdadera-
mente se configura
la estética bizantina
y su iconografía.
arquitectura
escultura
Mosaico y pintura
El capitel bizantino con cimacio, es
la evolución del capitel corintio, tras
una fallida imitación de este.
la Virgen y el Niño (fines del siglo XIII,
National Gallery of Art, Washington).
Santa Sofía de Constantinopla.
es una expresión artística que se configuró a partir del
siglo IV, fuertemente enraizada en el mundo helenístico y
oriental, como continuación del arte paleocristiano. Desde
sus primeros momentos, Bizancio se consideró como el
continuador político del Imperio Romano.
18. 18
edad media
La Edad Media -del siglo V al siglo XV- . Incluye distintos períodos, cuya valo-
ración estética, sujeta a cambiantes criterios, ha venido emitiendo distintas
denominaciones calificativas, que llegan a etiquetar a algunos como "edades
oscuras" y a otros como "renacimientos"; incluye a su vez muy diferentes
movimientos artísticos con distinta difusión geográfica, desde los llamados
"estilos internacionales" hasta las artes nacionales, regionales y locales; en
definitiva, una enorme diversidad en las obras de arte.
En el románico
culminaron los
diversos estilos
producidos por el
prerrománico, a
la vez que se de-
nota la influencia
oriental del arte
bizantino.
Arte gótico
El arte góticonota se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de
gran desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal supu-
so el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predo-
minio de las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada
vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura, que dejó de ser
patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades com-
portó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios,
sentando las bases de la cultura moderna.
Sufrió una profunda transformación, con formas
más ligeras, más dinámicas, con un mejor análisis
estructural que permitió hacer edificios más estili-
zados, con más aberturas y, por tanto, mejor ilumi-
nación. Aparecieron nuevas tipologías como el arco
apuntado y la bóveda de crucería, y la utilización
de contrafuertes y arbotantes para sostener la
estructura del edificio, permitiendo interiores más
amplios y decorados con vitrales y rosetones.
arquitectura
Catedral de Nuestra Señora de París.
File:Notre Dame dalla Senna.jpg
19. 19
Continuó enmarcada en la obra arquitectónica,
aunque comenzó a desarrollarse la escultura
exenta, con formas más realistas, inspiradas en la
naturaleza. Los artistas buscaban la belleza ideal,
en formas sencillas y diáfanas, con cierta melan-
colía y nobleza en los sentimientos, y con escenas
de carácter narrativo.
escultura
En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del
crucero de la Catedral de Chartres, así como los con-
juntos de Amiens y Reims. En Italia destaca el taller de
Nicola y Giovanni Pisano en Pisa, mientras en Alemania
descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider.
En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral
de Santiago de Compostela, entre muchas otras.
Dejó de ser mural para pasar a retablos
situados en los altares de las iglesias, y
empezó a desarrollarse la pintura en lienzo,
al temple o al óleo. Se sucedieron cuatro
estilos pictóricos:
pintura
Gótico lineal o franco-gótico: caracterizado por el dibujo lineal, el fuerte
cromatismo, un naturalismo de líneas y el idealismo de los temas
representados.
Gótico itálico o trecentista: se caracteriza por la aproximación realizada
a la representación de la profundidad, los estudios sobre anatomía y el
análisis de la luz para conseguir la matización tonal.
Gótico internacional: suponiendo una fusión de los estilos anteriores. Se
caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva,
el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración.
Gótico flamenco: Su principal aportación es la técnica al óleo, que da colo-
res más brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas, a
la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles.
El matrimonio Arnolfini (1434), de Jan van Eyck
File:Van Eyck - Arnolfini Portrait.jpg
Detalle del Pórtico de la Gloria.
File:Interior Catedral Santiago de Compostela.jpg
20. 20
renaciMIENTO
Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el resto de Europa desde
finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico greco-
rromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval.
Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación, como el
uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la re-
presentación del ser humano y su entorno, apareciendo nuevas temáticas como la mito-
lógica o la histórica, o nuevos géneros como el paisaje, el bodegón e, incluso, el desnudo.
La belleza dejó de ser simbólica, como en la era medieval, para tener un componente más
racional y mesurado, basado en la armonía y la proporción.
Recuperó los modelos clásicos, reelaborados con
un concepto más naturalista y con bases cientí-
ficas: se recuperó el uso del arco de medio punto,
la bóveda de cañón, la cúpula de media naranja
y los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio y
compuesto). La estructura del edificio se basó en
proporciones matemáticas, que buscaban la per-
fección de las formas, a la vez que se potenció la
luminosidad y la diafanidad de los espacios.
Buscó igualmente la idealizada perfección del
clasicismo, aunque perduraron hasta el si-
glo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez
de proporciones del gótico internacional. Se
utilizaban materiales nobles, como el mármol y
el bronce, con un especial gusto por la forma
monumental. Junto a la temática religiosa se
desarrolló el retrato, en busto o en figuras
ecuestres, al estilo de la antigua Roma.
arquitectura
escultura
Iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia,
diseñada por Leon Battista Alberti.
David (c. 1440), de Donatello, Museo
Bargello, Florencia.
21. 21
pintura
Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti, Jacopo
della Quercia, Luca della Robbia, Andrea Verrocchio y,
especialmente, Donatello (David, 1409; Judit y Holofernes,
1455-1460); y, fuera de Italia, Michel Colombe en Francia,
Peter Vischer en Alemania, y Felipe Bigarny, Bartolomé
Ordóñez y Damián Forment en España.
