Análisis de documentos sobre la escultura italiana del Renacimiento y la arquitectura románica

Índice
Junio de 2008 70
Junio de 2007 90
Información extraída de la página web del Gobierno de Canarias:
http://www.gobiernodecanarias.org/educacion
CANARIAS
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Enunciado de la prueba (Junio de 2008)
OPCIÓN A
PARTE TEÓRICA
TEMA Características y evolución cronológica de la escultura italiana del Renacimiento:
– Introducción histórica de carácter general y cronología.
– Características generales de la escultura italiana del Renacimiento. Selección
de autores más representativos: Donatello y Miguel Ángel Buonarroti.
GRÁFICO A la vista de la planta e interior de la Catedral de Santiago de Compostela,
analiza y comenta la arquitectura románica.
El alumno debe elegir la Opción A o la Opción B, nunca mezclar partes.
Debe realizar una prueba teórica y una práctica de la opción elegida.
Dentro de la prueba teórica elegida, el tema o el gráfico, nunca los dos (4,70 puntos).
En la prueba práctica el alumno deberá comentar dos imágenes de las cuatro ofrecidas
(calificación de 2,40 puntos por diapositiva, 4,80 puntos en total).
El 0,50 punto restante para llegar al total de 10 se otorgará atendiendo a la redacción
y madurez demostradas por el alumno en los dos ejercicios.
Planta de la Catedral de Santiago
de Compostela.
Interior de la Catedral de Santiago de Compostela.
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Curso 2007-2008 jUNIO
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OPCIÓN A
PARTE PRÁCTICA
De estas cuatro obras, elige y comenta dos.
Lámina 1
Lámina 4
Lámina 3
Lámina 2
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OPCIÓN B
PARTE TEÓRICA
TEMA Las Vanguardias históricas antes de 1945: Fauvismo, Expresionismo y Cubismo.
– Breve introducción histórica.
– Fauvismo: Matisse (La danza).
– Expresionismo: Munch (El grito).
– El Cubismo y sus técnicas: Picasso.
GRÁFICO Teniendo en cuenta estas dos imágenes, analiza y compara las características
generales del Impresionismo y del Postimpresionismo.
Impresión, sol naciente. Monet
Noche estrellada. Van Gogh
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Curso 2007-2008 JUNIO
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OPCIÓN B
PARTE PRÁCTICA
Lámina 1
Lámina 4
Lámina 3
Lámina 2
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Resolución de la prueba (Junio de 2008)
Opción A
EXAMEN TEÓRICO
TEMA. Características y evolución cronológica de la escultura italiana del Renacimiento.
(Ver examen Baleares. Septiembre 2007. Parte B. Opción B.1.)
GRÁFICO. Arquitectura románica
El Románico es el primer estilo europeo del arte cristiano medieval. Se desarrolla en Europa occidental,
en la zona ocupada por el Imperio romano de Occidente, aunque habrá diferencias regionales.
Surge a finales del siglo X y se desarrolla hasta finales del XII.
Características principales:
• Se fusionan elementos romanos, bizantinos, islámicos y bárbaros. La novedad estriba en la manera
de unirse dando lugar a un arte nuevo.
• El Románico depende no solo del país, sino de la región, por tanto, es un estilo rico y variado.
• Las tipologías constructivas son iglesias y monasterios de planta de cruz latina y, en menor medida,
plantas centralizadas.
• Las plantas de los edificios suelen tener forma de cruz latina de tres o cinco naves con un crucero
bastante pronunciado que, a su vez, podía estar dividido en otras tres naves. En la cabecera aparecen
pequeñas capillas radiales que se llaman absidiolos y que servían para que se desarrollasen
otras liturgias. En el punto en que se cruza la nave central con el transepto se sitúa el crucero
con un cimborrio en forma de torre, que tiene como finalidad remarcar en altura este espacio
que antecede al altar.
• A los pies de la iglesia pueden aparecer dos torres que son influencia carolingia.
• En los edificios de peregrinación se crea la girola o deambulatorio, que se forma al unirse
las naves laterales por detrás de la catedral, creando tras la cabecera un espacio transitable que tenía
como finalidad que los peregrinos se moviesen sin interrumpir el culto de la nave central.
• El material que se usa es la piedra cortada en sillares regulares. Los muros se rellenan con materiales
de menor calidad, como el ripio (pequeñas piedras que ayudan a que los muros asienten bien).
• Los espacios se cubren con bóveda de cañón reforzadas con arcos fajones, que permiten
la segmentación en varios tramos. En el exterior, los arcos fajones se corresponden con
los contrafuertes, conteniéndose los empujes laterales de la cubierta, algo que ya apareció
en el Prerrománico asturiano. Además se recurre a arcos formeros, paralelos al eje longitudinal de
la nave. Para los espacios cuadrados se empleaba la bóveda de arista, formada por la intersección
de dos bóvedas de cañón. La zona del ábside se cubre con bóveda de cuarto de esfera o de horno.
• El arco característico de este estilo es el de medio punto, que también puede aparecer doblado;
es decir, uno mayor cobijando a otro de menores dimensiones, o peraltado.
• El elemento sustentante por excelencia es el pilar de sección circular o cruciforme, al que se adosan
columnillas llamadas baquetones. Su incorporación es necesaria para soportar el peso de la cubierta.
• El edificio románico tiene pocos vanos, ya que los muros son muy gruesos. Los pocos que hay,
son abocinados (más anchos en el exterior que en el interior) y se concentran en lugares concretos.
• La decoración del edificio es otro elemento importante y se basa en motivos geométricos, como
ajedrezados, rollos, puntas de sierra, zigzag, bolas…
La propagación de la arquitectura románica por la España cristiana fue muy rápida por los avances
de la Reconquista, las peregrinaciones a Santiago de Compostela, organizadas por la Orden de Cluny,
y por la influencia de la arquitectura visigoda, asturiana y mozárabe.
Se puede dividir en tres etapas:
Primer Románico o Románico catalán. Siglo XI
• Desde finales del siglo X y primera mitad del XI en la zona catalana se construyen templos pequeños
con influencia lombarda que se caracterizan por la utilización del sillarejo, de ábsides semicirculares
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DistritouniversitarioAragón
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y la decoración con arquillos ciegos y bandas lombardas, acompañados de esbeltos campanarios.
Entre sus ejemplos se puede mencionar a San Clemente y Santa María de Tahull, las cuales tienen tres
naves, triple ábside, crucero que no sobresale en plano y torre.
• Pero la obra magna de este período es Santa María de Ripoll, gran monasterio compuesto
de cinco naves, siete ábsides alineados en la cabecera y los brazos del transepto destacados.
Románico del Camino de Santiago
Durante los siglos XI-XII y XIII el Camino de Santiago fue una vía de importancia económica y cultural,
facilitando la llegada del Románico desde Francia. La arquitectura seguirá las características
de la arquitectura francesa que imponían los monjes de Cluny a lo largo del Camino de Santiago,
aunque aportando elementos propios.
Ejemplos:
• Cripta del monasterio de Leyre (1059) en Navarra. Está sustentada por gruesos pilares con capiteles
de decoración vegetal fuertemente geometrizada.
• San Martín de Frómista. Uno de los mejores ejemplos del Románico castellano-leonés. Es un templo
del año 1065 mandado construir por la madre del rey Fernando I. Algunos autores la retrasan hasta
1100. Consta de planta basilical de tres naves, la central más alta y ancha que las laterales,
con tres ábsides semicirculares y transepto no destacado en planta.
El cimborrio (octogonal al exterior y bóveda semiesférica sobre trompas en el interior) compensa
la horizontalidad de la iglesia. Las naves están cubiertas con bóveda de cañón sobre pilares
cruciformes con medias columnas adosadas y arcos fajones.
En el exterior presenta un juego de volúmenes gracias a sus ábsides de diferentes alturas. Tiene muros
sólidos y pocas ventanas, coronadas por arcos de medio punto. Como novedad se sitúan dos torres
cilíndricas a los pies del templo, posiblemente de la arquitectura carolingia.
La decoración de la iglesia es sencilla a base de taqueado jaqués.
• De época similar es la reconstrucción del Panteón Real de León, sostenido por gruesas columnas
de poca altura, y la iglesia de San Isidoro que levanta Petrus Deustamben, en la que destacan
los dos arcos totales polilobulados en el transepto que demuestran la influencia musulmana.
Tiene una planta de cruz latina, con tres naves y tres ábsides alineados. La nave central está cubierta
con bóveda de cañón, y las laterales, con bóveda de arista.
• Hacia 1075 se construye la Catedral de Jaca, vinculada al Románico italiano por el empleo de pilares
y columnas alternados y cuya influencia será importante a lo largo del Camino de Santiago.
Está compuesta por una planta basilical de tres naves y tres ábsides semicirculares, con bóveda
de cañón (hoy sustituidas por crucerías góticas). El crucero no sobresale de las naves laterales. En
el crucero, el cimborrio está cubierto de bóveda semiesférica sobre trompas con nervios cruzados
en el centro. La decoración es de taqueado o ajedrezado jaqués, tipo decorativo que luego
se extenderá por todo el Camino de Santiago.
Pero la catedral más importante de este período es la de Santiago de Compostela. Se inicia
en el año 1075 sobre donde se había localizado la tumba del apóstol Santiago.
• La construcción de la actual catedral, ya que la original fue destruida por Almanzor, responde
al patronazgo del rey Alfonso VI y el obispo Diego Peláez, dando comienzo las obras hacia 1075,
y tras dos interrupciones se terminó treinta años después, siendo consagrada en 1105.
• El Codex Calixtinus cuenta que en el proceso de construcción trabajaron diversos maestros.
Los primeros fueron Bernardo el Viejo y Roberto, a los que suceden a partir de 1090, Bernardo
el Joven y el maestro Mateo. Este último realiza el Pórtico de la Gloria, cubierto con bóvedas
de nervios y una de las cumbres del arte medieval.
• La Catedral de Santiago combina monumentalidad, elegancia y sobriedad.
• Se trata de una típica iglesia de peregrinación, como lo muestra su planta de cruz latina de tres largas
naves con diez tramos, la central más ancha y alta que las laterales.
• El transepto, destacado en planta, también cuenta con tres naves, como las longitudinales,
de cinco tramos y dos absidiolos por brazo.
• Las naves laterales se prolongan tras el crucero, en un deambulatorio o girola de tres tramos rectos,
que abarca en semicírculo la Capilla Mayor, donde se encuentra la imagen del apóstol, formando
un amplio ábside.
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• En los muros externos de la girola se abren cinco capillas radiales, teniendo la Capilla Mayor forma
semicircular en el interior y cuadrada en el exterior.
• Bajo el altar hay una cripta que, teóricamente, contiene los restos del apóstol Santiago.
• Para cubrir las naves se utiliza el sistema habitual del Románico. La nave central cubierta con bóveda
de cañón reforzada por arcos fajones y de arista en las laterales. Las naves del transepto tienen
la misma forma. Los absidiolos se techan con bóvedas de cuarto de esfera. La girola se cubre
con bóvedas con aristas curvilíneas que se cruzan en desproporcionados espacios.
• En el crucero se levanta una cúpula sobre trompas que en el exterior se corresponde
con el cimborrio.
• Las naves se separan por arcadas de medio punto. Los soportes que las separan son pilares
cruciformes con medias columnas adosadas.
• El alzado de la Catedral de Santiago se caracteriza por su elevada altura. En el primer nivel,
el sistema de soportes se realiza con pilares cruciformes y medias columnas adosadas que reciben
los empujes de los arcos fajones.
En el segundo nivel se abre un triforio con ventanales geminados de medio punto. Sobre las naves
laterales se disponen amplias tribunas que alojaban a las multitudes en las grandes celebraciones,
e incluso permitían pernoctar en la iglesia.
• En el interior, bastante oscuro, solo está más iluminada la zona de la cabecera.
• El exterior presenta muros gruesos y poco calados, con recios contrafuertes, pero ha quedado
muy desvirtuado por los añadidos posteriores.
