La fotografía en la era de la reproductibilidad técnica

1. La imagen en la era de la reproductibilidad técnica Siglo XIX y principios del XX

3. El proceso cromolitográfico alcanzó su cima durante el siglo XIX. La mejora en los métodos del fotograbado (el grabado de una imagen fotográfica en una plancha metálica recubierta con una capa sensible y "mordida" después con ácido, obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la supervivencia de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década de 1890. Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso, Toulouse-Lautrec, Miró, entre otros. Al aparecer las rotativas se comenzaron a emplear láminas flexibles de zinc o de aluminio, y más recientemente de plástico, en sustitución de las pesadas piedras litográficas. Con la incorporación de la fotomecánica, dichas planchas dejaron de ser dibujadas a mano, puesto que la sensibilización de su superficie permitía exactas reproducciones fotográficas.

4. La implicancia de la fotografía en la pintura Los movimientos artísticos de finales del siglo XIX, y el posterior surgimiento de las vanguardias se relacionan con una cierta superación y rechazo de lo antiguo, lo clásico. Por otro lado, esta modernidad se plantea tanto como una reivindicación del momento actual –dentro de un largo proceso artístico-cultural-, o bien, como “ la posibilidad de una estética de lo nuevo ”, vinculando la producción de arte con el desarrollo de la técnica y el progreso industrial. De este modo, dicha producción artística se verá irremediablemente vinculada a lo perecible y/o desechable que surge con la noción de ‘moda’ (máscara de la muerte, como la llamará Apollinaire). Edouard Manet: “Olympia” (1863) Gustave Courbet: “Mujer con loro” (1866) Coubert: “El reposo” (mediados del siglo XIX)

5. De este modo, la invención de la fotografía y las amplias posibilidades de 'reproducción técnicas o mecánicas', le permitieron al arte del siglo XIX una lenta pero progresiva emancipación de la función mimética, para llevarla finalmente a un camino de autonomía y reflexión tan revolucionarias como lo fue la aparición de las vanguardias a principios del siglo XX, y de un arte plástico más abstracto. Picasso: “Les demoiselles d’Avignon” (1907) “ El arte se dirige exclusivamente a un número restringido de individuos ” Mientras que a partir del Renacimiento hasta hoy poseemos un amplio repertorio de imágenes de desnudos femeninos: Venus, odaliscas, bañistas, bailarinas, etc. Con lo que se establece que la presencia del “cuerpo” ha sido hasta hoy un elemento persistente en la representación artística. Ahora bien, lo que habría que preguntarse es: ¿cuál es la importancia de estos desnudos: son simples metáforas de la belleza, o bien obedecen a una fetichización de la mujer como objeto de deseo? En cualquiera de las opciones a nuestras inquietudes, debiéramos considerar: ¿qué es realmente lo que se representa? ¿A quién se representa? ¿Por qué o para quién se representa? Tiziano: “Venus de Urbino” (1538)

6. Por otro lado, John Berger sostiene: “ Los hombres miran a las mujeres. Las mujeres se contemplan a sí mismas mientras son miradas. Esto determina no sólo la mayoría de las relaciones entre hombres y mujeres sino también la relación de las mujeres consigo mismas. El supervisor que lleva la mujer dentro de sí es masculino: la supervisada es femenina. De este modo se convierte a sí misma en un objeto, y particularmente en un objeto visual, en una visión. […] ¿Qué significa un desnudo? Para responder cabalmente a estas preguntas no basta con referirse a la forma-arte, pues está muy claro que el desnudo está relacionado también con la sexualidad vivida. Estar desnudo es ser uno mismo. Ser un desnudo equivale a ser visto en estado de desnudez por otros, y sin embargo, no ser reconocido por uno mismo. Para que un cuerpo desnudo se convierta en «un desnudo» es preciso que se le vea como un objeto. (Y el verlo como un objeto estimula el usarlo como un objeto). La desnudez se revela a sí misma. El desnudo se exhibe. Estar desnudo es estar sin disfraces. Exhibirse desnudo es convertir en un disfraz la superficie de la propia piel, los cabellos del propio cuerpo. El desnudo está condenado a no alcanzar nunca la desnudez. El desnudo es una forma más de vestido. En general, la pintura al óleo del desnudo europeo nunca presenta al protagonista principal, que es el espectador que hay ante el cuadro, espectador que se supone masculino. Todo va dirigido a él. Todo debe parecer un mero resultado de su presencia allí. Por él asumen las figuras su desnudez. Pero él es, por definición, un extraño que aún conserva sus ropas ”.

