Revista de teatro, actualidad en el panorama escénico, danza, teatro

4. 14 marzo
abril
Carlos Gil Zamora
Andamos tan sobrexcitados
que parecemos niños con
platea nueva
N
o hace falta nada más que
moverse a una feria o a una
concentración de ilusiones y
esperanzas para darse cuenta
de que existe una sobrexcitación sobre
lo que es, o puede ser, el programa del
INAEM denominado Platea. Los que han
sido premiados, encantados; los que han
visto como su propuesta se ha quedado a
medio camino, desalentados; las compañías señaladas por la varita, conjugando
su docena de actuaciones a confirmar;
los teatros elegidos, recomponiendo sus
programaciones para beneficiarse del
maná.
Porque la verdad es que una acción de
estas características anunciada de manera sorpresiva, a la que se le otorgaron
un millón cuatrocientos mil euros, posteriormente elevados a un millón ochocientos mil, que ahora mismo
trabaje sobre una partida no presupuestada de seis millones, suena
a maná. A capricho de los dioses. A un gesto, una actitud de condescendencia. Los más optimistas hablan de una inyección de dinero en
la profesión. Los más pesimistas ven en todo esto un pan para hoy,
hambre para mañana y pasado mañana. Un parche, una manera de
lavarse la cara ante tanta agresión.
No vamos a adelantar acontecimientos, vamos a ver cómo se
desarrolla, ya sabemos las conclusiones positivas y entusiastas que
desde el INAEM y FAETEDA sacarán, pero después tendremos que
ver la verdad, lo que ha sucedido, no la propaganda, y el precedente que crea. No quiero pensar en el año próximo cuando el
gestor vaya al político a pedirle dinero para programar su teatro y
el político le diga, como el año pasado, lo que nos ponga Plantea. Y
eso pasará. Y nadie puede asegurar hoy que el año próximo habrá
acción similar, aunque se esté ya en pleno celo electoral. Ese es el
peligro que algunos vemos, pero como me espetó Jesús Cimarro:
“como siempre te equivocas”. Será eso.
La vida teatral sigue, nuestra vida
editorial se mantiene con las constantes
vitales sin asistencia mecánica y viendo
número a número cómo evoluciona la enfermedad crónica. Las iniciativas de información sistematizada sobre las Artes
Escénicas se mantienen con mucho esfuerzo personal de quienes las realizan.
Parece que tienen más probabilidades de
subsistir los proyectos que se sustentan
en una idea, incluso una idealización, de
las Artes Escénicas, de un servicio público a la comunidad teatral y por extensión
a los públicos, que las que se basan simplemente en una relación mercantil. Pero
no hay nada escrito sobre estos asuntos.
Los blogs, las experiencias unipersonaCádiz en el corazón ©Oliver Bable
les crecen, pero no tenemos muy claro si
influyen, si tienen un uso más allá de un círculo cerrado de amigos
e iniciados. Aquí estamos y no nos da la gana quejarnos. Hemos
cambiado algunos objetivos y algunas maneras operativas, pero seguimos con el mismo espíritu.
Uno encuentra compañías nuevas, gente más joven que llega
con ilusiones al mercado. Hay una renovación nominal, porque artísticamente, no acabamos de dar pasos significativos. Se trabaja
en unos niveles de estandarización que no auguran una auténtica
interrelación con la sociedad, o al menos con los jóvenes. Hay un
estancamiento en la edad de los públicos que normalmente asisten
a las programaciones y parece evidente que eso tiene que ver con
lo que se programa en los escenarios. Es una situación delicada,
pero hay que abrirse a lo que viene o debería venir, hay que intentar
incorporar nuevos públicos, interesar a unas capas de la sociedad
que no tienen la costumbre de ir al teatro. De no producirse esta
renovación, se va a sufrir mucho. Se puede producir una especie de
extinción.
Número: 196 - año 18 · Marzo / Abril 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Foto del espectáculo Waiting for Godot de Samuel Beckett ©Joan Marcus

5. marzo
abril
Editorial
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
Opinión
4 - 5
6
7
44
45
46 - 47
48
49
50
51
52
53
Editorial
Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
Desde la Caverna – David Ladra
Luz Negra – Josu Montero
Vivir para contarlo – Virginia Imaz
Postales argentinas – Jorge Dubatti
El método griego – María Chatziemmanoui
Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
El lado oscuro – Jaume Colomer
Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
Las lejanías – Carlos Be
Estrenos
10 - 11 Cádiz en mi corazón de Abel González por Albanta
12 - 13 Cuarteto del alba de Carlos Gil por Laurentzi Producciones
14
Pankreas de Patxo Telleria por Tartean Teatroa
16
Egun berri bat de Galder Pérez por Eidabe
17
Demonios de Marianella Moreno por Las Julietas
18
Miscelánea de estrenos
Festivales
20 - 22
24 - 25
26 - 27
28
30
32
34
XXXVII Jornadas de Teatro de Eibar
XXXI Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
XIV Festival de las Artes de Costa Rica
XIII Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo
XXIV Festival de Narración Oral Cuenta con Agüimes
XVIII Fera de las Artes Escénicas de Castilla-La
Mancha
Miscelánea de festivales
Suplemento
41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)
indice
Y superando la coyuntura actual, intentando que pase pronto el
virus de la internacionalización como cebo al que acudimos los pececitos embobados, se deben aprovechar las circunstancias para
revisar todo nuestro sistema general. No sé si llamarle una ley,
un reglamento, un documento, un acto constituyente de un nuevo
marco de relaciones entre instituciones, enseñanza, productores,
artistas y públicos, pero es necesario tener un documento donde
quede expresado de manera consensuada, tras análisis auténticos,
profundos y con la mirada un poco más allá de la docena de bolitos
de hoy, sino de la persistencia de unas estructuras que garanticen
la producción y la exhibición de las Artes Escénicas, pero que se
haga con criterios de servicio público, que se involucre al ciudadano
desde su nacimiento, que tenga continuidad y no sea un asunto
esporádico, con saltos, oportunista y fijado todo en un mercado
que se forma a partir de intereses económicos y de caprichos personales, la mayoría de las veces inocuos.
Sí, pienso en una regulación que determine de quién es la competencia de las salas, de sus contenidos, de las compañías, de sus
programas. Que se sepa las ayudas hacia dónde se deben dirigir.
Apoyar sin aspavientos el teatro de base, las escuelas regladas
y las que proporcionan los primeros contactos serios de muchos
ciudadanos con AA.EE. Introducir en el curriculum escolar el teatro
y la danza como algo fundamental. Hacer un estatuto de compañías
residentes; de usos de salas y teatros, y de obligatoriedad de existencia de las mismas según la población de cada municipio. Todo
lo que ahora no se hace. Todo lo que se cree que se arregla con
dinero. Y no, estamos mal porque no había nada en que apoyarse
ante las tormentas. Los teatros municipales no tiene reglamentación, es una competencia impropia, nada obliga a tener un teatro
y mucho menso a programarlo.
Hay reglamentación en Europa como para hacerse una docena
de tesis. Hay que abrir debates sectoriales de verdad, fuera de la
inmediatez, fuera del liderazgo económico, cortoplacista y megalómano. Con los sindicatos, con las agrupaciones por gremios, como
aquel plan que se hizo no hace tanto, pero un poco más en serio,
con una voluntad de toda al comunidad teatral por acudir a los representantes políticos a exigir un compromiso para llevarlo a buen
término. Pasan los años, las décadas y seguimos con un edifico que
se construyó con cierta premura en la primera legislatura socialista
de principios de los ochenta del siglo pasado. Revisarla es obligatorio. No hay más soluciones. No existe otra posibilidad.
Y mientras tanto que no pare la producción, que se reclame la
cesión de los espacios públicos no utilizados para proyectos “culturales” no solamente mercantiles. Que las escuelas regladas espabilen, se enteren sus claustros de por dónde van las tendencias en
los escenarios de Europa y América. Que las unidades de producción dejen de ser un club de amigos. Que se apoyen la salas pequeñas, que a los festivales no se les recorte más y que se busquen
circuitos realmente operativos, aprovechando mejor los recursos
económicos existentes. Se debe solucionar lo de hoy mientras se
van plateando los retos de pasado mañana. El Teatro es un bien
cultural de toda la sociedad. Decíamos ayer...
14
Catálogo dFERIA 2014
En gira
35 - 40 Programaciones varias
Zona abierta
42
Antonio José Da Silva (O Judeu)
54 - 55 Escaparate
56 - 65 Crónicas de: Nueva York, FETEN, MADferia, Festival
Santiago a Mil y Festival de Artes Cielos del Infinito

6. 14 marzo
abril
María-José Ragué-Arias
Rondas escénicas
Últimas o penúltimas
generaciones: Miró y Miró
H
ace tiempo que algunos aficionados al teatro, fuera de la
profesión, me preguntan a menudo “¿Cómo escriben los
jóvenes?” La respuesta es difícil. Primero porque “joven” es
un término impreciso y sobre todo porque, afortunadamente existe la
diversidad. Hagamos un poco de historia que no suele venir mal. La
generación realista de Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre, vivió y
escribió durante el franquismo, luego, entre los jóvenes de entonces,
hubo aquello que en España, Alberto Miralles llamó “la generación
más premiada y menos representada”. Y llegó la democracia, y se
acuñó una primera generación que desde hoy podríamos decir que en
España lidera Mayorga y en Catalunya, se forjó a partir de Sergi Belbel
y Lluïsa Cunillé, en los años 90 del pasado siglo. Pero podemos hablar
ya de las dos últimas generaciones, de grupos de autores que van
apareciendo. Hoy, escribir teatro no es más fácil que antes, pero estrenarlo sí lo es. Y ahí Belbel tuvo un papel importante que todos hemos
señalado y elogiado repetidamente. Desde el TNC creó el proyecto T-6
que cada año ofrecía la posibilidad a cuatro o cinco autores de escribir
y estrenar una obra en el TNC y con la colaboración y participación
del equipo del teatro. También la Beckett, que dirigía Toni Casares,
implicado también en el T-6, fue criadero de autores, sobre todo en la
temporada 2007-2008.
Pero los más jóvenes, los que nacieron en los años 70 del pasado
siglo, no sólo tuvieron el T-6 como posibilidad. Hace poco parecía producirse una especie de relevo con la aparición de la Sala Flyhard que
hasta ahora ha sido un vivero de autores. ¿Cómo surgió la Flyhard y
qué rumbo tomará ahora que Jordi Casanovas ha abandonado el proyecto que él fundó? No debemos hacer hipótesis aunque lo deseable
para mí fuera que siguiera siendo aliento de autores poco conocidos
hasta ahora.
Aunque ni Pau Miró ni Josep María Miró –dos autores estrella de
la última hornada– han estrenado nunca en la minisala del off-offBarcelona. Pau Miró se inició en la desaparecida Sala Malic con “Plou
a Barcelona”, obra que vimos en el Festival de Sitges y que nos mostraba a una prostituta interesada en Dante que buscaba clientes en
los museos, a un proxeneta que come hamburguesas y bombones y
un cliente que cada noche desea que muera su mujer. Era algo así
como la unión de la alta cultura con los signos de la ciudad oculta.
Tuvo gran éxito su trilogía animal “Búfals”(2008), “Lleons” y “Girafes”
(2009) que aborda desde distintos vínculos familiares, los desequilibrios, la agresividad y la soledad que genera el crecimiento en las
grandes ciudades. Su último gran estreno, en el Lliure, en 2012, fue
“Els jugadors” una obra que acaba de recibir en Italia el importante
Premio UBU a la mejor novedad extranjera, la historia de un retablo
de perdedores, de cuatro seres sumidos en la cobardía, una realidad
filtrada a través de un humor brillante que muestra el fracaso como
regla habitual, la imposibilidad del éxito personal, el riesgo de querer
alcanzarlo. Y Pau Miró es un excelente autor, un gran dramaturgo, que
pasará a esa historia extraña que es la historia de nuestro teatro.
Pero mi meditación obedecía sobre todo a Josep Maria Miró que
acaba de estrenar en el TNC. Conocí a Josep Maria Miró en Ciutadella,
6
w w w. a r t e z b l a i . c o m
cuando ganaba su primer premio Born con “La dona que perdia tots
els avions” La protagonista es una mujer que hace informes para empresas turísticas, que lleva dos maletas, una con su equipaje, otra con
objetos personales de una casa abandonada. Años más tarde, “Gang
Bang” sería parte del proyecto T6 del TNC. Su acción transcurre en un
local de sexo masculino en Barcelona, desbordado de clientes por la
coincidencia con la visita del Papa en la Sagrada Familia. En el local,
que se llama “La llum” confluyen desde el cliente más antiguo del
local, un político de izquierdas, a un joven que cumple 18 años y que
ofrece su cuerpo a todo el mundo para que lo posea una catequista
drogada, un ex franquista octogenario y un padre en busca de su hijo.
Se estrenó en el TNC dos días antes de la visita del Papa a Barcelona,
pero pese a la osadía y el temor al escándalo, las cosas no salieron
de su cauce.
El teatro de Josep Maria Miró es más complejo que lo que revela en
una primera lectura. Hay una tendencia pinteriana, que se manifiesta
abiertamente en obras como “Una història explicada del revés o no”
(1996) que parte de la estructura narrativa de “Traició” de Pinter.
Son dos mujeres que hacen un viaje sin retorno y que se traicionan a
sí mismas y a sus creencias, todo con el paralelismo de un transfondo
histórico que engloba la entrada de España en la OTAN, la caída del
muro de Berlín, el fracaso internacional en el conflicto yugoslavo, la
Bacelona olímpica o el ascenso político de la derecha española. Como
indica su título es un Pinter “al revés”.
En la obra que ahora se representa en el TNC, Fum, dos parejas
–una joven y otra no tanto– coinciden en el hotel de un país extranjero en el que ha habido un estallido de violencia. Durante tres días
se verán obligados a estar recluidos allí ya que se han extremado las
medidas de seguridad en la zona. Alex y Eva acaban de llegar al país,
ilusionados. Jaime y Laura hace años que viven allí confortablemente
y ahora se les ha recomendado que se alojen en un lugar seguro
y que cojan el primer avión hacia su país cuando vuelva a abrirse
el aeropuerto. Es un encuentro que pone de manifiesto la fragilidad
del equilibrio de cuatro existencias abocadas a una espiral de mentiras y traiciones. Al final, el conflicto del exterior parece una simple
anécdota que pesa sobre cuatro identidades obligadas a redefinirse
durante tres días y dos noches, sin que ninguno de ellos sepa hacia
donde va la revolución externa ni tampoco la que se produce en su
interior. Son once instantáneas, momentos inacabados. Tendremos
que decidir sobre la realidad o la irrealidad. Todo podría ser un sueño
aunque allí enfrente, delante de sus ojos, un hombre se haya abierto
la cabeza...
La obra es un viaje emocional que nos induce a pensar en una
personalidad de Josep Maria Miró que no permite asimilarlo a otros
autores de su momento. Sus obras parecen viajes emocionales de intensidad poética pero también ideológica, que aproximan su escritura
al mundo en que vivimos. Xavier Albertí le ha abierto las puertas del
TNC. El futuro nos dirá pero parece que los dos Miró son luces que
aunque con muy distinto fulgor, iluminan el firmamento de nuestras
nuevas dramaturgias.

