1. Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación Superior
Instituto Universitario Politécnico “Santiago Mariño”
Porlamar- estado Nueva Esparta
Sede- Av. 4 de Mayo
Arquitectura 41
Junio , 2015
Arquitectura Barroca
Identificación de los Elementos del Estilo Barroco
Autora:
Andrea Caballero
C.I: 24.108.143

2. El barroco
es un estilo artístico
europeo desarrollado
en el siglo XVII y en la
primera mitad del siglo
XVIII.
El barroco
nació en Italia y se
extendió por toda
Europa. Desde España
y Portugal también se
extendió a las colonias
americanas
Fue un estilo artístico bastante despreciado por los historiadores modernos por
considerarse anticlásico, igual que había ocurrido con el gótico. Sin embargo ha sido revalorizado
a lo largo del siglo XX, por los artistas de vanguardia.
La palabra barroco quiere decir "irregular", que
conecta con lo "no armonioso".

4. San carlo alle quattro fontane planta
1. Se usaron materiales como el
yeso y el estuco.
2. Columnas de orden colosal
adosadas al muro.
3. Presentan muchas esculturas
que quedan supeditada a la
arquitectura: las figuras son
confinadas en sus nichos .
4. El efecto general es el de
mayor riqueza y movimiento.
5. Cornisas muy salientes
Dominio de la línea curva.

5. A medio camino entre la arquitectura y la
escultura, el baldaquino diseñado por Bernini para situarlo justo
en el crucero de la basílica de San Pedro del Vaticano, bajo la
cúpula diseñada por Miguel Ángel y sobre la tumba del apóstol
San Pedro, se trata de un enorme dosel que resalta el altar a la
manera de los ciborios de las iglesias paleocristianas, Realizado
en bronce negro, dorado y mármol, se levanta sobre cuatro
enormes columnas salomónicas, esto es, de fustes helicoidales
decorados con anillas y hojas que parecen trepar por los
mismos, y se rematan en capiteles de orden compuestos. Sobre
éstos descansan unos entablamentos partidos que sostienen un
techo del que penden, también en bronce, pendones con el
emblema de la familia Borghese, a la que pertenece el papa
Urbano VIII, mecenas de la Obra. De las cuatro esquinas partes
cuatro volutas ascendentes que se unen para rematar el
conjunto una bola del mundo dorada sobre la que se asienta
una cruz. A los elementos puramente arquitectónicos se suman
esculturas de ángeles en las cuatro esquinas así como ángeles
niños sobre los doseles que portan los atributos del poder
papal, la tiara y las llaves.
Baldaquino de san pedro
Los materiales
empleados son mármol para las
bases sobre las que se levanta el
conjunto y bronce negro y
dorado. Cabe destacar la
búsqueda por parte del autor de
los contrastes tan del gusto
barroco; contrastes visibles
tanto entre las líneas movidas y
ascendentes de la columna
salomónica frente a las pilastras
clásicas de la basílica, de líneas
rectas, como entre el color
negro y dorado del bronce
en contraposición al mármol
blanco del edificio.

6. La citada fachada de San Pedro del
Vaticano presenta unas gigantescas columnas de fuste liso,
decoradas con capiteles corintios que sostienen un frontón
triangular con un relieve del escudo del Vaticano. Sobre la
nave de la fachada principal aparece además un cuerpo de
ventanas rematado por una balaustrada en la que se
sitúan las efigies de los doce Apóstoles. A la puerta
principal del Vaticano se accede por una amplia escalinata
que pone en contacto la Basílica con la Plaza de San Pedro.
La Columnata de la Plaza es obra del gran
arquitecto barroco Gian Lorenzo Bernini. Constituida por
dos inmensas alas de cuatro series de columnas de cada,
que se abren en una elipsis, restando un magnífico efecto
a la fachada de San Pedro. Bernini toma como punto de
partida el eje central, alargado después de las últimas
reformas, y sobre él diseña una de las más impresionantes
plazas de Occidente.
Así pues, la Plaza de San Pedro del
Vaticano es un espacio abierto de forma ovalada, o más
bien, circular prolongado, porque está formado por dos
arcos de círculo cuyos centros están separados por un
espacio de 50 metros. En cada uno de los lados dos
fuentes completan el conjunto. En medio de la plaza se
levanta el antiguo obelisco egipcio del circo de Nerón. La
Plaza está rodeada de cuatro hileras de columnas
toscanas, coronadas por un entablamento liso que
sostiene una balaustrada, decorada en su parte superior
con 140 esculturas que representan a santos y padres de
la Iglesia. Este conjunto arquitectónico simboliza los brazos
de la Iglesia que acogen a todos los católicos y a su vez
magnífica la figura del Papa como representante de Dios
en la Tierra.
Plaza de san pedro

