El Barroco musical

JOSÉ VICENTE SAPORTA CAPELLA 1
EL BARROCO MUSICAL
1- INTRODUCCION
2- CARACTERISTICAS MUSICALES
3- PERIODOS MUSICALES
4- DESARROLLO DE LOS TEATROS
5- MÚSICA RELIGIOSA
5.1 INTRODUCCION
5.2 EL ORATORIO
5.3LA CANTATA
5.4 LA PASION
6- LA OPERA
6.1 ORIGENES DE LA OPERA
6.2 EL NACIMIENTO DE LA OPERA
6.3PARTES DE LA OPERA
6.4 LOS CASTRATI
6. 5TIPOS DE OPERA
6.6 LA ZARZUELA
7- MUSICA INSTRUMENTAL
7. 1 FORMAS INSTRUMENTALES
7. 2 INSTRUMENTOS DEL BARROCO
7.3 LOS SRADIVARIUS
8- LA DANZA BARROCA
9- COMPOSITORES
10- AUDICIONES
11- ACTIVIDADES

EL BARROCO MUSICAL
1- INTRODUCCIÓN
1.1SITUACIÓN
Se conoce con el nombre de Barroco al
periodo que va desde 1600 hasta 1750.
Está encuadrado entre el Renacimiento y el
Clasicismo. Los hechos musicales que
encuadran esta etapa son la creación de la
primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio
Monteverdi (1607) y la muerte de Johann
Sebastian Bach(1750), que será el genio
indiscutible de esta época.
1.2 CONTEXTO HISTÓRICO
Las monarquías absolutas dominan el panorama
político de una Europa que está sumida en un
continuo de luchas políticas y guerras. El poder
sigue estando en manos de la aristocracia y de la
Iglesia que quieren mostrar su autoridad
organizando grandes espectáculos en los que la
música siempre estará presente. Se convierten,
para ello, en mecenas de los mejores artistas, los
cuales trabajarán en sus grandes cortes y
palacios.
1.3 CONTEXTO CULTURAL
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la
ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura
como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura contaremos con artistas
como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además de destacar científicos como Galileo
Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es común
encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce
con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento,
sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el
SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de

todo. El sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el
musical sobretodo en la ópera
1.4 CONTEXTO MUSICAL
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy
patente en el panorama musical. Así pues, en este periodo se busca
una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo,
tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto
lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau
(considerado el fundador de la moderna armonía):
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien
establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede
revelarse sin ayuda de las matemáticas...."
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera
posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...).
La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.
2 - CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que
darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. A continuación destacamos
las más importantes:
2.1 LA MONODÍA: Los compositores de Barroco consideraron
excesiva la complejidad a la que había llegado el contrapunto
renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de
sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a crear es
el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con
acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite
comprender el texto y transmitir una mayor expresividad .En el
campo donde más se desarrolló fue en la ópera.
2.2 EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera
ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción. La melodía principal es
acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar
sobre las mismas (manteniendo su estructura), creando un relleno armónico que va
cambiando durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del
bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa.
2.3 ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se
establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados
de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la
formación de acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la

música utilizando compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba
cualquier atisbo de ritmo libre.
2.4 NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo
para la música orquestal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de
un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli,...). Es un recurso para dar mayor
expresividad a la música.
3- PERIODOS MUSICALES
Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la
música barroca:
• PRIMER BARROCO: Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un mayor
predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los compositores realizan
experimentos armónicos que más tarde darán lugar a la música tonal en cierto
modo producido por el nacimiento de la ópera. En esta época se produce un rechazo
al contrapunto renacentista. Los compositores más destacados son: en Italia C.
Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.
• BARROCO MEDIO: La música instrumental gana terreno y se pone a la altura de la
vocal. Se abandona poca a poco la música modal y hay una vuelta hacia el
contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en
Inglaterra y J.B. Lully en Francia.
• BARROCO TARDÍO: Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal.
La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más representativas son: los
italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P.
Teleman.
4- DESARROLLO DE LOS TEATROS
A finales del siglo XVII se va a producir
una novedad que tendrá mucho que ver en
el posterior desarrollo de la música; fue
la creación de los primeros teatros
públicos. Hasta ese momento, aquel que
desease escuchar música tenía que acudir
a la iglesia o bien ser invitado por las
altas esferas sociales a sus celebraciones
(posibilidad bastante remota si no
pertenecías a la nobleza). Esto cambió
cuando comenzaron a surgir los primeros
teatros y salas de conciertos que se abrían a todo el público bajo el pago de una entrada.
El campo de la música, a partir de este momento se abre a toda la población, que ávidas de
consumo musical acogerán la idea con gran aceptación.