7. marzo
abril
Desde la caverna
14
David Ladra
Montar a Valle en nuestro tiempo
M
e voy a aprovechar de estar aquí, tan calentito, en la
caverna para atreverme a hacer una trastada que, como
crítico, jamás me podría permitir en un espacio de Opinión
“comme-il-faut” como lo es el de artezblai.com donde suelo escribir
mis reseñas. Allí, como en cualquier espacio de crítica seria, el primer
mandamiento viene a decir: “el crítico tiene que criticar lo que ve sobre
el escenario y nada más”. No cabe inventarse otra interpretación del
texto de la obra diferente de la que proporciona el autor ni una puesta
en escena distinta a la que el director montó sobre las tablas ni otra
forma de representar los actores: ¡eso es lo que hay! Y eso, te guste o
no, es sobre lo que tienes que opinar y dar tu parecer final. Otra cosa
sería engañar al lector contándole una función imaginaria. Sin embargo,
aquí abajo, en la cueva en que vivo refugiado dado lo irrespirable del
ambiente exterior, las cosas van por otro camino totalmente expurgado
de códigos y reglas; y así como en la superficie los únicos que funcionan por libre son el mercado y la corrupción, aquí se promueve la búsqueda, lo alternativo y la discrepancia. Por ello, a la hora de fantasear
sobre este Montenegro que el director del CDN, Ernesto Caballero, ha
versionado y dirigido a partir de las “comedias bárbaras” de ValleInclán, no nos vamos a detener más de lo necesario en lo que fue dicho
del montaje para poder entrar más a fondo en lo que podría haber sido
de no estar limitado por los códigos y las convenciones que aún abruman a nuestro “gran” teatro.
Segundo montaje de la trilogía completa tras la aclamada puesta en
escena de José Carlos Plaza en el María Guerrero en mayo de 1991, en
versión de Vicente Molina Foix y con José Luis Pellicena, Berta Riaza,
José Pedro Carrión, Amparo Pascual y Toni Cantó como principales intérpretes, estas Comedias Bárbaras se presentan de nuevo al público, con
honores de estreno y pálpito de acontecimiento, en un teatro nacional.
No hay nada que objetar: una nueva generación de espectadores ha
tenido la oportunidad de contemplarlas y quedar fascinada por el genio
de don Ramón. Colgado el cartel de “no hay entradas” y en medio de
una gran expectación, la función ha terminado convirtiéndose, como en
la anterior ocasión, en un gran éxito mediático: misión cumplida. En el
terreno artístico, por contra, hay sus más y sus menos: aún reconociendo el mérito de su director al enfrentarse a tan arduo montaje, la crítica
oficial ha sembrado de piedras su camino: que si el decorado, que si el
vestuario, que si la música, que si comenzar por el final de la trilogía no
se entiende muy bien, que si la segunda parte es repetitiva… Todo ello
expresado con mucha educación y finura –no vaya a molestarse el CDN,
del que tanto depende – pero también con mucha mala baba. Puede que
los actores de esta versión no sean tan famosos como lo eran los de la
primera en su tiempo, pero Ramón Barea y Janfri Topera dicen bien sus
papeles, Yolanda Ulloa es una excelente doña María y Mona Martínez encarna con competencia a La Roja. Y luego hay mucha juventud y ganas de
hacer (Rebeca Matellán, David Boceta, Ester Bellver, Pepa Zaragoza…).
Así que me encontré con lo que me esperaba: una “gran producción” del
teatro institucional fundamentada en lo animoso del elenco, el empeño
del director, la imprescindible aportación de los profesionales de las artes escénicas y un elevado presupuesto. Ni nada menos ni nada más.
Pero, ¿es suficiente para montar a Valle hoy en día el seguir puntualmente el texto, que los actores lo digan alto y claro y que entre la tramoya a su debido tiempo hasta llegar sin tropezón alguno hasta el final?
¿O desarrollar la puesta en escena respetando la estructura original y
las acotaciones al pie de la letra de manera que la representación se
convierta en una ristra de dioramas que se suceden uno detrás de otro
sin solución de continuidad? En definitiva, ¿cómo superar la herencia de
un autor tan justamente venerado?; y si su obra nos parece insuperable, ¿cómo dar un paso más allá sin caer en la herejía o el ridículo?; por
no plantear una cuestión no nimia, ¿por qué habría que hacerlo y para
qué: retocaríamos acaso Las Meninas para ponerlas al gusto de hoy? A
esta última pregunta, que es la más fácil de responder, cabe argumentar
que no estamos hablando de una pieza de arte inalterable sino de un
espectáculo teatral y como tal, sujeto a su confrontación permanente
con una audiencia que no sólo evoluciona con el paso del tiempo sino
que, además, forma parte intrínseca de la función. Así, el público de
la primera década del pasado siglo rechazó las pocas representaciones que se dieron de algunas piezas sueltas de las Comedias Bárbaras
(incluso, para darle salida, alguna se publicó como novela) mientras
que el actual se prosterna ante ellas. Los originales son, sin duda, los
mismos, pero mucha historia de nuestro teatro ha tenido que transcurrir
durante estos cien años para que se produjera un cambio tan radical
en la reacción del respetable. No es la obra de Valle-Inclán la que varía
sino la percepción que público y artistas tienen de ella. Si permaneciera
inmutable, sería pura arqueología.
Más complicado es responder a las preguntas sobre lo que hay que
hacer para montar las Comedias Bárbaras en nuestro tiempo. Pero si
nos fijamos bien en su proceso de composición, tal vez sea el mismo don Ramón quien pueda proporcionar algunas pistas. Romántico
y modernista como fue, el teatro que se hace en su época, esto es el
drama realista o burgués, le repugna, de modo que tiene que crear un
modelo propio de “comedia” que le permita trasladar a las tablas tales
cuales las historias que le bullen en la mente. Para ello cuenta con dos
herramientas: el diálogo, con el que lleva a cabo diabluras en el terreno
etnográfico y dialectal; y las acotaciones, que son las encargadas de
crear una atmósfera, hasta entonces ausente en nuestra dramaturgia
nacional, que termina por impregnar toda la trilogía y darle ese sello arcaico y patriarcal (“bárbaro”) que la caracteriza. Pero la pregunta sigue
ahí: ¿qué hacer hoy con las Comedias Bárbaras? No hay ninguna receta
magistral sino acercarse a ellas, estudiarlas a fondo, penetrarlas, abrirlas en canal y destriparlas, y una vez así “deconstruídas”, volverlas a
montar y “recrearlas” desde cero sobre la escena. Basta sacar la cabeza al exterior para ver cómo se hacen las cosas en Europa y presenciar
montajes como el del Fausto que presentó Nicolas Stemann el año pasado en Aviñón: una función de siete horas y media de duración que no
solo resumía las dos partes (la segunda prácticamente desconocida)
sino que sacaba a la luz lo mejor y lo más actual del texto de Goethe. Y
es que obras tan importantes no requieren tan solo un buen director de
escena sino un gran creador que tome el riesgo de demoler lo antiguo
para que surja lo presente.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
7

10. 14 marzo
abril
Albanta estrena Cádiz en mi corazón
Jugar entre los pliegues de una
vida y los recovecos del alma
El autor cubano Abel González Melo presenta con los gaditanos de
Albanta una metáfora poética llena de matices y posibilidades escénicas
L
a compañía Albanta Teatro está a punto de escribir
un nuevo renglón en su ya
dilatada trayectoria con el
estreno de un nuevo montaje que
verá la luz el 28 y 29 de marzo en
la Sala Central Lechera de Cádiz. Se
trata de Cádiz en mi corazón, una
propuesta escrita por Abel González
Melo –dramaturgo cubano residente
en Madrid-, dirigida por Pepe Bablé
y protagonizada por Charo Sabio,
Susana Rosado, Carmen Reiné y Jay
García. En ella parten de un punto
concreto como es su Cádiz para enviarnos, tal y como reza el subtítulo
de la obra, una serie de postales de
un viaje imposible.
Se trata nada más y nada menos
que “jugar para divertirnos entre
los pliegues de una vida y en los
recovecos del alma y del recuerdo” –son
palabras del director del montaje– de
Dolores, una mujer que ha cumplido los
cuarenta años y se encuentra aún viviendo con su madre junto a la confitería que
ha sido por décadas el negocio familiar.
Soñadora y poco práctica –al menos así
la ve su amiga Conchi–, pero atrapada en
una vida monótona, Dolores se asfixia en
la isla de su corazón. Hasta que cierto día
despierta con el presentimiento de que debe escapar y emprende, al decir
de González Melo, “un viaje
imposible hacia lugares que
nunca conoció y empieza a
hacerse preguntas, más que
a encontrar respuestas”.
Turbaciones familiares,
descosidos del corazón por
amores imposibles, insatisfacciones profesionales y
traumas autoinfligidos, por
amistad sin reclamos, por las
bajezas del amor reprimido, y
del filial confiado y bienintencionado... son trazas de esa
realidad que van asomando
entre las líneas de estas pos©Rafael Sabio
tales que, sin embargo, en
clave de sonrisa y en un espacio cálido y acogedor, nos enfrentan tal y
como apunta el director, “con los fantasmas
de la ensoñación compartida, a la desdicha
del desánimo y a la última oportunidad que
a todo el mundo le pertenece”.
Hablamos con Pepe Bablé, director de Cádiz en mi corazón:
¿Cómo ha sido el proceso de
creación de la obra? ¿Existía
el texto antes de la intención
de montarlo, o ha sido escrito
expresamente para este montaje? En cualquiera de los dos
casos, ¿cuáles han sido las
motivaciones?
Con la vuelta de Albanta en
2004, después de once años
de ausencia del panorama
teatral, nos propusimos estre10
w w w. a r t e z b l a i . c o m
nar textos inéditos de autores
contemporáneos con la idea
de desarrollar espectáculos
de nueva creación, y apostando por la palabra como eje
de nuestro discurso escénico. Desde entonces andamos
constantemente detrás de
autores con los que compartamos una visión común sobre
determinados aspectos dramáticos, éticos y estéticos para
que nos den materiales. Para
esta obra, partimos de la confianza y amistad que nos une
con Abel, del que conocíamos
su trayectoria, y con la ayuda
de Eberto García Abreu, amigo
común, planteamos la posibilidad de que nos escribiera una
obra casi por encargo. Después de nuestros dos últimos
espectáculos donde redundó
el drama, nos apetecía abor-
dar un texto que, sin obviar
aspectos dramáticos, tuviera
frescura y desenfado, y que a
la vez contuviera profundidad
en planteamientos de problemas actuales. Con estas premisas le dimos rienda suelta a
Abel para que su imaginación y
talento desarrollara lo que quisiera. Y nos cayó este bendito
regalo que, tomando a Cádiz
como punto geográfico y como