7. Iglesia de San Andrés del QuirinalMucho más verdadera y propia arquitectura es la iglesia del Noviciado de la Compañía de Jesús, Sant'Andrea al Quirinale (1658-61,
aunque los trabajos continuaron hasta 1670), decorada con estucos por A. Raggi (1662-65). Aquí, sin duda que atraído por los efectos de dilatación
que suscita, Bernini retoma la planta elíptica con el eje mayor paralelo a la fachada, esquema que ya había empleado en la capilla del Collegio di
Propaganda Fide (1634) -luego sustituida por la estructura de Borromini- y que por entonces aplicaba en la columnata de San Pietro. Controlando los
efectos de dilatación, obliga a la mirada del espectador a seguir un recorrido orbital, según la dirección de las pilastras y los entablamentos, que
termina en la capilla mayor, donde los ritmos son interrumpidos por el edículo con dos columnas de mármol verde a cada lado, sobremontadas por un
frontón curvo partido, con el espectacular San Andrés en vuelo, lo que genera una significativa ruptura entre la zona del altar mayor y la del espacio
oval. La policromía de los mármoles, el oro y blanco de los estucos, la luz tamizada de las ventanas y la más brillante y uniforme de la linterna
concentran la máxima intensidad lumínica en la capilla mayor que, frente a la oscuridad de las capillas laterales, es explotada con suma habilidad a fin
de concentrar la atención en la teatralidad del acontecimiento milagroso: la ascensión del Santo. Con igual maestría, disfrutando de una idea de Pietro
da Cartona, materializada dos años antes en Santa Maria della Pace, resuelve en el exterior la interrelación funcional y comunicativa entre el edificio y
el ámbito urbano. El viandante es invitado a entrar en la iglesia por una dilatada exedra de alas muy sobresalientes que, a partir de unas gradas,
conduce a la dinámica y airosa pronaos convexa que se abalanza para acogerlo. Siempre conductor de secretos teatrales y psicopompo de
sentimientos, Bernini presenta en el pórtico un motivo que repetirá en el templete que abre la capilla mayor, pero invirtiendo sus vectores dinámicos
al trocar convexidad exterior por concavidad interior.
Autor: Gianlorenzo Bernini
Fecha: 1658
Estilo: Barroco Italiano

9. La obra representa el éxtasis o
transverberación de Santa Teresa basado en sus
propios escritos. Según ellos, en un arrebato místico,
sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le
atravesaba el pecho con una flecha de amor divino
que le provocó una sensación de dolor y gozo
simultáneo que la dejó desfallecida y suspendida en
el aire, levitando sobre las nubes.
El tema es típico del Barroco, tanto por su
idea propagandística y visual de la emociones
religiosas, como por su actualidad, pues Santa Teresa
había sido canonizada en 1622 (en este tiempo la
Iglesia, adoptando una postura triunfante, prodiga
las canonizaciones). Bernini, como otros autores, se
hace eco del hecho y, utilizando la propia bula, crea
una nueva iconografía en donde buscará transmitir,
de forma emocional, el concepto abstracto del
éxtasis para hacerlo entendible por el pueblo.
Éxtasis de santa teresa. Bernini