7. Movimientos pictóricos de mediados del siglo XIX Antecedente inmediato Goya: La maja desnuda y La maja vestida: 1803 – 1806(?) Goya (1746 – 1826) es el precursor de muchos movimientos pictóricos posteriores como el impresionismo, expresionismo, romanticismo, realismo, etc. El realismo Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave Courbet rechazaba tanto el neoclasicismo como el romanticismo y proclamaba un movimiento individual llamado realismo. Los movimientos No le interesaba la pintura histórica, ni los retratos de los gobernantes, ni los temas exóticos, pues creía que el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos cotidianos de la gente común. Courbet: La Bacchante (1844-47)

8. El impresionismo Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de mediados del siglo XIX cuya obra es adscribible al realismo sentaron un precedente para la siguiente generación de la vanguardia francesa. édouard Manet fue el principal innovador de la década de 1860 y su estilo fue precursor del impresionismo. Al igual que Courbet, Manet encontró muchos de sus temas en la vida que le rodeaba (los parisinos solazándose en restaurantes, en parques, o paseando en barco), aunque también tomó muchos de maestros anteriores —Velázquez y Goya— recreándolos de acuerdo con la vida contemporánea, a su propio estilo, aplanando las figuras y neutralizando las expresiones emocionales. Estas y otras innovaciones, como su pincelada libre e imprecisa y sus amplios parches de color yuxtapuestos sin transición, hacen que se considere a Manet el primer pintor moderno. Manet: Almuerzo sobre la hierba (1863)

9. La pincelada suelta, típica del impresionismo, Se transformó en puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de colores complementarios. Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente definidos. Tanto van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la división del color. Gauguin: Espíritu del muerto mirando Van Gogh: La Siesta Pissarro: Recolectoras de heno descansando El pos impresionismo

10. La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo. El expresionismo El cubismo Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica, que tenía Cézanne de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica. El dadaísmo y el surrealismo Durante la I Guerra Mundial un grupo de intelectuales suizos, unidos por su repugnancia hacia los valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de guerra, eligió el vocablo "dadá", sin significado alguno, para describir sus actividades de protesta y repulsa y el arte con el que desafiaban los criterios estéticos establecidos. En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística. Salvador Dalí : Bañista

11. El retrato en la primera mitad del siglo XIX Carjat: Retrato de Charles Baudelaire (1859) Nadar: Retrato de Gustave Doré El descubrimiento técnico de la fotografía inspiró una nueva forma artística: el retrato fotográfico. Uno de los fotógrafos más distinguidos en este sentido es el dibujante, caricaturista y escritor Tournachon Nadar. Su clientela eran otros artistas e intelectuales de la época: Las fotografías son rostros que miran, que casi hablan. Poseen una superioridad estética que se ancla en la preponderancia de la fisonomía. Nadar descubre el rostro humano a través del aparato fotográfico; el objetivo se sumerge en la misma intimidad de la fisonomía. La fotografía en esta época aún no era una mercancía.

12. El retrato en la segunda mitad del siglo XIX Los efectos de la política económica repercuten en la pequeña burguesía. Las sociedades modernas habían hecho emerger clases medias constituidas por los funcionarios públicos. La que se convierte en la nueva clientela del retrato fotográfico. Tras alcanzar la seguridad económica o material, pretenden afirmarse mediante signos externos. Fue Disderi quien imprimió a la fotografía un cambio decisivo en su orientación. Gracias a el, quien cambió el formato, y con ello su precio, logró popularizar definitivamente a la fotografía. El retrato de Disderi y de sus émulos permiten la fijación y la comunicación en serie de la propia imagen que anhela el burgués respecto del sentimiento de importancia que este tiene de si mismo: democratiza el deseo de reconocimiento social. Así, las fotografías en adelante, pondrán en escena la imagen completa del fotografiado dentro de un estudio teatro, con todos los accesorios necesarios, para resaltar los valores del burgués.

13. Pareja de novios, Estados Unidos, finales del siglo XIX. En esta fotografía podemos observar la vestimenta de dos novios de clase humilde en el siglo XIX. Pero no llama tanto la atención su ropa como su actitud, pues ambos parecen totalmente ausentes, como si la foto se realizara en contra de su voluntad. Hiladora de algodón en fábrica (1910) La fotografía no solo registra a la burguesia, sino también a otras clases sociales: los trabajadores y el proletariado.

14. Lewis W Hines : Niña manejando el telar (California - 1908) Lewis W Hines : Niña entre los telares (California - 1908) S/D El dispositivo fotográfico debía sustituir a la más sofisticada de las “máquinas de dibujar” que desde el Renacimiento habían facilitado la descripción visual del mundo. La fotografía debía suplir las carencias de la mano en la producción de imágenes realistas, imágenes que restituyeran el parecido de lo real y que eran comúnmente empleadas en retener y transmitir información gráfica. Un sistema técnico y generativo aparecía para suplantar los sistemas precedentes, que eran manuales y constructivos. El dibujo construye la imagen, la fotografía la genera. Esta diferencia radical instauró una revolución en el orden de la comunicación humana que institucionalizó la creencia de que ese nuevo modus operandi garantizaba que el resultado era un reflejo de la realidad. Nace ahí la idea de que la imagen fotográfica está revestida esencialmente, imperativamente, fatalmente, de una naturaleza documental.

