Ciclo de charlas dedicado a analizar las técnicas artísticas durante el siglo XIX, una centuria de grandes progresos tecnológicos, muchos de los cuales influyeron de manera decisiva el campo de la pintura, la estampa o las artes decorativas. Esta quinta y última entrega está dedicada a la pintura y la miniatura durante el siglo XIX, un siglo de grandes avances técnicos e innovaciones materiales. Diciembre 2015 - febrero 2016.

1. CICLO DE CHARLAS
LASTÉCNICAS ARTÍSTICAS
DURANTE EL SIGLO XIX
La pintura y la miniatura
durante el siglo XIX
Carmen CabrejasAlmena
Museo del Romanticismo

2. Camille Pisarro, Paleta del artista con paisaje, ca. 1878 (Clark Art Institute)

3. La pintura en el siglo XIX
- La pintura es uno de los ámbitos artísticos donde más cambios se
producen a lo largo del siglo XIX, pues se ve afectado por los
avances técnicos (aparición de pigmentos sintéticos y tubos de
pintura), así como por diferentes teorías científicas y estéticas
(estudios sobre la percepción del color, tratados sobre la pintura
de paisaje).
- Durante el siglo XIX se dará además una gran variedad de estilos
pictóricos, que aparecen con mayor rapidez que en ningún otro
momento de la Historia del Arte anterior.
- No obstante, muchos artistas se verán atraídos también por la
recuperación de técnicas tradicionales.

4. Técnicas tradicionales
Pintura mural
- Durante el siglo XIX la pintura mural
cobrará importancia en el entorno de
muchos artistas que se sienten
atraídos por la recuperación de
técnicas y estilos del pasado.
- Es el caso de los nazarenos, grupo de
pintores románticos alemanes
establecidos en Roma que pretendían
revivir la pureza del arte medieval y
del primer Renacimiento. Entre sus
proyectos más destacados destaca la
recuperación de la técnica del fresco
tradicional (pigmentos disueltos en
agua con cal y extendidos sobre una
capa de estuco fresco) para la
decoración de la Casa Bartholdy
(1816-17) y el Casino Massimo
(1817-29) en Roma.
Frescos del Casino Massimo, Roma
1817-1829
Sala de Tasso: Johann Friedrich Overbeck

5. Frescos del Casino Massimo, Roma, 1817-1829
Sala de Dante (detalles): Philipp Veit

6. Biblioteca (Palacio Borbón, actual Asamblea
Nacional), 1838-47
Eugène Delacroix
Otro pintor interesado en las técnicas
tradicionales fue Delacroix. A lo largo
de su carrera recibió importantes
encargos decorativos murales en los
que se decantó por la técnica de la
encáustica (mezcla de pigmentos
secos con cera fundida, a la que a
veces se añaden pequeñas cantidades
de resinas naturales para aumentar
su durabilidad, y aceites para hacerla
más trabajable La pintura se aplica
caliente con una espátula o cepillo,
endureciéndose rápidamente y
fusionándose a la superficie), ya
utilizada en la Antigüedad en Grecia y
Roma.

7. Detalles de la decoración mural del Salón del Rey (Palacio Borbón, actual Asamblea Nacional), 1833-37
Eugène Delacroix

8. Jacob luchando con el ángel y La expulsión de Heliodoro del templo, Iglesia de St. Sulpice, 1855-61
Eugène Delacroix

9. La dama de Shalott, 1886-1905
William Holman Hunt
Temple y óleo sobre lienzo
(Manchester Gallery of Art)
Técnicas tradicionales
Pintura al temple
- Varios artistas del siglo XIX
recuperan también la técnica de
la pintura al temple (pigmentos
aglutinados generalmente
mediante cola animal o caseína,
aunque a veces admite también
otros elementos como huevo o
goma), utilizada ya en el antiguo
Egipto, generalmente para
decoraciones murales. En este
momento, los artistas van a
aplicarla a la pintura de
caballete.
- Destaca su uso en el círculo de
los prerrafaelitas.