De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de conciertos de las
ciudades más importantes, que se codearán con las salas de los aristócratas. Veamos
algunos ejemplos:
• FRANCIA: En París, durante el reinado de Luis XIV, gran aficionado a la música, se
construye un fascinante palacio en Versalles en los que se estrenarán las obras del
mejor compositor del barroco francés: J. B. Lully, que destacará sobre todo en el
plano del ballet.
• INGLATERRA: Fue una de las primeras ciudades europeas que contó con teatros
públicos. En 1661 se inaugura uno dedicado exclusivamente a la ópera. En estos
centros musicales destacará un músico llamado H. Purcell con óperas como "Dido y
Eneas".
• ITALIA: Será el país que estará a la cabeza en el nacimiento de la ópera y de los
teatros públicos. Por ejemplo, en Venecia en 1637 (ciudad que contaba con unos
140.000 habitantes) existían 17 teatros además de otros centros religiosos donde
se interpretaba música.
• ESPAÑA: Durante la primera mitad del siglo XVIII disfruta de un intenso ambiente
musical; en la corte de los reyes españoles se dan cita algunos músicos italianos de
gran renombre como el castrati Farinelli o D. Scarlatti. Proliferan teatros y salas
de conciertos tales como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de la Granja o el de
los Caños del Peral (actual Teatro Real).
5- MÚSICA RELIGIOSA
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue
teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante
como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la
música profana para crear nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta
música será el "policoralismo", que se dará sobretodo en la
escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos
(Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió la colocación de
dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en
distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos en "La misa de
la catedral de Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en distintas posiciones
ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio Benevoli.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la
católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos géneros se aplicarán las
novedades de la música barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a continuación:
• EL ORATORIO

• LA CANTATA
• LA PASIÓN
5.1 ORATORIO
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias,
coros, interludios, recitativos...). Además, tiene otras similitudes como la gran extensión y
el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos características propias:
- Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
- El oratorio no se escenifica.
- Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
- Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.
Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más conocido es
"El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".
5.2 CANTATA
El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en
contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género que nace dentro de la música
vocal profana, destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia; sin embargo,
fueron los músicos de la iglesia protestante los que lo convirtieron en una forma de música
religiosa, cambiando el texto, que ahora se basará en fragmentos del Evangelio, salmos y
otros temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se diferencia de
éste en que será más breve. Las melodías solían estar divididas en frases que finalizaban
con un calderón (influencia del coral).
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su cantata 147
(Jesús la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.
5.3 PASION
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo,
inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también tiene recitativos,
arias, coros e interludios. La figura del narrador es el evangelista que relata mediante un
recitativo todos los acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son
interpretados por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son
interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras fundamentales:
"La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan".

6- LA OPERA
6.1 LOS ORIGENES DE LA OPERA
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que
trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La Camerata
Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado
las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal
que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en
él todo tipo de sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces de la
música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era monódica y con un
acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada de una gran expresividad.
Basándose en estos principios nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la
base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género
capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera
como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes:
poesía, música, teatro, danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que lograba una
gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se consolidará como uno
de las formas con más protagonismo a lo largo de los posteriores
siglos.
6.2 EL NACIMIENTO DE LA OPERA
La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a
comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la
ópera lo encontramos en "entremezzo", que eran pequeñas
actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de los
dramas teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando
importancia y cada vez serán mas largos, hasta que de manera
autónoma se confirmen como un nuevo género musical.
La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo
Peri, estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su
totalidad, ya que algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se
estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G. Caccini.
Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la
primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como
estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra, será tomada
como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio

Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de
Popea" y "El retorno de Ulises".
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se
convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...), añadiendo
cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo operístico italiano,
excepto Francia que creará su género propio.
6.3 PARTES DE LA ÓPERA
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
• OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es
breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón
cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores
tengan su toma de contacto con el escenario.
• RECITATIVOS: Son partes cantadas por
solistas en las que se desarrolla la acción.
Para que esto sea posible se debe realizar
con un texto casi declamado y sin adornos.
Existen dos tipos de recitativo: Secco (
acompañamiento sólo de bajo continuo) o
Acompagnato (con acompañamiento de
orquesta).
• ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por
solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio
del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
• COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
• INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los
fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".
Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los
cantantes del coro, extras que no cantaban,... Entre los personajes que más sobresalían en
las óperas figuran los castrati.
6.4 LOS CASTRATI
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que
desarrolló su mayor actividad. Sin embargo, durante varios siglos se
recurrió a la castración masculina para que el cantante pudiera
conservar la voz clara y aguda (blanca) en su edad adulta. Esta práctica