11. marzo
abril
metáfora poética, nos ofrece un texto universal lleno de
matices y posibilidades escénicas. Hubo un primer borrador
donde se apuntaban las intenciones, y después de un breve pero profundo proceso de
trabajo con los actores, Abel
terminó de escribir el texto que
ahora estrenamos.
¿Cómo describiríais la obra?
¿Es la peripecia vital de quien
decide agarrar su vida por los
cuernos? También parece que
hay una reflexión sobre el pasado, de cara a encaminar un
nuevo futuro.
Sí, es todo eso y además tener la oportunidad de poder
asistir desde un lugar privilegiado al momento íntimo de
reflexión personal de un ser
complejo; un paseo por la vida
de una persona que se plantea en un determinado instante, qué ha sido y cómo habría
podido ser su vida si hubiese
obrado de manera distinta.
La obra describe ese minuto
por el que hemos pasado todos en algún momento. Por
supuesto que este personaje
tiene una casuística personal
y determinada, pero lo interesante es lo que plantea en su
forma y estilo. Es fácil observar como sus planteamientos
están contaminados por los
condicionantes de su educación y de sus anhelos más
profundos insatisfechos, pero
también cómo sus equivocaciones son también producto
de esto mismo.
En ese sentido, ¿planteáis una
opción vitalista, optimista?
Bueno, eso lo dejamos a la
lectura que cada espectador
haga de nuestra propuesta. El texto está ahí; así que
cada uno puede interpretarlo
de la manera que desee. Es
un espejo que puede reflejar
lo que realmente somos o lo
que nos hubiera gustado ser.
Venís de un montaje que sucedía en un no-lugar para
afrontar un nuevo reto con una
ubicación determinada y determinante. ¿Qué sensaciones os
provoca este hecho?
Cierto que nuestros montajes
siempre parten de ese nolugar, o de ese lugar de donde
es todo o en donde en realidad
tiene cabida todo lo que queremos proyectar (en definitiva
no es otra cosa sino pretender que las obras fluyan en
cualquier lugar y en cualquier
circunstancia más allá de que
existan condicionantes técnicos –espacio ideal– o no para
hacerlas). Por eso en nuestras
propuestas primamos la palabra y la intención sobre todo
lo demás; esa es la base de
nuestro trabajo. También este
texto nos ha provocado a trabajar desde ese no lugar. Las
características de su lenguaje,
14
el tiempo verbal empleado en
sus diálogos y el lugar real
donde transcurre la obra (en
la imaginación del personaje)
nos traslada de nuevo a ese
no-espacio. Así que las sensaciones son las que nos ofrece
la oportunidad de poder jugar
en el mismo lugar del que nunca nos hemos movido.
Todo ello condiciona el espacio, la iluminación,... ¿Qué
atmósferas y texturas estáis
trabajando?
Lo que queremos conseguir es
que la atmósfera sea el contrapunto a lo que provoca y
propone el texto. Son matices
a partir de las texturas propias
de la poética que nos sugiere.
Como se trata de una peripecia
onírica por la geografía humana y sentimental de una persona, todo lo que le acompañe:
espacio, sonido y luz, tiene que
estar a la altura poética de los
momentos que describe.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
11

12. 14 marzo
abril
Laurentzi Producciones estrena Cuarteto del alba
Un canto a la vida y la libertad
Una nueva productora vasca, Laurentzi Producciones, se aventura con
la obra de un dramaturgo novel de larga trayectoria teatral
T
ras una primera muestra en
el Festival Iberoamericano
de Teatro Contemporáneo
de Almagro dFeria acogerá
el 12 de marzo en el Teatro Principal de Donostia el ansiado estreno
de la obra teatral escrita por Carlos Gil Zamora Cuarteto del alba
a cargo de la compañía Laurentzi
Producciones.
Lander Iglesias está al frente de
la dirección de esta obra teatral que
cuenta con un elenco de artistas de
amplio recorrido profesional elegido con una máxima fundamental:
la presencia de dos generaciones
en escena, Maiken Beitia, Alberto
Iglesias, Ricardo Moya y Valery Tellechea son los cuatro entes escénicos del Cuarteto del alba. Personas
con las que el director ha trabajado
a lo largo de su andadura profesional y que desea que le acompañen
en este viaje lleno de ilusión. Todos
ellos han formado parte de múltiples proyectos de teatro, televisión
y cine, con amplia experiencia en
todos los medios, se sumergen de
nuevo en el teatro en un trabajo
que Iglesias cree que les servirá en cierto
modo para reconciliarse con este oficio.
No solamente ellos hacen posible el Cuarteto del alba si no que además completan el
equipo artístico Mariluz Díaz como ayudante
de producción y diseñadora de vestuario, la
artista Sara Panigua a cargo de la coreografía y el espacio audiovisual, Iñigo Ibaibarriaga resolviendo el espacio sonoro y por
último destacar también el diseño de iluminación y audiovisual que han sido ideados
por Iñaki García y Bruno Ventola.
Esta producción se ha vislumbrado gracias al nacimiento de una nueva compañía
vasca con sede en Bilbao que lleva el nombre de Laurentzi Producciones. En estos
tiempos de crisis la compañía formada por
12
w w w. a r t e z b l a i . c o m
cuestiona al espectador y le empuja a la búsqueda de repuestas y la
posibilidad de superación. El autor
apuesta por una dramaturgia difícil con multitud de posibilidades y
relata diferentes situaciones, sensaciones, realidades, vivencias de
una generación pasada protagonista de los años 70-80 que habla
desde el futuro y recuerda el presente. Abarca el dolor causado por
la pérdida del amor, del desarraigo,
las drogas, la insatisfacción pero
nunca desde un punto de vista pesimista. En ocasiones aparecen intervenciones de denuncia descritas
de manera inteligible donde se persigue la superación y la búsqueda
de la libertad. Es un texto poético
que propone un viaje cargado de
imágenes imborrables en la memoria de un país.
Este es el primer trabajo de Carlos Gil Zamora como dramaturgo,
conocido por sus múltiples facetas
a lo largo de su carrera profesional
©Borja Relaño
en el mundo del teatro. Volcado en
las artes escénicas desde sus comienzos en un principio como actor,
Mariluz Díaz y Lander Iglesias llega con la
director y productor de teatro hoy en día
voluntad de hacer un teatro contemporáneo
desempeña una labor como crítico teatral,
comprometido, “un teatro necesario para
director y editor de esta revista y múltiples
vivir” en palabras de su promotor. Lander
libros de la editorial Artezblai, además de
Iglesias, hombre de teatro por naturaleza
ser fundador de la Librería Yorick de las
es bailarín, actor y director, lleva más de
artes escénicas. Su dilatada carrera le ha
treinta años en este oficio, destacando en
ofrecido la posibilidad de trabajar en musu faceta de dirección con montajes incurchos medios y de formar parte de muchos
sos en una marcada tendencia moderna de
proyectos. Carlos Gil reaparece como autor
autores vivos, al igual que su dedicación a
en esta obra teatral para reflejar parte de
los montajes de ópera y zarzuela.
las situaciones vividas por una generación a
la que él pertenece.
Utopía atemporal
Lander Iglesias director de este trabajo
describe este texto de Gil Zamora como
El Cuarteto del alba es un trabajo que
“un canto a la vida” un texto escrito para
habla de desencanto, de la frustración poser dicho, y afirma que “estamos ante un
teatro de la memoria donde se esconde lo
lítica, de la utopía de manera atemporal,

13. marzo
abril
innombrable desgraciadamente todavía hoy
no superado”. Asegura que se embarca en
esta aventura en este nuevo proyecto teatral porque al conocer el texto reconoce un
mundo que ha vivido, el desarrollo de una
generación a la que ha pertenecido transportable y necesario para ser vista en el
teatro.
Puesta en escena
Con una escenografía sencilla el espectador visionará un teatro por el que irán
pasando multitud de personajes que describirán en cada pasaje una emoción. Diferentes objetos nos trasladaran a visionar
diferentes situaciones, así un columpio, una
cuerda, una mesa, una lámpara, una pistola, entre el atrezzo nos irán dando pistas
de hasta donde quieren trasladarnos en
cada minuto. Una tensión, un viaje de emociones para sentirse protagonista de cada
historia.
Este montaje ha sido ideado como un
juego actoral, un ejercicio de estilo y abstracción teatral donde los cuatro actores
son vehículos para incitar a la reflexión, se
involucran como actores y en ocasiones se
distancian del papel que protagonizan, una
puesta en escena diseñada para ir más allá
de lo formal. Actores y entes al mismo tiempo que describen y relatan, una voz coral
nos muestra la radiografía de un tiempo
traicionado.
14
Como resultado multitud de personajes
cargados de energía definidos por su simbolismo que ofrecen una poética de imágenes muy potentes sobre el escenario. La
acción pasa por la asunción real del rol por
parte de un actor a la vista del público.
El montaje juega con un lenguaje escénico moderno, multidisciplinar, es un trabajo
muy físico y el proceso creativo y de investigación se ha llevado a cabo en diferentes
etapas y lugares. Antes del resultado final
el equipo ha mostrado una primera exhibición a modo de pre-estreno gracias al taller
ofrecido en Almagro que supuso el embrión
del resultado final. Un pre-estreno que ayuda a medir la energía espacial y actoral que
se va desarrollando de una manera teatral
abrasiva y que convierte cualquier rasgo de
desencanto en una acción optimista por la
celebración de la vida.
Por último, en referencia a las características de este trabajo Iglesias cree que
en escena se vislumbran diferentes guiños
al teatro del absurdo, a un teatro que en
ocasiones nos puede recordar a Kantor, a
un “teatro en mayúsculas” como él lo define
pero sin tratar de ser pretencioso, a un teatro de verdad.El proceso creativo ha sido un
trabajo en equipo donde los actores se han
implicado de manera especial.
El resultado final es una apuesta política,
social y teatral, un canto a la emoción que
llega a Donostia con intención de viajar por
muchos más escenarios.
©Borja Relaño
w w w. a r t e z b l a i . c o m
13