Sufrió una notable evolución desde las formas medie-
vales, con formas naturalistas y temáticas profanas
o mitológicas junto a las religiosas. Los estudios de
perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto
realista, basadas en proporciones matemáticas, con
especial utilización de la «sección áurea».
Se utilizó el fresco y el temple, mientras que se
introdujo el óleo a mediados del siglo XV por
influencia flamenca. Uno de sus principales expo-
nentes fue Leonardo Da Vinci, genio polifacético
que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea»,
con obras como La Virgen de las Rocas (1483), La
Última Cena (1495-1497), La Gioconda (1503), etc.
Otro nombre de relevancia fue Rafael, maestro del
clasicismo sereno y equilibrado, con una perfecta
ejecución pictórica, como se demuestra en sus
frescos de las Estancias del Vaticano.
Adán y Eva, en la Sala del Sello
-considerado del maestro- Rafael.
La Gioconda (1503-1506),
de Leonardo da Vinci, Museo del Louvre.
la mona lisa
22. 22
manierismo
Adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando
el polifacético artista Miguel Ángel, autor del ábside y la cúpula de
San Pedro del Vaticano; Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù); y Andrea
Palladio, creador de un estilo propio (paladianismo), como vemos
en la Basílica de Vicenza, la Villa Capra (llamada la Rotonda), San
Giorgio Maggiore de Venecia, etc.
arquitectura
Es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad
italiana de la segunda mitad del siglo XVI, con un arte donde se
deforma la realidad a capricho, predominando la expresión senti-
mental del artista, con figuras estilizadas, en posiciones violentas
y actitudes dramáticas. Descuella nuevamente la obra de Miguel
Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión
de la persona representada: Piedad (1501), David (1501-1504), Moisés
(1513-1515), Sepulcro de los Médicis (1520-1534), etc.
escultura
La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso,
extravagante, con gusto por la forma sinuosa y es-
tilizada, deformando la realidad, con perspectivas
distorsionadas y atmósferas efectistas. Destacó en
primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel
(autor de la decoración de la Capilla Sixtina), seguido
de Bronzino, Andrea del Sarto, Pontormo, Correggio,
Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese, Tintoretto,
Jacopo Bassano, Giuseppe Arcimboldo, etc.
pintura
Virgen del cuello largo (1534-1540),
de Parmigianino.
Estucos de la Galería Francisco I
del Palacio de Fontainebleau.
Fachada de la Iglesia de San Francesco
della Vigna, Venecia, de Palladio (1564).
Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI
como evolución de las formas renacentistas, el manie-
rismonotaabandonó la naturaleza como fuente de ins-
piración para buscar un tono más emotivo y expresivo,
cobrando importancia la interpretación subjetiva que el
artista hace de la obra de arte.
23. 23
barroco
El barroconota 11se desarrolló entre el siglo XVII y principios del
XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político
y religioso. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con
pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas
más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y
anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto.
Bajo unas líneas clásicas, asumió unas formas más dinámicas, con una
exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los
volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferen-
cia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención
en los juegos ópticos y el punto de vista del espectador. Al igual que
en la época anterior, el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian
Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores exponentes, siendo el principal
artífice de la Roma monumental que conocemos hoy día (columnata de
la Plaza de San Pedro, baldaquino de San Pedro); entre muchos otros.
arquitectura
escultura
pintura
Adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo,
ornamental, destacando el movimiento y la expresión, con
una base naturalista pero deformada a capricho del artista.
En Italia destacó nuevamente Bernini, autor de obras como
Apolo y Dafne (1622-1625), Éxtasis de Santa Teresa (1644-
1652), Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), etc.
La pintura se desarrolló en dos tendencias contra-
puestas: el naturalismo, basado en la estricta reali-
dad natural, con gusto por el claroscuro —el lla-
mado tenebrismo—, donde cabe citar a Caravaggio,
Orazio y Artemisia Gentileschi, etc. y el clasicismo,
que es igualmente realista pero con un concepto de
la realidad más intelectual e idealizado, englobando
a Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, etc. En
el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo
XVII), de estilo decorativo y predominio de la pin-
tura mural, destacaron Pietro da Cortona, Andrea
Pozzo, Luca Giordano y Charles Le Brun.
Éxtasis de Santa Teresa (1647-
1651), de Gianlorenzo Bernini.
Baldaquino de San Pedro (1624-
1633), de Gianlorenzo Bernini.
Las Meninas (1656), de Velázquez
(Museo del Prado).
24. 24
rococó
Desarrollado en el siglo XVIII, supuso la pervivencia de las principales manifesta-
ciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y
el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y
elegancia. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos, así
como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas
religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el
lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social.
Pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de formas
gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes
de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de
moda lo exótico, especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó
se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania, representado principal-
mente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles, Hotel Biron
de París), François de Cuvilliés (Pabellón de Amalienburg del Palacio de
Nymphenburg en Múnich), Johann Balthasar Neumann (Palacio Episcopal
de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies).
Tiene un aire grácil, refinado, con cierta pervivencia de las
formas barrocas, especialmente por influencia de Bernini.