El Codex Calixtinus señalaba que en su exterior contaba con diez pórticos y nueve torres.
De todas las portadas solo se conserva la Portada de las Platerías, bastante reformada.
La portada principal, original, se cambió por el Pórtico de la Gloria, terminado en 1188.
En la primera mitad del siglo XVIII se levantaron las torres y la fachada del Obradoiro.
Escuelas regionales
Durante el siglo XII el Románico español tendrá variedades regionales, cada una con características
peculiares:
• En Segovia aparece un pórtico lateral alargado, igual que en la arquitectura asturiana
y mozárabe. Como ejemplos, San Martín, San Esteban…
• Soria tiene influencias mudéjares, como el claustro de San Juan de Duero, con arquerías a base de arcos
de herradura apuntada y entrelazados. También se refleja el influjo francés en la fachada de la
iglesia de Santo Domingo, con el empleo de arquerías ciegas y el rosetón en la parte superior.
• Ávila sigue el modelo de San Isidoro de León en San Vicente.
• En el Valle del Duero, las iglesias se caracterizan por la influencia oriental, tanto bizantina (empleo
de cimborrios como los de la zona de Poitou francesa, con decoración de escamas) como musulmana
(uso de arquerías lobuladas). Entre otras características destacan las bóvedas semiesféricas, gallonadas
o nervadas, las cúpulas que se apoyan sobre pechinas; en el tambor se abren ventanas y las iglesias
suelen rematarse en el exterior con torrecillas cilíndricas. Destacan la Catedral de Zamora, la Colegiata
de Toro y la Torre del Gallo de la Catedral vieja de Salamanca.
• También se construyen iglesias de planta centralizada, relacionadas con las edificaciones
de los Santos Lugares, inspirándose en el Santo Sepulcro de Jerusalén. Son de pequeño tamaño,
parece que vinculadas con las iglesias templarias. Destacan en Navarra las iglesias de Eunate y Torres
del Río, y en Segovia la Vera Cruz.
Santa María de Eunate tiene planta poligonal y ábside semicircular. La galería porticada rodea
el templo con arcos de medio punto sobre columnas dobles. La bóveda semiesférica está reforzada
por nervios que nacen en las columnas de las esquinas. La parte inferior del ábside cuenta
con arquerías ciegas. Los ventanales están rodeados por columnas de donde arrancan los nervios
de la bóveda.
La iglesia del Santo Sepulcro de Torres del Río presenta planta octogonal y ábside semicircular. El exterior
se estructura en tres pisos, el superior más animado con una ventana a cada lado. En el interior,
dos bóvedas se superponen reforzadas por nervios cruzados, formando un ochavo.
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EXAMEN PRÁCTICO
Lámina 1. Iglesia de San Lorenzo (Florencia). Filippo Brunelleschi. Arquitectura religiosa
italiana del Quattrocento (siglo XV)
Fue la familia Médicis quien decidió encargar a Brunelleschi la construcción de esta iglesia cuyas
obras se inician en 1421 y que se continuarán hasta 1470, siendo terminada por Antonio Manetti.
Se quería realizar una obra comparable a las de la Antigüedad y para ello se utilizó como base
una basílica románica cuya ampliación proyecta Brunelleschi. También realizará en este conjunto
la Sacristía Vieja.
Descripción general:
• Brunelleschi plantea una planta racional, geométrica y proporcionada, de cruz latina con cabecera
rectangular, de inspiración romana y paleocristiana, muy alargada, con tres naves
y capillas en los laterales. El conjunto produce cierto efecto de centralización por la sensación
que produce la luz de la cúpula del crucero.
• La nave central más alta y ancha que las laterales tiene una arquería con arcos de medio punto
sostenidos por columnas corintias, cuyos capiteles sostienen cubos de entablamento con
arquitrabe, friso y cornisa.
• Entre el capitel de las columnas y el arranque del arco se dispone un fragmento de entablamento
que las hace más esbeltas.
• En un segundo piso se abren vanos de medio punto que permiten la iluminación natural
del interior del templo.
• La entrada de las capillas laterales, de menor altura, tienen un óculo para que entre la luz.
• Adosadas a la cabecera se sitúan dos sacristías: la denominada la Vieja, obra de Brunelleschi,
y la Nueva, de Miguel Ángel.
• La cubierta de la nave central es plana con casetones decorados con rosetones dorados
sobre fondo blanco.
• Las naves laterales están cubiertas con bóvedas vaídas cuadradas que apean sobre las columnas
de la nave central, por un lado, y sobre pilastras de orden corintio, por otro.
• A las capillas de las naves laterales (siete a cada lado) se accede por arcos de medio punto
y están techadas con bóveda de cañón.
• La cabecera tiene cinco capillas con testero plano. La central, a modo de ábside, se alinea con la nave
principal. Las otras cuatro se alinean con las naves laterales y se cubren con bóvedas vaídas cuadradas.
• El transepto tiene otras tres capillas en cada uno de sus extremos, también con bóvedas vaídas.
• El crucero está cubierto con cúpula o bóveda semiesférica que al exterior corresponde
con un cimborrio.
• No añade decoración, solo la bicromía de la piedra gris y el blanco del muro. Sirve para destacar
la perfección geométrica, usa piedra gris en los arcos, pilastras y columnas, y el resto blanco.
• En el exterior está cubierta a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales.
• Está realizada siguiendo las proporciones de la escala humana, con una proporción numérica
precisa por los conocimientos matemáticos que tenía el autor.
• El cuadrado del crucero se usa en el coro y también en los brazos del transepto.
• La altura de las columnas es idéntica a la distancia entre las columnas contiguas.
La obra simboliza el poder de los Médicis en la Florencia del siglo XV. En estos momentos gobierna
la ciudad Cosme el Viejo (1389-1464). Se pretendía construir un Panteón para los miembros
más ilustres de la familia, para mostrar su riqueza y su poder.
Filippo Brunelleschi (1377-1446). Genial arquitecto, orfebre, ingeniero y constructor de máquinas.
Buen conocedor de matemáticas y geometría. Se inspiró en modelos arquitectónicos
paleocristianos, romanos y góticos, pero racionalizándolos.
• Es el arquitecto que inicia el Quattrocento con la elaboración de la Cúpula de Santa María
de las Flores en Florencia. Realiza una gran cúpula doble que debe encajar en una catedral gótica
y, para ello, idea un nuevo sistema constructivo.
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• Otras obras suyas: el Patio del Hospital de los Inocentes tiene arquerías de medio punto en cuyas
enjutas aparecen tondos de cerámica vidriada; iglesia del Santo Espíritu; la capilla Pazzi en Santa
Croce tiene planta cuadrada con cúpula, su fachada recuerda a un arco de triunfo, a modo
de pórtico; Palacio Pitti, con paramento rústico en el primer piso y almohadillado en los siguientes.
Otros arquitectos del Quattrocento:
• León Battista Alberti, además de arquitecto fue tratadista. Entre sus obras destacan la iglesia
de San Andrés (Mantua), la de Santa María Novella (Florencia), el templo Malatestiano (Rímini)…
• Michelozzo di Bartolomeo realiza el Palacio Médici-Ricardi, con paramento almohadillado, parteluces
en las ventanas y amplias cornisas, que se convertirá en el modelo del palacio florentino.
• Otros arquitectos: Sangallo el Viejo, Antonio Filarete, Pietro Lombardo, etc.
Lámina 2. Coliseo
(Ver examen de Baleares. Junio 2008. Parte C. Opción B. Lámina C.)
Lámina 3. La ronda de noche, de Rembrandt
(Ver examen de Castilla y León. Junio 2007. Opción A. Lámina 4.)
Lámina 4. Laocoonte
(Ver examen de Baleares. Septiembre 2007. Parte C. Opción A. Lámina A.)
Opción B
EXAMEN TEÓRICO
TEMA. Las Vanguardias históricas antes de 1945: Fauvismo, Expresionismo y Cubismo
Contexto histórico: el siglo XX se caracteriza por grandes cambios políticos, económicos y sociales.
Con la Revolución Industrial de finales del XIX, el movimiento obrero ya estará maduro. El reparto
de África y la expansión en Asia de las principales potencias generará una situación inestable
que, entre otros motivos, conducirá a la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Con la Revolución Rusa
(octubre 1917) la dictadura del proletariado llega al poder. Tras el breve descanso de los felices años
veinte vuelven los problemas: el crack de 1929, crisis económica con repercusión mundial,
el surgimiento del fascismo y el nazismo, desembocarán en la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).
Contexto artístico: se innovará en todos los campos. Las Vanguardias son movimientos que aúnan
a un grupo reducido de artistas que plantean la renovación del arte rompiendo con la tradición
y la estética vigente, y reivindicando su libertad creadora. Usarán distintos recursos. En el Cubismo
predomina el dibujo; en el Fauvismo, el color, y en el Expresionismo priman el sentimiento
y la expresión.
Fauvismo
El nombre deriva de fauves (fiera), término que acuñó el crítico Vauxcelles para denominar a este grupo
de artistas. Se desarrolla en torno a 1904-1908.
Características:
• Expresan los sentimientos a través del color. Se usarán colores diferentes a los que pueden verse
en la realidad, porque son los que el artista elige. Serán colores primarios (rojo, amarillo o azul),
secundarios (violetas, naranjas…) y complementarios u opuestos (por ejemplo, verde-rojo),
aumentando los contrastes. Los colores son planos, fuertes, realzados por las líneas de los contornos,
a veces un solo color ocupa grandes zonas del cuadro.
• Se olvidan de la perspectiva, el claroscuro, la composición…; el dibujo será un aspecto secundario,
aunque Matisse no lo olvida.
• Tiene influencia de Gauguin y Van Gogh.
El principal artista es Henri Matisse (1869-1954). A principios del siglo XX (1905-1906) realiza obras
como Lujo, calma y voluptuosidad, donde fusiona el puntillismo con la composición que tienen la serie
de las bañistas de Cézanne. Esta obra sería el antecedente de Alegría de vivir, donde ya se ven
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las características fauvistas. Una de las pinturas manifiesto del Fauvismo es La raya verde, retrato
de su esposa, y donde mejor se ve su concepto de color y forma. El cuadro se encuentra dividido
en dos por una banda verde y predominan grandes superficies de colores planos.
Su técnica se va simplificando en obras más primitivas, como La danza (1909-1910).
• Sobre un fondo de colores intensos y planos (azul en la parte superior y verde en la inferior), única
referencia al espacio, coloca cinco figuras que bailan formando un corro.
• Las figuras están contorneadas con líneas gruesas y negras, y las de la parte superior se agachan
para no salirse del cuadro.
• Destaca un gran contraste de color sin matices, movimiento circular continuo. Trata por separado
el color, el dibujo y la forma.
• No hay sombras, ni perspectiva, ni modelado.
• El espacio se comprime, hay dinamismo por el ritmo de la composición, plasma el gusto
por lo decorativo y logra generar en el espectador una sensación agradable.
• El cuadro tiene un significado mítico-cósmico: el suelo es el horizonte terrestre, la curva, el mundo;
el cielo tiene la profundidad turquesa de los espacios interestelares; las figuras danzan como gigantes
entre la tierra y el firmamento.
• Matisse se contrapone al Cubismo, el cual analiza racionalmente el objeto, la intuición sintética
del todo. Y este es precisamente un cuadro de síntesis, de la máxima complejidad expresada
con la máxima simplicidad. Es también la síntesis de las artes: música y poesía confluyen en la pintura.
Es una unión de representación y de decoración, de símbolos y de realidad corpórea, de volumen,
de línea y de color.
• Lo bello no puede tener una forma acabada, sino continua y rítmica: las figuras se alargan y flexionan
en el ritmo que las transforma y su belleza, cósmica y no física, no puede separarse de la del espacio en
el que se mueven.
• El ritmo debe generarse en el propio cuadro (el pie de una de las figuras presiona sobre la tierra
como si esta fuese elástica y el círculo siempre interrumpido y recuperado por los brazos).
