2. EL GRITO
Autor: Edvard Munch, 1893
Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón
Estilo: Expresionismo
Tamaño: 91 cm x 74 cm
La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizás, en la
atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo
y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana
de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le
diagnosticaron un trastorno bipolar y fue internada en un
psiquiátrico.
3. Adoración de la Santísima Trinidad
Autor: Alberto Durero
Técnica: Pintura al temple y óleo sobre madera
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 135 cm x 123 cm
La obra se articula en dos planos. En el superior, en una figura de óvalo cuya parte de arriba
está marcada por la propia forma del retablo, ocupan el centro, de arriba abajo, el Espíritu
santo (una paloma), Dios Padre formidable y Jesucristo crucificado. Las figuras son trazadas
con monumentalidad. Tanto a su alrededor, como abajo, en formación ligeramente curvada,
se encuentran todos los santos en
adoración: reyes, cardenales, mártires, héroes y profetas flotan sobre un paisaje de vista
panorámica. Esta composición «sintetiza de manera sublime el cielo y la tierra» (Pijoán)
4. Las meninas
Autor: Diego Velázquez, 1956
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco
Tamaño: 318 x 276 cm
Retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes,
«las meninas». En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el propio
Velázquez se autorretrata trabajando en él. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca
del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta. Un espejo colocado al fondo refleja las
imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, aunque algunos historiadores han
interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o, según
otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta Margarita y sus
acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.
5. Guernica
Autor: Pablo Picasso, 1937
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo
Tamaño: 776,6 cm x 349
La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está
ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara.Los laterales
serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro
y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio
de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en
triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el
cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara
6. Las dos Fridas
Autor: Frida Kahlo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo:
Tamaño: 173,5 x 173 cm.
Refleja las emociones que rodearon a su separación y crisis marital. A la derecha, la parte de su persona que era
respetada y amada por Diego es la Frida mexicana vestida de tehuana. A la izquierda, una Frida bastante más
europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandonó. Los corazones de las
dos mujeres están a la vista, un símbolo que Frida usaba a menudo para expresar su dolor. El corazón de la Frida
desdeñada está roto, mientras que el de la otra Frida está entero. Del amuleto que Frida sostiene sale una vena
que viaja a través del corazón de las dos mujeres y es finalmente cortado por las tijeras quirúrgicas que están en
el regazo de la Frida desdeñada. El cielo tormentoso, lleno de nubes agitadas podría reflejar el caos interno de
Frida. Sujetando su propia mano, ella es su única compañera.
7. Bailarines
Autor: Fernando Botero, 2000
Esta pintura de una pareja bailando al parecer en una taberna o casa, según lo que
se puede percibir de la atmósfera, logra verse como un tradicional matrimonio
colombiano en una noche de baile, las colillas de cigarrillo y la botella que está
tirada en el piso le comunican al espectador que al parecer los personajes de la
pintura han estado bebiendo y fumando durante algún tiempo. Es una escena que
puede ser vista también en una tradicional fiesta familiar colombiana, de navidad o
fin de año, en donde los adultos suelen danzar al ritmo de la música navideña hasta
altas horas de la noche.
8. La noche estrellada
Autor: Vincent van Gogh
Técnica: Oleo sobre lienzo
Estilo: Barroco
Tamaño: 73.7 x 92.1 cms.
El cuadro es uno de los muchos que Van Gogh pintó desde la ventana de su celda. Hay en él partes
que corresponden a una realidad como el paisaje ondulado de los montes Les Alpilles y las
plantaciones de olivos, así como la situación de los astros en el cielo, donde quedan perfectamente
reflejados la constelación de Aries, la Luna y Venus.
Los astros se encuentran magnificados por una serie de círculos concéntricos que pueden representar
su luminosidad así como sus movimientos giratorios en su desplazamiento por el espacio.
Unas ondulaciones atraviesan el cielo de izquierda a derecha que representan la vía Láctea y la forma
en espiral de las galaxias, hecho que hacía relativamente poco tiempo que había sido descubierto por
algunos astrónomos.