En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi, de Pietro Brac-
ci y Filippo della Valle. En Francia destacó la obra de Edmé
Bouchardon, etc. En Alemania tenemos la presencia de
Georg Rafael Donner, Ignaz Günther y los hermanos Asam
(Cosmas Damian y Egid Quirin). En España podemos reseñar
a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona.
arquitectura
escultura
pintura
Se movió entre la exaltación religiosa o el
paisajismo vedutista en Italia y las escenas
cortesanas, pasando por el retratismo inglés.
Figura aparte es el inclasificable pintor espa-
ñol Francisco de Goya, que evolucionó desde
un sello más o menos rococó hasta un cierto
prerromanticismo, pero con una obra personal
y expresiva de fuerte tono intimista.
Interior de estilo rococó del
palacio de Gatchina.
El columpio, una obra maestra de
Fragonard.
25. 25
Neoclasicismo
Era más racional, de signo funcional y un cierto aire utópico, como
vemos en los postulados de Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis
Boullée. Conviene distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la
de herencia barroca, pero despojada de excesiva decoración para
distinguirse de la arquitectura rococó; y la propiamente neoclásica,
de líneas austeras y racionales, sobria y funcional. A la primera per-
tenecen obras como el Panteón de París, de Jacques-Germain Sou-
fflot, o la Ópera de Berlín, por mencionar algunos.
arquitectura
escultura
pintura
La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como
principales figuras a: Jean-Antoine Houdon, retratista de la
sociedad prerrevolucionaria (Rousseau, Voltaire, Lafayette,
Mirabeau); Antonio Canova, que trabajó para los papas y
la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus, 1805-
1807); y Bertel Thorvaldsen, muy influido por la escultura
griega, consagrado a la mitología y la historia antiguas
(Jasón con el vellocino de oro, 1803).
Mantuvo un sello austero y equilibrado,
influido por la escultura grecorromana o
figuras como Rafael y Poussin. Destacó
especialmente Jacques-Louis David, pintor
«oficial» de la Revolución Francesa (Juramen-
to de los Horacios,1784; La muerte de Marat,
1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800).
Perseo con la cabeza de Medusa
(1800), de Antonio Canova.
Panteón de París (1757-1791), de
Jacques-Germain Soufflot.
Juramento de los Horacios (1784),
de Jacques-Louis David.
El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favo-
reció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y
austeras, en contraposición a los excesos ornamentales
del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A
este ambiente de valoración del legado clásico grecorroma-
no influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano,
junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas
clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann.
26. 26
Romanticismo
Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos pusieron
especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la
evocación ensoñadora, el amor a la naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad,
de atracción por el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exó-
tico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—, y
adquirió notoriedad el paisaje, que cobró protagonismo por sí solo. Cobraron también importancia
las artes gráficas, principalmente la litografía y el grabado en madera.
Después de una fase prerromántica donde podríamos
citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli, destacaron
Hubert Robert, Eugène Delacroix, Théodore Géricault, etc.
Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán
de los Nazarenos, inspirados en el Quattrocento italiano
y en el Renacimiento alemán, principalmente Durero (Frie-
drich Overbeck, Peter Cornelius, Franz Pforr). En España
destacaron Genaro Pérez Villaamil, Valeriano Domínguez
Bécquer, Leonardo Alenza y Eugenio Lucas.
pintura
En escultura prevalecen las formas
neoclásicas, reinterpretadas según las
nuevas temáticas románticas. Cabría
citar en Francia a: François Rude, que
evolucionó del neoclasicismo al roman-
ticismo (La Marsellesa, 1832); Antoi-
ne-Louis Barye, especializado en figuras
de animales; Jean-Baptiste Carpeaux,
artista polivalente con gusto por lo es-
pectacular; y David d'Angers, autor del
relieve del frontón del Panteón de París
(1830-1837). En Alemania destacaron:
Christian Daniel Rauch, Rudolf Schadow
y Johann Heinrich Dannecker.
escultura
La Libertad guiando al pueblo (1830), de
Eugène Delacroix, Museo del Louvre.
La Marsellesa (1832), de François Rude,
Arco de Triunfo de París.
Seguían desarrollán-
dose otras expresio-
nes artísticas como la
música, la literatura, el
teatro y la danza.
27. 27
Impresionismo
fue un movimiento del siglo XIX profundamente innovador,
que supuso una ruptura con el arte académico y una trans-
formación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los
movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban
en la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión»
visual, la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de
la fotografía—, con una técnica de pincelada suelta y tonos
claros y luminosos, valorando especialmente la luz.
Cabe mencionar como principales representantes a Édouard
Manet —considerado un precursor—, Claude Monet, Camille
Pissarro, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.
Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel
de Auguste Rodin, que sentó las bases de la escultura del
siglo XX (El pensador, 1880-1900; Los burgueses de Calais,
1884-1886). También destacó Medardo Rosso, que conduciría
la escultura hacia la desintegración de la forma.
Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y
sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus
complementarios, y a prescindir de negros, pardos y to-
nos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura
más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pin-
celadas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el
gran factor unificador de la figura y el paisaje.
Neoimpresionismo: se preocuparon más de los fenóme-
nos ópticos, desarrollando la técnica del puntillismo,
consistente en componer la obra mediante una serie de
puntos de colores puros, que se colocan junto a otros
de colores complementarios, fusionándose en la retina
del espectador en un nuevo tono.
Clase de baile (1875), de Edgar Degas,
Musée d’Orsay, París.
Tarde de domingo en la isla de la Gran-
de Jatte (1884), de Georges Pierre S.