tiene su origen en la Edad Media, debido a que a las mujeres les estaba prohibido cantar
en la iglesias. En el siglo XVI el papa Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral
de San Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las siguientes:
• No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que cantaban
óperas y todo tipo de música profana.
• Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo
podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de élite.
• Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo que algunos
podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma nota y sin respirar.
• Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara de la emoción.
• El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español Felipe
V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches, durante 10
años, las mismas cuatro canciones.
6.5TIPOS DE OPERA
Podemos distinguir dos grandes tipos de
ópera:
• ÓPERA SERIA: Basada en argumentos
mitológicos y heroicos. Es el primer tipo
de ópera que va a existir y será el
preferido por la aristocracia debido a su
refinamiento. Es muy compleja debido a
sus argumentos y a su gran despliegue
técnico. A este tipo pertenece la
primera ópera: "Orfeo".
• ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria.
Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. El despliegue de medios de
este género no es demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo,
ya que además de ser más asequible económicamente y más fácil de entender para
todo tipo de personas, era bastante típico que el argumento fuese una crítica social
hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor
italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada "La Serva Padrona" en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera
en los distintos territorios en los que se desarrollaba:
• FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características principales serán la
introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que

utilizarán los franceses en sus creaciones. El compositor más importante será J. B.
Lully.
• INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y Eneas" estrenada
en el año 1689.
• ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte
de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.
• ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica
más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas.
6.6 LA ZARZUELA
La zarzuela es nuestro teatro musical más representativo y su
historia comenzó el día 17 de Enero de 1657 en un pabellón de
caza construido en medio de zarzales y denominado La
Zarzuela (que se encontraba situado en una parte de lo que
hoy es el Retiro de Madrid).
Ese día se estrenaba una obra titulada "El golfo de las sirenas",
cuyo argumento giraba en torno a la aventura de Ulises con las
sirenas. Se trataba de una obra declamada en dos actos en la que
se intercalaban fragmentos musicales. La obra era de Pedro
Calderón de la Barca, por lo que podemos afirmar, que este autor es uno de los fundadores
de nuestro teatro musical.
A partir de ese momento se fueron haciendo más obras de este tipo, pero por desgracia
la mayor parte de ellas se ha perdido y se ignora también el nombre de sus primeros
compositores. Sin embargo, conocemos el nombre de uno de ellos, llamado Juan Hidalgo,
que se convirtió en el músico oficial de teatro musical para la corte a mediados del siglo
XVII.
7- MUSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el
Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de
los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se
especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la
figura del virtuoso.
Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.
Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones
instrumentales que los interpreten:

• MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los
compositores empezaron a escribir pensando
específicamente en un instrumento concreto, que
elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las
piezas para instrumentos solistas permitían al
intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo
su habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de
los géneros más importantes de música para solistas
será "la fuga" (forma contrapuntística por excelencia),
que será desarrollada por autores como J.S.Bach.
Dentro de los instrumentos solistas destacarán el
órgano, el violín, el clave...
• MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más
instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo
destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la
nobleza. Normalmente, en este tipo de música, un instrumento realizará los acordes
del bajo continuo, mientras que los otros se encargarán de las distintas melodías.
• MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las
tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían
interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y
la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las
circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir del siglo XVII los
compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y cuáles eran
los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio
Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra Orfeo.
7.1 FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes
formas instrumentales barrocas, que marcarán no sólo este
periodo sino toda la música posterior.
LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la
sucesión de danzas de distinto carácter. El número y la
disposición de las danzas es variable. Aunque existen
suites escritas para un solo instrumento, la forma se
desarrollará más dentro de la música orquestal, siendo
uno de los principales compositores J.S.Bach.
LA SONATA: el significado de la palabra sonata es
"música para sonar" (tocada por instrumentos). Es una
forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en
cuanto al tempo. La estructura de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.

EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir
contraponer cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres
movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los
instrumentos el concierto puede ser:
Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de
solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la
interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los
"Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que
contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen
más de 300 conciertos para solista, como las "Cuatro Estaciones", compuesto para
violín.
7.2 LOS INSTRUMENTOS BARROCOS
En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:
FAMILIA DE VIENTO:
• El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.
• El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo
XVIII.
• El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S. Bach
desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados.
FAMILIA DE CUERDA:
• El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores
luthiers, como la familia Stradivarius, van a realizar los
mejores violines de la historia. La familia de cuerda frotada
(violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran
protagonista de la música barroca.