9. Mujer con sombrero de plumas
Autor: Pablo Picasso
Técnica: Oleo sobre lienzo
Estilo: Realismo
Tamaño: 46 x 38 cm
10. Autorretrato con collar de espinas
Autor: Frida Kahlo
Técnica: Pintura al aceite
Estilo: Arte naif
Tamaño: 51 m x 64 m
En este retrato, Frida se pinta a si misma de frente para realzar su presencia. Ha estirado la corona de
espinas de Cristo y la lleva como un collar, presentándose como una mártir cristiana. Las espinas que se
hunden en su cuello son símbolos del dolor que todavía siente debido al divorcio de Diego. Colgando
del collar de espinas hay un colibrí muerto, cuyas alas extendidas imitan las cejas de Frida. Los colibríes
muertos eran usados como símbolos de buena suerte en amores. Sobre su hombre izquierdo hay un gato
negro, símbolo de mala suerte y muerte; el gato está esperando el saltar sobre el colibrí. Sobre su
hombro derecho esta su mono; un símbolo del diablo...y un regalo de Diego. Alrededor de su pelo, las
mariposas representan la resurrección.
11. Los músicos
Autor: Fernando Botero
Técnica: Óleo
Esta obra que fue vendida por $2.1 millones de dólares es una
muestra del estilo particular de Botero. Aquí observamos unos
músicos de cuerpos inflados, los cuales han sido pintados con
colores simples. La utilización del espacio ha sido total. No cabe un
personaje mas en este cuadro.
12. LA ESCUELA DE ATENAS
Autor: Rafael Sanzio, 1510-1511
Técnica: Pintura al fresco
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 500 cm x 770 cm
Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la filosofía, a través de una escena
en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a
las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota
por los muros laterales sobresalientes. Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía
del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más
importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica,
abovedada como unas termas
14. MUJER CON SOMBRERO Y CUELLO DE PIEL
Autor: Pablo Picasso
Técnica: Arte moderno
Estilo: Cubismo
Tamaño: 61 cm x 50 cm
Picasso realiza un ejercicio analítico exhaustivo en que la juventud y la personalidad de Marie-Thérèse
se someten a mil figuraciones metamórficas. El artista convierte a la modelo en un icono de la
sensualidad a través de un rico lenguaje pictórico en el que la distorsión de las formas supone la
consolidación del llamado “estilo Picasso”. El retrato constituye al mismo tiempo el epílogo de la
confrontación entre las dos modelos esenciales de aquel momento, Marie-Thérèse Walter y Dora
Maar. Picasso muestra aquí a Marie-Thérèse mucho más convencional y exenta de dramatismo. A
pesar de la distorsión de la forma, la divergencia de la mirada y la angulosidad de los rasgos
fisonómicos, este retrato es fácilmente identificable
15. LA CREACION DE ADAN
Autor: Miguel Ángel
Técnica: Fresco
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 4,8 m x 2,3 m
Miguel Ángel representa no a un hombre, sino a una gran escultura, de tamaño mayor que
el natural, fuerte, musculoso, bello, que encarna la grandeza de Dios en el género humano,
que es obra del Creador. Él está recostado, totalmente desnudo, sobre una superficie que al
parecer es la tierra. A la derecha del cuadro, aparece Dios, él está representado como un
hombre anciano con barba envuelto en una túnica color púrpura, su brazo izquierdo está
alrededor de una figura femenina interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y
espera que se le de vida. Otros elementos pero menos destacados son los ángeles que rodean
a Dios, estos ángeles están desnudos.
16. LA ULTIMA CENA
Autor: Leonardo da Vinci
Técnica: Temple y oleo sobre yeso
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 880 cm x 460 cm
La afirmación de Jesús «uno de vosotros me traicionará» causa consternación en los doce
seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los
movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada uno de los
doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan
y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido.
Aunque se basa en las representaciones precedentes de Ghirlandaio y Andrea del Castagno,
Leonardo crea una formulación nueva. Como puede verse en el dibujo preparatorio, Leonardo
pensó inicialmente en la composición clásica, con Judas delante de la mesa, y los otros once
apóstoles en frente, con Jesucristo en el medio como uno más.