Otros artistas fauvistas son Maurice de Vlaminck o André Derain.
Cubismo
Surge entre 1907 y 1914 en París. Sus creadores son Pablo Picasso y Georges Braque. El término
Cubismo lo emplea por primera vez el crítico Vauxcelles en 1909 al hablar de «caprichos cúbicos».
Más tarde lo utiliza en 1913 el poeta Apollinaire en su obra Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas
reciben la influencia de Cézanne.
Características:
• Rechazan la perspectiva; no imitan la naturaleza; fragmentan las formas y el espacio, descomponiendo
la figura en planos; los objetos se representan desde distintos puntos de vista, ya que no son más
que un conjunto de momentos incluidos en un mismo espacio, que es el cuadro.
• No les interesa el volumen al representar una superficie bidimensional. Representan solo la esencia
de las cosas; desaparecen las gradaciones entre luces y sombras.
• Las formas de la naturaleza se traducen en cilindros, cubos, esferas… Prima la línea y la forma
sobre el color y la luz. Utilizan colores apagados (grises, ocres, verdes suaves…), muchas veces alejados
de la realidad.
• Los géneros más tratados serán bodegones, paisajes y retratos.
El cuadro que inicia el Cubismo es Las señoritas de Avignon (1907), de Picasso (1881-1973), aunque
en su Autorretrato de ese mismo año lo anticipa. Representa en el interior de un burdel a cinco
prostitutas desnudas, hieráticas, primitivas en un espacio comprimido, con cuerpos geométricos
donde los rostros revelan la influencia de las máscaras africanas. La realidad está recogida
desde distintos puntos de vista: los rostros de perfil y a la vez de frente. No degrada los colores,
no usa perspectiva, logra formas sólidas con el dibujo mediante líneas claras u oscuras.
La amistad y el trabajo de Picasso y Braque harán evolucionar al Cubismo, que se desarrollará en tres
etapas (referencias a obras de Picasso):
• Cubismo analítico (1909-1911). Descomposición de la forma y la figura en partes geométricas.
Se representan varios puntos de vista del objeto, desplegado en una serie de cubos. El objeto aún
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es identificable. No se distingue entre la figura o la forma que se quiere representar y el fondo
(pintura casi monocroma). Lo importante es representar los distintos puntos de vista
y la geometrización, reduciendo los objetos a sus formas básicas. Se utilizan colores terrosos y poco
brillantes (ocres, grises…). Incorporan algunos elementos gráficos, como letras o números. Obras
como: El acordeonista (1911), Retrato de Ambroise Vollard (1910).
• Poco a poco se llega a un Período hermético (1911), pareciendo obras casi abstractas donde
el objeto es apenas reconocible al querer plasmar todos los puntos de vista. En Naturaleza muerta
sobre piano (1911) las referencias a la realidad son mínimas, se identifican algunas teclas, algún atril,
letras… Únicamente pintada con distintos tonos de ocre. En Hombre con mandolina (1911-1912)
solo hay planos rectilíneos, casi no hay realidad, parece adivinarse la nariz, la boca, el mango
de la mandolina… Los trazos negros resaltan los volúmenes.
• Si hubieran avanzado en esa dirección habrían llegado a la abstracción, pero se llegará al Período sintético
(1912-1914), donde la forma se resume a lo esencial. Obras más sencillas. Se seleccionan unos puntos
de vista y no todos, logrando la síntesis con lo más significativo. Se busca una mayor definición de
las formas y un acercamiento a la realidad, donde se introduce más color. Utilizan el collage, pegan telas,
papeles, fragmentos de partituras… (el primero en hacerlo es Braque).
Naturaleza muerta con silla de rejilla (el cuadro es ovalado, pega la rejilla, incorpora letras…). Botella
de pernod y vaso (1914), aunque pinte desde distintos puntos de vista, ya que el vaso y la botella
han sido divididos en pequeñas superficies, se vuelven a identificar los objetos (imita la madera
de la mesa, copia la etiqueta de la botella). Al empezar la Primera Guerra Mundial se acaba la etapa
más creativa del Cubismo.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973). Pintor malagueño que, tras los períodos iniciales (azul y rosa),
llegará a la creación del Cubismo, pasando por distintas fases (analítico y sintético). En la década
de 1920, además de trabajar a la manera neoclásica, realiza obras siguiendo los principios del Cubismo,
que siempre será una referencia en su pintura. Participa también de los lenguajes vanguardistas
más diversos, Surrealismo o Expresionismo, pero siempre de una forma libre y genial. En 1937 realiza
el Guernica, encargado por el gobierno de la República española. En esta obra fusiona el Surrealismo, el
Expresionismo y el Cubismo sintético para reflejar la tragedia y el dolor de un bombardeo durante
la Guerra Civil española (1936-1939). Los conflictos en el mundo le llevarán en 1951 a pintar otro cuadro
de guerra, Masacre en Corea. Tras la Segunda Guerra Mundial se dedica intensamente a la cerámica
y a la litografía, y en la última etapa de su vida vuelve la vista a los grandes maestros de la pintura,
como Velázquez o Manet, y reinterpreta sus obras.
Otros pintores cubistas: Braque reduce sus obras a prismas o cilindros. En sus Naturalezas muertas
son frecuentes la guitarra, el violín, la mandolina…
Juan Gris. Sus pinturas tienen a veces un ritmo armonioso. En algunos de sus bodegones realiza planos
muy violentos.
Expresionismo.
Surge a principios del siglo XX en Alemania. Entre sus características cabe destacar:
• Movimiento formado por un grupo de artistas que expresan emociones fuertes, plasmando la angustia
y el sufrimiento más que la representación de la realidad de una forma objetiva.
• Usan colores puros, formas retorcidas, composiciones agresivas. No importa la luz ni la
perspectiva. Dan más importancia al color que a la línea, distorsionando la forma. A veces aplican
la pasta de forma violenta.
• Son temas recurrentes lo fantástico, la angustia, la muerte, las máscaras… Revelan el lado más
pesimista de la vida, por las circunstancias históricas que les ha tocado vivir.
• No formarán un grupo tan homogéneo como el resto de las Vanguardias, ya que cada artista trabaja
con mayor independencia y, por eso, habrá diversidad estilística.
Podemos diferenciar tres etapas:
a) Desde finales del siglo XIX aparecen autores precursores del Expresionismo. En su obra, Munch
refleja sus problemas psíquicos, su vida atormentada. Su estilo con curvas sinuosas, color arbitrario
y sensación opresiva ya está más o menos fijado a finales de la década de 1890.
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En su obra El grito, de 1893, ya se ven sus características. Pertenece a un proyecto: El friso de la vida,
que no llegó a concluir. Realizó cuatro versiones de este mismo tema.
• Resulta difícil explicar el cuadro, el propio Munch lo describió así: «Caminaba con dos amigos.
El sol se ocultó, el cielo se tiñó de un rojo sangre y yo sentí como un soplo de angustia. Me detuve
y me apoyé en una cerca, mortalmente cansado; por encima de la ciudad y del fiordo de un azul
negruzco planeaban nubes sanguinolentas como lenguas de fuego. Mis amigos siguieron andando
y yo me quedé allí clavado, temblando de angustia. Me parecía oír el grito inmenso, infinito
de la Naturaleza».
• La obra refleja tanto la angustia personal del autor como las injusticias sociales y las desigualdades
económicas fruto de la Revolución Industrial.
• La composición presenta tres líneas verticales: las dos figuras del fondo, la personificación del grito
y la barra naranja del borde derecho. Las barandillas del puente marcan una línea diagonal,
reforzada por las líneas del suelo que siguen la misma dirección, lo que supone una contraposición
de líneas rectas diagonales en la mitad inferior y líneas onduladas en la mitad superior,
dinamizando la composición.
• La figura principal está en primer plano, pero la barandilla y las curvas del fondo dan movimiento
a toda la escena, llevándonos rápidamente del primer plano al fondo. Las dos figuras del fondo
permanecen ajenas a todo lo que sucede, acentuando el misterio y la angustia del protagonista.
• La figura andrógina, en primer plano, simboliza a un hombre moderno, en un momento
de angustia y desesperación existencial. La cabeza del hombre parece una calavera. Se aprieta
el cráneo con las manos para impedir que le estalle. Distorsiona las formas retorciéndolas
con un rostro desfigurado y triste.
• La naturaleza se curva lo mismo que el personaje central. Este a través del color y las formas
ondulantes transmite la angustia obligándole a gritar, reflejando el dolor y la amargura.
• Las líneas son alargadas y las curvas sinuosas, con pinceladas amplias y crudas que parecen herir
el cuadro.
• Emplea colores violentos, arqueados y agresivas bandas de color, puramente simbólicos
y arbitrarios, sin contacto con la realidad. Los colores planos, puros y fuertes se utilizan con valor
expresivo, remarcando lo dramático de la escena.
• Se da un contraste entre las gamas cálidas y las frías: las naranjas del cielo y las azules del mar.
La línea del horizonte se encuentra entre el cielo anaranjado y el azul del mar.
• Logra la expresión con las líneas y los colores.
• Es un grito infinito, profundo, grita toda la naturaleza. En esta obra se puede ver la influencia
de Van Gogh, que también es un precursor del Expresionismo.
También en esta etapa destaca James Ensor, mezcla el Expresionismo con el Surrealismo, creando
un mundo imaginario. Le interesa lo absurdo, lo brutal. Utiliza colores más luminosos. Las máscaras,
los esqueletos y las caricaturas son una constante en su obra. (Máscaras intrigadas.)
b) Die Brücke (El puente) se forma en Dresde en 1905. Es un Expresionismo deformante. Transmitirán
tanto preocupaciones sociales como políticas. Prefieren los tonos oscuros, las temáticas macabras,
plasman las angustias interiores y sus preocupaciones existenciales. Tienen influencia del Fauvismo
y del Cubismo.
• Destacan Emil Nolde, que simplifica el dibujo, deforma los rostros hasta convertirlos en máscaras,
con bruscos contrastes en los colores (Pentecostés); Kirchner usa trazos angulosos en sus figuras
en una atmósfera asfixiante y con los colores distorsionados (Artilleros).
c) Der Blaue Reiter surge en Múnich hacia 1911 cuando Die Brücke se ha disuelto. Es un grupo más
abierto, forman parte de él muchos artistas extranjeros: Franz Marc (alemán), Kandinsky (ruso),
Paul Klee (suizo)… Prefieren un Expresionismo más lírico, subjetivo y exquisito. Les importa más
cómo representar algo que el tema en sí, para captar la esencia espiritual de la realidad hasta llegar
a la Abstracción.
• Vassily Kandinsky evolucionará hasta la Abstracción partiendo de cuadros que denomina
Improvisaciones (1910), ya que el objeto es secundario. Le interesa la riqueza cromática
y la simplificación formal. Para él, el círculo representa lo acabado, el triángulo lo elevado…
Antepone las formas puras a las de la naturaleza.
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• Franz Marc se interesa sobre todo por los animales, que considera símbolos de pureza, completando
su obra con colores muy vivos (Caballo azul y rojo).
• Paul Klee trabaja sobre todo las armonías cromáticas y las líneas, con un lenguaje delicado y sensible
(Senecio).
GRÁFICO. Analiza y compara las características del Impresionismo y del Postimpresionismo
El Impresionismo se da solamente en Francia, aunque su influencia llegará a otros países. Surge a partir
de 1870 como reacción al arte académico, puede ser considerado el inicio del arte contemporáneo.
Sus antecedentes hay que situarlos en Velázquez, Goya, Constable, Turner, Corot y Courbet. Aunque
nace del Realismo, en este estilo va aclarando la paleta.
La historia del Impresionismo comienza con la exposición colectiva que tiene lugar en 1874
en los salones del fotógrafo Nadar. La obra que da nombre al grupo es Impresión, sol naciente, de Monet.
El crítico de arte Leroy hace una crítica negativa de la obra: «no tiene derecho ni revés, solo
es impresión». Este comentario dará nombre al grupo, que tiene en común una nueva forma de mirar
el paisaje, la explosión de color y el juego de luces.