10. Melisande, 1895, y Virgen con niño, 1907-1908, Marianne Stokes
Temple sobre lienzo
(Wallraf-Richartz-Museum, Colonia, y Wolverhampton Art Gallery)

11. Paleta perteneciente a Delacroix
(Museo Eugène Delacroix, París)
Es la más cultivada y por lo tanto
es donde más influencia tienen las
novedades técnicas y científicas,
así como los diferentes
movimientos y teorías estéticas.
Pintura al óleo

12. La técnica de pintura de manchas:Alexander Cozens y los tratados de pintura de paisaje
Alexander Cozens publicó en 1786 el tratado Un
nuevo método para ayudar a la inventiva en el
dibujo de paisajes de composición original, en el
que presentaba diversos métodos para estimular
la imaginación del artista en la representación de
paisajes, yendo más allá de la copia del natural.
Uno de los sistemas propuestos era partir de
manchas de color casuales, como formas
abstractas, a partir de las cuales ir construyendo
la escena. Cozens propugnaba además buscar un
efecto emocional exagerando algunos rasgos de la
naturaleza. Su obra tuvo una gran divulgación e
influencia en el desarrollo de la pintura de paisaje
romántica, desde Constable hasta Villaamil.
En las primeras décadas del siglo XIX, la
publicación de tratados o reflexiones de artistas
sobre el género del paisaje nos da muestra de la
vitalidad técnica y estética de este género.
Destaca la obra Elementos de perspectiva práctica
de Pierre Henri de Valenciennes (1800), Algunas
observaciones sobre la pintura de paisaje de Carl
Grass (1809), o Cartas sobre la pintura de paisaje
de Carl Gustav Carus (1815).
Estudio de nubes (s.f.) y Antes de la tormenta, ca. 1770
Alexander Cozens (Tate Britain)

13. “Cada mañana, en un par de
horas, nos pintaba un paisaje;
ponía primero cuatro manchas
con el cuchillo y, después de
pensar un rato, de aquellas
manchas salían unas
montañas, o bien una
cascada, un bosque o una
cueva de ladrones…”
Martín Rico, sobre su profesor de
paisaje Jenaro Pérez Villaamil
Paisaje romántico en el castillo de Gaucín,
Málaga, 1836
Jenaro Pérez Vilaamil
(Museo del Romanticismo)

14. Nocturno en negro y dorado, ca. 1872-1877
James Abbott McNeill Whistler
(Detroit Institute of Art)
“Nunca habría esperado oír
que un engreído pidiera 200
guineas por arrojarle un bote
de pintura en la cara al
público”
John Ruskin sobre Nocturno en negro y
dorado de Whistler
“El Nocturno en negro y dorado no
es una vista de Cremone, si así lo
hubiese titulado entendería que
resultara ciertamente muy
desilusionante para el público, es
una composición artística”
(Whistler, durante el juicio contra John
Ruskin por agravios)

15. Ilustración para Teoría de los colores, 1810
Johann Wolfgang Goethe
Teoría del color:Goethe
En 1810, Goethe publicó Teoría de los colores,
donde matizaba algunos aspectos de la Teoría
de la Luz de Isaac Newton (1672): frente a la
concepción puramente física y matemática de
Newton, Goethe apostaba por el carácter
subjetivo de la experiencia. Propuso que el
color depende de la percepción del individuo,
en la que se halla involucrada el cerebro y los
mecanismos del sentido de la vista (que
pueden variar ligeramente en cada persona). Al
mismo tiempo, reconocía la universalidad de
ciertas reacciones humanas ante los colores, lo
que otorgaba un contenido simbólico y
emocional a cada color.
Se convirtió en precursor de la moderna
psicología del color, pero su visión no fue
aceptada por la mayoría de la comunidad
científica, aunque sí por muchos artistas
románticos. Él mismo decía de su obra:
No me enorgullezco demasiado de mis logros
como poeta. En mi época han vivido escritores
creativos excelentes, los ha habido aun más
brillantes antes de mí, y siempre los habrá
después de mi tiempo. Pero de ser yo el único
en mi siglo que conoce la verdad acerca de la
teoría de los colores… ¡Eso es de lo que estoy
orgulloso y lo que me da un sentimiento de
superioridad sobre muchos!