7.3 LOS STRADIVARIUS
La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a conocer a los
mejores constructores de violines del mundo. Todo comenzó cuando un personaje
llamado Andrea Amati fundó un taller en el que siguieron trabajando sus
descendientes. El mítico Antonio Stradivarius trabajó en ese taller, hasta que, una vez
aprendido el oficio, fundó su propio negocio
en la misma ciudad.
Con Stradivarius, el arte de fabricar violines
llega a su máximo esplendor. Escogía con esmero
madera de arce, abeto y ébano; tallando,
ahuecando y dando forma a las
aproximadamente setenta piezas de las que
constaba cada instrumento. Luego las ajustaba,
las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El
resultado era una obra de arte cuya sonoridad
aún no ha sido superada.
Hoy en día, la fabricación de los Stradivarius sigue siendo un secreto, del que se
conocen algunos datos:
• Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha conseguido
la forma exacta de su composición, ya que se ha llegado a la conclusión de que puede
tener unas diez capas de barniz compuesto por varios pigmentos. En esta operación
los luthiers invertían varios meses.
• Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es la de abetos
del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de altitud y expuestos al oeste. Esta
madera necesitaba cinco años de secado.
• De todos los instrumentos que fabricó Stradivaruis (unos 1100) hoy en día sólo se
conservan la mitad. Los últimos los construyó cuando tenía más de 90 años.

8 - LA DANZA BARROCA
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las
grandes fiestas. Para celebrar cualquier acontecimiento,
organizaban festines en los que la música y la danza
siempre estaban presentes.
En el año 1700, un importante maestro de baile,
llamado Feuillet, creó el primer sistema de notación de
danza de la historia. Gracias a este hecho, se conservan
más de 350 coreografías de salón y teatro. La danza,
poco a poco, fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la DANZA CLÁSICA.
Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían siendo básicamente las
mismas que se habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana, gallarda, branle,...). Pero a
partir de 1600 surgirá una nueva danza que se convertirá en la protagonista del periodo:
EL MINUÉ.
Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que proviene de un balie de
campesinos de la región francesa de Poitou. Era una danza tranquila escrita en compás
ternario. Se bailaba por parejas que salían al centro del salón saludándose
ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la coreografía las parejas iban
intercambiándose. Los movimientos eran muy sobrios y refinados, manteniendo siempre el
cuerpo muy erguido, y los bailarines se desplazaban de izquierda a derecha y de adelante
hacia atrás creando una trayectoria en forma de Z.

9- LOS COMPOSITORES
JOHANN SEBASTIAN BACH
(1685-1750) Alemania
Uno de los mayores genios musicales de todos los
tiempos, la obra de Bach es enorme y abarca gran cantidad
de géneros, aunque siempre reverente con la fe que lo
inspiraba. Descendiente y progenitor de una amplia familia
de músicos, compuso en un estilo algo pasado de moda para
su época, pero con una maestría y un lenguaje complejo a la
vez que accesible.
Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido
del que lo rescataría casi un siglo más tarde Félix
Meldelssohn. Fue conocido en su época como virtuoso
organista e improvisador, aunque hoy su figura trascienda
como creador. Desde niño demostró un interés y talento espectacular para la música, una
pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para oír y conocer las obras que allí se
interpretaban. Fue organista en Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
PRINCIPALES OBRAS:
• Seis conciertos de Brandenburgo - 1721
• El clave bien temperado (libro I) - 1722
• Pasión según San Mateo - 1729
• Misa en si menor - 1733 a 1738
• Oratorio de Navidad - 1734
• Variaciones Goldberg - 1742
• El clave bien temperado (libro II) – 1744
ARCANGELO CORELLI
1653-1713 Italia
Compositor y violinista italiano que contribuyó a la
cristalización del Concerto Grosso. Autor de numerosas obras
instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas,...),
padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de
compositores posteriores para este instrumento. Era hijo de
una acaudalada familia de terratenientes. Estudió en Bolonia
donde tomó lecciones de violín de uno de los discípulos de
Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente en
Roma, salvo dos viajes que realizó a Alemania, donde fue

director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado
papa como Alejandro VIII)
En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre otros.
Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además de doce para
violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn batían récords de publicación y reedición.
PRINCIPALES OBRAS:
• Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681
• Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685
• Once sonatas en trío Op. 3 - 1689
• Doce sonatas solistas Op 5 - 1700
• Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713
GIROLAMO FRESCOBALDI
1583-1643 Italia
Compositor y organista italiano, creador de escuela en su
instrumento y en la música vocal del primer barroco. Tenía una
inmensa fama, reconocida por los críticos y tratadistas de la
época, y muchos años después (hasta entrado el siglo XIX) su
música seguía utilizándose como ejemplo en la enseñanza musical.
Poco se sabe de su infancia; hay autores que afirman que su
padre era también organista. Ferrara era entonces uno de los
centros más progresistas de Europa y su duque Alfonso II
d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de
Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se
concentró además en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes mecenas como
Bentivoglio, el cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los Medici. Así mismo,
desempeñó una importante labor de organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en
Santa María de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas
instrumentales para órgano.
PRINCIPALES OBRAS:
• Tre canzoni - 1607
• Madrigales - 1608
• Toccate - 1614
• Ricercari y canzone - 1615
• Capricci - 1624
• Segundo libro de Toccate - 1626
• Canzone - 1628
• Dos libros de Arie musicali – 1630