Las características:
• Pintura en caballete al aire libre.
• Nueva valoración de la luz y el color. No usan el negro. Utilizan colores primarios (amarillo, rojo y azul)
y binarios (formados por dos primarios: violeta, verde, naranja); aunque, sobre todo, rojos, amarillos y
azules. Es el ojo del espectador el que los junta siguiendo las investigaciones de Chevreul sobre color,
que no depende solo de él, sino de los otros colores que le rodean.
• Los tonos son claros y luminosos, y desaparece el claroscuro. El dibujo pierde importancia. La luz
cambiante es el verdadero tema del cuadro. Monet pintará el mismo tema a distintas horas del día,
estableciendo la relación entre luz, tiempo y espacio.
• La técnica es una pincelada suelta y corta; a veces es ligera, otras muy empastada y en algunas
ocasiones es solo óleo con un poco de color. No se mezclan los colores en la paleta, sino
en la pupila del espectador. Plasma la primera impresión que nos queda de la realidad después
de una observación rápida, que el espectador debe reconstruir mentalmente.
• Por la influencia de la fotografía, realizarán encuadres más atrevidos.
• Surgen nuevos temas, como paisajes –tanto urbanos como rurales–, escenas de la vida cotidiana,
de la burguesía, de la bohemia, retratos…
Los artistas no forman un grupo demasiado coherente, ya que hay diferencias entre ellos, pero sí tienen
en común su preocupación por la luz y el color.
Manet es considerado el precursor del Impresionismo, ya que no cultiva el paisaje ni se atiene
estrictamente a los principios impresionistas.
Impresionistas puros serían Monet, Pissarro y Sisley, ya que tienen más elementos en común. Cultivan
sobre todo paisajes que permiten plasmar mejor la luz de cada instante. Otros artistas tendrán distintas
prioridades; Renoir se preocupa por el desnudo femenino, y Degas, por las escenas de interior. Al final,
cada uno trabajará por su lado.
Los autores y obras más representativas son:
Édouard Manet (1832-1883). No puede ser considerado totalmente impresionista. Utiliza colores claros,
sin degradar, pero no el claroscuro, ni la perspectiva.
• Desayuno en la hierba, 1863. Considerada casi pornográfica por la moral burguesa. Es un desnudo
femenino acompañado de dos hombres vestidos que conversan, al fondo otra muchacha que sale
del baño y un frondoso paisaje. Utiliza grandes masas de colores planos, oposición de tonos,
y pinceladas sueltas, dando sensación de abocetamiento (influencia de Velázquez o Goya).
Esta obra está inspirada en El concierto campestre, de Giorgione, y en el Juicio de Paris, de Rafael
(conocido a través de un grabado de Marcantonio Raimondi).
• Olimpia, 1865. Su presentación fue otro escándalo. Es una joven prostituta desnuda, tumbada
en la cama, mirando con descaro al espectador. Armonía de contraste entre los tonos blancos
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del lecho y de la ropa de cama con el fondo oscuro. Llama la atención el contraste entre la piel
negra de la criada con el espléndido ramo de flores que le ofrece. En las zonas donde predomina
el dibujo, es magnífico. Influencia de la Venus de Urbino, de Tiziano, y la Venus, de Giorgione.
• Al realizar un viaje a España en 1865 recibe la influencia de Velázquez y Goya, sobre todo queda
de manifiesto en obras como El pífano, Ejecución del emperador Maximiliano (inspirado
en Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid, de Goya).
Claude Monet (1840-1926). Probablemente el más importante de todos los pintores impresionistas
por su preocupación por captar de manera instantánea la luz y sus efectos. Realiza sobre todo paisajes
y escenas marinas, donde mejor puede trabajar la luz y el color. No le interesa representar los objetos
tal cual son, sino cómo se refleja la luz en ellos.
Impresión, sol naciente, 1873. Fue el cuadro que dio nombre al grupo. Para Monet el paisaje no es otra
cosa que impresión.
• Tomada del natural en el puerto de Le Havre. Pinta tres botes de remos navegando entre la neblina
del amanecer y el humo del puerto mientras el sol lucha por despuntar, creando efectos anaranjados
en el mar y el cielo. Los tres botes se acercan al espectador pero no mueven el agua, de esa manera
el pintor capta el instante. Los botes y las figuras son solo unas manchas oscuras. La línea del horizonte
casi no se ve, hay confusión entre el cielo y el mar.
• Al fondo se vislumbran barcos con sus mástiles, fábricas, muelles…
• Las formas están desdibujadas por la neblina.
• La técnica es vibrante fruto del trabajo al aire libre. Los colores son aplicados con pinceladas rápidas
y empastadas, con las que crea los reflejos y destellos que produce el sol. Con grandes pinceladas
naranjas representa el reflejo del sol en el mar.
• Usa colores primarios (rojo y amarillo) y complementarios (naranja, verde y violeta). No hay negro,
ni colores tierra.
• No le interesa la escena, solo pretende captar la luz y la atmósfera en un momento dado. La sensación
atmosférica domina la escena, las formas casi desaparecen por completo.
Pinta series sobre el mismo tema a distintas horas, donde lo importante no es el tema, sino la luz
en constante cambio, con las variaciones que da a ese asunto: La estación de Saint Lazare (1876); La catedral
de Rouen (1892) –efectos de la luz en la fachada en distintos momentos del día– o Las ninfeas (1905).
Auguste Renoir (1841-1919). El mejor colorista del grupo. Pinta paisajes, flores y escenas femeninas.
Le interesa plasmar los efectos de luz y color sobre la figura humana, sobre todo femenina.
Usa los colores claros del Impresionismo, pinceladas gruesas y sueltas, pero también usa el negro.
• Le Moulin de la Galette (1876). Es una escena cotidiana de la vida parisina, un baile frecuentado
por la bohemia, escritores, estudiantes, obreros y artistas en el Moulin de la Galette en Montmartre.
Busca captar el instante y la inmediatez.
• En los años ochenta se aparta un poco de las características impresionistas para dar mayor importancia
al dibujo. Ejemplo: El almuerzo de los remeros (1880-1881).
• En su etapa final encuentra un equilibrio entre la pintura impresionista y su mayor preocupación
por el dibujo. Vuelve a interesarse por el color, usando tonalidades rojas en los cuerpos desnudos.
Ejemplo: Bañistas (1918).
Edgar Degas (1834-1917). No se consideró nunca integrante del Impresionismo, ya que daba mayor
importancia al dibujo. A partir de 1870 comienza a elaborar series de temas concretos: carreras
de caballos, bailarinas, planchadoras, mujeres en el aseo…
Aunque trate escenas de interior, busca el movimiento en la luz artificial (cuadros de bailarinas).
Le interesa el mundo de la danza por el movimiento y el colorido (La clase de danza). Aunque prefiere
los interiores, también realiza algunas obras en el exterior, sobre todo las escenas de caballos,
en las que utiliza enfoques fotográficos atrevidos (En las carreras, ante las tribunas), ya que la influencia
de la fotografía fue mayor en él que en ningún otro pintor impresionista.
Camille Pissarro (1830-1903) y Alfred Sisley (1839-1899) pintan sobre todo paisajes. Son los más
cercanos a Monet.
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El Postimpresionismo surge hacia 1880 como ruptura del Impresionismo por lo que tiene de fugaz,
se quiere recuperar el dibujo sin perder el color, dar más emoción y expresión a la pintura. No usa
la perspectiva tradicional. Pero por encima de todo, prima el individualismo y no el grupo.
Partiendo del Impresionismo, cada artista lo revisará con un estilo personal. Toulouse-Lautrec insiste
en el dibujo, Van Gogh quiere plasmar sentimientos, Gauguin dará importancia al color y Cézanne estará
interesado en el volumen.
El Postimpresionismo influirá en las Vanguardias: Van Gogh en el Expresionismo, Gauguin en el Fauvismo
y Cézanne en el Cubismo.
En general, sus características son el interés por la forma, el dibujo, el volumen y la expresividad; colores
fuertes que sirven para definir planos y formas, usados de forma expresiva; gusto por lo exótico o los
bajos fondos; los perfiles bien marcados, etc.
Rompen con la idea de imitar la realidad que era el fin de la pintura (los impresionistas también querían
imitar la realidad al captar las impresiones lumínicas lo más fielmente posible).
Paul Cézanne (1839-1906).
• En sus años de juventud reflejará cierta influencia de Delacroix y del Romanticismo con la pintura
de figuras monumentales.
• Hacia 1874 su obra se puede catalogar de impresionista, debido a sus buenas relaciones con Pissarro
y a la pintura realizada al aire libre en caballete.
• A partir de 1878 se separa del Impresionismo, ya que considera que está basado únicamente
en una sensación superficial. Busca la monumentalidad que se perdió con la pintura impresionista.
Usa el color para crear formas, con pinceladas anchas, menos espesas, comienza la geometrización
de las figuras, rompe con la perspectiva lineal…
Para Cézanne, el arte es creación mental. Piensa que todo en la naturaleza puede reducirse
a volúmenes geométricos: cono, esfera, cubo. El cuadro se ordena con varios puntos de vista.
• Su época más fecunda es a partir de 1890. Pinta retratos de una sola figura, como La mujer
de la cafetera (1890), con un personaje rotundo y monumental, donde todo se reduce a volúmenes
puros. En Muchacho del chaleco rojo logra modelar a través del color. En sus bodegones Manzanas
y naranjas, Cebollas y botella (1895) prescinde de lo superfluo para concentrarse en las formas,
los objetos carecen de importancia.
• Entre 1890 y 1895 realizará distintas versiones de Los jugadores de cartas. Formas simples
y contundentes, con reducida gama de colores sobrios, los contornos marcados en color negro,
aislando las figuras del entorno en que se encuentran.
• El tema de las bañistas le obsesiona. En Las cinco bañistas o Las grandes bañistas –quizá su obra
más importante– predomina lo lineal y huye de la sensualidad.
Vincent van Gogh (1853-1890). Su turbulenta vida está relacionada con su producción artística.
• Su vocación para la pintura la descubre a partir de 1880. En su primera etapa holandesa, influido
por la obra de Millet, pinta asuntos realistas, campesinos… (Los comedores de patatas, 1885).
• Se traslada a París (1886-1887), entrando en contacto con los impresionistas (influencia en la luz
y el color) y con Toulouse-Lautrec y Gauguin (Le père Tanguy, 1887).
En 1887 se va a Arlés a vivir con Gauguin, pero luego surgen problemas entre ellos. Realiza
Los girasoles (no son solo flores, son pura energía y luz), Mi cuarto en Arlés (solo predomina el color,
objetos inestables, perspectiva oscilante, refleja su estado de ánimo).
• Su estado mental empeora, agrede a Gauguin. Se automutila cortándose una oreja. Pinta Autorretrato
con oreja cortada.
Ingresa en el sanatorio de Saint Remy, donde realiza Noche estrellada (1889), El jardín del hospital…
• Noche estrellada, pintado en 1889, durante su estancia en el sanatorio mental de Saint Remy.
Es uno de los nocturnos más famosos de la pintura de Van Gogh, tema que ya le había interesado
anteriormente (Café nocturno).
– Pinta lo que ve desde la ventana de su habitación.
– El cuadro se divide en dos partes, la del cielo y la del pueblo, solo roto por el gran ciprés en primer
plano. Refleja movimiento y claridad en la parte del cielo y quietud y oscuridad en la del pueblo.
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– Muestra el pueblo al fondo con la larga aguja de la torre de la iglesia bajo un cielo arremolinado
y unas colinas en el lado derecho.
– Las estrellas son puntos de luz envueltos por un halo a su alrededor.
– Las líneas del contorno de los edificios, así como las montañas están marcados con trazos gruesos
oscuros, recordando la técnica del cloisonisme de Gauguin.
– La pincelada se realiza a base de espirales en el cielo y trazos gruesos en el pueblo, que reproducen
su inestable salud mental. Utiliza sobre todo los colores malvas, morados y amarillos, haciendo
un uso expresivo del color que se corresponde con sus emociones. Parece presagiar la tragedia
de su suicidio al año siguiente.