16. Ulises burlando a Polifemo, 1829
J.M.W. Turner
(National Gallery, Londres)

17. “Este es un cuadro en el que la verdad y la
naturaleza han sido sacrificadas en aras de un
efecto melodramático (…) De hecho, puede
tomarse como ejemplo de colorido demencial: el
bermellón positivo, el índigo positivo, y todos los
tonos más brillantes del verde, el amarillo y el
púrpura compiten en él por la supremacía”
Crítica del Morning Herald a Ulises burlando a Polifemo de
Turner, 1829

18. Sombra y oscuridad – La tarde del diluvio
Luz y color (la teoría de Goethe) – la mañana después del Diluvio - Moisés escribe el libro del Génesis
J.M.W. Turner, 1843
(Tate Britain, Londres)

19. Reproducción del círculo cromático de Chevreul
por Claudia Ivette Rodríguez Lucio y María de la
Luz Sáenz Aguirre
Teoría del color:Chevreul
Michel Eugène Chevreul fue un químico francés
y director de tintorería de la Real Fábrica de
Tapices de Los Gobelinos, donde inició una serie
de estudios sobre el color que le llevaron a la
publicación en 1839 del libro De la loi du
contraste simultané des couleurs (De la ley del
contraste simultáneo de colores).
En él, propuso conceptos que serían claves para
la pintura posterior, especialmente para el
impresionismo, como el de “mezcla óptica”
(cuando dos colores primarios se superponen,
apareciendo un tono secundario) y “contraste
simultáneo” (que se produce cuando dos
colores puros se colocan muy cerca el uno del
otro, creando una ilusión óptica en la que parece
que se aclara u oscurece una tonalidad. Es decir,
que todo color es relativo, ya que se ve influido
por los colores que le rodean).

20. El esquife (La yola), Pierre- Auguste Renoir, 1875
(National Gallery, Londres)

21. Lavacourt nevado, Claude Monet, 1878-1881
(National Gallery, Londres)

22. Última maleta de pintura de
Pierre-Auguste Renoir
(Museo de Orsay)
Invención de los tubos de pintura
Patentados en 1841 por el pintor norteamericano residente en Gran Bretaña, John Rand.
El invento ofrecía un sistema duradero y ligero de almacenaje y transporte para colores
previamente mezclados, facilitando así el desarrollo de la pintura al aire libre. En 1880, la
empresa Sherwin-Williams perfeccionó la elaboración de colores prefabricados.
Los tubos de
colores al óleo,
fácilmente
transportables, nos
permitieron pintar
del natural. Sin
tubos... no hubiese
habido
Impresionismo.
Pierre-Auguste Renoir

23. Vejiga y frasco utilizados para el transporte de pintura con anterioridad a la invención de los tubos
(Tate Britain, Londres)

24. Robles en Apremont, 1852
Theodore Rousseau
(Museo de Orsay)

25. Desarrollo de colores sintéticos
Ya desde finales del siglo XVIII, en consonancia con el desarrollo de la Revolución
Industrial, se comienzan a desarrollar de forma artificial nuevos colores o versiones
mejoradas de los pigmentos ya existentes. Su principal aplicación inicial era el ámbito
textil, pero poco a poco se fueron aplicando a usos artísticos, enriqueciendo la paleta de
los pintores, por su carácter más económico y su mayor variedad tonal.

26. Azul de Prusia
Considerado el primer pigmento sintético moderno, creado por el alemán Diesbach en
1704, y disponible para los pintores desde 1724.
Estudio de nubes y
árboles, 24 de
septiembre de 1821
John Constable
(Victoria and Albert
Museum)

27. Jarrón estilo Sèvres
(Col. Privada)
Azul cobalto
Descubierto en 1802 por el
científico Louis Jacques Thénard en
sus experimentos realizados para
la manufactura de porcelana de
Sèvres.

28. El Rigi azul, lago de Lucerna, amanecer, J.M.W. Turner, ca. 1842
(Col. Privada)

29. Los paraguas, ca. 1881-86
Pierre-Auguste Renoir
(National Gallery, Londres)
Azul ultramar
El color de origen natural más caro (se
elaboraba a partir de lapislázuli), fue
sintetizado en 1828 de forma casi
simultánea por dos científicos, el francés
Jean Baptiste Guimet y el alemán
Christian Gottlob Gmelin. El
descubrimiento respondía al premio
ofrecido por la Sociedad francesa para el
fomento de la industria nacional a quien
lograse sintetizar una versión más
económica de este pigmento (400
gramos del mismo costaban entre 3.000
y 5.000 francos, mientras que la misma
cantidad del producto sintetizado por
Guimet se iba a vender por 400 francos).