Impresión, sol naciente (1872-1873), de
Claude Monet, Museo M. Monet, París.
Los girasoles (1888), de Vincent van
Gogh, Neue Pinakothek, Múnich.
28. 28
expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que
se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine,
teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coin-
cidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés. Surgido como reacción al impre-
sionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo
XIX, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión
interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.
Se desarrolló principalmente en torno a dos grupos
artísticos: Die Brücke, fundado en Dresde en 1905, y
Der Blaue Reiter, fundado en Múnich en 1911. En la pos-
guerra, el movimiento Nueva Objetividad surgió como
contrapeso al individualismo expresionista defen-
diendo una actitud más comprometida socialmente,
aunque técnica y formalmente. Los elementos más
característicos de las obras de arte expresionistas
son el color, el dinamismo y el sentimiento.
arquitectura
escultura
pintura
No tuvo un sello estilístico común, siendo el
producto individual de varios artistas que
reflejaron en su obra o bien la temática o bien
la distorsión formal propias del expresionismo.
Destacan especialmente tres nombres: Ernst
Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Käthe Kollwitz.
Expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países
Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó
por el uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por
el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibili-
dades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de
construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio.
La fotografía se
desarrolló princi-
palmente durante la
República de Weimar,
constituyendo uno
de los principales
focos de la foto-
grafía europea de
vanguardia.
Torre Einstein (1919-22), de Erich
Mendelsohn, Potsdam.
El grito (1893), de Edvard Munch,
Galería Nacional de Noruega.
Madre con gemelos (1927), de Käthe
Kollwitz, Käthe-Kollwitz-Museum, Berlín.
29. 29
fauvismo
Se caracteriza por ser estético y sentimental, por
ser un estado de espíritu ligado a las circuns-
tancias del momento. Se apega a la libertad total
de la naturaleza. Es más expresiva que realista,
plasmando primordialmente los colores. El artista
fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando
cualquier tipo de convencionalismos.
Paisaje: Provinza por Alfred
Henry Maurer, c. 1912.
Louis Valtat. Bahía de Anthéor. Ca 1906-1907
óleo sobre tela. Dentro del periodo fauvista.
fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904
a 1908. Luego se expandió a otros países, en años posteriores.
Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color.
Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’,
Se desarrolló en una sociedad caracterizada por el
dinamismo impulsado a partir de la Segunda Revo-
lución industrial. La revolución en los transportes
tuvo como consecuencia una gran movilidad de las
personas. El aspecto artistico el más desarrollado
fue la pintura al oleo. En el aspecto cultural, este
período coincidió con el desarrollo del modernismo
en arquitectura, ornamentación, diseño de interiores,
30. 30
SIMBOLISMO
El simbolismo surgió como reacción a las múltiples tendencias vinculadas al realismo en el
ámbito de la cultura a lo largo del siglo xix. Factores como el progreso de la ciencia desde
el Renacimiento —que en esta centuria propició el positivismo científico—, el desarrollo de la
industria y el comercio originado con el capitalismo y la Revolución industrial, la preferencia
de la burguesía por el naturalismo cultural y el surgimiento del socialismo con su tendencia al
materialismo filosófico, propiciaron a lo largo del siglo una clara preferencia por el realismo
artístico, que se denotó en movimientos como la pintura realista y el impresionismo.
Fue una de las principales manifestaciones artísticas.
El simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico
que surgió como reacción al naturalismo de la corriente
realista e impresionista, frente a cuya objetividad y des-
cripción detallada de la realidad opusieron la subjetividad
y la plasmación de lo oculto y lo irracional; frente a la
representación, la evocación o la sugerencia. En pintura
se buscó la forma de que el color y la línea expresasen
ideas. En este movimiento, todas las artes estaban rela-
cionadas y así a menudo se comparaba la pintura de Re-
don con la poesía de Baudelaire o la música de Debussy.
pintura
El pecado (1893), de Franz von Stuck,
Neue Pinakothek, Múnich
El beso (1908), de Gustav Klimt, Öste-
rreichische Galerie Belvedere (Viena).
La pintura simbolista fue una de
las principales manifestaciones
artísticas del simbolismo, un
movimiento cultural surgido a
finales del siglo xix en Francia y
que se desarrolló por diversos
países europeos.
31. 31
PRiVITIVISMO
El primitivismo también es un movimiento del arte
occidental de finales del siglo XIX que toma pres-
tadas las formas visuales de los pueblos prehis-
tóricos no occidentales, tales como la inclusión de
los motivos pictóricos de Tahití y de Paul Gauguin.
Los "préstamos" del arte primitivo han sido muy
importantes en el desarrollo del arte moderno.
La influencia, aceptada por los artistas de los movimientos de van-
guardia a raíz del estudio del 'positivismo', quedó iniciada y patente
tras realizar Picasso su obra Les demoiselles d’Avignon en 1907. Ahí
se inauguró un movimiento analítico de gusto y fascinación por el arte
primitivo inspirado en las máscaras, por ejemplo fang, dan, bamileke
o bemekele, de los pueblos originarios de África. También resultaría de
interés para muchos artistas con posterioridad a Pablo Picasso.
Los artistas buscan influencia en el
estudio de la cultura primitiva y su Arte
más antiguo o autóctono y nativo.
influencia El término "primitivismo" se
aplica a menudo a otros
pintores que trabajan en el
estilo del arte naïf (también
llamado ingenuo o primitivo) o
popular (como Mijaíl Lariónov,
Paul Klee u otros).
