4. Nace el 4 de junio de 1920 en Barcelona, España. A los seis años se radica con sus
padres en Barranquilla, Colombia. En 1936 interrumpe sus estudios y trabaja en la
empresa textilera de su familia en Barranquilla hasta que en 1938 se enrola como
camionero e intérprete en la petroleras del Catatumbo, Colombia.
Estudio en varias escuelas de arte en USA, España, regresa a Colombia y enseña en la
Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
En 1945 presenta su primera exposición individual en Biblioteca Nacional de Bogotá.
En 1947 recibe en su taller al arquitecto Le Corbusier, quien manifiesta poco
entusiasmo por sus trabajos. Tras esta visita su estilo se toma más
geométrico, ordenado y sintético.
A partir de 1956 comienzan a hacerse recurrentes en su pintura ciertos objetos-
símbolo de la fauna, flora y geografía de la costa tropical en que vive.
En homenaje a los estudiantes asesinados por la dictadura durante las revueltas del 8 y
9 de junio de 1954, pinta el óleo Velorio. Un año más tarde, después de ser testigo de
las manifestaciones populares y la sangrienta represión que precedieron a la caída de
la dictadura de Rojas Pinilla (10 de mayo), aborda de nuevo en sus cuadros los temas
de la violencia política y social, como en Estudiante muerto, con el que obtiene el
segundo premio en el X Salón Anual de Artistas Colombianos.
5. En 1959 inicia la serie Cóndores y Mojarras En 1960, fecha de inicio de las series Volcanes,
Toro-Cóndor y Mangles, Por esos meses gana el Primer Premio del Salón Nacional de
Cúcuta. En 1962 obtiene por vez primera el Premio Nacional de Pintura en el XIV Salón
Anual de Artistas Colombianos con la obra Violencia.
En 1963, fecha de inicio de la serie Barracudas.
En 1984 fue el artista de la paz: pintó palomas en una campaña del país contra la
violencia; sin embargo, el secuestro del ganadero Abraham Domínguez casi hizo fracasar la
campaña, pues Obregón amenazó con no pintar su paloma si no liberaban a su amigo. De
este período quedan dos grandes murales: Dos mares, tres cordilleras (1986), en el Salón
Elíptico del Capitolio Nacional, y Amanecer en los Andes (1983), en la Sede de las Naciones
Unidas, en Nueva York.
Obregón murió el 11 de abril de 1992, víctima de un tumor cerebral que afectó seriamente
su vista y que lo obligó a viajar a finales de febrero de ese año, por última vez, a los Estados
Unidos para someterse a un tratamiento. Falleció en Cartagena pero fue sepultado en
Barranquilla.
45. Ómar Rayo Pintor, grabador y escultor nacido en Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia
en 1928, murió el 7 de junio de 2010.
Inició su carrera en el barrio Siloé dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de
Cali. Desde 1948 expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia. En 1954
comenzó a viajar por América Latina para estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se
radicó en Nueva York por aproximadamente diez años. En 1970 obtuvo el primer puesto
del Salón Nacional de Artistas de Colombia.
En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal
Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Leopoldo Gout. Se exponen dos mil
cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes
artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí
diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una
biblioteca y el taller de artes gráficas, además de un teatro con capacidad para 150
personas.