15. Se constituye una sociedad que produce en serie y para el consumo masivo. Así, el capitalismo de la segunda revolución industrial atraviesa desde finales del siglo XIX una expansión comercial en marco de la división internacional del trabajo. Todo será producido en serie, en cadena de montajes, incluso el arte, que perderá su valor de pieza única. El ocio, el entretenimiento de las clases populares, la publicidad y el auge de la presa gráfica se construirán en función de una comunicación masiva basada en los mismos principios en que se produce cualquier mercancía. Se impone el Capitalismo Fabrica de montaje de autos EEUU. Principios del XX

16. Los Estados Unidos se convierten en la locomotora de la economía mundial. El modelo de vida americano será exportado por todo el mundo. Es el " american way of life " que rápidamente sedujo a los europeos, cimentado en el consumo individual de bienes (automóviles, teléfonos, electrodomésticos), impulsado por la publicidad y sostenido por un crédito fácil y las ventas a plazos. Los espectáculos de masas (cine, deportes, cabarets, teatro), el interés por la alta costura, las nuevas corrientes musicales (jazz, charleston, blues) se conviertieron en objetos de consumo y alimentaron a toda una industria que hasta entonces no había sido significativa (Hollywood, discográficas, moda, etc. La prensa conoció un gran esplendor, proliferaron las revistas especializadas, las deportivas, las dedicadas a la mujer. Fenómeno destacado fue el de la radio , cuyas ondas se difundieron por campos y ciudades y comenzó a utilizarse como excelente instrumento de publicidad. Inmigrantes esperan entrada a New York. Principios del XX Album para fotografía familiar. Principios del XX Publicidad de Chanel y radio. Ambas de principios del XX

17. George Eastman con la primera cámara automática. Placa autocrómica obtenida por Louis Lumière, 1907 Walter Benjamin sostiene que la reproducción mecánica de la imagen, tanto en la fotografía como en el cine, implican la pérdida del aura de toda obra artística. Es decir sus cualidades únicas y que remite a un tiempo y lugar preciso en que el autor produjo su arte único. No obstante observará también que con ella se inagura la era de la expresión política y construcción de sentido a partir de las imágenes que se producen para ser replicadas en función de un consumo masivo. En ese sentido es que debe observarse el papel del periodismo ilustrado y del séptimo arte. La imagen, la fotografía y el cine en las primeras décadas del siglo XX Fotograma de “Intolerancia” de D. W. Griffith. Primera superproducción de la historia del cine norteamericano.

18. Tanto es así, que los nazis hicieron uso de la misma de un modo efectivo y Hitler contaba con un fotógrafo propio que lo retrataba cuando ensayaba sus discursos para luego corregir o enfatizar las posturas que mas convenían al fin propagandístico. Con ello también empezaría todo un uso de lo femenino a través de la publicidad para incitar el consumo de todo lo producido masivamente.

19. La prensa conoció un gran esplendor, proliferaron las revistas especializadas, las deportivas, las dedicadas a la mujer. El nacimiento del fotoperiodismo se producirá en el período de entreguerras en Alemania. Teniendo cómo vehículo las revistas ilustradas que allí florecieron. Entonces para dar salida a una demanda creciente de información visual por parte de una sociedad que "experimentaba" con la democracia después de la época oscura del autoritarismo prusiano. El magazine -nombre genérico con el que se conoce el formato periodístico en el que prevalece la cobertura visual de las noticias- da sus primeros pasos de la mano de las revistas alemanas Berliner Illustrirte y Münchner Illustrierte Presse, que salen a la luz bajo el espíritu liberal que propició el establecimiento político de la República de Weimar, de duración efímera. La Guerra truncó el proceso de maduración de la fotografía en los medios europeos y llevó a sus profesionales a buscar cobijo en la incipiente prensa ilustrada norteamericana. Nacimiento del fotoperiodismo Erich Salomon: Marlene Dietrich hablando por teléfono desde Hollywood con su hija que está en Berlín. (1930) Erich Salomon: Wilhelm Furtwängler en La Haya dirigiendo la orquesta. (1932)

20. Erich Salomon: Estudiantes Alemanes en una conferencia geográfica en Munich. (1928) Erich Salomon: Casamiento religioso de la princesa Juliana de los Países Bajos con el principe bernardo de Lippe-Biesterfeld en La Haya (1937 ) Erich Salomon: Recepción en el Quai d’Orsai, Ministerio de Relaciones Exteriores de París. (1931 ) Erich Salomon: Discurso del delegado húngaro en la conferencia de desarme, Genf. (1932 )

21. El fenómeno que asienta definitivamente el fotoperiodismo como práctica normal de prensa será la aparición, primero, de la revista Time en 1929, y después de su gemela Life en 1936, en EE.UU. -ambas fundadas por Henry Luce-, cuyo alcance se establece en torno a la dimensión sociológica que ejercerán sus portadas sobre la magnitud de las noticias y de los personajes. Durante la inmediata posguerra y en las dos décadas siguientes las portadas del semanario ilustrado Life llegarán a suponer una suerte de consagración para los temas de abanico informativo y de notoriedad para los individuos retratados. La mítica revista alcanzará durante las décadas de los 60 y 70 -en su momento de máximo esplendor. Mas tarde, en la década del 40’ irrumpirá la televisión, modificando las pautas de la comunicación masiva y la difusión de las imágenes.