• Canzone instrumentales – 1635
GEORG F. HAENDEL
1685-1759 Alemania-Inglaterra
Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En
su familia no había músicos, pero el talento de Haendel de
niño hizo que estudiara con Zachow, con quien se convirtió
en organista e intérprete de clave, además de dominar el
violín y el oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y
conoce importantes compositores.
Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más
tarde cae en el olvido, del que renace al cumplir los
cincuenta años, cambiando su género favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la
ceguera le impediría seguir componiendo, aunque no interpretando música en el órgano.
Fue un compositor muy prolífico, que en comparación con J.S.Bach ponía más el acento en
la melodía que en el contrapunto.
Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo maduro,
inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio inglés.
PRINCIPALES OBRAS:
• Almira (ópera) - 1704
• La resurrección (oratorio) - 1708
• Rinaldo (ópera) - 1710
• Música acuática (orquesta) - 1717
• Radamisto (ópera) - 1720
• Julio César (ópera) - 1724
• Orlando (ópera) - 1733
• Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
• Saúl (oratorio) - 1739
• El Mesías (oratorio) - 1741
• Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749

JEAN-BAPTISTE LULLY
1632-1687 Italia-Francia
Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista
Lulli). De cuna humilde, consiguió llamar la atención del
caballero de Guise, que lo lleva a París, donde serviría al rey
Luis XIV, que pone a su disposición una orquesta de violines
donde crece su fama como violinista, como compositor y
director. Fue el encargado de componer muchos ballets de
corte, a los que el rey era muy aficionado.
También destaca su colaboración con Molière en la
música de varias representaciones. Otro colaborador
habitual suyo fue Quinault, que escribió la mayoría de los
libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando
a ser secretario real.
Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que sustituye por otro
más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la prosodia natural de las palabras
musicales. Fue uno de los creadores de la obertura francesa y ejerció una gran influencia
sobre otros contemporáneos como Purcell.
PRINCIPALES OBRAS:
• Ballet de las estaciones - 1661
• Ballet de las artes - 1663
• Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664
• Ballet de las musas - 1666
• Ballet Flora - 1669
• Música para "El burgués gentilhombre" - 1670
• Alceste (ópera) - 1674
• Proserpina (ópera) - 1680
• Faetón (ópera) – 1683
CLAUDIO MONTEVERDI
1567-1643 Italia
Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música
aplicando medios tradicionales con nuevos fines.
Considerado uno de los padres del género operístico, fue el
responsable de los drásticos cambios que tendrían lugar en

la música a partir de 1600.
Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que sus madrigales, motetes y
música sacra en general son más tradicionalistas. Su invención más importante es el
denominado "Stile Concitato", es decir, la reproducción realista de batallas y otros
escenarios afectivos, que tendría influencia sobre Merulo en Italia y Schütz en Alemania.
Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona natal
trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en Venecia.
Hacia el año 1600 su reputación había quedado bien establecida, cuando comienzan a
aparecer críticas a su estilo, que pone a la música al servicio de las palabras.
PRINCIPALES OBRAS:
• Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582
• Segundo libro de madrigales - 1590
• Orfeo (ópera) - 1607
• Arianna (ópera perdida) - 1608
• Tirsi e Clori (ballet) - 1616
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624
• Mercutio y Marte - 1627
• La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627
• Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632
• La coronación de Popea (ópera) – 1642
GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI
1710-1736 Italia
A pesar de la brevedad de su vida, este compositor
italiano tuvo una gran influencia sobre los posteriores
compositores galantes y clasicistas, especialmente en
Mozart. Aunque trabajó tanto la ópera seria como la
cómica , es en este último subgénero donde destaca su
genio, especialmente en el intermedio "La serva padrona",
cuya representación póstuma en París desencadenó la
llamada Guerra de los Bufones, entre los que defendían y
se oponían a la italianización de la ópera.
Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona
de Pergola, adoptando más tarde el apellido Pergolesi.
Tenía una malformación física en la pierna y era de salud
endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se
traslada a Nápoles, donde aprende música con de Matteis, Greco y Durante, que lo nombra
ayudante de maestro. Contó con la protección del príncipe de Stigliano y los duques
Caracciolo.