14. 14 marzo
abril
Tartean Teatroa estrena Pankreas
El teatro en verso también
puede ser contemporáneo
C
omo una tragicomedia contemporánea en verso presenta
Tar tean Teatroa su nuevo espectáculo, Pankreas que se estrena en
euskara en el Teatro Arriaga de Bilbao los
días 12 y 13 de marzo. Escrita por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi, Pankreas es
el primer texto teatral contemporáneo escrito enteramente en verso y pone sobre las
tablas a tres conocidos actores de la escena
vasca, el propio Telleria, Mikel Martinez y
Joseba Apaolaza.
Con este nuevo trabajo Tartean Teatroa
propone una insólita renovación del teatro
a partir de una pregunta que le rondaba a
Telleria desde hace tiempo: “¿por qué no
se escribe teatro en verso hoy día?” y a la
que fue dando diversas respuestas hasta
llegar a una conclusión muy clara: no existe ninguna razón para no hacerlo y de ahí
surgió la idea de crear este espectáculo.
Pros y contras
Tal y como explica Telleria, entre los motivos por los que no se escribe en verso
está la creencia de que “suena a antiguo.
Es natural que así sea puesto que todo el
teatro en verso que se pone en escena
pertenece a otro tiempo, es arqueología
teatral”. Apunta también que otra de las
afirmaciones que hacen al teatro en verso
poco atractivo a muchas personas es que
“es difícil de entender” un argumento razonable si se “leen o escuchan textos teatrales de Tirso, Lope de Vega o Calderón”.
Según Telleria ambas razones son fáciles
14
w w w. a r t e z b l a i . c o m
de rebatir ya que el “el verso no está en
absoluto anticuado. Muchas de las canciones que cantamos y amamos están escritas en verso, un recurso literario que, bien
usado aporta belleza al lenguaje” a lo que
añade que “el verso es un valor en alza en
muchos entornos culturales” y pone como
ejemplos el bertsolarismo en la cultura euskaldun o el uso del lenguaje rimado en el
rap, realidades que le llevan a afirmar que
“lo que está apolillado es el repertorio teatral. Por la sencilla razón de que nadie escribe teatro en verso. Es una pescadilla que
se muerde la cola”. En lo que a la dificultad
de comprensión del teatro en verso se refiere Telleria también desmonta esta teoría
defendiendo que “no es tanto el verso lo
que dificulta la comprensión del texto sino el
propio idioma utilizado en esos versos, de
otra época, con palabras, giros y referencias totalmente en desuso. El acto teatral
precisa complicidad con el público, y ésta
es difícil de conseguir cuando el contexto
nos resulta desconocido” lo que le lleva a
volver a afirmar que es “otra pescadilla que
se muerde la cola”.
Pero existe una tercera razón esgrimida
contra el teatro en verso que se basa en
que éste “se aleja de la realidad...” Y es
aquí donde el autor de Pankreas titubea...
“es una verdad irrefutable, nadie va por la
calle hablando en verso pero... ¿debe el
teatro parecerse a la realidad? Indudablemente, debe hablarnos de la realidad, beber de ella, incidir en ella pero ¿parecerse?
Todo arte es reinterpretación de la vida y
por lo tanto, es artificio”.
A partir de esta premisa Telleria explica
que con el proceso de verosimilitud que ha
llevado a cabo el hecho teatral durante los
dos últimos siglos con Chéjov y Stanislavski como punto de inflexión se ha dado ese
acercamiento a la realidad pero también ha
sido asumido por el lenguaje audiovisual...
lo que lleva al teatro a una “difícil papeleta
por la dificultad de competir en realismo y
verosimilitud con muchos menos medios”
afirma el dramaturgo y actor para destacar
que “lejos de ser un defecto, el distanciamiento formal de la realidad es una virtud
que fortalece el hecho teatral” y se reafirma defendiendo que “el teatro debe buscar
sus propios medios expresivos” y lanza la
pregunta siguiente: “¿Por qué no escribir
en verso, también, teatro contemporáneo,
comprensible y estéticamente elaborado?”
una pregunta que ya tiene respuesta por
parte de Tartean Teatroa y no es otra que
Pankreas, una obra que pone sobre el escenario a tres amigos –Telleria, Martinez y
Apaolaza–. Uno de ellos precisa un trasplante de páncreas con urgencia; el otro
ha decidido suicidarse al cumplir los 60
para evitar una enfermedad hereditaria,
el Alzheimer y el tercero tiene una idea un
tanto original, reunir a ambos para buscar
una solución práctica: adelantar el suicidio
del que ya ha cumplido 59 años para que
done su páncreas sano. A partir de aquí los
acontecimientos se precipitan y “todo lo
que puede suceder, por extraño que parezaca, acaba tarde o temprano sucediendo,
es un axioma de la física moderna” afirman
desde Tartean Teatroa.

15. estreno de los máCbez dirigido Por AndrÉs limA
E
l tándem formado por Andrés Lima
y Juan Cabestany vuelve a los escenarios con Los Mácbez, una
adaptación de uno de los textos
más significativos de William Shakespeare,
‘Macbeth’. No es casualidad que esta coproducción de Siamesas, Carallada Show,
Mama Floriana y Asuntos Culturales se estrene el 21 de marzo en el Pazo da Cultura
de Narón para subir al escenario del Teatro
Colon de A Coruña los días 28 y 29 y a del
Teatro Principal de Ourense el 30 –viajará
después, al Teatro Circo de Murcia el 11
de abril y desembarcará en Madrid, en el
Teatro María Guerrero del 30 de abril al 15
de junio–. Y es que la versión que firma Cabestany traslada la historia a la Galicia de
hoy aunque “conceptualmente no he pretendido hacer ninguna relectura ni llevarlo
a ningún sitio particular que no estuviera ya
escrito hace siglos” a lo que el dramaturgo
añade que “no doy nada por supuesto ni
me aproximo a este monumento universal
queriendo aportarle nada más que hacerlo
muy inteligible y tan poderoso como siempre ha sido”. Y es que para esta puesta en
escena tanto el director, Andrés Lima, como
el propio Cabestany se han propuesto un
doble objetivo “que Los Mácbez suene a
gente hablando ahora, en prosa pero a la
vez respetando al máximo la literalidad de
cada frase original”.
De pareJas
Traición, tragedia, ambición, muerte...
realidades que emana el original de Shakespeare y que absorbe Los Mácbez obra que
tiene como esencia el poder de la pareja,
la pareja como elemento fundamental sobre la que se estructura nuestra sociedad,
la familia. Unas parejas que ambicionan el
poder, en este caso ser rey, presidente, una
ambición sustentada porque lo han dicho
unas brujas, unas meigas... la unión del poder y lo sobrenatural. “Es muy interesante
que la Escocia medieval de Shakespeare encaje tan bien en la Galicia de la actualidad”
señala Lima para añadir que han acercado
a Macbeth a la actualidad gallega “para ver
con claridad cómo el deseo de poder y la
superstición siguen siendo motores en el
ser humano, cómo la codicia, la violencia y
la falta de escrúpulos es escocesa, galleta y
universal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez
en sus manos siguen corrompiéndose para
tener la seguridad de conservar ese poder,
y de cómo una vez corrupstos del todo sólo
que la locura y el miedo”.
El señor Mácbez –Javier Gutiérrez– ha
conseguido un puesto mejor como conselleiro (tal y como adivinaron las meigas) pero la señora Mácbez –Carmen
Machi– convence a su marido de que no
es suficiente, él merece llegar más alto. El
también lo desea, sienten que ha llegado
su momento, él debe ser presidente de la
Xunta de Galicia, pero tenerlo todo nunca
será suficiente... Chema Adeva, Rulo Pardo,
Rebeca Montero, Jesús Barranco y Laura
Galán completan el elenco.
©Luis Castilla
Poder y superstición como
motores del ser humano

16. 14 marzo
abril
Eidabe estrena Egun berri bat
Cuando alguien falta entre
nosotros para siempre
L
a compañía vasca Eidabe estrena
Egun berri bat espectáculo de sala
en euskara dirigido a niños y niñas
de 5 años en adelante donde tratan el díficil tema de la muerte. Desde que
la compañía se creara en 2006 este es
su tercer trabajo para sala tras ‘Ipuinez
ipuin’ e ‘Izar eta Zenaida’, propuesta esta
última que ya marcó un antes y después
en la trayectoria de Eidabe, tanto desde el
punto de vista de contenido como de los
lenguajes. El estreno se llevará a cabo el
próximo 16 de marzo en la Casa de Cultura Elexalde de Zaratamo, y en abril se
podrá ver el día 6 en Sopelana y el 13
en Oñati.
Para la dramaturgia y la dirección de
‘Egun berri bat’ han contado una vez más
con Galder Pérez, quien realmente planteó
el reto de afrontar este tema a los responsables de Eidabe. En palabras de Pérez el
proceso de creación ha sido bastante largo
y todavía continúa documentándose. Señala que la premisa ha sido tratar el tema
de la muerte como lo que es, sin tabúes ni
eufemismos, aunque sí aportando el toque
mágico, intentando que la poesía y la imaginación tengan su espacio, teniendo muy
presente al público al que se dirigen. Por
tanto, el sentido del relato o cuento está
muy presente en la obra. El equipo artístico se completa con Koldo Olabarri, Olatz
Ganboa e Iñaki Maruri, actores con los que
Eidabe trabaja por primera vez y que interpretarán a los dos hermanos y el tío de
16
w w w. a r t e z b l a i . c o m
ambos. Un modelo de familia muy distinto
a lo que estamos acostumbrados dejando
latente esa vertiente de cuento aunque al
mismo tiempo reivindica otros modelos de
relaciones humanas.
Además de la temática otra de las características a destacar de la propuesta es la importancia de la tecnología dentro de la obra.
Para ello, tras la experiencia positiva vivida
en ‘Izar eta Zenaida’, han vuelto a trabajar
estrechamente con Social Sound. En ‘Egun
berri bat’ los aportes tecnológicos son más
completos e innovadores. Por un lado hacen
uso del mapping o proyecciones para adaptar el rayo de luz a cualquier forma tridimensional, y con ésto, el contenido visual. Por
otro lado, hacen uso de la programación generativa, una técnica que cada vez se aplica
más en el mundo de las Artes. A través de
ellas los contenidos audiovisuales recobran
vida y nunca se repiten. En ‘Egun berri bat’
partirán de esta técnica para crear elementos propios de la naturaleza como el sol, la
luna, las nubes, las olas etcétera. Asimismo,
todo lo que han desarrollado para esta propuesta lo van a incorporar en un programa
y la ejecución será en tiempo real creando
entre el actor y el técnico una “particular”
relación en cada una de las funciones.
Como es habitual en la compañía vasca
la propuesta está concebida para representarse en euskara.

17. marzo
abril
14
Violencia, vida y amor
L
a compañía uruguaya Las Julietas
estrena el 4 de abril en el Teatro El
Galpón de Montevideo Demonios un
espectáculo adaptado y dirigido por
Marianella Morena a partir del texto de Lars
Norén.
“La terapia nos habilitó a hablar, el
siglo XX marcó la desinhibición de las
personas. El XXl: exponer en todas sus
facetas, formas y soportes. Hablemos civilizadamente, pero también como quiero,
cuando quiero, eso nos dijeron: sacá para
afuera, que adentro se pudre, lo que pasa
que al sacarlo pudrimos al otro, el ambiente, el vínculo, por lo tanto el daño nunca
desaparece. Ellos aman y no. No es que
amen o no amen, odien o no odien, dicen,
sacan, se muestran, no se preocupan por
nada” afirma Morena al explicar las motivaciones que le han llevado a la puesta
en escena de este montaje. Y es que “uno
piensa en la violencia y ve invasión al otro.
La manipulación y la destrucción son actos
violentos. El amor estalla los sentidos y elimina los límites. Dos parejas de vecinos
intentan relacionarse, no son diferentes,
dos se exponen más de la cuenta, y nos
muestran quienes somos: animales maquillados intentando ser felices. El amor abre,
despierta, potencia lo que tenemos y lo
pone en relación con uno y con la vida. No
hay que apagar nada, hay que convivir con
el fuego. La iglesia nos ha manipulado, y
la vida burguesa ha dado el remate final”
para añadir que “no hay convenciones eróticas después de Freud”.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
17