El interés por el primitivismo de principios del siglo XX,
inspiró a muchos artistas de las primeras vanguardias, y
el trabajo, considerado por muchos, como la primera obra
cubista, o al menos, la obra que prefigura el cubismo, por
ejemplo Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso de 1907.
La Muse endormie, Constantin
Brancusi, Rumanía, 1910.
La gitana dormida, Henri Rousseau
Francia, 1897.
32. 32
ART AND KRAF
El Movimiento Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de
William Morris,arquitecto, artesano, impresor, diseñador, escritor,
poeta, activista, doctor y político. Un hombre polifacético que se
ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, rene-
gando de las nacientes formas de producción en masa.
El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) es un movimiento artístico
que surge en Inglaterra a finales del Siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y Estados
Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del Siglo XX. Inspirada por la obra
de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910. Se caracteriza por el uso de líneas
serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativa.
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se
encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto
como estéticos. Destacamos los más importantes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía.
El diseño de los objetos útiles es considerado una
necesidad funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que
separan al trabajador de la obra que realiza,
fragmentado sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en
la arquitectura (con el neogótico) como en las artes
aplicadas.
Propuesta de la arquitectura como centro de todas
las actividades de diseño. Una idea que sería recogida
por el racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas
y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo
colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y
satisfactorio para el artista y para el cliente.
Papel pintado Trellis, de William
Morris (1862).
Teapot by Peter Van Dyck
(1684-1750).
Glass Bowl With Lilypads-Cou-
tesy National Gallery of Art.
33. 33
ART DECO
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el art déco
se caracteriza también por los materiales que prefiere y
utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera
embutida, piel de tiburón (shagreen) y piel de cebra.
El uso de tipografía en negrita, sans-serif o palo seco,
el facetado y la línea recta, quebrada o greca (opuesto
a las curvas sinuosas y naturalistas del art nouveau),
los patrones en compás (chevrón) y el adorno en forma
de rayo de sol son típicos del art déco.
Ciertos patrones de ornamento se vieron en aplica-
ciones bien disímiles: desde el diseño de zapatos para
señora hasta las parrillas de radiadores, el diseño de
interiores para teatros y rascacielos como el Edificio
Chrysler o el Empire State Building.
Escaleras en rotonda en estilo art déco
del Burbank City Hall.
Coronamiento art déco del Edificio
Chrysler en Nueva York, construido
en 1928-1930.
Como estilo de la edad de las máquinas, utilizó
las innovaciones de la época para sus formas:
las líneas aerodinámicas, producto de la aviación
moderna, la iluminación eléctrica, la radio, el reves-
timiento marino y los rascacielos. Estas influencias
del diseño se expresaron en formas fraccionadas,
cristalinas, con presencia de bloques cubistas
o rectángulos y el uso de la simetría. El color se
nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides,
facetamientos, zigzags y una importante geometri-
zación de las formas son comunes al art déco.
fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya
influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que
influyó las artes decorativas mundiales tales como arquitectura, diseño
interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales
como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
34. 34
ART NOVEAU
El Art Nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico
que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las
primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa
en la arquitectura y en el diseño. Una de las caracterís-
ticas principales del Art Nouveau es que se adapta a las
circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla
intimamente ligado a la producción industrial, desarrollán-
dose en dos vertientes: la arquitectura y el Diseño gráfico.
El principal elemento ornamental del Art Nouveau es
la línea ondulada, cargada de asimetrías, movimien-
to y energía. Pero el verdadero valor del estilo se
aprecia cuando entramos en contacto con la obra
real, tridimensional en muchas ocasiones, donde la
línea dialoga con el espacio y la forma general. La
ornamentación Art Nouveau es inquieta, pero logra
encontrar el camino para mantenerse equilibrada.
Como elementos deco-
rativos, los tópicos de
la naturaleza ocupan un
lugar preponderante,
sobre todo los vegetales,
como retoños y capullos.
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los
motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura feme-
nina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio,
cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó
gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Litografía de Alphonse Mucha (1897).
Lámpara de Louis Comfort
Tiffany (1900–1910).
Interior del Hotel Tassel de
Victor Horta (1892-1893)
35. 35
FUTURISMO
El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artís-
tica, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó
el Manifiesto del Futurismo, publicado el 5 de febrero de 1909, en el
diario Gazzetta dell’Emilia de Bolonia.
El futurismo procede directamente del cubismo,
incluso los primeros cuadros, son de pleno dere-
cho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia
una estética diferenciada, debido a su obsesión por
representar la velocidad. Además, incluso la lìnea que
utilizaban procedìa directamente del Divisionismo.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas
geométricas, y la representación del movimiento y la ve-
locidad, para ello representan los objetos sucesivamente,
pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un
código que se ha popularizado en los cómics y los dibujos
animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo
llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Natalia Goncharova, Ciclista, 1913.
Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista,
1913, Museo Guggenheim de Venecia.
Umberto Boccioni, Formas únicas de
continuidad en el espacio (1913).
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida
contemporánea, basándose en sus dos temas dominan-
tes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo,
a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura,
urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de
crear un verdadero arte de acción, con el propósito de reju-
venecer y construir un nuevo orden en el mundo.