10. El dominio anatómico del
desnudo y la contención expresiva
son cualidades propias del estilo de
Montañés, como puede apreciarse
en esta imagen realizada
personalmente por el artista para el
retablo de Santiponce, en cuya
ejecución colaboró todo su taller.
Pieza capital de la imaginería
barroca, fue esculpida exenta,
aunque dispuesta dentro de una
hornacina, ya que los monjes
exigieron el bulto redondo para
poder sacarla en procesión. El pintor
Francisco Pacheco llevó a cabo la
policromía.
San Jerónimo Autor: Juan Martínez Montañés
Fecha: 1609
Museo: Monasterio de San Isidro del Campo de
Santiponce
Características: 160 cm. altura
Material: Madera policromada

11. realizada en madera policromada, en
edad ya madura demacrada por el sufrimiento,
vestida con una ajada prenda de piel y con una larga
cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie,
con las manos huesudas unidas en actitud de
oración, la expresión de su rostro revela la fatiga y el
dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y
una dentadura que se aprecia mellada a través de su
boca entreabierta, tiene los pómulos muy
pronunciados por la extrema delgadez que también
se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan
los músculos anatómicos perfectos.
En La magdalena penitente de Donatello vemos
como esta obra nos muestra una mujer en este caso María
Magdalena, como la representación del sufrimiento, del dolor,
de la tristeza y con esto el autor nos quiere mostrar que no
todas las obras pueden ser de felicidad que hay diferentes
temas que expresan sus obras, además utiliza como figura a
María Magdalena , porque es la esposa de Jesús y con la cual se
puede llamar más atención ya que es una figura muy
representativa para el mundo ,también es una representación
artística muy bien hecha ya que con la sola vista esta nos
expresa el sufrimiento que se vive en el mundo de hoy en día y
demás sentimientos de tristeza.
Magdalena penitente

13. Este cuadro pertenece a la etapa en la que Caravaggio trabajó en Malta. El tema
que aborda este cuadro ya había sido tratado por Caravaggio en varias ocasiones, pero ahora
incluye un escudo de Malta en el lado inferior izquierdo. El pintor representa a San Jerónimo
como un hombre profundamente concentrado en sus escritos, que se ha deshecho de sus
vestiduras de cardenal y prefiere elementos típicos del ermitaño. Todos estos atributos
permiten descifrar que Caravaggio identifica al santo con su amigo y protector Alof de
Wignacourt.
San Jerónimo escribiendo
(San Gerolamo)

14. Judith decapitando a Holofernes
Judit y Holofernes es un
cuadro de inspiración bíblica, de
Caravaggio, pintado en 1599. La
pintura muestra a un general
muerto (Holofernes) decapitado
por Judit, la mujer que lo sedujo en
menos de una noche. Provocaba
reacciones de horror y sorpresa
entre los visitantes de su primera
sede, pues Caravaggio logró dotar
a la obra de gran realismo y
crudeza. Judit se muestra de pie,
majestuosa e impertérrita,
mientras que su criada, quien le
proporciona la espada, está
nerviosa y al acecho de lo que
pueda pasar. Los efectos de la obra
serían recreados más tarde por las
versiones de Artemisia Gentileschi
(Judit decapitando a Holofernes,
1620) y Francisco de Goya (Judit y
Holofernes, de 1820).
Autor: Caravaggio, 1599
Técnica: Pintura al óleo
Estilo: Barroco
Tamaño: 144 cm × 195 cm
Localización: Galería Nacional de Arte Antiguo,
Roma, Italia

15. Rapto de Europa
Es una obra del
pintor holandés Rembrandt.
Está realizado en óleo sobre
panel, y fue pintado en el año
1632. Mide 62,2 cm de alto y
77 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo J.
Paul Getty de Los Ángeles
(Estados Unidos).
El cuadro se inspira en una
historia de la mitología griega.
En Las metamorfosis, Ovidio
cuenta que Europa era una
princesa fenicia a la que Zeus
la raptó en forma de toro
blanco y se la llevó desde las
orillas de lo que hoy es el
Líbano hasta la isla de Creta.
Allí engendró en ella a
Sarpedón, Minos y
Radamantis.
Autor: Rembrandt, 1632
Técnica: Óleo sobre panel
Estilo: Barroco
Tamaño: 62,2 cm × 77 cm
Localización: Museo J. Paul Getty, Los
Ángeles, Flag of the United States.svg Estados
Unidos