18. 14 marzo
abril
m
i
s
c e
©Przemysław Błaszczak
Flores en las Cunetas
El 6 y 7 de Marzo se muestra
en el Instituto Grotowski de
Wrocław, Polonia el trabajo
Flores en las Cunetas escrito, creado e interpretado
por la actriz vasco-riojana
Maite Tarazona y co-dirigido junto a Przemysław
Błaszczak, actor integrante
del Teatr Zar, y asistido por
Cécile da Costa en el trabajo físico y Dittte Berkeley en
el trabajo vocal. Este trabajo ha sido posible gracias al
apoyo del Instituto Grotowski y a las becas de formación
actoral de la Diputación Foral de Bizkaia durante 20112014. ‘Flores en las Cunetas’ nace de la historia de una
amapola y de la mirada de un viejo a la puerta de un
cementerio; de la historia de un hombre asesinado en
una cuneta durante la Guerra Civil. Es la historia de una
memoria perdida, de las pequeñas historias de las personas que nunca se habla; es una historia de mujeres,
siempre luchadoras, y siempre, doblemente olvidadas.
La historia de una mujer, de todas las mujeres, de todos
los hombres, y de una voz que tejiendo, recupera sus
memorias. La obra creada en inglés y español incluye
un texto en polaco y dos canciones en euskara.
©marcosGpunto
Dionisio Ridruejo
18
Ignacio Amestoy es el autor de Dionisio Ridruejo.
Una pasión española que
se podrá ver en el Teatro
Valle-Inclán del 14 de marzo al 13 de abril en una
coproducción del Centro
Dramático Nacional y Pérez
de la Fuente Producciones.
Ridruejo fue combatiente
de la División Azul, encabezó el partido Unión Social
Demócrata Española dentro del franquismo, fue también un desencantado con el régimen dictatorial y un
reconocido poeta. Pero la acción de esta obra que dirige
Juan Carlos Pérez de la Fuente tiene lugar tal y como
apunta Amestoy “los días 28 y 29 de junio de 1975 en
una residencia militar en la que un coronel del ejército
español, que compartió ideales con Ridruejo se entera
de que su adomirado conmilitón de entonces acaba de
morir. Él hubiera querido, como Ridruejo, abandonar
la singladura franquista. No ha sido capaz. Y Ridruejo
ha muerte antes que Franco, sin llegar a la “tierra prometida” de la democracia”. A lo que el autor añade que
esta pieza “discurre por dos vías: la del ritual y la del
teatro documento”. La tragedia del coronel y las palabras de Ridruejo como documento de su equivocación.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
l
á
n
e
a
Bolaño en el Tantarantana
Este año se cumplen diez
años de la muerte del escritor Roberto Bolaño y treinta
de la publicación de Consejos de un discípulo de
Morrison a un fanático
de Joyce y del debut literario de Bolaño junto a A.G.
Porta motivos más que importantes para llevar a escena la adaptación teatral dirigida por Félix Pons que
se podrá ver del 13 al 30 de marzo en el Tantarantana
Teatre de Barelona. Esta producción de Arsenic Art
Studio está interpretada por Nao Albet y Claudia Benito y como en la novela, ofrece un gran fresco de la
Barcelona de principios de los 80, de la juventud de
aquella época, que emerge de la larga noche del franquismo, fuertemente politizada, rabiosa y violenta. Los
autores mezclan cultura pop-rock (Jim Morrison) y alta
cultura (James Joyce) y narran la historia de los delincuentes ficticios, Ángel y Ana, que corre en paralelo a
la historia de los delincuentes y crímenes reales de la
época. Su lectura hoy adquiere nuevas resonancias y
vuelve a cuestionar conceptos como: juventud, futuro,
país, bienestar, violencia, crimen...
Alicia Soto - Hojarasca
La Compañía Alicia Soto
- Hojarasca estrena Cartografía del cuerpo en un
espacio
arquitectónico
una propuesta en la que la
arquitectura se convierte en
inspiración para la semiótica del cuerpo. El primer ciclo de estas cartografías del
cuerpo serán experiencias
con el público de Valladolid y se divide en dos ciclos
diferenciados. El primero denominado ‘Arquitectura escénica: Estudio 1, Nocturno’ tendrá lugar los días 14 y
15 de marzo en el Teatro Calderón y la segunda, ‘Arquitectura de un paisaje urbano: Estudio 2, Silencio’ se
desarrollará en el marco del TAC - Festival de Artes de
Calle de Valladolid el día 24 de mayo, en la Capilla del
Museo Nacional de Escultura. La particularidad de esta
nueva propuesta de Alicia Soto - Hojarasca es que cada
cartografía “supondrá la creación de una puesta en escena diferente; cada cartografía será única e irrepetible
construyéndose en cada espacio, in situ, lo que supondrá realizar un trabajo previo a las presentaciones en
un trabajo de residencia artística, investigando, creando, dando forma, como en un cuadro, a cada elemento”
tal y como apunta la coreógrafa y bailarina.

20. 14 marzo
abril
XXXVII Jornadas de teatro de eIBar
Los colores de un arco iris
teatral que dura cuarenta días
U
n arco iris teatral que surca el cielo dando color a algunos de los
edificios emblemáticos de la villa
anuncia que este año las Jornadas de Eibar se visten con la colección
de primavera, derivada de su aparición
tardía en el calendario ya que están atadas, como siempre, al periodo lectivo
que comprende entre la celebración
del carnaval y las vacaciones de Semana Santa. Y es que no hay que olvidar el origen y la razón de su fuerte
arraigo: el grupo de teatro del Complejo Educativo de la Universidad y
la asociación Uni Kultur Elkartea,
que son las organizadoras, ahora
junto al Ayuntamiento de la villa,
de estas jornadas con solera. Así
pues, este año se llevará a cabo del
7 de marzo al 13 de abril una programación de espectáculos que los responsables
presentan humildemente como “la mejor de
las posibles” pero que –si continúas leyendo– encontrarás que en efecto las piezas
encajan y la combinación resulta muy atractiva. De hecho, en palabras de los organizadores, “no tendría sentido organizar un
evento cultural como el que nos ocupa si
no pensásemos que es interesante y necesario para todos aquellos a los que va
dirigido, de la misma forma en que sin su
interés, ni tendría sentido ni sería posible
mantenerlo”.
Sirva para ir abriendo boca este pequeño sumario por los diversos hitos de esta
edición: Conferencia-coloquio con Albert
Boadella, nombres sobre el escenario
como los de Asier Etxeandia, La Zaranda,
María Galiana, Juan Echanove, Magüi Mira,
Ana Wagener, Mireia Gabilondo, Iñaki Rikarte, Juan Tamariz, Joaquín Reyes, Sexpeare,
José Vicente Moirón, Ara Malikian, el triunvirato Dejabu-Artedrama-LPTDP... amén de
las secciones instauradas de Teatro en el
cine y la proyección de cortos, la muestra
de estatuas y, sin olvidarnos de uno de los
20
w w w. a r t e z b l a i . c o m
El intérprete
ejes centrales de las Jornadas como son las
representaciones de formaciones universitarias y amateurs.
La tradicional conferencia-coloquio en la
que organizadores y público de las Jornadas rinden homenaje a una personalidad
del teatro al tiempo que se acercan a su
obra y visión del arte escénico –y por la
que han pasado nombres como Fernando
Arrabal, Juan Echanove o Lola Herrera–
contará este año con la presencia de uno
de los hombres de teatro más destacados
del último medio siglo, Albert Boadella,
quien compartirá con los asistentes sus reflexiones enmarcadas en un Decálogo para
un teatro libre. Será el día 10 de marzo,
lunes como es habitual, aunque dado el
interés que puede generar su presencia,
el acto tendrá lugar en el Coliseo Antzokia
para aprovechar su mayor aforo.
Así arrancan –oficialmente, ya que los
días 7 y 8 están previstas la celebración
de la duodécima Muestra de Estatuas Humanas y la propuesta musical para todos
los públicos Kapsulak de Markeliñe– estas
Jornadas de Teatro de Eibar y lo hacen
con un espectáculo que está generando
una expectación inusitada en las
plazas en las que se anuncia: El intérprete. Esta propuesta muy personal de Asier
Etxeandia, abrazada por sus compañeros
Tao Gutiérrez, José Luis Huertas y Ana
Sánchez de la Morena, agrupados bajo el
nombre de Factoría Madre Constriktor, se
podrá disfrutar el día 12. El intérprete es
un show, un espectáculo musicoteatral en
el que recordando su infancia y su pasión
por cantar –haciéndolo solo mirando cara a
la pared– propone un viaje musical a través
de las canciones de intérpretes dramáticos
y solitarios que forman ya parte de nuestras vidas, tales como Kurt Weill, Chavela
Vargas, David Bowie...
Música y teatro integran los pilares de la
obra que presenta el 24 de marzo Tanttaka
bajo el título de Zazpi aldiz elur, en recuerdo a uno de los máximos y más queridos
representantes de la cultura vasca, Mikel
Laboa. Su persona y su obra ya había sido
visitada por algunos de los que integran el
elenco de este montaje, como es el caso
de Mireia Gabilondo e Iñaki Salvador, pero
ahora lo hacen de forma conjunta, como si
fuera hubiese caído una nevada espectacu-

21. marzo
abril
14
lar y les pillase ahí dentro, en torno a una luz cálida e íntima, de
esas que invitan a reír y cantar.
Directamente de su estreno en dFeria llega a Eibar el 19 de
marzo Cuarteto del alba de Laurentzi Producciones, de la que
se da buena cuenta en la sección de estrenos de esta misma
revista, cuyos lectores habituales conocerán también la obra de
La Zaranda El régimen del pienso, que el día 7 de abril convertirá
el escenario del Teatro del Complejo Educativo en las oficinas de
El sótano encantado
la empresa porcina en la que se han metido ahora los miembros
de esta compañía a la que los organizadores de las Jornadas de
Eibar han descrito con elegante acierto “pata negra de nuestras
dehesas teatrales”.
Destaca también la posibilidad de presenciar la última obra
de David Mamet, producida a un mismo tiempo en Broadway y
en Madrid. Su título es La anarquista y en el montaje que nos
presentan Mirández Producciones y el Teatro Español, está
protagonizada por Ana Wagener y Magüi Mira, con dirección de
José Pascual. Prevista su representación para el 23 de marzo,
la obra nos plantea el encuentro entre dos mujeres. Cathy, una
Teatro y Universidad
Signo de identidad de las Jornadas de Teatro
de Eibar, el teatro universitario y amateur tendrá su habitual protagonismo en esta edición
en la que está prevista la participación de dos
agrupaciones. De una parte, los durangueses
Karrika presentan el 16 de marzo InunganeSustraiak airean, una pieza muy poética que
recrea un lugar imaginado a partir de preguntas que han surgido desde las entrañas, y
que hace que sus intérpretes se conviertan
en emigrantes para viajar tanto hacia fuera
como hacia dentro. De otra, el 30 de marzo
se contará con la presencia del Grupo Arrojoscénico de la Universidad Rey Juan Carlos
de Madrid, que presentan la obra Queremos
ser los Seseman, una irónica comedia familiar
sobre las apariencias.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
21