36. 36
CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1924,
creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores
por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blan-
chard y Guillaume Apollinaire.1Es una tendencia esencial, pues da pie al resto
de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino
de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el
último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspec-
tiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata
las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmen-
tando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»:
se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se
pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre
todo bodegones, paisajes y retratos.
Además de Pablo
Picasso, fundador del
cubismo y su inmedia-
to seguidor Georges
Braque, junto con
Juan Gris y Marcous-
sis, sus más directos
seguidores, el cubismo
fue seguido por una
multitud de artistas
entre 1911 y 1914.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran
del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza
como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y
marrones. El monocromatismo predominó en la primera
época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Escultura de Picasso Homme aux bras écartés
(1961) erigida en la plaza Picasso de Basilea.
Pablo Picasso, iniciador del cubismo, retratado
por Juan Gris, 1912, Instituto de Arte de Chicago.
Roger de La Fresnaye: Conquista del
aire, 1913, Museo de Arte Moderno,
Nueva York.
37. 37
DADAISMO
El dadaísmo es un movimiento cultural y artísti-
co creado con el fin de contrariar las artes, que
surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich
(Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de
los primeros textos dadaístas; posteriormente, se
unió el rumano Tristan Tzara, que llegaría a ser el
emblema del dadaísmo. Una característica funda-
mental del dadaísmo es la oposición al concepto
de razón instaurado por el positivismo.
Se presenta como una ideología total, como una forma
de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición
o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo,
entendiendo por humanismo toda la tradición anterior,
tanto filosófica como artística o literaria.
El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las
convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse
del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran
variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la
escultura, pasando por la pintura o la música.
La poesía era ilógica y de difícil comprensión, dado
que se basaba en una sucesión de palabras o
sonidos muchas veces sin sentido. Y tomaba una
actitud de burla y humor contra la sociedad bur-
guesa. Y en la pintura seguía el mismo camino, eran
collages hechos con objetos de desecho y de la
basura; el artista buscaba una reacción.
Marcel Duchamp, La Fuente, 1917. Fotografía
de Alfred Stieglitz.
Póster del Matinée Dadá; enero de 1923.
El violín de Ingres, de Man Ray , 1924.
38. 38
SURREALISMO
fue un movimiento cultural
desarrollado en Europa tras
la Primera guerra mundial,
influenciado en gran medida
por el dadaísmo.
El movimiento es conocido por sus artes visuales y su escritura
mezclado a una imaginación inusual. Los artistas pintaban imágenes
desconcertantes e ilógicas, a menudo con una precisión fotográfica,
creando extrañas criaturas de objetos cotidianos y desarrollando
técnicas pictóricas que permitían desvelar el subconsciente.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André
Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre
las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a
Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años
se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico
precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de
ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihi-
lista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se
sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
A partir de 1925, a raíz del estallido de la Guerra del Rif, el
surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros
contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año
con la adhesión al Partido Comunista por parte de Breton.
Retrato en “Vertumnus” (Verano) del emperador
Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo.
Philippe Halsman, Dali Atomicus (1948).
39. 39
BAUHAUS
La Bauhaus sentó las bases normativas
y patrones de lo que hoy conocemos
como diseño industrial y gráfico; puede
decirse que antes de la existencia de
la Bauhaus estas dos profesiones no
existían como tales y fueron concebi-
das dentro de esta escuela.
Sin duda la escuela estableció los
fundamentos académicos sobre los
cuales se basaría en gran medida
una de las tendencias más predo-
minantes de la nueva Arquitectura
Moderna, incorporando una nueva
estética que abarcaría todos los
ámbitos de la vida cotidiana.
Al igual que otros movimientos pertenecientes a
la vanguardia artística, los procesos políticos y
sociales tuvieron gran influencia. Con el final de la
primera guerra Mundial comenzaron a surgir mo-
vimientos revolucionarios que aspiraban provocar
una renovación radical de la cultura y la sociedad
que con la necesidad de encontrar nuevos cami-
nos en cuanto a diseño y composición.
El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius,
era reformar la enseñanza de las artes para lo-
grar una transformación de la sociedad burguesa.
Su contenido crítico y compromiso de izquierda
causarían su cierre en 1933.
Dada su importan-
cia, las obras de la
Bauhaus en Weimar
y Dessau fueron
declaradas como
Patrimonio de la
Humanidad por la
Unesco en 1996.
Bauhaus Dessau.
Silla Wassily de Marcel Breuer.
La Staatliche Bauhaus ('Casa de la Construcción Estatal'),
o simplemente Bauhaus, fue la escuela de arquitectura,
diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gro-
pius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades
prusianas en manos del Partido Nazi.
40. 40
ARTE ABSTRACTO
En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Nata-
lia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su
método de transcripción del fenómeno luminoso, al que
denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban
líneas como rayos de luz para hacer una construcción.
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convir-
tieron en constructivistas creyendo que el arte no era
ya nunca más algo remoto, sino la vida misma.
El arte abstracto se caracteriza por emplear
las formas esenciales del lenguaje plástico,
como las figuras, las líneas y los colores,
como medio de expresión artística.
En este sentido, el arte abstracto se distingue
por trascender la representación de la apariencia
externa de las cosas, y por plantear búsquedas
plásticas que apuntan más bien hacia los aspectos
formales, cromáticos y estructurales.
No obstante, el grado de abstracción de
sus obras puede variar e ir desde un nivel
de abstracción parcial, donde los rasgos
figurativos aún son evidentes, hasta una
abstracción total y absoluta.