• En 1890 su hermano Teo lo envía a Auvers-sur-Oise bajo el cuidado del doctor Gachet. Durante
ese tiempo hace muchas obras: El retrato del doctor Gachet (1890), Iglesia de Auvers, Campo de trigo
con cuervos… pero finalmente se suicida pegándose un tiro.
• Las características principales de su pintura son la expresión de los sentimientos a través del colorido;
el empleo de colores vivos, puros (rojo, azul, amarillo…) con contrastes cromáticos (no reproduce el
color de la realidad); las pinceladas vigorosas, densas (con mucha pasta), alargadas; la falta
de perspectiva; la técnica frenética y agitada, como su personalidad, con trazos fragmentados
y sinuosos.
Paul Gauguin (1848-1903). Influirá en el Fauvismo.
• Su vida es bastante compleja. Se inicia en la pintura, partiendo del Impresionismo. Pero se apartará
de él, ya que pretende recuperar el dibujo sin perder el color. El cuadro no necesita reflejar la realidad
porque para eso está la fotografía. Quiere dar más emoción y expresión a su pintura.
• En 1886 habita en Pont-Aven, abandona la división de tonos impresionistas por una pintura de tintas
planas. Realiza la técnica de cloisonisme (colores planos encerrados en trazos negros que recuerdan
las vidrieras). Convive con Van Gogh en Arlés, con quien tiene bastantes problemas.
• Su obra se suele dividir en dos etapas: la bretona y la polinesia, aunque presenta cierta unidad estilística.
• De la primera etapa, en la que se aparta del Impresionismo y busca la unión de color y luz, podemos
citar Visión después del sermón o Cristo amarillo, 1889 (primitivo y simbólico, el Cristo de color amarillo,
tres mujeres y al fondo una pequeña figura que salta la valla con un deseo de evadirse, una constante
también en la vida del autor).
• En 1891, descontento con la sociedad, se va a Tahití, pensando encontrar el paraíso y ese mundo
primitivo que guarda lo esencial de la condición humana. Allí encuentra una naturaleza opulenta,
derroche de colorido, desnudos exóticos y sensuales.
De la primera etapa polinesia podemos citar Nafea Faa Ipiopo? o ¿Cuándo te casas?; Dos mujeres
tahitianas, Area area…
Su pintura se caracteriza por composiciones sencillas, sin perspectiva, figuras grandes, colores fuertes
y planos en grandes manchas, dibujo primitivo, uso arbitrario del color. Su pintura es más simbólica
que expresiva.
• Regresará a París con las pinturas que realizó en la primera etapa en Tahití, pero no tiene
el reconocimiento que esperaba.
• En 1895 se vuelve a marchar a Tahití, donde muere. De este momento son obras como ¿De dónde
venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?, El caballo blanco, Jóvenes tahitianas con mango…
Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901)
• Conoce a Van Gogh en 1883, al que le une una gran amistad.
• Lleva una vida de rico bohemio en Montmartre. Frecuenta cabarés, cafés…
Por ejemplo, Bailando en el Moulin Rouge.
• Es el creador del cartel, usando la litografía en color de forma revolucionaria. Los primeros carteles
los hace para el Moulin Rouge o el Mirliton. Utiliza formas simples, tintas planas y una composición
novedosa.
• Retrata la vida parisiense como Degas. Pinta caballos, bailarinas, el circo, los burdeles. Capta
la realidad, el movimiento, los gestos y las expresiones.
• Lo más característico de sus pinturas es su dibujo rápido, casi abocetado, con trazos cortos, colores
puros y brillantes.
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EXAMEN PRÁCTICO
Lámina 1. Casa Milà o La Pedrera, 1906-1910. A. Gaudí. Paseo de Gracia de Barcelona.
Conocida como La Pedrera, que en catalán significa cantera, nombre originalmente despectivo
porque no era del agrado del público.
Descripción:
• Tiene cinco plantas. Dos patios interiores, uno de planta circular y el otro oval.
• Su estructura se basa en forjados de viguetas metálicas y bovedillas a la catalana. La casa
se sostiene sobre columnas de piedra o ladrillo. No existen paredes de carga (se puede distribuir
libremente cada piso). Las únicas paredes estructurales son las de las escaleras.
• La fachada es una masa de piedra ondulante sin líneas rectas (según Gaudí, la línea recta
no se encuentra en la naturaleza). Se suceden las formas cóncavas y convexas como si fuese
una escultura abstracta, lo que proporciona movimiento al edificio. Las formas ondulantes separan
los pisos. Algunos autores han hablado de un mar de piedra embravecido.
• Está realizada en piedra calcárea, salvo la parte superior, que está rematada con azulejos
blancos. Esta estructura recuerda a una montaña nevada, con agujeros informes, arbustos
en los balcones…
• En la azotea coloca grandes salidas de escaleras rematadas con la cruz gaudiniana de cuatro
brazos recubiertas de cerámica y chimeneas con la apariencia de guerreros protegidos por yelmos.
• Utiliza el hierro forjado en los balcones, imitando formas vegetales.
• La fachada debía estar rematada con un grupo escultórico de gran tamaño, formado por la Virgen
del Rosario y los arcángeles Miguel y Gabriel, pero este proyecto final quedó sin realizar
por la Semana Trágica de Barcelona.
• Las artes decorativas se funden con la arquitectura formando un todo de hierro forjado, vidrieras,
cerámica…
Es una casa modernista realizada para la burguesía catalana, familia Milà.
La burguesía empresarial y de negocios encontró en el Modernismo su estilo, ya que les separaba
del proletariado y de la aristocracia.
Antoni Gaudí (1852-1926), arquitecto modernista. Hombre muy piadoso y conservador. Todas
sus obras demuestran una imaginación y creatividad desbordantes.
• Las primeras obras de Gaudí se desarrollan bajo la influencia del Historicismo. Destacan la Casa
Vicens (1883-88), mandada hacer por el fabricante de azulejos Manuel Vicens Montaner, en
la que se funden las influencias mudéjares y lo oriental, y el Capricho de Comillas (1883-1885)
en Cantabria, que recuerda un minarete musulmán.
• En 1886 comienza el Palacio Güell y en 1889 llevará a cabo el Palacio Episcopal de Astorga (León),
de clara inspiración neogótica. El Colegio de las Teresianas, en Barcelona, está realizado
en piedra y ladrillo. En esta última, las dificultades y la escasez económica se compensan
con la creatividad y la originalidad de los arcos parabólicos.
• También es neogótica la Casa Botines en León, encargada en 1892 por una empresa catalana
dedicada al comercio de tejidos. En el exterior se puede admirar una escultura de San Jorge
alanceando al dragón, un tema muy medieval y muy catalán.
• Tras un largo período, influido por el Neomedievalismo, decide abandonar este camino
y comienza a interesarse por las formas orgánicas. A partir de 1900 es el período más creativo
de su carrera. Empieza a construir el Parque Güell (1900-1914). Güell fue para Gaudí
una especie de mecenas contemporáneo que le hizo gran número de encargos, entre ellos
el de una colonia urbana que no se llegó a realizar.
Pretendía construir una urbanización residencial al estilo de las ciudades-jardín inglesas.
El proyecto no tuvo éxito. Pese a ello se construyeron los accesos al parque.
El Parque Güell se sitúa en un paraje abrupto con desniveles, que Gaudí solucionó con
la construcción de viaductos integrados en el paisaje. El acceso al parque tenía dos edificios,
para portería y administración. Están cubiertos con bóvedas catalanas en forma de parábola.
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Pasados los pabellones, se encuentra una escalinata decorada con unas fuentes esculpidas,
donde destaca el dragón que se ha convertido en símbolo del parque. La escalinata conduce
a la Sala hipóstila que habría servido de mercado a la urbanización, con grandes columnas dóricas.
Encima de esta sala se halla una gran plaza, con un banco corrido con cerámica troceada
(trencadis). Logra la fusión entre arquitectura y naturaleza.
• Entre 1904 y 1906 construye la Casa Batlló, no es íntegramente suya, sino que reforma una casa
ya existente en el paseo de Gracia en Barcelona, que Enrique Batlló industrial textil le encomendó.
Hizo algunas modificaciones en la distribución interior de la misma y recubrió la fachada
con trencadis (coloca fragmentos rotos de cerámica para obtener efectos decorativos), el patio
interno se cubre con una claraboya de cristal.
• En la iglesia de la colonia Güell exalta el material. Las columnas monolíticas recuerdan al arte
prehistórico, dando al conjunto un aspecto de rusticidad.
• La Sagrada Familia fue un encargo de la asociación de devotos de San José en 1883 y trabaja
toda su vida en él, sobre todo los últimos años. Proyecto inacabado de enormes dimensiones,
con una cripta y tres fachadas, él solo termina la de la Natividad. Sobre formas góticas,
la decoración escultórica se va haciendo abstracta, coronándose con mosaicos.
Lamina 2. Composición en rojo, amarillo y azul, 1921. Piet Mondrian. 80 3 50 cm. Neoplasticismo
holandés.
La obra recoge los principios del Neoplasticismo.
Descripción general:
• En un enrejado ortogonal de líneas horizontales y verticales se forman rectángulos de distintos
tamaños y colores.
• Los colores que utiliza son los tres primarios (rojo, azul y amarillo), el blanco, el gris y el negro.
Ha reducido al máximo los elementos de la obra, solo líneas y color.
• Los colores están separados por líneas negras para que no se mezclen unos con otros y sea
la mente y no los sentidos la que deba valorar el color.
• A pesar de contrastar con el blanco o con las líneas negras, los colores siempre se disponen
con cierta armonía.
• La disposición, el color y la forma están perfectamente estudiados según un orden mental.
Las obras de Mondrian realizadas desde 1919 hasta 1940 son bastante similares y constituyen
la máxima expresión de la Abstracción geométrica.
Piet Mondrian parte de obras naturalistas y simbolistas (Duna V, 1910) hasta llegar al Cubismo
(Árbol gris, 1912), para luego ir depurándolo de figuras y curvas, postura que llegaría a radicalizar
casi matemáticamente.
• Busca un arte puro. No pretende crear otras formas y colores con sus limitaciones, sino tratar
de abolirlos en interés de una unidad más grande.
• Pretendían liberar a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual
y del temperamento del artista.
• Con la Abstracción, la pintura se valora por sí misma y no por su relación con la realidad.
• Mondrian simplifica las imágenes hasta el punto de que no sirve solo la abstracción, además
debe ser geométrica.
• Rechaza todo lo que no fueran líneas verticales y horizontales y todos los colores menos
los primarios, el negro y el blanco. Su postura, bastante intransigente, chocará con otros miembros
del grupo. Al ser demasiado riguroso, algunos autores romperán con el Neoplasticismo,
recuperando las diagonales y aumentando la gama de colores.
El Neoplasticismo surge en Holanda, país neutral durante la Primera Guerra Mundial. Propone,
a partir de la razón, una nueva ordenación geométrica del mundo en contra de la irracional
destrucción de la guerra.
• Se creó en 1917 cuando Mondrian y Theo van Doesburg publican la revista De Stijl (El Estilo),
que sirvió para difundir las vanguardias y sobre todo el Neoplasticismo.
• Combate el individualismo en nombre de una común necesidad de claridad, certidumbre y orden.
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• Es un arte nuevo basado en planteamientos estéticos muy puros, comunes a todas las artes
(arquitectura, escultura y pintura). Forman parte del Neoplasticismo escultores como Vantongerloo
o arquitectos como Rietveld.
Otras corrientes dentro de la Abstracción:
• Abstracción lírica, cuyo representante principal es Kandinsky, corriente mucho más poética,
que se interesa por el color, las manchas y las líneas.
• Suprematismo, creado por Malevich, y que promulgaba que solo al eliminar cualquier rastro
de arte sería posible un arte nuevo. Ejemplo: Cuadro negro sobre fondo blanco.