22. 14 marzo
abril
condenada a cadena perpetua por terrorismo que se juega la libertad condicional
en una entrevista con Ann, una funcionaria
de prisiones, responsable de decidir si le
da permiso a la interna para ir a ver a su
padre enfermo. La obra enfrenta a un personaje encerrado, pero libre mentalmente,
con un personaje que vive en libertad, pero
prisionero mental de sus prejuicios.
Otro encuentro a dos, éste entre una
madre con su
hijo, es el que
nos llega de
la mano de
Pentación-La
Llave MaestraFocus. Nacida
del interés de
sus intérpretes
–Juan Echanove
y María Galianapor coincidir sobre un escenario,
Conver saciones
con mamá, que se
representará el 20
de marzo, parte de
un texto escrito por
Santiago Carlos Oves
y que narra el encuentro entre una mujer
que vive feliz aferrada a sus rutinas, con
su hijo, un padre de familia que ve cómo el
castillo de naipes que es su elevado nivel
de vida se desmorona.
sHaKesPeare y Los CLÁsiCos
El lenguaje contemporáneo y la puesta
en escena de obras de nuestros coetáneos
presentadas hasta el momento tendrá su
contrapunto con la amplia presencia de
obras, bien del teatro clásico universal, bien
inspiradas en personajes históricos. Hablamos, por ejemplo, de Giulio Cesare, la obra
con la que la compañía italiana 369 Gradi
clausurará la actual edición de las Jornadas
el 13 de abril. Basada en la tragedia escrita
por Shakespere, pero llevada a escena con
riesgo y originalidad, ‘Giulio Cesare’ pretende llevar un poco de luz a la sombra de una
historia que recoge los momentos cruciales
de una crisis social, política y humana. En la
oscuridad donde la razón se equivoca con
el sueño, la imaginación con la realidad, el
presente con el futuro y el espacio de la
Roma antigua con la Roma de hoy. Una descripción ésta que, traída a Euskal Herria,
bien podría servir para presentar el último
trabajo de Artedrama-Dejabu-LPTDP (10
de abril), tras el cual se encuentra también
la firma del bardo de Stratford-Upon-Avon.
22
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Porque se han atrevido a hacer un Hamlet,
y en euskera. Un Hamlet de hoy, un Hamlet
aquí y ahora.
Un Hamlet propio, aunque en otra línea
muy distinta, es el punto de partida de
Sexpearemente, de la compañía madrileña
Sexpeare. Bregados en el humor absurdo,
amigos del disparate, Santiago Molero y
Rulo Pardo llevan dieciocho años haciendo
teatro juntos, y han querido compartir con
Áyax de Sófocles
presentación en torno a los actos del Día
Internacional de la Mujer, el 17 de marzo
recrearán en escena la tragedia escrita por
Jesús Carazo sobre esta mujer que pasó
casi medio siglo recluida en Tordesillas.
y MUCHo MÁs
Todavía habrá otras oportunidades para
disfrutar con trabajos de otros géneros
que aportan el colorido al que se aludía
anteriormente como el que presenta el
14 de marzo Cirque de Légume, formación irlandesa en la que participa el actor
alavés Pablo Ibarluzea, nos hará reír con
su espectáculo homónimo, una explosión
clownesca donde las verduras son materia prima para la diversión. Destaca
también el regreso a Eibar del músico
Ara Malikian, que ya la pasada edición
de las Jornadas hizo disfrutar al público
familiar con ‘Mis primeras cuatro estaciones’ y ahora, el 9 de abril, hará lo
propio acompañado por la Orquesta
en el tejado, una quincena de músicos,
entre violines, violas, violonchelos y
contrabajos, nos trae un repertorio
compuesto tanto de obras clásicas
como de adaptaciones para orquesta
provenientes del amplio repertorio de la
música popular del siglo XX. Y para todos
los públicos es también el espectáculo El
sótano encantado de Teatro Mutis, compañía segoviana y titiritera, que nos ofrecen
la historia de una niña, Rosaura, a la que le
fascinan los libros de misterio y fantásticos
y que al enterarse de un tesoro escondido
en el sótano se lanza en su búsqueda.
nosotros –el 1 de abril en Eibar– su propia
historia, desde sus comienzos cabareteros
pasando por su etapa en los grandes teatros hasta llegar al cataclismo actual, realizando una crítica a una sociedad cada día
más apartada de su identidad cultural.
Y pese a ser un buen conocedor de la
obra Shakespeareana y de Hamlet en particular, a la que ha dedicado largas horas de
estudio y hasta el libro ‘Hamlet y el actor-En
busca del personaje’ (Ed. Artezblai, 2011),
el irlandés Denis Rafter llega a
Eibar el 3 de abril con la compañía Teatro del Noctámbulo
para la que en su vigésimo
aniversario ha dirigido Áyax
En su afán de abrirse a todos los géneros, esta
de Sófocles. Un Áyax que, sin
edición contará con la presencia de dos arembargo, comparte mucho
tistas de calado entre los diferentes públicos,
con el príncipe de Dinamarque nos traen magia y monólogos. El primeca, ya que se mueve entre
ro es Juan Tamariz (25 de marzo), quien poca
los mundos de la política, la
presentación precisa: uno de los grandes,
traición, la locura, la ira, la
leyenda viva, que sigue disfrutando y dejánvenganza y sobre todo, la
donos boquiabiertos con su Magia Potagia. El
culpabilidad.
segundo, Joaquín Reyes (29 de marzo), tiene
Cierra este prisma de
seguidores incondicionales desde que se dio
textos y personajes históa conocer con serie televisiva La hora Charicos Juana la loca-La reina
nante, inspirada en el mismo humor absurdo
que no quiso reinar, obra
al que se abraza ahora en ¡Que me aspen!, y
que supone el regreso
fiel reflejo de su verborrea incontenible.
de la compañía granadina
Histrión a las Jornadas de
Eibar. Enmarcada la re-
En todo su esplendor

24. 14 marzo
abril
XXI Jornadas de teatro del sIglo de oro de almerÍa
Las Jornadas recuperan el
apartado académico
Don Juan, el burlador ©José Juan Rico Barceló
Un año después de cumplir su treintena las
Jornadas de Teatro del Siglo de Oro continúan sin perder ápice de su esencia con una
programación que se hará extensiva entre el
13 de marzo y el 12 de abril en diferentes espacios de Almería capital además de los municipios de Roquetas de Mar, El Ejido, Huércal-Overa, Vícar, Olula del Río, Vélez Rubio,
Cuevas del Almanzora, Fiñana y La Mojonera.
El programa de este año contempla trece espectáculos teatrales, dos exposiciones, un ciclo de conferencias universitarias, actividades
para niños y niñas, un curso de interpretación
y otro de teatro de calle, un recital poético,
charlas pedagógicas y un ciclo de cine.
L
a inauguración de las 31 Jornadas
de Teatro del Siglo de Oro –reconocidas con el Premio Max de la
Crítica 2013 y el Gran Premio de
Teatro Clásico 2013 de la Federación Española de Teatro Amateur–, tendrá lugar
el 13 de marzo con la apertura al público en el Patio de Luces de la Diputación
Provincial de Almería de la exposición
‘Góngora. La estrella inextinguible’ organizada por Acción Cultural Española con
motivo del 450 aniversario del nacimiento
de poeta cordobés, una muestra en la que
se analiza la influencia del universo gongorino en la literatura universal. Pero ésta
no es la única muestra ya que en el Centro
de Arte Museo de Almería se podrán conocer los trabajos para teatro realizados
por dos artistas universales en la exposición titulada ‘Picasso y Dalí en el teatro’
24
w w w. a r t e z b l a i . c o m
del Museo Nacional del Teatro del 27 de
marzo al 18 de mayo.
sobre eL esCenario
El Circuito Provincial de Diputación dará
comienzo a las representaciones de esta
edición con la presentación de Don Juan,
el burlador –obra inspirada en textos de
Goldoni, Lope de Vega y Molière– de Teatro di Commedia en los municipios de Olula
del Río, Vélez Rubio, Cuevas de Almanzora,
Fiñana y La Mojonera. Dentro del circuito
también está prevista la puesta en escena
en El Ejido de Las rameras de Shakespeare de Arden Producciones una propuesta
dirigida por Chema Cardeña que viaja a la
época post-isabelina en la que las mujeres
no podían actuar para narrar una historia
en la que un lord decide sorprender a sus
amigos interpretando a los personajes femeninos del bardo inglés con la ayuda de
tres prostitutas y La dama boba de Lope de
Vega a cargo de la compañía EspacioImaginado en Vícar, todas ellas entre el 17 y el
29 de marzo.
Gran parte de las representaciones de
las Jornadas tendrán lugar en Almería capital que comenzarán el 3 de abril con La
dama duende de Calderón de la Barca, una
producción de Producciones Faraute con
dirección del recientemente fallecido Miguel Narros, una obra que es ”la historia
de un engaño de consecuencias amorosas
y es también una indagación a propósito
del azar” tal y como afirma Pedro Víllora,
encargado de esta versión. La Compañía
Teatro Clásico de Sevilla hará lo propio con
La Estrella de Sevilla de Lope de Vega con
versión y dirección de Alfonso Zurro de una

25. marzo
abril
pieza contundente que narra unos supuestos sucesos históricos acaecidos
en Sevilla en el siglo XIII.
La Compañía Nacional de Teatro
Clásico estará presente en estas
Jornadas con dos coproducciones,
El coloquio de los perros de Cervantes y Otro gran teatro del mundo de
Calderón de la Barca. La primera es
una coproducción con Els Joglars que
se representará en el Auditorio de
Roquetas de Mar y que dirigida por
Ramón Fontserè pone a los dos célebres perros Cipión y Berganza – bendecidos por el don del habla durante
una noche–, en este siglo para que
puedan narrar la auténtica realidad de
la condición humana. La segunda de
las coproducciones llega de la mano
de Uroc Teatro que pondrá en escena en
Almería el universal clásico de Calderón a
modo de comedia musical dirigida al público familiar dirigida por Olga Margallo. Otro
gran teatro del mundo es una versión muy
particular protagonizada por una niña que
revolucionará los planes de Calderón y descubrirán la causa de la misteriosa enfermedad del Mundo. Las bodas del capitán, una
propuesta con sobretítulos en inglés que la
compañía canaria Reymala lleva a HuércalOvera dará paso a un Shakespeare, Julio
César en una producción de Pentación con
Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta o Tristán
Ulloa como principales actores bajo la dirección de Paco Azorín que completa las
representaciones teatrales de esta edición
en Almería.
Esta edición de las Jornadas destaca
Otro gran teatro del mundo ©CF López
también por el gran número de actividades
dirigidas al público infantil. Espectáculos
como Un cuento español, obra de títeres
basada en El Quijote de ABBA Teatro, Cuando William era Will de Enclavados Teatro y El
castillo de Shakespeare de La Paca Teatro
serán las propuestas para los más pequeños en Almería, El Ejido y Roquetas de Mar
respectivamente. Además podrán aprender
con “Jugando con los Clásicos del Siglo de
Oro’ un taller infantil impartido por Nagumomo Teatro.
Conferencias y debates
La organización de las Jornadas no olvida
que la dimensión didáctica de las mismas
fue el punto de partida de las mismas por lo
que celebrará la cuarta edición de ‘Clásicos
14
¡A escena!’, la muestra de teatro de los
centros de secundaria y que ha dado
como fruto el ciclo ‘Clásicos interculturales’ que comienza este año con la
puesta en escena de la obra Layla y El
Manjnún de el grupo El Masrah en Vícar además de dos charlas didácticas,
la primera sobre ‘La dama duende’ de
Calderón de la Barca impartida por
Francisco Martínez y Basilio Romero
y ‘El actor ante el texto’ a cargo del
intérprete Jesús Herrera.
Pero lo más destacable de esta edición es que tras dos años de ausencia
vuelve el ciclo de conferencias universitarias que se desarrollarán los días
3, 4 y 5 de abril con la presencia de
investigadores de las letras españolas
de los siglos XVI y XVII como Germán
Vega, Felipe Pedraza, María Luisa Lobato,
Javier Huerta o Mercedes de los Reyes
que impartirán conferencias y debates. En
el marco del ciclo tendrá lugar también
el Homenaje anual a alguna personalidad
relacionada con el Teatro que este año ha
recaído en la figura de Miguel Narros y la
Master Class titulada ‘Le maschere della
commedia dell´Arte’ a cargo del actor y director Pablo Torregiani.
Esta no es la única propuesta formativa
ya que las Jornadas ofrecen dos cursos,
un taller interpretativo a cargo del actor y
director Alberto Iglesias titulado ‘Domesticando a los Clásicos’ en el que se trabajarán herramientas y reglas para trabajar los
textos clásicos con uno mismo y con el otro
así como el verso y un taller de teatro de
calle impartido por Paco Cañizares.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
25