En horas de la mañana del lunes 7 de junio, el maestro Rayo se sintió muy mal y sus
allegados decidieron llamar una ambulancia y a la policía, para que le brindaran la
atención médica y fuera trasladado a un centro asistencial. Debido a la gravedad de su
estado, fue remitido a la ciudad de Cali. Ómar Rayo batalló con la muerte durante unas 5
horas, pero a la altura del municipio de Palmira otro infarto lo atacó, lo que obligó a que
la ambulancia en la que era trasladado, se desviara al hospital san Vicente de Paul, de la
ciudad de Palmira, lugar al que llegó sin signos vitales.[1]
El fallecimiento del maestro, se produjo el 7 de junio de 2010 En las horas de la mañana,
mientras era trasladado a un centro asistencial en la ciudad de Cali.[2]
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59. Eduardo Ramírez Villamizar. Nació en Pamplona en 1922 y adelantó estudios de
arquitectura, arte y decoración en la Universidad Nacional. Expuso por primera vez
en la Sociedad Colombiana de Ingenieros de Bogotá y luego se dedicó a viajar
durante 10 años. Vivió en París y Nueva York hasta 1954. Desde ese momento
comenzó una exitosa carrera de 50 años en la que ganó tres veces el primer premio
del Salón Nacional de Artistas. Al dejar la carrera de arquitectura, comenzó a pintar
en términos expresionistas,. El paso definitivo al arte abstracto lo dio en París, poco
después de su llegada a esa ciudad en 1950. Entre 1959 y 1964, Ramírez Villamizar
realizó numerosos relieves. Los primeros son blancos. Poco a poco los relieves se
vuelven más complejos, los elementos se multiplican y sus relaciones se hacen más
intrincadas. También aparece el color (el amarillo, el azul, el ocre), aunque el
blanco sigue predominando. Los relieves de 1962 fueron dedicados por el artista a
la orfebrería precolombina, era un estudioso del Museo del Oro, en el que
aprendió mucho del diseño prehispánico. Desde antes de sus primeros relieves, ya
el artista había hecho incursiones en el campo de la escultura exenta. En 1963, en
medio de su producción de relieves, Ramírez Villamizar trabajó la escultura libre
Homenaje al poeta Jorge Gaitán Durán. Esta obra es un doble relieve, a manera de
pared, de la que, a uno y otro lado, surgen elementos proyectados y, en especial,
una serie de ondas localizada en el centro del rectángulo. Entre 1964 y 1966
Ramírez realizó otras esculturas exentas: Al poeta Eduardo Cote, Saludo al
astronauta, Reliquia y otras.
60. Las 16 torres en los cerros orientales de Bogotá, a la altura
del Parque Nacional son símbolos de la importancia de sus
trabajos.. En 1973 hizo otras esculturas públicas en Estados
Unidos: Hexágono, en Nueva York, y De Colombia a John
Kennedy, en Washington. Su obra es extensa y es
considerado como uno de los escultores más importantes
de América
La noche del 23 de agosto, fallece el Maestro en Bogota.
Desde el 22 de septiembre de 2004, las cenizas del Maestro
Ramírez Villamizar reposan en una vasija de barro de la
artista nortesantandereana Beatriz Daza y están
depositadas al pie del magnolio centenario, en el patio
central del museo Ramirez Villamizar en la ciudad de
Pamplona como así lo quiso él. La placa es una obra en
homenaje al Maestro de la artista Edelmira Boller.
83. Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional
como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero. Su personalísimo estilo, que
tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación
de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran
público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las
problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.
Nace en Medellín, Colombia, 1932. Pintor y escultor . Fernando Botero se graduó en
1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente
viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial
a Goya y Velázquez).
Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con
una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto
la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.
A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde
sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico
estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona
Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos
escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica
84. Viajó entonces Botero a Europa, donde residió por espacio de cuatro años,
principalmente en Madrid, Barcelona, París y Florencia. Aunque ingresó en las
academias mencionadas, siguió formándose a base de leer, visitar museos y, sobre
todo, pintar, como él mismo diría. Luego viajó a México, Nueva York y Washington en
un período de febril creación y escasos recursos económicos, acompañado de su
esposa Gloria Zea. De nuevo en Colombia, Botero compartió el segundo premio y
medalla de plata en el X Salón de Artistas Colombianos, con Jorge Elías Triana y
Alejandro Obregón. Su óleo Contrapunto fue alabado por los críticos unánimemente,
por su alegría contagiosa.