Lámina 3. La Torre Eiffel.
(Ver examen de Asturias. Septiembre 2007. Cuestión práctica 4.)
Lámina 4. Los picapedreros, 1849. Courbet (1819-1877). Óleo sobre lienzo, 165 3 238 cm.
La obra, exhibida en el Salón de 1850, supuso el inicio de la pintura socialista. Sin embargo,
fue destruida en los bombardeos de Dresde durante la Segunda Guerra Mundial.
Temática:
• El tema que recoge es el trabajo físico y duro de unos hombres que no tienen esperanzas
en que su futuro pueda cambiar.
• Están representados dos picapedreros, símbolo de la explotación, que Courbet contrató para
que posaran en su estudio.
• La diferencia de edad, uno es bastante joven y el otro es un adulto, pone de manifiesto
que seguirán haciendo el mismo trabajo generación tras generación.
Descripción:
• Los dos hombres están situados en el centro de la obra y en primer plano, se recortan sobre
una loma, con algunas plantas, que aluden a la naturaleza (lugar donde realizan su trabajo).
• Refleja las dos edades, uno joven y otro viejo. El viejo, encorvado por el trabajo, levanta el pico,
presenta la piel quemada, la cabeza cubierta con un sombrero de paja y los pantalones
remendados.
• A su lado, un joven sostiene el cesto lleno de piedras, tiene la piel grisácea y un tirante de cuero
le sujeta los pantalones.
• No se les ve el rostro, porque no importa el individuo, sino el grupo al que pertenecen, para
presentar la realidad de las clases trabajadoras.
• Las ropas (raídas con parches en los pantalones y agujeros en las camisas) y los enseres de cocina
(la olla) nos cuentan cómo serían sus vidas.
• Es una composición cerrada. Las figuras se encuentran prácticamente inmóviles, como si fuese
una fotografía.
• En el cuadro apenas hay cielo, lo que pretende reflejar es un espacio abierto. El horizonte,
no existe o es oscuro y agobiante. Solo un trocito de cielo azul nos indica que están en una jornada
de trabajo.
• Las piedras, la cacerola y los picos forman un papel importante en la composición, ya que
nos llevan de un momento a otro de su vida.
• Las formas desvaídas aumentan la fuerza y el carácter dramático.
• Emplea colores oscuros para reforzar la escena. La ropa de los hombres está realizada en tonos
ocres, excepto la camisa y el chaleco del de mayor edad.
• La escena nos la presenta de modo directo sin una composición rebuscada, un color vibrante
o gestos exagerados, pretendiendo que el espectador no se distraiga con elementos innecesarios.
La obra fue muy criticada porque los protagonistas son dos trabajadores, pero no recompone
la realidad, sino que la muestra tal como es. El pueblo llano elevado a la categoría de arte.
El desencanto por el fracaso de la Revolución de 1848 y las duras condiciones de vida
de la población obrera, fruto de la Revolución Industrial, entre otros motivos, hace que los artistas
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se centren en temas sociales. Los artistas se comprometen con la realidad social para criticar
las injusticias de la Revolución Industrial.
El Realismo es un puente entre el Romanticismo y el Impresionismo.
• Se aleja de la visión subjetiva buscando una postura más social. Plasma la sociedad sin idealizarla.
No copia únicamente la realidad, en algunos casos la deforma para hacerla más real.
• Los temas no son literarios o del pasado, sino temas del momento, sobre todo sociales.
Los protagonistas son campesinos, emigrantes, obreros…
• El dibujo es preciso y de pincelada firme.
• La influencia de la fotografía será muy grande en estos autores.
• Aunque el tema del compromiso social es el aglutinante de estos artistas, no se puede hablar
de un estilo uniforme.
Los principales pintores son Millet, Courbet y Daumier.
Jean-François Millet (1814-1875). Se marchó a Barbizon para reencontrarse con la naturaleza,
cansado del modo de vivir que trajo la Revolución Industrial.
Es el pintor de los campesinos, de los humildes… En sus obras prima la sencillez, la calma
y la serenidad. Ejemplos: El ángelus, Las espigadoras, El sembrador…
Honoré Daumier (1808-1879). Se dedica sobre todo al dibujo. Publicó más de 4.000 litografías,
que eran una caricatura política. Sus óleos son dibujos coloreados en los que ennoblece el trabajo
anónimo (El pintor, La lavandera…).
Gustave Courbet (1819-1877). Nació en Ornans en una familia de terratenientes acomodados.
Comienza su aprendizaje artístico en París. Amigo de revolucionarios anarquistas y socialistas,
ejerció de comisario artístico en el gobierno revolucionario de la Comuna de París de 1871.
Courbet mantuvo siempre un compromiso político y social muy fuerte, la pintura sería un vehículo
para defender sus ideas.
Reúne las características de la pintura realista: científica, sin idealización, antiacadémica, progresista,
antirromántica, social, influencia de la fotografía y cuya única fuente es la observación del natural.
Usa tonalidades bastante oscuras en las que predominan los tonos negros, siguiendo la influencia
de la pintura barroca española y holandesa.
• Siempre desafió la tradición, eligiendo temas poco convencionales, sobre todo escenas de la vida
cotidiana en al ámbito rural, como Sobremesa en Ornans, El encuentro (Buenos días señor Courbet).
• Sus obras más importantes, y también más criticadas, son: El entierro en Ornans (1849),
Los picapedreros y El estudio del pintor (1855).
• El entierro en Ornans es una escena cotidiana, un entierro cualquiera en una aldea. Se caracteriza
por el realismo con que refleja la imagen. En el cuadro reproduce un retrato colectivo
de unos 40 vecinos del pueblo, con un encuadre fotográfico, trasladando la realidad rural al lienzo.
• El estudio del pintor, 1855. Se trata de un cuadro de gran tamaño (similar al de El entierro).
El pintor situado en el centro, de perfil, realiza un cuadro de temática paisajística; a la derecha
se sitúan sus amigos, llenos de vida, que admiran su obra, y a la izquierda, la gente corriente con
aspecto aburrido y que le ignoran. Un niño, símbolo de la inocencia, aprueba su fiel transposición
de la naturaleza y detrás del pintor se coloca una figura femenina desnuda que es una alegoría de
la verdad.
• Sus obras siempre suscitaron sorpresa y escándalo entre el público y la crítica, por su gran tamaño
y por plasmar acontecimientos vulgares, especialmente sus desnudos femeninos; por ejemplo,
Mujer en las olas (1868), o algunos tan atrevidos como Origen del mundo (1866).
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OPCIÓN A
PARTE TEÓRICA
TEMA La importancia de la pintura barroca en Flandes y Holanda:
– Rubens y Rembrandt. Analogías y diferencias entre la escuela flamenca y holandesa
a través del comentario de obras significativas.
GRÁFICO Establece la evolución de la escultura griega y su concepto de belleza
a través de las imágenes mostradas.
El almno debe elegir la Opción A o la Opción B, nunca mezclar partes.
Debe realizar una prueba teórica y una práctica de la opción elegida.
Dentro de la prueba teórica elegida el tema o el gráfico, nunca los dos (4,70 puntos).
En la prueba práctica, el alumno deberá comentar dos imágenes de las cuatro ofrecidas
(calificación de 2,40 puntos por diapositiva, 4,80 puntos en total).
El 0,50 punto restante para llegar al total de 10, se otorgará atendiendo a la redacción
y madurez demostradas por el alumno en los dos ejercicios.
Kuroi. Doríforo, de Policleto. Hermes, de Praxiteles. Laocoonte.
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OPCIÓN A
PARTE PRÁCTICA
Lámina 1
Lámina 2
Lámina 4Lámina 3
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OPCIÓN B
PARTE TEÓRICA
TEMA La importancia de Goya. Romanticismo y Realismo:
– Breve introducción histórica.
– Características generales y autores relevantes: Delacroix y Courbet.
GRÁFICO Teniendo en cuenta estas dos imágenes, analiza y compara la arquitectura
racionalista con la organicista.
La Villa Saboye,
de Le Corbusier.
La casa de la cascada
o Casa Kaufmann,
de Lloyd Wright.
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OPCIÓN B
PARTE PRÁCTICA
Lámina 2
Lámina 1
Lámina 4
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Opción A
EXAMEN TEÓRICO
TEMA. La importancia de la pintura barroca en Flandes y Holanda
(Ver examen de Andalucía. Curso 2006-2007. Opción B. Pregunta 3.)
GRÁFICO. Evolución de la escultura griega
Los griegos reflejan los ideales de su pueblo en la escultura.
La evolución de la escultura griega se suele dividir en distintas etapas:
• Arcaica (VII-480 a.C.).
• Severa (480-450 a.C.).
• Clásica:
– Primer clasicismo (450-400 a.C.).
– Segundo clasicismo o posclasicismo (400-323 a.C.).
• Helenística (323 a.C. hasta siglo I a.C.).
Entre sus características principales destacan:
• El tema más importante es la figura humana. Busca la belleza física y el equilibrio espiritual
en el desnudo masculino. La belleza se consigue con el equilibrio entre las partes. Se identifica
desnudez y belleza.
• También buscan la expresión como exteriorización de los sentimientos.
• Aunque al principio son esculturas rígidas, ya que reciben su influencia de Oriente y Egipto, luego
se va idealizando buscando belleza, expresión, movimiento y volumen.
• Los materiales utilizados son mármol y bronce, aunque la mayoría de las obras las conocemos
por las copias romanas realizadas en mármol. Muchas de ellas estaban policromadas.
Dentro de la escultura arcaica son los kuroi junto a las korai (posibles representaciones
de sacerdotisas o diosas) la principal tipología.
• Las korai son jóvenes vírgenes o doncellas, vestidas, que solían ofrecerse como exvotos
a las divinidades por parte de las grandes familias. Son similares en el espíritu, aunque haya diferencias
en el tamaño, vestido y peinado. Como ejemplo la Koré del Peplo.
• Los kuroi son esculturas votivas, que representan atletas desnudos en plenitud (a veces se trata
de esculturas de carácter funerario, aunque lo más frecuente es que fueran exvotos por una victoria).
Se ha considerado también que eran representaciones de Apolo. Como ejemplos más antiguos
destacan el Kuros de Sunion (600 a.C.) y Kuros de Tenea (mediados del siglo VI a.C.).
El Kuros de Anavyssos (530 a.C.), de 1,94 m de altura, realizada en mármol (originalmente policromado),
es uno de los ejemplos más bellos de atleta arcaico.
• Representa a un joven atleta desnudo. Aunque muestra una rígida frontalidad (hecha para ser vista
de frente), adelanta su pierna derecha dando cierto movimiento. Como rasgos más arcaicos se pueden
destacar los puños cerrados, su tórax abombado, el abdomen reducido y la rodilla en forma de
trapecio.
• Sin embargo, la separación de los brazos del cuerpo y los rasgos anatómicos y faciales
(ojos almendrados e inexpresivos, pero menos saltones), así como el cabello, muestran un tratamiento
menos geometrizante que el característico de otros kuroi arcaicos, tiene un modelado más suave
y una llamativa sonrisa, la célebre sonrisa arcaica.
• Su función era la de exvoto. En su base pone «permanece triste y en pie junto a la estela del fallecido
Kroisos, luchador a quien el tempestuoso Ares ha arrebatado».
• El desnudo es la exaltación de la belleza física, ideal de belleza masculina.
• Anticipa los logros del estilo severo de la primera mitad del siglo V a.C.
Otras esculturas del período arcaico son Gemelos Cleobis y Bitón, la Dama de Auxerre,
el Moscóforo…
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Partiendo del ejemplo de la escultura egipcia que conocen y asimilan, los artistas arcaicos comienzan
un proceso de avances formales que conducen a la escultura clásica.
En el período clásico la belleza se logra mediante la proporción y la armonía.
Se suele dividir en dos períodos: la clásica, del siglo V, y la posclásica, del siglo IV.
a) A mediados del siglo V a.C. se inicia el período clásico, siglo de Pericles, momento muy importante
desde el punto de vista político y artístico.