26. 14 marzo
abril
XIV Festival de las Artes de Costa Rica
Catorce veces uno en catorce
mundos y espacios creativos
El FIA es la fiesta cultural de Costa Rica y ofrece decenas de
propuestas de artes escénicas y musicales con Rusia de país invitado
26
w w w. a r t e z b l a i . c o m
de la ciudad y joya arquitectónica del país,
albergará no sólo algunos de los principales
espectáculos teatrales,
como Départ, del grupo
finlandés WHS, y FAT, de
los ucranianos Beautiful
Flowers; sino además
danza desde Beijing y
la música del cantautor
gaditano Javier Ruibal.
Una de las novedades de esta edición es
el FIA Tren, que ofrecerá atracciones artísticas tanto en las estaciones del Tren Urbano
como dentro de sus vagones. Completa el
número mágico el festival FIA Cádiz, como
devolución a la participación de Costa Rica
en el Festival Iberoamericano de la capital
gaditana con 10 desmayos, dos pistolas y
una anillo de EME Teatro.
El Festival cuenta tradicionalmente con
un país invitado de honor (España lo fue
en la edición 2010 y Corea en el 2012).
Este año el elegido es Rusia, en palabras
de Anselmo Navarro: “como un reconocimiento al aporte de la cultura rusa a la
humanidad y especialmente a la cultura occidental. La literatura, la música, el teatro,
la arquitectura, la danza y el ballet, el teatro
de muñecos, las artes plásticas etc, Todas
estas manifestaciones del hacer artístico
y cultural han sido influidas por grandes
creadores rusos a través de los tiempos”.
Entre otros espectáculos, estará el prestigioso Coro Piátnitski, referente a nivel mundial de la canción popular rusa, así como la
Orquesta Sinfónica de Heredia dirigida por
un prestigioso director ruso.
Distancia 7 minutos
E
l Festival Internacional de las
Artes de Costa
Rica convertirá
a su capital San José,
del 25 de marzo al 13
de abril, en un festival
de festivales, ya que
se ha dividido la programación en catorce
secciones o zonas temáticas, con el propósito de, además de
aprovechar al máximo
los espacios de la ciudad, dar un espacio de
privilegio a cada una de
las áreas temáticas que
convergen en este gran evento y siguiendo una premisa fundacional que mantiene
Anselmo Navarro su actual director: “es un
festival único en la región, un festival abierto, democrático, inclusivo y muy diverso en
su oferta cultural, con una inversión económica realmente sorprendente”.
En este sentido, la relación costo-beneficio es muy positiva, ya que participan
artistas y espectáculos de muy alto nivel,
provenientes de todas partes del globo, sin
que esto signifique un costo excesivo en el
bolsillo de los espectadores. Incluso, la mayoría de espectáculos suelen ser gratuitos,
cosa que no sucede en muchos festivales
del mundo.
Aunque desde el 25 de marzo arranca la
Ruta de Exhibiciones, un viaje por las artes
visuales e intervenciones urbanas a lo largo
de museos, galerías y otros espacios de la
ciudad, es a partir del 3 de abril cuando
se concentran la mayoría de las actividades, entre ellas el total de las escénicas.
La producción del Festival espera al menos
1.5 millones de visitas en los diez días del
evento principal.
Se han organizado unas rutas que invitan a los públicos a utilizar la bicicleta como
medio de transporte con la idea de ofrecer
un festival CIUDAD, en una ciudad congestionada y de difícil tránsito, creando polos o
zonas de actividad que movilicen al público
por áreas de interés, siendo consecuentes con el proceso de re-arborización en
la Sabana, y con el esfuerzo nacional por
minimizar la huella de carbono, también
potenciando y celebrando en el esfuerzo
por recuperar el servicio de trenes urbanos, para dotar a la ciudad de una solución
cada vez mas efectiva.
La oferta escénica es rica, diversa y para
todos los gustos y públicos, con espectáculos que ya han recorrido, o estarán este
año, en prestigiosos festivales escénicos
internacionales y constará de 42 espectáculos que se presentarán en distintas
salas teatrales de San José. El centenario
Teatro Nacional, ubicado en el corazón

27. marzo
abril
14
Sua Incelnça, Ricardo III ©Pablo Pinheiro
En la amplia oferta teatral nos encontramos que podrá ver los
títeres de los alaveses Panta Rhei con Aztokillo, los italianos del
Teatro Tascabile de Bergamo con su espectáculo de calle Sobre
el lomo de una tortuga, o la excelente compañía brasileña de
Teatro Clowns de Shakespeare con su espectáculo Sua Incelnça,
Ricardo III, los mexicanos de Circo Dragón con Xempa o el grupo
chino LDTX con su espectáculo Beijing Dance.
En la programación internacional destacan también los polacos
de Teatro Osmego y su espectáculo de calle El arca, el grupo
argentino Teatro de Ilusiones Animadas ofrece CasaCORTAZAR,
una microanimación de relatos literarios; la danza aérea de los
irlandeses de Fidget Feet con su Firebirds; las marionetas checas
de Pavel Vangeli y su Swingning Marionettes: los chilenos de La
Bandita Alegre y su espectáculo de clown, El gran show de la
bandita alegre; los mexicanos de Sin Sonrisa Teatro con Voces
de un asesino de cara larga y sin sonrisa; el payaso danés Paolo
Nani y su Jekyll & Hyde o la danza de los franceses Dos á Deiux y
su 2éme Acte, entre otros.
No obstante la representación más amplia es la del teatro
proveniente del Estado español, con actuaciones de la Compañía
Rocamora Teatre con Solista; La Gotera de Lazotea con El viento
pequeño; Producciones Cachivache con dos obras, Sonrisas y El
desván de las ilusiones mágicas; Errabundo Pelle, Cía de Títeres
Errantes y su Paseando a Errabundo Pelele; Zanguango Teatro
con Aquí va a pasar algo; Ganso & Cia con Babia; Titzina Teatro
con su última producción Distancia Siete Minutos; Kulunka Teatro
con su André y Dorine; La Baldufa con El príncipe feliz; La Zaranda con Nadie lo quiere creer y Lidya Cabello con su espectáculo
de flamenco Esencia entre otras actuaciones musicales e intervenciones.
La presencia de grupos y compañías costaricenses es también
elevada, en todos los rubros y categorías, de las que podemos
señalar el espectáculo de Randall Sánchez Gutiérrez titulado Las
marionetas de Praga, Los pasacalles de Cofradía Real, titulado
Un desfile galáctico o Mascarada Hermanos Fuentes, y su Pasacalle y cimarrona; varios trabajos de circo en la Carpa FIA; los
espectáculos de Juan Madrigal, Cuentos de reyes y de Ex-Ánima,
Sonrisas de tiburón dentro del campo del teatro familiar; El Colectivo Escénico Brecha con su obra Pero papá era comunista;
en el campo de la danza La Santa Cochera con su Dono artefarita, Adrián Figueroa y su Hometextual, Espasmo Rosa arte Escénico con Indistendio Corchete; la danza urbana de DanceHeredia
y su Irrepresibles o Laura González con DisGrace o Los Innato
con Etérea.
Un programa que se completa con muchas actividades paralelas.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
27

28. 14 marzo
abril
XIII Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo
Alternativa escénica para
alterar una oscura realidad
En su empeño de apoyo y difusión de la creación escénica contemporánea y en especial la gallega, la entidad no
lucrativa Noescafé-teatro con la estrecha colaboración
de diversas instituciones organiza el Festival Alternativo
das Artes Escénicas de Vigo que tendrá lugar del 13 al
16 de marzo. A lo largo de cuatro jornadas se podrá disfrutar de una programación repleta de estrenos absolutos en las que la propia organización ha contribuido en
O
nce propuestas de
teatro, danza, performance, hip-hop
circo y hasta un
working progress se darán
cita en Vigo siendo Ana Vallés con el estreno absoluto
de la performance Teatro
invisible la encargada de
iniciar la programación el
13 de marzo. Por su parte,
Matarile Teatro, compañía
que también lidera Vallés,
presentará el sábado 15
Staying Alive. Este proyecto
surge tres años después del
irónico ‘Cerrado por aburrimiento’ de la compañía, reconociendo que
tanto el hecho de volver como el propio
espectáculo es una declaración de intenciones “por placer, por necesidad vital, de
no resignarse precisamente a la situación
que solo conduce al miedo, al inmovilismo y
a la mediocridad”.
El día 13 está previsto el estreno absoluto de Silencia por favor de Licenciada Sotelo & Cía. pieza que se enmarca dentro de
la sección ‘ALT procrea en femenino’ que
como hemos avanzado es un programa
de apoyo, en diferente grado, del proceso
creativo, productivo y distributivo de espectáculos de creadoras gallegas o creadoras
que residen en Galicia.
Asimismo, la organización del ALT con
objeto de apoyar y difundir cara al exterior
lo que está pasando en Galicia ha invitado
a programadores internacionales, además
28
w w w. a r t e z b l a i . c o m
diferente grado. Parte de la programación se enmarca
dentro de un apartado denominado ‘ALT. procrea en femenino’ que en realidad es un programa de acompañamiento en el proceso creativo, productivo y distributivo
de espectáculos de creadoras gallegas o afincadas en
Galicia. El programa de actuaciones se completará con
la participación de varias compañías de otros países, así
como de artistas gallegos.
expresa como se siente uno
ante una situación de depresión a todos los niveles.
Félix Fernández acudirá a
Vigo el 15 marzo con el estreno absoluto coproducido
por el Festival ALT de Yo vivo
de mi cuerpo, pieza que al
igual que sus anteriores
trabajos se centran en la
relación del individuo contemporáneo con el entorno
que le ha tocado vivir. Este
mismo día también actuará
la compañía brasileiro-porStaying alive ©Rubén Vilanova
tuguesa Lander Patrick con
Cescas d´óvos.
Para la jornada de clausura, el 16 de
contarán con la colaboración del MOV-s,
marzo, han previsto un total de tres funcioque días antes de que comience el festines. La primera se completa con la puesta
val mantendrá un encuentro en la Illa de
en escena de dos piezas, que además amSan Simón, en la misma ría de Vigo, y harán
bas forma parte de ‘ALT procrea en femeextensiva la invitación a quedarse en el ALT
nino’. Hablamos de Amor de Helen Bertels
para los participantes en el encuentro.
y Das Tebase e rebo adas de Mercé de
El viernes 14 de marzo se dará paso a
Diego Anido & Co. que escenificará Symon
Rande.
Pédícrí, propuesta coproducida el año paLa segunda de las funciones la protasado por el ALT junto con otras estructura
gonizará la artista belga Samine Molennar
con That´s it, un solo en el que la coreóscomo el Festival TNT o el Festival FIOT de
grafa y bailarina se mueve entre las capas
Carballo. Ese mismo día se llevará a cabo
de la realidad. Por último, el espectáculo
el montaje El peso del alma de la compañía
franco-española Co. de Danza, perfecta conde clausura vendrá de la mano de Javier
Martín que presenta Antioedipus proyecto
jugación entre lenguaje corporal, iluminación
performático de improvisación a nivel de
y música que invita al espectador a vivir la
movimiento, en el que la pieza va creciendanza en su máxima expresión creativa. La
do y cambiando al enfrentarse sucesivajornada del 14 finalizará con varios pases
mente con el público hasta el día de su
de Momento blooming de Cristina Montero &
Rut Albís, una pieza de pequeño formato que
estreno y muerte.

30. 14 marzo
abril
XXIV Festival de Narración Oral ‘Cuenta con Agüimes’
La práctica liberadora de la
mejor narración oral
L
a localidad Gran Canaria de Agüimes acogerá del 21 al 30 de marzo el Festival Internacional de Narración Oral que este año cumple
su vigésimo cuarta edición y cuenta con
la participación de narradores venidos
desde Colombia, Burkina Faso, Cuba y
diversos lugares del Estado español así
como un taller de narración oral sobre
‘La verdad y el personaje’ impartido por
Maísa Marbán.
El Teatro Auditorio de Agüimes y el Teatro
Cruce de Culturas además de otros espacios
alternativos serán los escenarios principales
de las actuaciones programadas dentro del
festival. Cada una de las jornadas se podrá
disfrutar de un narrador a excepción del lunes 24 que no habrá función y el domingo
23, viernes 28 y el sábado 29 de marzo
que habrá doble función al tiempo que el
30, día de la clausura, se dará paso a una
actuación colectiva con la participación de
varios de los narradores seleccionados.
El 21 de marzo la narradora cubana Coralia Rodríguez será la encargada de iniciar
30
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Coralia Rodríguez
el festival con Si te contara de Cuba... y el
domingo 23 ofrecerá también una sesión
para niños y niñas con el cuento De boca a
oreja viajaban los cuentos. El día siguiente
será el turno del maestro de la palabra
africano Hassane Kouyaté, natural de Burkina Faso, que presentará a la audiencia
Por qué las parejas son lo que son?. El
domingo 23 además de Coralia Rodríguez
Felix Albo, acompañado en escena del
músico Carlos Orama, relatará Con cierto
sexo un espectáculo lleno de humor, sensibilidad y erotismo. Albo va sumergiendo
al público en la parte más divertida de la
pasión al tiempo que la guitarra clásica de
Oramas seduce para poner al espectador
contra las cuerdas.
Del martes 25 al jueves 27 las sesiones se llevarán a cabo en los Patios
con actuaciones de Kiko Cadaval, Coralia
Rodríguez y Maísa Marbán. Esta última
el viernes 28 representará Palabras de
Arrabal y justo después Cadaval dará
paso a La sombra de las palabras.
Pedro Pérez y Gustavo Déniz protagonizarán la primera función del sábado 29
con Cuéntame un cuento; la segunda vendrá
de la mano de la colombiana Hanna Cuenca
que llevará a cabo la pieza Vocación princesa, espectáculo que habla de las características de las princesas que nos rodean disfrazadas de plebeyas, de las plebeyas que
sueñan con ser princesas, de las Princesas
que inventan formas para ser mujeres. Con
cuentos de hadas con alas, hados con pluma y papel y una narradora dulce y ácida a
la vez, descubriremos como se puede ser
Princesa de Vocación. Esta misma narradora, el día 30, antes de la función colectiva de
clausura del festival, representará Cuentos
escapados.