La camera degli sposi obtuvo el primer premio en el XI Salón Nacional celebrado en
septiembre de 1958. En esta obra Botero logró deshacerse de una lejana influencia del
muralismo mexicano y dirigirse, sin titubeos y por medio de su admiración a los
artistas del Renacimiento italiano, hacia la consolidación de lo que alguien llamó el
"boteroformismo".
El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire
naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como
figuras corpulentas, incluso claramente obesas.
85. Hacia 1964, Fernando Botero hizo sus primeras incursiones en el campo escultórico
con obras como Cabeza de obispo, figura que, hecha en pasta de aserrín y con ojos de
vidrio, tenía claras reminiscencias de la imaginería colonial barroca. A partir de 1975,
en Pietrasanta, se dedicaría a la escultura con entusiasmo
En 1977 expuso sus bronces por primera vez en el Grand Palais de París. Tras cuatro
decenios de labor ininterrumpida, su reconocimiento en el campo escultórico se hizo
también universal
Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero no ha
dejado nunca, sin embargo, de alzar la voz contra la injusticia y de mantener su arte en
línea con la realidad histórica y social. Sirve para ilustrarlo una de sus más recientes
series pictóricas, la que realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel
iraquí de Abu Ghraib (2003), en el marco de la ocupación norteamericana de Iraq.
Presentada en 2005 en el Palacio Venecia de Roma, la fuerza turbadora de esta
colección de cincuenta lienzos atestiguó además que el pulso y la creatividad del
artista no ha menguado en absoluto con los años.
147. María de la Paz Jaramillo nació en Manizales en 1948 y estudió artes en la Universidad
de los Andes entre 1968 y 1973.
Pintora dedicada, recuerda que sus cuadros en ese entonces tenían una carga de tonos
planos, rojos sobre blancos, negros sobre rojos, que eran parte de una búsqueda
iniciada en Bogotá, en pleno centro de la ciudad por donde divagaban los margínales
que ella ya hacía el tema de sus pinturas. Entre la agitada actividad de la ciudad de Cali
que contaba con referentes ya consagrados en el teatro como el caso del Teatro
Experimental de Calí (TEC) y Enrique Buenaventura; muchos pintores y María de la Paz
encontraría un espacio definitivo para iniciar una de sus famosas series: la de la salsa.
Duró algo más de cuatro años en la ciudad. Y fue construyendo con sus
contemporáneos unas telas que quedan como el inicio de algo que Antonio Caballero
ha llamado "el disfraz del disfraz". Sus obras como el reflejo de algo planeado, del baile
que es escenografía, de la seducción como escenario.
Como en la canción que entonaba La Lupe entonces, el teatro, el " lo tuyo es puro
teatro", se convirtió en imagen de una ciudad, de una época, de una fiesta que todavía
perdura a pesar de las crisis.
Hoy, Marípaz, afianzada después del tiempo, sigue pintando el mismo cuadro con más
dureza, "más de frente", y claro, no ha dejado de querer y sentir a Cali como la ciudad
de sus amores. Y la salsa, como una de sus pasiones.
162. (Popayán, Colombia, 1920) Escultor colombiano. Hijo de una
familia aristocrática, su padre fue el general Negret. En 1946 hizo
su primera exposición individual y durante los años cincuenta
residió en Nueva York, París y Madrid. Sus materiales de trabajo
fueron muy diversos desde los inicios, pues incluían el yeso, la
cerámica, el acero y el hierro, aunque posteriormente el
aluminio pasó a ser el más utilizado. Gaudí y Brancusi fueron los
artistas que más influyeron en su formación, y entre sus obras
cabe destacar La cabeza del poeta Valencia (1944), Templo
(1970), Negret y navegante núm. 2 (1974), Dinamismo (1974),
Vigilantes (1978), Tótem (1978) y Metamorfosis (1982). En su
última etapa introdujo en su obra colores estridentes inspirados
en motivos incaicos, como en la serie Muros del Cuzco (Casa
Negret, 1990).