La escultura logra el equilibrio entre lo corporal y lo espiritual, refleja la realidad pero buscando la belleza
idealizada.
Entre los autores más destacados se encuentran Mirón (aunque pertenece al estilo severo,
ya de transición al clasicismo), Fidias y Policleto.
Mirón consigue en El discóbolo la captación del movimiento en el máximo desequilibrio del cuerpo.
La postura era entonces de una gran audacia.
Policleto aunque trabaja el bronce, conocemos sus obras por las copias romanas realizadas en mármol.
Es un teórico de la escultura, escribe un tratado, El canon, en el que expone cómo debe ser la concepción
ideal, la belleza absoluta. En él señala que la cabeza debe ser la séptima parte de la altura total
del cuerpo. Realiza obras como el Doríforo o el Diadúmeno.
Doríforo. Realizada hacia el 440-430 a.C., en mármol, con 2,12 m de altura.
• Se trata de una copia de un original en bronce. Representa la figura desnuda de un atleta en actitud
de marcha que llevaba una lanza en la mano izquierda.
• La composición cerrada va abriendo elementos formales (brazos, piernas…) hasta alejarse
del hieratismo. El joven atleta no aparece frontalmente estático ante nosotros, sino en ligero
contraposto, que deja caer el peso de su cuerpo sobre la pierna derecha y flexiona levemente
la izquierda desplazándola hacia atrás y apoyando únicamente los dedos, provocando así un balanceo
en la cadera.
• La flexión de la rodilla se hace más naturalista en función de la marcha, el pie izquierdo se levanta
y el derecho permanece recto, como si la figura iniciara el movimiento.
• Los hombros se inclinan siguiendo el movimiento de los brazos, ya despegados del cuerpo. El brazo
derecho cuelga al costado, casi con la mano abierta, y el izquierdo se encuentra muy doblado
y la mano se cierra adaptándose para sostener la supuesta lanza sobre el hombro.
• Se consigue un equilibrio entre los miembros relajados y los tensos: brazo que cuelga, pierna tensa
y brazo en tensión, pierna flexionada (disposición armónica de los miembros del cuerpo).
• El torso, ligeramente girado hacia el lado derecho, podría inscribirse en un gran rectángulo
pero adquiere formas curvas en hombros e ingles; aunque presenta los pectorales aún con rígidas
curvas, se acentúa el estudio anatómico de un cuerpo recio.
• El cuello se apoya en el torso con vigor, pero adelgazando las líneas de épocas anteriores. El rostro
está perfectamente trabajado, y las ondulaciones del cabello indican que se ha abandonado
el arcaísmo.
• No se rompe el equilibrio compositivo. La perfecta plasticidad de la anatomía y el rostro sereno
corroboran el tratamiento idealista en la representación, sometida al canon de siete cabezas, modelo
de cuerpo masculino en sus proporciones ideales (este canon se mantendrá hasta que Lisipo cree
uno más esbelto de ocho cabezas).
• Se ha indicado en ocasiones que representa al joven y valeroso Aquiles, en tanto que otros autores
hablan de un atleta de la jabalina, uno de los cinco deportes principales del mundo helénico, junto
con el salto, la carrera, el disco y la lucha. No sabemos si se trata de una dedicatoria victoriosa
de un pueblo a un atleta.
• Policleto se adapta al ideal clásico en la búsqueda del equilibrio, la armonía y la serenidad.
b) En el siglo IV (400-323 a.C.) pervive la serenidad, el equilibrio y la armonía del siglo precedente,
pero se ahonda en los sentimientos y se avanza en los estados emocionales y la sensualidad.
Se puede hablar de segundo Clasicismo o Posclasicismo (400-323 a.C.). Entre los autores destacan
Lisipo, Scopas y Praxiteles.
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Praxiteles. Trabaja el mármol, que luego policroma. Desde el equilibrio de Policleto evoluciona hacia
formas más suaves (curva praxiteliana, ondulación de la cadera al recibir una de sus piernas todo
el peso). La curvatura obliga a un fuerte contraposto, por lo que las figuras aparecen apoyadas
en columnas o árboles. Comienza un tratamiento difuminado de las superficies. Entre sus obras
se pueden citar la Venus de Cnido; Apolo sauróctono, Hermes con Dionisos niño…
Evoluciona desde el clasicismo hacia un arte más cercano a la medida del hombre.
Hermes y Dionisos niño, 340 a.C., realizada en mármol, de 2,13 m de altura. Se trata de un original griego
y no de una copia romana.
• Recoge el momento en que el dios Hermes se detiene para ofrecer un racimo de uvas (desaparecido)
a Dionisos niño, dios del vino y de las bajas pasiones. Hacen un descanso cuando se dirigen desde
el Olimpo a la mansión de las ninfas del monte Nisa, encargadas de su crianza, para escapar de la ira
de Hera, esposa de Zeus, celosa porque Dionisos es fruto de su infidelidad con Selene. Dionisos nació
del muslo de Zeus, y fue confiado al dios mensajero Hermes.
• Dispone las figuras en una composición cerrada, el personaje central no mira abiertamente
al espectador.
• Todo en Hermes es natural, estilizado y proporcionado, no ocurre lo mismo con Dionisos niño
que tiene la cabeza pequeña y los miembros alargados.
• La figura idealizada de Hermes, con los ojos entrecerrados y ensimismado en sus propios
pensamientos, se inclina hacia el niño Dionisos, en un contraposto con una postura lánguida,
de abandono.
• El brazo derecho de Hermes se muestra en tensión con el hombro desplazado hacia arriba
y el izquierdo se apoya en el tronco de árbol (sirve de sujeción a la pieza), donde sitúa el manto
del dios. Aunque tenga el brazo levantado en ángulo, no corta la silueta frontal, pero sí le da
dinamismo. El cuerpo se apoya con fuerza en la pierna resaltando la cadera (curva praxiteliana
o en forma de S) y retrasa la izquierda, que no recibe el peso y está apoyada únicamente con la punta
de los pies.
• El tratamiento anatómico se aleja de la plasmación de la musculatura que había caracterizado
al clasicismo y se vuelve más suave, con menor resalte de las contracciones del cuerpo en tensión.
• El rostro de Hermes, de gran belleza, aparece sin expresión. Presenta la cabeza inclinada
y la mirada serena. La nariz y la frente se hallan en la misma línea de visión y los cabellos están bien
trabajados.
• Logra un pulimento magistral. Los cuerpos de los dioses muestran un gran hedonismo, suavidad
de formas y superficies muy pulidas que contrastan con otras partes muy trabajadas, como
el tratamiento del cabello con rizos (técnica de trépano, que luego los escultores romanos
desarrollarán) y el manto con pliegues bien marcados, que resaltan el claroscuro.
• Hermes adquiere la humanidad típica de los dioses de Praxiteles.
• Se pueden ver influencias de Policleto en el marcado pliegue inguinal; de Fidias, en el plegado
de las vestiduras que enmarcan la composición, y de Mirón, en la instantaneidad del momento
captado por el artista.
• No pertenece al primer clasicismo porque acentúa el sensualismo, el claroscuro, las figuras
son más estilizadas, elegantes y con mayor ritmo frente a la simetría clásica.
• La función de la obra es principalmente religiosa, para servir de exvoto del templo de Hera
en Olimpia.
Las conquistas de Alejandro Magno producen la fusión de las culturas del Mediterráneo oriental,
griega, egipcia, persa y mesopotámica, en una sola, la helenística, a partir del año 323 a.C.
La escultura helenística se hace realista y naturalista, representando el dolor, el movimiento,
la grandeza, el dramatismo e incluso la fealdad.
Aunque se sigue considerando Atenas el centro de la cultura, surgen otros núcleos artísticos,
como Rodas, Alejandría, Pérgamo, etc.
• Escuela de Rodas: Laocoonte, Victoria de Samotracia, Toro Farnesio… Realizan esculturas grandiosas,
llenas de barroquismo y ampulosidad formal.
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• Escuela de Pérgamo: Galo moribundo, Friso del altar de Pérgamo. Predomina lo heroico
y lo trágico.
• Escuela de Alejandría: Alegoría del río Nilo.
• Escuela de Atenas: Venus de Milo, Niño de la espina, Torso del Belvedere. Mayor interés por lo sencillo,
más clásica que las anteriores, se inspira en los modelos del pasado.
Laocoonte y sus hijos. Siglo I a.C. Escuela de Rodas. Mármol. Se trata de una obra original, realizada
por tres artistas de la misma familia, Agesandro, Polidoro y Atenodoro, pertenecientes a la escuela
de Rodas, y que la destinan a la ciudad de Roma.
• El grupo escultórico describe un pasaje de la Eneida de Virgilio, cuando Laocoonte, sacerdote
de Apolo, se opone a la entrada del gigantesco caballo griego, fundamental en la toma de Troya,
ya que en él se ocultaban los soldados griegos. Es entonces cuando el sacerdote y sus hijos
son atacados por dos serpientes enviadas por los dioses, para que los maten.
• La obra se puede considerar la expresión universal del dolor. Este efecto dramático está relacionado
con la disposición teatral, ficticia, de los personajes; sus posturas retorcidas; la anatomía y los gestos
del Laocoonte.
• La composición del grupo es triangular, con un único punto de vista frontal.
• La disposición diagonal de todo el conjunto aumenta la tensión y el dramatismo.
• Los tres personajes están entrelazados por la línea sinuosa de las serpientes. Los hijos, realizados
a menor escala que el padre, crean una composición centrípeta que nos remite a Laocoonte,
con un movimiento helicoidal en su cuerpo. Este con el rostro desencajado, con arrugas, la boca
abierta y el ceño fruncido por el dolor del ataque y la angustia de ver morir a sus hijos, lo que acentúa
la fuerza expresiva de la obra.
• El cabello y las barbas, con la técnica al trépano, aumentan la tensión por el claroscuro.
• Laocoonte en tensión frente al cuerpo ya casi muerto del hijo pequeño, a la izquierda y la mirada
interrogante del de la derecha, que no comprende lo que ocurre.
• La rotunda e impresionante anatomía, la tensión de los músculos del torso, brazos y piernas,
reflejan la lucha de los personajes por salvarse.
• El pie derecho del Laocoonte sobresale del pedestal, lo que confiere a la obra un tinte realista.
• Esta obra fue realizada en una sola pieza de mármol, para decorar la Domus Aurea de Nerón,
aunque no sabemos si la versión que ha llegado a nosotros es la original o una copia romana.
Fue descubierta en Roma en 1506.
• Influyó en los artistas del Renacimiento, sobre todo, en Miguel Ángel. Posteriormente sirvió
de referencia a escultores barrocos y en el Neoclasicismo; numerosos pensadores, como Winckelmann
o Lessing, se inspiraron en él para desarrollar sus teorías estéticas.
EXAMEN PRÁCTICO
Lámina 1. Fachada de la Catedral de Notre Dame de París, 1163. Gótico francés.
Situada en la isla de la Cité en París.
Se empezó a construir en 1163, promovida por el obispo Mauricio de Sully y fue terminada
a mediados del siglo XIII. En 1182 el coro ya prestaba servicios religiosos y, durante la transición
entre los siglos, se termina la nave. También se sabe que en los brazos del transepto trabajan
los arquitectos Jean de Chelles y Pierre de Montreuil.
En el siglo XIX sufrió una gran restauración a cargo de Viollet-le-Duc.
Descripción:
• Se trata de una catedral de planta basilical en la que no sobresale el transepto, con cuatro naves
laterales. Tiene ocho tramos hasta el crucero y cinco desde el crucero hasta el comienzo
del deambulatorio. El deambulatorio es doble, pues giran las cuatro naves laterales. La planta
de Notre Dame influirá en la Catedral de Toledo.
• La nave central se cubre con bóvedas sexpartitas, y las laterales, con bóveda de crucería.
• El alzado se divide en cinco niveles. Los arcos de separación entre naves son bajos
y sobre ellos se sitúa una enorme galería.