32. 14 marzo
abril
XVIII Feria de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha
Mayoría de edad de la Feria de
Castilla-La Mancha
D
el 8 al 10 de abril
Albacete acogerá la
dieciocho edición de la
Feria de las Arte Escénicas de Castilla-La Mancha. Al
cierre de esta edición, sin que
el programa definitivo esté totalmente completo, la previsión
contempla la participación de
cerca de veinticinco compañías,
la mayoría de ellas de la propia
comunidad y también venidas de Madrid,
Andalucía, Castilla y León, País Vasco, Murcia y la Comunidad Valenciana.
Propuestas de teatro, danza, circo, la
mayor parte de sala pero también de calle,
para público adulto e infantil se concentrarán a lo largo de las tres jornadas escénicas.
Dirigido a los más pequeños de casa se ha
previsto el montaje musical Aladino de Tragaleguas el día 8, donde los personajes de
las mil y una noches actúan, bailan y cantan,
Estrellados pieza que mezcla danza contemporánea, circo y teatro de la compañía
andaluza Fernando Hurtado el día 9 y Alas
32
w w w. a r t e z b l a i . c o m
El miércoles 9 de abril actuará
Pez Limbo con ¿Espinazo o callos? montaje de humor, acidez,
ternura y poesía, ES.Arte con
Goldberg, Gloria López Producciones con Cena con amigos,
comedia rosa sin final romántico,
Albacity con La maleta de Enrique
Jardiel Poncela obra unipersonal
cargada de ironía y Producciones
Copla negra
La Folía con ¿El Greco decís?
de cartón de La chicacharcos el día 10.
Por lo demás en la jornada de clauEl día 8 actuarán Pérez y Goldstein con
sura actuarán Producciones 099 con el
una adaptación contemporánea del clásico
montaje de teatro y circo Pepa y Repita,
Esemble Dider con Carcajadas años 20
de Lope de Vega bajo el título de Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas
una experiencia que recupera la magia
domésticas, Claqueta blanca presentará
del cine mudo, Producciones Tamashi con
Versus historia que relata como, muchas
Tuyo Chopín, Las Grotesques con Mucho
ruido y pocas nueces, La cantera con El
veces, los seres humanos somos capaces
rayo colgado y peste de loco amor, Maria
de hacer grandes cosas por los demás,
Pablo Albo escenificará Humedades moncon Indignada Perez Cabaret Show y Chirigóticas con Copla negra. Dentro de las
taje de cuentacuentos para público adulto
propuestas de calle se encuentran Typical
y Ron Lalá escenificará En un lugar del Quijote una particular adaptación de la novela
de Nacho Vilar Producciones y De paso de
La industrial teatrera.
de Cervantes.

34. 14 marzo
abril
m
i
s
c
e
FIA de Panamá
El VI Festival Internacional
de Artes Escénicas de Panamá se celebrará del 27 de
marzo al 2 de abril. Veinte
compañías de diez países
conforman su programación. Destacan la argentina
Piernas entrelazadas de
Omar Aita; Rinoceronte
una coproducción entre Suiza y Costa Rica o el unipersonal Simplemente José del
colombiano Giovanny Largo. De Ecuador el grupo Teatro del Cielo con Luna de Miel, L’otra de sal, dirigida
por Martín Peña; Nicaragua ofrecerá el montaje del
Teatro Justo Rufino Garay, Ay amor ya no quieras
tanto. De España, Histrión Teatro con Teatro para
pájaros, escrita y dirigida por Daniel Veronese, y el
malabarista Antolío, con Circuuns...tancias; Francia
presentará Dos a dos; segundo acto, versión en clave de teatro físico de ‘Esperando a Godot’, de Samuel
Beckett, y de Finlandia, Partir de la compañía WHS,
dirigida por Kalle Nio. Además de la programación de
danza hay propuestas actividades paralelas.
34
w w w. a r t e z b l a i . c o m
l
á
n
e
a
FIT de Bogotá
El Festival Iberoamericano
de Bogotá, se celebrará del
3 al 20 de abril y participarán cerca de 2.400 artistas
procedentes de los 5 continentes, que darán 700 funciones. Entre los espectáculos programados cuenta con
una amplísima selección de
producciones colombianas
como Matando el tiempo, la última producción de La
maldita vanidad, una versión de La Oestiada a cargo
del Teatro Libre dirigida por Ricardo Camacho, Los
otros cien años, danza contemporánea de Sanfoka y
una experiencia mutidisciplinar de Mapa Teatro, Los
incontados: un tríptico. Se podrán ver dos versiones
del Ubú, una a cargo de los italianos de Fortebraccio Taetro y una versión surafricana en marionetas a
cargo de Handsprong Puppet Company. Del país invitado Brasil, se podrá ver Amores sordos de la compañía Spanca!, El jardín de la Cia Hiato y un montaje
de Antunes Filho, Toda desnudez será castigada de
Nelson Rodrigues, entre otras.

36. 14 marzo
abril
i
s
c
e
l
n
e
a
La Fundición de Bilbao
Sueño de una noche de verano
t eatro Barakaldo
á
Aquí va a pasar algo ©Marta Vidanes
m
Propuestas de teatro, danza, circo y diferentes géneros
musicales se irán intercalando a lo largo de los meses de
marzo y abril en el Teatro Barakaldo. En marzo la programación será más diversificada tanto en los contenidos
como al público al que se dirige. El Ballet de Carmen
Roche será quien inicie las funciones con la adaptación
de la obra original El sueño de una noche de verano dirigido al público infantil el día 1, el público familiar
también podrá disfrutar de Frágil de Onírica mecánica
el 23 donde reflexionan sobre el avance del progreso con
su particular puesta en escena. Chirigóticas presentarán
el día 15 su Copla negra una comedia cantada y una
tragedia hablada, donde hay humor sin recato, que va directo a las preocupaciones elementales. Las propuestas de
teatro se completan con La dama duende producida por
el Teatro Español el 22 y La estrella de Sevilla de la
compañía Teatro Clásico de Sevilla los días 28 y 29.
Un total de seis propuestas de teatro y danza completan la
programación prevista para los meses de marzo y abril. La
danza tendrá una mayor presencia en marzo comenzando
con la actuación de Samuel Mathie que interpretará dos
piezas, La performante y +La performance # 2 (Ou
le declin). El 22 y 23 de marzo Provisional DanzaCarmen Werner llevará a escena Algún día donde la
danza, la música y los silencios son los principales ingredientes y el 29 y 30 Pablo Esbert llevará a cabo Edit,
una reflexión acerca del mundo del cine y el mundo de la
escena. Entre tanto, Voadora representará los días 14 y
15 la propuesta teatral Waltz, un cuento que habla de
amor y desamor, de enamoramientos y rupturas. En abril
se acercarán a La Fundición varias compañías, los días 5
y 6 Pere Faura mostrará Striptease y Bomberos con
grandes mangueras y del 11 al 13 Zanguango presentará Aquí va a pasar algo.
El Regimen del pienso ©Víctor Iglesias
kultur Leioa
36
El concierto de Marlango que presentan su quinto álbum Un día extraordinario el día 8 dará comienzo a la programación de marzo que contará
también con la función el día 14 de Juana, la reina que no quería reinar
de Histrión Teatro, el imaginado y emocionante testimonio de Juana I de
Castilla, más conocida como Juana la loca. Hija de los Reyes Católicos fue
casada de adolescente en contra de su voluntad y luego encerrada durante
46 años por la única locura de ser mujer antes que reina, y defender el amor
por encima del poder. Cierra el mes, el día 28, la pieza de danza Fácil en la
que dos personajes parecen despertarse ante algo inminente, pero que no se
materializa de manos de la Compañía Cielo Raso y el 30 el montaje para
público infantil de Teatro de la luna Elmer elefantea en el que se habla a
través de unos simpáticos animales de sentirse diferente. En abril la prestigiosa compañía galardonado con el Premio Nacional de Teatro en el 2010, La Zaranda abrirá la programación con su último
montaje El régimen del pienso, un montaje en el que se entrecruzan las vidas del cerdo y el hombre para ofrecer una
creación que se define como “la necropsia de una sociedad”, y el 11 Kalakan regalará a la audiencia un concierto donde
los cantos y la percusión son la base principal. La compañía Gorakada el día 13 representará Aladino un montaje para
público familiar protagonizado por un niño muy egoísta llamado Aladino, que tiene que hacerse adulto y madurar para
poder hacerse digno de las maravillas que la vida puede o no ofrecerle, posibilidades mágicamente encarnadas en el
genio de la lámpara. Finalmente el 25 Doos colectivo cerrará el programa con el estreno de la pieza de danza Después
de todo, propuesta que habla de ese momento justo posterior a la casi destrucción. Mezcla historias pasadas con el
presente mediante flashbacks: muestra imágenes de lo que ha pasado, de los antecedentes de esta situación, hasta el
momento actual. Muestra la resistencia que tenemos frente a lo que nos ocurre, ya sean cosas externas o miedos internos. Habla de lucha pero también de supervivencia. Habla de restos después de una batalla.
w w w. a r t e z b l a i . c o m

37. marzo
abril
14
Teatro Arriaga - Bilbao
La diversidad programática
como característica
L
a diversidad será una vez más
la tónica dominante de la programación del Teatro Arriaga a
lo largo de los meses de marzo
y abril. Los primeros días de mes continúan las funciones de la adaptación
que Ignacio García May ha realizado de
la comedia de enredo de Juan Ruiz de
Alarcón La verdad sospechosa dirigida
por Helena Pimenta para la Compañía
Nacional de Teatro Clásico. Le sigue el
estreno de Pankreas de Tartean Teatroa, obra de la que damos cuenta en la
página 14 de esta edición y la adaptación libre realizada por Miguel del Arco
–también encargado de su dirección–
de la obra de Molière, Misántropo, que
conservando los personajes originales,
con sus sentimientos e ideales, traslada
la historia al siglo XXI. Otro clásico, en
este caso de Shakespeare, Julio César, una
obra masculina y castrense protagonizada
por actores de la talla de Mario Gas, Tristán Ulloa o Sergio Peris-Mencheta bajo la
Misántropo ©Eduardo Moreno
dirección de Paco Azorín; los hombres y la
guerra como tema central de esta corpoducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Teatro Circo Murcia
y Metaproducciones.
Las propuestas de danza en marzo
vendrán de la mano de la asociación de
folklore vasco Ortzadar y de Romeo et
Juliette de Malandain Ballet de Biarritz
con el que la compañía ha obtenido los
elogios de la crítica. Este espectáculo
que en vez de contar con la música de
Sergei Prokofiev se acompaña de la de
Héctor Berlioz menos habitual y que
con el título ‘Sinfonía Dramática con Coros, Solos de Canto y Prólogo Recitativo
Coral, compuesta según la Tragedia de
Shakespeare’ y que fue estrenada por el
propio autor en 1839.
La ópera, tanto para público adulto
como para los niños y niñas, los conciertos y las diversas opciones del ciclo de
‘Cuartitos’ completarán la programación.
José Carreras será la figura de la ópera
El juez (los niños perdidos) de Christian Kolonovits con funciones y los más pequeños
disfrutarán de la adaptación en formato
de ópera de la obra Bremengo Musikariak
–Los músicos de Bremen–.
w w w. a r t e z b l a i . c o m
37