Abstracción geométrica o neo-
plasticismo como el padre de
esta tendencia, el pintor neer-
landés Piet Mondrian (1872-1944)
lo llamaba, tiene influencias del
cubismo y luego del futurismo.
Hilma af Klint, El Cisne, 1915.
Círculo negro (motivo 1915, pintado 1924)
de Kazimir Malévich.
El arte abstracto es una forma de expresión artística que
prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad
distinta a la natural.Usa un lenguaje visual de forma, color y
línea para crear una composición que puede existir con in-
dependencia de referencias visuales del mundo real. Abarca
movimientos como el expresionismo abstracto, el suprema-
tismo, el action painting, De Stijl o el constructivismo.
41. 41
ARTE CINÉTICO
El arte cinético es una corriente de arte en que
las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
Es una tendencia de las pinturas y las escultu-
ras contemporáneas creadas para producir una
impresión de movimiento. El arte cinético y el
arte óptico son corrientes artísticas basadas
en la estética del movimiento.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas
basadas en la estética del movimiento. Está principalmente
representado en el campo de la escultura donde uno de los
recursos son los componentes móviles de las obras. Pictó-
ricamente, el arte cinético también se puede basar en las
ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibili-
dad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies
coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los
años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de
Marcel Duchamp. Más adelante Alexander Calder inventó el
móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas
piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente
por el desplazamiento del aire en el ambiente.
La expresión arte cinético
es adoptada hacia 1954, para
designar las obras de arte
puestas en movimiento por el
viento, los espectadores y/o un
mecanismo motorizado.
Escultura cinética
David Ascalon, “Wings to
the Heavens”, 2008.
Whirligig, de Lyman Whitaker.
Esfera Caracas (1974, instalada en 1996),
de Jesús Soto.
42. 42
OP ART
El op art (optical art), es un estilo de arte
visual que hace uso de ilusiones ópticas.
Suele usarse en la crítica e historia del arte
la denominación en inglés, op art, aunque
también hay referencias al arte óptico.
Las obras op art son abstractas, siendo muchas de las pie-
zas más conocidas creadas en blanco y negro. Por lo general,
causan en el espectador la impresión de movimiento, de la
existencia de imágenes ocultas, de patrones de destellos y
vibraciones, o de hinchazón y deformación. En las obras de op
art el observador participa activamente moviéndose o despla-
zándose para poder captar el efecto óptico completamente,
y por eso se ven combinaciones o repeticiones de formas,
figuras o patrones; también se utilizan figuras geométricas
simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.
El op art es una experiencia perceptiva relacionada con
cómo funciona la visión. Es un arte visual dinámico que deriva
de la relación discordante entre la figura y fondo que pone
dos planos, el primer y el segundo, en una yuxtaposición ten-
sa y contradictoria. Los artistas crean op art en dos formas
primarias. La primera, el método mejor conocido, es crear
efectos a través del uso de patrones y líneas. A menudo son
pinturas en blanco y negro, o también en grisalla,
A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a pro-
ducir arte óptico basado en el color. Hay tres
clases principales de interacción del color: el
contraste simultáneo, el contraste sucesivo y
el contraste inverso (o asimilación).
Blanco y negro
y la relación figura-fondo
Color
Una ilusión óptica del artista húngaro
Victor Vasarely en Pécs.
Eighteen Levels (1971), Ya’acov Agam,
Israel Museum, Jerusalem.
Mural de Victor Vasarely en la fachada
del Teatro Nacional, Gyor.
Blanco y negro y la relación figura-
fondo, Dionysus, Giovanni Guida.
43. 43
POP ART
El arte pop, como la música pop, presenta una
forma de ver y tratar el arte, más global y social,
no para pocos (elitista), sino para todos (popu-
lar), al utilizar imágenes populares en oposición
a la cultura elitista existente en las Bellas Artes,
separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras,además de resaltar el
aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural,
a menudo a través del uso de la ironía.
El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contra-
rio que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida
mediante el enfriamiento de las emociones. Tiene el propósito
de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de
masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo
accesibles para todos y los representa. Con esto se destaca
la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de
cualquier tipo de subjetividad del artista.
Por otro lado, la repetición es una característica que
abunda en este movimiento ya que en los medios de
comunicación se usa como método tanto como para
crear iconos como para anestesiar a la sociedad
sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto
de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino
que es la vida que imita el arte o la imagen.
Características
Las cuatro latas de Sopa de tomate Cam-
pbell del 50 aniversario “Art Of Soup” con
un autógrafo facsímil de Andy Warhol, un
retrato y una cita de él.
Obra de Andy Warhol.
Arte pop es un movimiento artístico surgido en Rei-
no Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX,
inspirado en la estética de la vida cotidiana y los
bienes de consumo de la época, tales como anun-
cios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine.
44. 44
PSICODELIA
Las artes visuales psicodélicas se dieron paralelamente y, en
cierta medida, subordinadas a la música psicodélica, espe-
cialmente la música pop, que fue la más difundida socialmente.
Pósters de conciertos, portadas de discos, shows de luces,
murales, cómics, fanzines y medios semejantes se usaron para
reflejar los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones
lisérgicas, que recibían todo tipo de interpretaciones en clave
de sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios
inspirados por esos estados alterados de conciencia.