18. BAILARINA EN DESCANSO
Autor: Debora Arango
Técnica: Acuarela
Estilo:
Tamaño: 65 x 196 cm
La pose de esta mujer está disuelta en la actitud de desenfado dada por el rostro y los brazos, que terminan de
abrirla en su intimidad. Ella no mira al espectador, y sus pensamientos vagan. Los labios pintados de rojo, juegan
con los pezones marcados en su configuración. Es una mujer morena, pero el color de su piel está matizado por
tonos azules y rojizos. Representa a una mujer de extracción popular, que naturalmente descubre su sexualidad, eso
es lo que interesa como verdad que trasciende hasta el debate público. Lo que cambia respecto a la tradición en esta
acuarela, es la forma expresionista de pintar, que está al servicio de una exaltación de la bailarina y de su condición
humana; desde una pose muy usual en la pintura occidental, sobresale una relación que se advierte entre la
naturalidad del descanso de la mujer y la ostentación de su sexualidad
20. LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA
Autor: Salvador Dalí
Técnica: Pintura al aceite
Estilo: Surrealismo
Tamaño: 24 cm x 33 cm
El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha de forma insólita. En
primer plano a la izquierda, se observa un bloque probablemente de cartón tejido a mano, que hace las funciones
de una mesa, sobre el que se disponen dos relojes y un árbol incompleto, con una sola rama y sin hojas. El reloj
más grande es blando, tiene una mosca sobre él y cae, escurriéndose por el borde de la mesa. El pequeño, parece
un reloj de bolsillo cerrado y las hormigas se mueven sobre él. Pende del árbol un tercer reloj, también blando.
En el centro de la obra aparece una extraña figura que simula una cabeza blanda, cuyo cuello se diluye en la
oscuridad. Llama la atención la enorme nariz, la especie de lengua que sale de ella y el ojo cerrado con largas
pestañas. La figura parece dormir sobre la arena.
21. LA MUERTE DE MARAT
Autor: Jacques-Louis David, 1793
Técnica: Oleo sobre lienzo
Estilo: Neoclasicismo
Tamaño: 165 cm x 128 cm
Representa el fallecimiento en 1793 de Jean-Paul Marat, el escritor del periódico radical L'Ami
du peuple (El amigo del pueblo) y muy relacionado con la facción jacobina durante el reinado
del Terror, aunque nunca fue un miembro indiscutible. Marat fue apuñalado el 13 de julio de
1793, mientras escribía en su bañera, por Carlota Corday, quien apoyaba a la facción girondina,
más moderada. Charlotte Corday marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de
asesinar al hombre a quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y
consiguió aproximársele usando el subterfugio de hablarle de traidores a la causa de la
Revolución.
22. CRISTO ABRAZADO A LA CRUZ
Autor: El greco
Técnica: Oleo sobre lienzo
Estilo: Manierismo
Tamaño: 105 cm x 79 cm
Es uno de los temas más repetidos por El Greco a lo largo de su carrera artística. Puede derivarse de su famosa obra El
expolio, originalmente planeada para ser una serie que abordara completamente la pasión de Cristo.
Jesús de Nazaret, en primer plano, camina rumbo al Monte Calvario sujetando la cruz. Eleva la mirada hacia el cielo
con los ojos llenos de lágrimas, aunque su rostro inspira serenidad e incluso alegría, asumiendo con entereza su
martirio.
En el cuadro superior contemplamos una nube de ángeles, de clara inspiración bizantina. El cielo tormentoso
convierte a la obra en una zona dominada por los fogonazos de luz, que parecen esculpir los pliegues de la ropa de
Jesús. La anatomía del Hijo de Dios parece totalmente inspirada en la obra escultórica de Miguel Ángel
23. LA GIOCONDA
Autor: Leonardo da Vinci
Técnica: Oleo sobre tabla de álamo
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 77 cm x 53 cm
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la
identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se
llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo,
que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a
todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte
resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
24. LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. NICOLAES TULP
Autor: Rembrandt
Técnica: Oleo con lienzo
Estilo: Barroco
Tamaño: 169,5 cm x 216,5 cm
El cuadro muestra una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp a un grupo de
cirujanos. El doctor Nicolaes Tulp está representado explicando la musculatura del brazo a
profesionales de la medicina. El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon), de
41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios
patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura.