30. Azul cerúleo
Descubierto en 1805 por Andreas Höpfner, fue comercializado a partir de 1860 por
George Rowney, famoso distribuidor inglés de materiales artísticos.
En el bote, Édouard Manet, 1874 (Metropolitan Museum of Art)

31. Noche estrellada sobre el Ródano, Vincent van Gogh, 1888
(Museo de Orsay)

32. Noche estrellada, Vincent van Gogh, 1889 (MOMA)

33. Torres bermellón, J.M.W. Turner, ca. 1834 (Tate)
Bermellón
Color de uso tradicional, va a ir cayendo en desuso durante el siglo XIX hasta
desaparecer en el siglo XX por el desarrollo de varios pigmentos rojos sintéticos.

34. Café de noche, 1888, Vincent van Gogh (Yale University Art Gallery)
Rojos,amarillos y naranjas de cromo y cadmio

35. Es uno de los cuadros más feos que he pintado (…) He
tratado de expresar las terribles pasiones de la humanidad
por medio del rojo y el verde. La habitación es de color
rojo sangre y amarillo oscuro con una mesa de billar verde
en el medio; hay cuatro lámparas de color amarillo limón
con brillos naranjas y verdes. En todas partes hay un
choque, y contrastes entre los rojos y los verdes más
extraños (…) En este lienzo hay 6 o 7 rojos diferentes,
desde el rojo sangre hasta el rosa tierno, haciendo
oposición al verde, tanto pálido como oscuro.
Vincent van Gogh, sobre El café nocturno

36. Nuestras costas inglesas
(Ovejas descarriadas),
William Holman
Hunt, 1852
(Tate Britain, Londres)
Verde esmeralda
También llamado Verde París o Verde de Schweinfurt (por la localidad de Alemania donde
empezó a fabricarse industrialmente en 1814). Fue un pigmento muy exitoso hasta que
hubo de ser retirado del mercado por su toxicidad

37. Vestido con tinte verde esmeralda, ca. 1860
(Colección Glennis Murphy)
Ilustración de Le Journal des Dames et des Demoiselles
con pigmento verde esmeralda, ca. 1860

38. Mujer bordando, 1817
Georg Friedrich Kersting
(Museo Nacional de Varsovia)

39. La rosaleda o La bella durmiente (de la serie La leyenda de la rosa con espinas)
Edward Burne Jones, completada en1890 (Buscot Park)
“Marrón momia”o marrón egipcio
Pigmento terroso, muy popular en el siglo XIX (especialmente entre los prerrafaelitas),
fabricado a partir de restos de momias egipcias, lo que llevó finalmente a su rechazo.

40. Cuando salgas a pintar,
trata de olvidar los
objetos que tienes ante ti,
un árbol, una casa, un
campo, o lo que sea.
Piensa solamente: he aquí
un cuadradito azul, un
óvalo rosa, una franja
amarilla, y píntalos tal
como los ves, con el color
y la forma exactos, hasta
que obtengas tu propia e
ingenua impresión de la
escena que tienes delante.
Claude Monet

41. Mujer con sombrilla en un jardín, Pierre Auguste Renoir, 1875 (MuseoThyssen Bornemisza)
Campo de trigo con cipreses, Vincent van Gogh, 1889 (Metropolitan Museum ofArt)
Tarde de domingo en la isla de la Grand Jatte, Georges Seurat, 1885-1886 (ChicagoArt Institute)
Detalles

42. Retrato de Félix Féneon, Paul Signac, 1890 (MOMA)

43. El talismán
Paul Sérusier
1888
¿Cómo ve usted los
árboles? Son
amarillos. Pues bien,
ponga amarillo; ¿esta
sombra, más bien
azul?, píntela de color
ultramar puro; ¿esas
hojas rojas?, ponga
bermellón.
Paul Gauguin a Paul
Sérusier

44. El puente deWaterloo,André Derain, 1906
(Museo Thyssen Bornemisza)

45. El puente deWaterloo (detalle)
André Derain, 1906
Los colores son cartuchos
de dinamita cuya misión es
hacer estallar la luz
André Derain

46. Miniatura
Madame de Talleyrand, 1809
Jean-Baptiste Isabey
(Museo de Artes Decorativas de París)
El término miniatura hace
referencia a las pinturas realizadas
en una escala muy pequeña. Este
término se aplica a las pequeñas
escenas en manuscritos iluminados
de la Edad Media, pero también a
los retratos y paisajes realizados
sobre diversos materiales
(fundamentalmente vitela o
marfil), de gran popularidad desde
el siglo XVI hasta el siglo XIX.