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• Por encima, unos óculos hacen de triforio, dejando poco sitio para los ventanales de luz directa.
La duplicidad de las naves bajas deja a oscuras las partes interiores de la nave central. La
consecuencia es que Notre Dame es una catedral bastante oscura.
• Todos los pilares arrancan de sólidas columnas de gran diámetro cuyos capiteles recuerdan
al corintio.
• En el exterior se muestra el sistema de contrarrestos con arbotantes y contrafuertes.
• Las hermosas y variadas gárgolas completan la escultura de este templo.
• La fachada se organiza en forma de H, flanqueada por torres cuadradas con idéntica estructura.
Es una de las más bellas de Francia, que se perfeccionará en la de Reims.
• Presenta un juego de líneas verticales y horizontales:
– Cuatro contrafuertes se alzan hasta el arranque de las torres y las elevan hacia el cielo,
ya que la catedral está construida para Dios.
– Dos grandes bandas horizontales acercan al edificio a la tierra, ya que también está edificada
para los hombres.
• Se encuentra dividida en tres partes, según su anchura. La del centro se corresponde con
la anchura de la nave central, y las extremas o de las torres, con las naves laterales dobles,
lo que genera tres partes casi iguales (un poco más ancha la central).
• En el sentido vertical se divide en tres niveles:
– El de las tres portadas abocinadas con arco apuntado y arquivoltas. La del centro dedicada
al Juicio Final; la de la derecha, a Santa Ana, y la de la izquierda, a la Virgen.
La portada central recoge el tema del Juicio Final, según el evangelio de San Mateo. En el dintel
inferior los muertos resucitan y salen de su tumba. Encima, el arcángel Miguel pesa las almas,
los condenados irán al infierno y los elegidos al paraíso. En el tímpano, Cristo sentado
en el trono, nos recuerda que ha venido a la tierra para salvar a los hombres. Muestra los signos
de la pasión y se presenta acompañado por dos ángeles; San Juan y María completan la escena.
La separación entre los dos primeros niveles la constituye la galería de los 28 reyes de Judá,
descendientes de Jessé y antepasados humanos de María y Jesús.
– El del rosetón está flanqueado por dos ventanales dobles de arco apuntado que cobijan arcos
geminados y un friso de arcos calados a modo de tracería, coronado por la balaustrada
que repite el diseño del remate del primer piso. Delante del gran rosetón se sitúan esculturas
de la Virgen con el Niño entre dos ángeles.
– El cuerpo final lo forman las torres cuadradas, levantadas con cuerpo de campana, que decoran
en cada frente huecos dobles de considerable altura.
La catedral constituye el edificio más importante de la ciudad. El arte gótico presenta a un Dios
más cercano al hombre y una liturgia muy vinculada a la Virgen y a los santos, que actúan como
intermediarios entre la tierra y el cielo –esta idea se hace patente en la escultura de las puertas.
El edificio es la imagen celeste en el mundo terrenal, de ahí su verticalidad ascendente y la profunda
importancia de la luz sobrenatural con las vidrieras y el rosetón.
Crea un espacio que acerca a los fieles a los valores simbólicos y religiosos de su época.
La Catedral de Notre Dame de París puede considerarse a caballo entre el grupo de las del siglo XII:
Sens, Senlis, Laon…, y las del siglo XIII, como Chartres, Reims, Amiens, Bourges…
El Gótico es un estilo europeo, pero no presenta homogeneidad en todos los territorios
en los que se desarrolla.
El Gótico se desarrolla en Europa desde mediados del siglo XII hasta el XV. Surge en Francia,
donde tendremos los mejores ejemplos. Aquí se darán las siguientes etapas:
• Gótico temprano o preclásico, segunda mitad del XII. Ejemplos: Catedral de Saint-Denis (cabecera
gótica), Notre Dame de París (1163), Laon, Sens…
• Gótico clásico, finales del siglo XII-primera mitad del XIII. Ejemplos: catedrales de Chartres, Reims,
Bourges, Amiens. En Beauvais y Le Mans, los arcos fuertemente apuntados y los ventanales
acentúan su altura.
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• Gótico radiante, desde la segunda mitad del siglo XIII hasta el siglo XV. Se llama así
por los radios de los rosetones. La luz es lo más importante. Ejemplos: Sainte-Chapelle de París
y Catedral de Albi.
Lámina 2. Panteón de Roma.
(Ver examen de Baleares. Junio 2008. Parte C. Opción A. Lámina A.)
Lámina 3. Las Meninas, de Velázquez.
(Ver examen de Baleares. Septiembre 2007. Parte C. Opción B. Lámina B.)
Lámina 4. David, de Donatello.
(Ver examen de Murcia. Junio 2008. Parte práctica. Lámina D2.)
Opción B
EXAMEN TEÓRICO
TEMA. La importancia de Goya. Romanticismo y Realismo
Introducción histórica:
La Guerra de Independencia Americana y la Revolución Francesa (1789) suponen las transformaciones
políticas más importantes del final del siglo XVIII. Los cambios sociales y económicos (crecimiento
demográfico, revolución industrial, ascenso de la burguesía…) dan lugar a la Edad Contemporánea.
La Revolución Francesa, las guerras napoleónicas y la crisis del Antiguo Régimen provocan la pérdida
de la fe en la razón ilustrada.
Las ideas del Romanticismo y del Liberalismo servirán de base para enfrentarse a la estructura social
y económica originada tras la caída del Imperio napoleónico, con la Restauración (1815-1830) y
oponerse a ella mediante la Revolución de 1830, con la que la burguesía implantó la monarquía
constitucional.
Tras la Revolución de 1848, Luis Felipe de Orleans abandona el trono. Después de él se instituye
la Segunda República, en la que Luis Bonaparte será primero presidente y luego, en 1852, se convertirá
en emperador (Segundo Imperio francés). Más tarde llegará la Tercera República, con el episodio
de la Comuna de París (1871), gobierno revolucionario con la participación de los ciudadanos.
A partir de 1879 se consolida la democracia burguesa con la Tercera República.
En 1848 se publica el Manifiesto comunista, de Marx y Engels. Aparece un nuevo grupo social,
el proletariado, consciente de su identidad como clase frente a la burguesía.
Las unificaciones italiana y alemana hacia 1870 son fruto del auge de los nacionalismos.
A partir también de 1870 se produce la expansión colonial de los países europeos en África y Asia.
El auge adquirido por el Imperio alemán y su rivalidad con las potencias europeas (Francia, Inglaterra
y Rusia) conducirán a la Primera Guerra Mundial (1914-1919).
La España en la que vive Goya pasa por uno de los momentos más convulsos de su historia.
Del Antiguo Régimen se llega durante un breve período liberal, coincidiendo con la Guerra de la
Independencia contra los franceses, a la restauración del absolutismo en la persona de Fernando VII.
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828). Se encuentra entre el Neoclasicismo y el Romanticismo
estéticamente, pero no cronológicamente. Su obra es difícil de clasificar por su extraordinaria
originalidad, que la hace precursora de movimientos artísticos modernos (Impresionismo, Expresionismo
y Surrealismo). Su pintura es testimonio de la conflictiva época en que vivió.
Goya nació en Fuendetodos en 1746 y se formó en Zaragoza, de donde partirá a Madrid y luego a Italia.
Allí conoció a Giaquinto y todo el ambiente de tránsito del Rococó al Neoclasicismo. En Parma obtiene
un segundo premio de pintura en la Academia.
1.ª etapa. A la vuelta de Italia, en 1771 pinta un mural en el Pilar de Zaragoza, estableciendo contacto
con los Bayeu, con cuya hermana se casará. Pero en esta etapa destacan sobre todo sus pinturas para
la Cartuja del Aula Dei, basadas en la vida de la Virgen.
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2.ª etapa (1774-1791). Entre 1774 y 1791 realiza cartones para la Real Fábrica de Tapices de Madrid.
Representa la vida, los festejos, las distracciones y los hábitos del pueblo, con naturalidad y riqueza
de colorido. Reflejan una visión de la vida alegre y desenfadada. Los colores son ricos y luminosos,
sobre todo predominan los rojos. Su dibujo es acabado y de trazo continuo.
De sus cartones hay una primera etapa con obras como: La merienda a orillas del Manzanares,
El quitasol, El cacharrero, La gallina ciega, El pelele o La pradera de San Isidro. A partir de 1786 realiza:
La era, La vendimia, La nevada y Las floreras.
En 1786 es nombrado pintor de Carlos III, y en 1789, pintor de cámara de Carlos IV.
Realiza numerosos retratos de gran finura y elegancia al establecer contacto con la nobleza ilustrada
y pasar a ser protegido de la duquesa de Osuna.
3.ª etapa (1792-1808). En 1792 una grave enfermedad le deja sordo y en su obra se nota cierto
pesimismo crítico. Estos aspectos del subconsciente anuncian el Surrealismo. Predominan
los colores marrones, pardos y negros, se va rompiendo el dibujo, creando texturas de mayor
expresividad.
• En sus retratos plasma la personalidad del modelo y su situación social. Destacan los retratos
de Carlos III cazador, Carlos IV y su esposa M.ª Luisa, pero sobre todo La familia de Carlos IV (1800),
donde los miembros de la familia se extienden linealmente y en un segundo plano
se autorretrata como hiciera Velázquez en Las Meninas.
• Retrató a miembros de la nobleza, como en Los duques de Osuna, La condesa de Chinchón (1800);
a la burguesía más cultivada y a intelectuales como Jovellanos.
• Entre 1800-1805 pinta Las majas, obras polémicas que no se sabe a quién representan. La maja vestida
demuestra una pincelada más suelta, más riqueza cromática y menos academicismo, y La maja desnuda,
por su perfección anatómica, sería una representación que encarna la belleza ideal.
• En los frescos de San Antonio de la Florida (1798) pinta el milagro de San Antonio, la resurrección
de un asesino para dar testimonio de la inocencia del padre del santo, acusado de homicidio.
• Realiza una serie de grabados, Los caprichos, publicados en 1799, en los que critica vicios universales
como la avaricia, la lujuria, la hipocresía y algunos tópicos como el matrimonio por interés
o la prostitución.
4.ª etapa. La Guerra de la Independencia (1808-1814) marcará la pintura de Goya. Se acentúa
su pesimismo, su obra refleja la crueldad, la tragedia y el horror de la guerra en sí, como fracaso absoluto
de la razón.
• Quizá dos de sus mejores obras son: La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo en
Madrid. Ambas obras son testimonio del inicio de la guerra en Madrid. Las realiza en 1814. La guerra
es tratada de forma dramática y brutal, con gran intensidad expresiva. Reduce la gama cromática,
se pierde el dibujo y tiene más importancia la mancha.
• Realiza una segunda serie de grabados, Los desastres de la guerra (1810-1820), en la que se presenta
la imagen terrible de la guerra: prisioneros mutilados, pueblos desnutridos; no hay héroes,
solo víctimas.
5.ª etapa (1814-1823). Regreso de Fernando VII y la restauración del absolutismo. El pintor se aparta
de la corte por la reacción contra los afrancesados, tras el regreso de Fernando VII.
• En 1819 compró una casa a las afueras de Madrid, la «Quinta del sordo», donde pintó al óleo
directamente sobre sus paredes sus inquietantes Pinturas negras, cercanas al Expresionismo.
Son obras de terrible pesimismo, donde da rienda suelta a la imaginación. Representa la esencia
de las cosas en un mundo infernal, decadente y terrible. Trata los temas con pincelada rápida
e intensa, reduciendo la gama cromática al gris, negro, ocre y blanco. Entre estas pinturas destacan:
El aquelarre, Saturno, La romería de San Isidro, Duelo a garrotazos, El perro…
• Realiza también otras series de grabados como La Tauromaquia y Los disparates o Los Proverbios, donde
refleja el miedo y la represión del reinado de Fernando VII.
6.ª etapa. Tras el Trienio Liberal y la nueva restauración del absolutismo (1823-1828). Viaja a Francia
y muere en Burdeos en 1828, donde se había exiliado voluntariamente.
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