PRINCIPALES OBRAS:
• Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731
• Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
• La serva padrona (intermedio) - 1733
• Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
• L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
• Stabat Mater - 1749
• Livietta e Tracollo - 1753
• Misa en fa mayor - 1805
• Salve Regina – 1845
HENRY PURCELL
1659-1695 Inglaterra
Compositor y organista inglés, iniciador de una tradición
musical insular. Era hijo de un músico de la Capilla Real y
maestro de coros de la Abadía de Westminster, por lo que
desde niño aprendió los fundamentos de la música, trabajando
luego al servicio del obispo y del rey. Con once años, se le
atribuye la composición de una oda en honor de Carlos II. A
partir de 1673 trabaja con Hingeston en la restauración y
conservación de instrumentos reales y como copista. En 1679
sucede a su maestro Blow como organista, conservando este
puesto hasta su muerte.
Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros innovadores,
componiendo músicas para acompañar representaciones teatrales, aunque sin abordar
directamente la ópera hasta "Dido and Aeneas" 1689. También compuso música
instrumental, religiosa y canciones.
PRINCIPALES OBRAS:
• In nomine (4 pavanas a tres voces) - 1680
• Primera Oda a Santa Cecilia - 1683
• Dido and Aeneas (ópera) - 1689
• Distressed Innocence (música para teatro) - 1690
• King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) - 1691
• Música fúnebre para la reina María II - 1692
• The Double Dealer (para teatro) 1693
• Te Deum e Jubilate - 1694
• The Indian Queen (para teatro) – 1695

ALESSANDRO Y DOMENICO SCARLATTI
1660-1725 y 1685-1757 Italia
Familia de compositores (padre Alessandro, hijo Domenico)
italianos de óperas, música vocal sacra y profana, así como de
obras instrumentales. El padre llegó a ser uno de los más
renombrados compositores napolitanos de su época, mientras
que el hijo fue un prolífico autor de 555 sonatas para clave que
innovarían la armonía del siglo XVIII con aportes de ritmos de
baile italianos, portugueses y españoles.
Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el
fundador de la escuela napolitana de ópera del siglo XVIII, así
como el inventor del aria da capo, la obertura italiana y el
recitativo acompañado. Domenico fue maestro de capilla de San Pedro, compositor de
música sagrada para la capilla pontificia, autor de óperas para la reina de Polonia, habiendo
residido en Londres, Lisboa y Madrid, siendo considerado como uno de los precursores de
la sonata clásica.
PRINCIPALES OBRAS:
Alessandro Scarlatti
• Gli equivoci nel sembiante (ópera) - 1679
• La Rosaura (ópera) - 1690
• Il Pirro e Demetrio (ópera) - 1694
• La caduta dei Decemviri (ópera) - 1697
• Il trionfo della libertà (ópera) - 1707
• Il trionfo dell'onore (ópera) - 1718
• La Griselda (ópera) - 1721
Domenico Scarlatti
• Esercizi per gravicembalo - 1738
• Sonata K175 en la menor - 1752
• Sonata K513 en do mayor – 1756

ANTONIO VIVALDI
1678-1741 Italia
Compositor y violinista italiano. Hijo de un violinista
consagrado de la capilla de San Marcos en Venecia, da sus
primeros pasos musicales con Legrenzi. Una vez ordenado
sacerdote, es nombrado maestro de violín del Orfanato de la
Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en uno de los
mejores conjuntos instrumentales de la época, dirigidos por el
petre rosso (el cura rojo), nombre con el que se conocía a
Vivaldi por el color de su pelo.
Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que destacan varios
ciclos de conciertos con violines solistas, pero además compuso para otros instrumentos
conciertos y música de cámara, además de óperas. Su estilo de forma clara, impulso
rítmico y flujo de ideas musicales influyó en el lenguaje concertístico de J.S. Bach y otros
compositores posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477
conciertos de los que se conservan 443.
OBRAS IMPORTANTES:
• L'estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo continuo) - 1712
• La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)- 1713
• La veritá in cimento (ópera) - 1720
• Concierto para flauta nº 2 en sol menor - 1724
• Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro estaciones) - 1725
• Orlando (ópera) - 1727
• La cetra (doce conciertos para violín ,arcos y bajo continuo) - 1728
• L'Olimpiade (ópera) - 1734
• Il pastor fido (sonatas para flauta) - 1737
• Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 – 1740

10- AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la
música de este tema.
ÓPERA
• "LASCIATE I MONTI" Fragmento de la ópera Orfeo
de C. Monteverdi.
• "ROSA DEL CIEL" Aria de la ópera Orfeo de C.
Monteverdi.
• "TOCCATA" Interludio de la ópera Orfeo de
C.Monteverdi.
MÚSICA RELIGIOSA
• "ORATORIO DE NAVIDAD" Recitativo J.S.Bach.
• "CANTATA 147" J.S.Bach.
• "QUIERO QUEDARME JUNTO A TI" Coro de la Pasión según San Mateo de
J.S.Bach.
• "SEÑOR TEN PIEDAD DE MI" Aria de la Pasión según San Mateo de J.S.Bach.
• "ALELUYA" Oratorio El Mesías de Haendel.
MÚSICA INSTRUMENTAL
• "CANON PARA ÓRGANO Y CUERDA EN RE MAYOR" J. Pachelbel.
• "TOCCATA Y FUGA EN RE MENOR" J.S. Bach.
• "MINUE" Suite nº 2 J.S. Bach.
• "OTOÑO" Las cuatro estaciones de A.Vivaldi.
• "BOURRÉE" Música para los reales fuegos artificiales de J.S.Bach.
• "PASACALLE Y FUGA EN DO MENOR" J.S.Bach.
• "1º MOV. ALLEGRO" Concierto de Brandenburgo nº 3 en sol mayor de J.S. Bach.
• "PRELUDIO Nº 1 EN DO MAYOR" El clave bien temperado de J.S. Bach.

11- REALIZA LAS SIGUIENTES ACTIVIDADES DE LA MÚSICA BARROCA:
1- EL BARROCO MUSICAL SE DESARROLLA EN...
el s. XVIII los siglos XV y XVI
los siglos XVI y XVII el s. XVII y primera mitad del XVIII
2- ¿QUÉ COMPOSITORES DE LOS SIGUIENTES PERTENECEN AL BARROCO?
Bach Vivaldi Haendel Palestrina Mozart
3- EN EL BARROCO SE COMPONE LA PRIMERA ÓPERA DE LA HISTORIA,
¿CÓMO SE LLAMABA?
 Orfeo
 Julio César
 Euridice
 Dafne
4- EFECTIVAMENTE, LA PRIMERA ÓPERA DE LA HISTORIA SE LLAMÓ
"ORFEO", PERO ¿QUIÉN LA COMPUSO?
 Vivaldi
 Monteverdi
 Haendel
 Bach
5- ¿CUÁLES SON LOS GÉNEROS VOCALES MÁS IMPORTANTES DEL
BARROCO?
1. El Motete y la Misa
2. La Ópera y el Oratorio
3. El Madrigal y el Motete
6- ¿CUÁL DE ESTOS GÉNEROS VOCALES PERTENECE AL ÁMBITO DE LA
MÚSICA PROFANA?
1. El Oratorio
2. La Ópera
3. La Cantata
7- SELECCIONA LOS GÉNEROS INSTRUMENTALES QUE SEAN
CARACTERÍSTICOS DEL BARROCO
suite concierto solista
concerto grosso canzona instrumenta

8- EL "CONCERTO GROSSO" FUE EL GERMEN DEL FUTURO CONCIERTO
SOLISTA, PERO ¿CUÁNTOS MOVIMIENTOS TENÍA NORMALMENTE Y EN QUÉ
ORDEN SE SUCEDÍAN?
1. 4 mov.: Lento-Rápido-Lento-Rápido
2. 3 mov.: Rápido-Lento-Rápido
3. 4 mov.: Lento-Lento-Rápido-Rápido
9- EL "CONCIERTO SOLISTA" FUE UNO DE LOS GÉNEROS MÁS IMPORTANTES
DEL BARROCO, PERO ¿CUÁNTOS MOVIMIENTOS TENÍA Y EN QUÉ ORDEN SE
SUCEDÍAN?
1. 4 mov.: Lento-Rápido-Lento-Rápido
2. 3 mov.: Rápido-Lento-Rápido
3. 2 mov.: Lento-Rápido
10- ENTRE LAS CARACTERÍSTICAS MUSICALES CARACTERÍSTICAS DE ESTE
PERIODO PODEMOS CITAR:
1. El "contraste"
2. El "contrapunto imitativo a cuatro voces"
3. El "bajo continuo"
4. El "nacimiento de la tonalidad"
11- ¿CUÁLES SON LAS PARTES MUSICALES PRINCIPALES DE UNA ÓPERA?
Recitativo Aria Obertura Acto
12- ¿QUÉ NOMBRE RECIBE LA ADAPTACIÓN DE UN TEXTO LITERARIO PARA
PODER SER CANTADO EN UNA ÓPERA?
1. Libreto
2. Argumento
3. Fascículo
13- EL "ORATORIO" TAMBIÉN FUE UN GÉNERO VOCAL (en este caso, religioso)
MUY IMPORTANTE EN ESTE PERIODO, ¿CUÁL DE LOS SIGUIENTES
ORATORIOS SE HA CONVERTIDO EN EL MÁS CONOCIDO A LO LARGO DE LA
HISTORIA?
1. "Judas Maccabeus"
2. "Jephta"
3. "El Mesías"