47. Retrato de dama joven, J. Guttroy, óleo sobre madera
Paisaje con ruinas y fuentes, óleo sobre cartón
Retrato masculino, óleo sobre cobre
(Museo del Romanticismo)
Diferentes tipos de materiales como soporte

48. Retrato femenino, esmalte sobre porcelana
Retrato femenino, estampa sobre vitela
(Museo del Romanticismo)

49. Niña, Jean-Baptiste Soyer (atrib.), ca. 1800
Gouache y acuarela sobre marfil
(Museo del Romanticismo)
Diferentes tipos de materiales:
marfil

50. Manuel Remírez y Berreda
Cecilio Corro, ca. 1850
Gouache y acuarela
sobre marfil artificial
(Museo del Romanticismo)

51. Niña, Jean-Baptiste Soyer (atrib.), ca. 1800
Gouache y acuarela sobre marfil (detalle)
(Museo del Romanticismo)
Proceso técnico
- Preparación del material de soporte.
En el caso del marfil, este se aplana,
se blanquea y se pule hasta conseguir
finísimas láminas semitransparentes.
Se le da forma y se pega sobre una
cartulina blanca.
- Para manipular la hoja de marfil, se
recomienda el uso de guantes.
- A continuación, se realiza el esbozo
con un pincel fino y largo de pelo de
ardilla.
- Los fondos se trabajan generalmente
al gouache con pinceles cortos y
gruesos. Debido a lo delicado del
trabajo, se recomienda un pincel para
cada color.
- Para las carnaciones y detalles de
color se emplea la acuarela, aplicada
con pinceles de pelo de marta. A
menudo se recurría al punteado o
rayado para resaltar ciertos
elementos.

52. Madame Pompadour, Louis Dupré (copia de François Boucher), ca. 1810-1837
Gouache y acuarela sobre marfil
(Museo del Romanticismo)

53. Caja portátil de un pintor de miniaturas, ca. 1790
(Colección Privada)
Fuente: lauriebenson.net

54. Miniatura (Niña, atribuida a Frederick Buck, ca. 1800) desmontada para su estudio
Gouache y acuarela sobre marfil
(Museo del Romanticismo)
Miniatura desmontada

55. Retrato de joven con guardapelo
Gouache y acuarela sobre marfil /cabello y papel
(Museo de Artes Decorativas, París)
La miniatura como objeto de valor sentimental

56. Miniatura en caja de polvos de maquillaje (Museo de Artes Decorativas, París)
Miniatura en caja guardapelo (Museo del Romanticismo)
“Uno se siente casi íntimo amigo de una mujer mirando su retrato en
miniatura, ¡está tan cerca de ella! La pintura al óleo, al contrario, nos
condena a una distancia inmensa”
Stendhal, Roma, Nápoles y Florencia, 1817

57. Paleta pintada por Federico de Madrazo, Joaquín Sorolla, Jose de Echenagusía, José Villegas, Modesto
Brocos, Anselmo de Guinea, Enrique Serra, Arturo Montero, Antonio María Reyna, Silvio Fernández,
Manuel Muñoz, Ulpiano Checa, Agustín Salinas, José Salís y Juan Pablo Salinas.
(Colección particular)

58. RECURSOS DE INTERNET:
• Álbum de imágenes de la colección de pintura del Museo
del Romanticismo.
• Álbum de imágenes de la colección de miniatura del
Museo del Romanticismo.
• Página web sobre la evolución de los pigmentos en la
Historia del Arte (en inglés).

59. Bibliografía
• BALL, P., La invención del color, Turner, 2003.
• DOEMER, M., Los materiales de pintura y su empleo en el arte, Reverte,
1998.
• FERRER, A., La pintura mural: su soporte, conservación, restauración y las
técnicas modernas, Universidad de Sevilla, 1995.
• MIGUEL ARROYO, C., “El retrato infantil en la miniatura del Museo
del Romanticismo”, Museo del Romanticismo, pieza del mes de enero
de 2012.
• PALIZA, M., “Artistas españoles en Roma a finales del siglo XIX. En
torno a una paleta pintada en 1886”, en Goya, nº 343, 2013.
• PASQUIER, J. du, La miniature, portrait de l'intimité : en contemplant mes
traits ne songez qu'à mon cœur, Norma, 2010.
• PAVEY, D., Colour, concepts, palettes and pigments, Lulu, 2014.
• TOWNSEND, J. H., “The Materials Used by British Oil Painters in the
Nineteenth Century”, en Tate Papers, nº 2, 2004.