Patrones caleidoscópicos, fractales o inspirados en los diseños
persas conocidos en inglés como paisley pattern.
Colores brillantes y / o altamente contrastantes.
Extrema profundidad de detalle o estilización del detalle.
Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópticos.
Características usuales
del arte psicodélico
Posteriormente hubo una revitalización
del uso de drogas con fines artísticos
por el movimiento rave, ayudado por las
nuevas tecnologías de la computación,
en la última década del siglo.
Clásica espiral psicodélica.
Arte psicodélico o arte lisérgico es el arte inspirado por la experien-
cia inducida por drogas alucinógenas como el LSD, el peyote u otras.
El término "lisérgico" hace referencia a la denominación química del
LSD. El término "psicodélico" se refieren concretamente al movimiento
artístico de la contracultura de los años sesenta del siglo XX.
45. 45
HAPPENING
Happening (de la palabra inglesa que significa
acontecimiento, ocurrencia, suceso) es toda
experiencia que parte de (participación-impro-
visación). Tiene su origen en la década de 1950
y se considera una manifestación artística
multidisciplinaria.
En un principio, el happening artístico fue una tentativa
de producir una obra de arte que naciese del acto a
organizar y con la participación de los "espectadores"
(que abandonasen así su posición de sujetos pasivos
y se liberasen a través de la expresión emotiva y la
representación colectiva). Aunque es común confundir
el happening con la llamada acción artística el primero
difiere de la segunda en la improvisación.
El happening ha pasado a tener un carácter paradójico,
si la intención planteada teóricamente y en sus oríge-
nes es la de la participación activa de los espectadores
para librarles de la masificación, suele verse actual-
mente en los "happenings" un resultado completamente
opuesto al enunciado; en efecto, muchos de los "happe-
nings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada
cultura de masas. Los teóricos sitúan su continuidad en
el teatro invisible o en la acción artística.
Crítica y evolución
Ejemplo de una colorista “instalación
artística” de Spencer Tunick.
Happening ecologista del grupo “Alternativa
naranja” en una calle de Breslavia (Polonia).
Happening, según el colectivo
búlgaro Alma Alter.
El happening, como manifestación artística múl-
tiple que pretende la participación espontánea
del público, suele ser efímero. Por este motivo
los happenings suelen presentarse en lugares
públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad.
46. 46
PERFORMANCES
Involucra cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el
cuerpo o la presencia del artista en un medio, y la relación
entre el creador y el público. Las acciones, generalmente
desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener
lugar en la calle, cualquier tipo de escenario o espacio y
durante cualquier período de tiempo.
Su objetivo es generar una reacción, en
ocasiones con la ayuda de la improvisación
y el sentido de la estética. La temática suele
estar ligada a procesos vitales del propio
artista, a la necesidad de denuncia o crítica
social y con un espíritu de transformación.
La disciplina surgió en 1916 de forma paralela al
movimiento dadaísta, acogida bajo el paraguas
y el nombre de arte conceptual, y fue un movi-
miento capitaneado por Tristan Tzara, uno de los
pioneros de la corriente Dada.
Georgia O’Keeffe fotografiada durante
un proceso performativo.
Performance de Exploding Plastic
Inevitable de Ann Arbor.
Una performance es una obra de arte o muestra artística creada a través de
acciones realizadas por el artista u otros participantes, pudiendo ser en vivo,
documentadas, espontáneas o escritas, presentada a un público dentro de un
contexto de bellas artes, tradicionalmente interdisciplinario. La performance,
también conocida como acción artística, se ha desarrollado a lo largo de los
años como un género propio en el que el arte se presenta en vivo, teniendo un
papel importante y fundamental en el arte de vanguardia a lo largo del siglo xx.
Instalación performativa del colectivo Zaj
en el Museo Reina Sofía, Madrid, 1996.
47. 47
INSTALACIONES
Una instalación artística es un género de arte contem-
poráneo que surge en la década de los años 1960 en
la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos
formales. Es parte de la forma experimental artística,
se exhibe por un tiempo predeterminado y se puede
presentar en cualquier espacio. Una instalación se rea-
liza en y para un contexto y espacio determinado
Por definición, tiene una duración determinada
y, por ende, entra dentro de lo que se conoce
como arte efímero. En la mayoría de los casos
permite una interacción activa con el espectador.
La intervención artística de espacios es una manifestación
propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone
el concepto dentro de un contexto deseado, las instalaciones
pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con
los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros,
incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas
como la fotografía, el videoarte o el performance.
La instalación artística no solo es el montaje y el ordenamiento
de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente;
las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que
concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo
que estas provocan en la interacción con el espectador. La com-
pleta experiencia estética es parte fundamental de la instalación,
a diferencia de obras que se ubican en una sala.
Sitio-instalación concreta por Dan Flavin,
1960, Menil Colección.
Rachel Whiteread, Embankment, 2005,
Tate Modern, London.
Nam June Paik, Electronic Superhighway,
Continental U.S., Alaska, Hawaii 1995.
48. Referencias
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tiempo.&text=La%20historiograf%C3%ADa%20del%20arte%20es,sus%20caracter%C3%ADsticas%20distinti-
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Enciclopedia., H. (. (s.f.). HA! Obtenido de HA!: https://historia-arte.com/movimientos
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vas%20e%20influencias.
49. Bogotá, Colombia.
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Volumen 1 publicado el 28 de
Noviembre del 2020.