14- ELIGE LOS GÉNEROS INSTRUMENTALES Y VOCALES MÁS
REPRESENTATIVOS DEL BARROCO.
El "concerto grosso" La ópera
El motete El concierto solista
El madrigal El concierto para piano y orquesta
La sonata La suite
15- ¿CONOCES A LOS COMPOSITORES BARROCOS?
Asocia cada nombre de compositor con su imagen.
MONTEVERDI VIVALDI BACH HAENDEL
QUIEN ES: QUIEN ES: QUIEN ES: QUIEN ES:
QUIEN ES: QUIEN ES: QUIEN ES: QUIEN ES:
PURCELL LULLY CORRELLI D. SCARLATTI

MÚSICAS BARROCAS
Lee el texto MÚSICAS BARROCAS y, dejándote llevar por tu intuición, tu oído y lo que
has aprendido leyendo el texto de la izquierda, intenta adivinar de qué género
instrumental se trata o de qué parte de una ópera.
MÚSICAS BARROCAS
MÚSICA INSTRUMENTAL.- En el Barroco la
música instrumental empieza a experimentar
un gran desarrollo. Entre los géneros más
representativos de este periodo podemos
citar las colecciones de danzas (SUITE),
agrupadas normalmente en grupos de cuatro:
Allemande-Courante-Zarabande y Gigue. Otro
género importante es la SONATA, para uno o
más instrumentos. En el Clasicismo este
género adoptará además una "forma" muy específica que se "contagió" a otros géneros
instrumentales y vocales de la época. A nivel orquestal, el género más importante fue el
CONCIERTO, primero el "concerto grosso", y ya a partir de finales del s. XVII, y hasta
nuestros días, el "concierto solista", donde un instrumentista rivaliza instrumentalmente
contra la orquesta.
MÚSICA VOCAL.- En cuanto a la música vocal, el género más importante fue la ÓPERA.
La misma podemos definirla como una obra de teatro musicalizada para poder cantarse,
por lo tanto es primordial presentarla en un escenario de forma dramatizada. El
ORATORIO se parece mucho a la ópera, pero su temática es religosa y se interpreta en
un escenario pero sin dramatización.
Las partes más importantes de una ópera son: 1) Obertura = parte instrumental que
sirve de introducción a la ópera; 2) Arias = canciones donde los cantantes solistas
expresan sus sentimientos; 3) Recitativos = partes "recitadas" o medio cantadas con el
acompañamiento instrumental mínimo -como por ejemplo clave + chello- y que se
utilizaban para contar o adelantar la acción. También podía haber coros y números de
ballet, pero dependía del presupuesto del momento. Lo más normal era encontrar dúos,
trío y cuartetos vocales expresando sus respectivos sentimientos o algún tipo de
sentimiento colectivo.
AUDICIONES: ORDEN
RECITATIVO:
SONATA:
ARIA:
CONCIERTO SOLISTA:

SUBRAYA LA RESPUESTA CORRECTA:
1. Nombre que recibe la parte de una ópera que sirve para contar o adelantar la
acción y tiene un carácter medio cantado o declamado.
ARIA RECITATIVO OBERTURA CORO
2. Bajo muy importante en el Barroco como soporte principal de una composición.
BAJO CANTANTE BAJO ANDANTE BAJO CONTINUO
3. Genio de la música y compositor de obras como “El clave bien temperado”, los
“Conciertos de Brandemburgo.
J.S.BACH HANDEL VIVALDI CORRELLI
4. Nombre del género vocal profano más importante del Barroco consistente en una
obra teatral cantada.
ORATORIO CANTATA OPERA PASION
5. Nombre que recibe la parte vocal de una ópera que expresa los sentimientos del
cantante solista.
RECITATIVO ARIA CORO OBERTURA
6. Género vocal religioso muy característico del Barroco.
ORATORIO FUGA OPERA MADRIGAL
7. Nombre que recibe el guión u obra literaria ya adaptada para poder cantarse en
una ópera.
LIBRETO GUION MANUAL LIBRETILLO
8. Compositor famoso por sus conciertos solistas conocidos como “Las Cuatro
Estaciones”.
BACH VIVALDI MONTEVERDI HANDEL
9. Compositor famoso por su oratorio “El Mesías”.
BACH VIVALDI MONTEVERDI HANDEL
10. Sucesión de danzas
FUGA COCIERTO GROSSSO SUITE COCIERTO SOLISTA

11. Apellido del compositor de la ópera “Orfeo”.
HANDEL VIVALDI BACH MONTEVERDI
12. Parte instrumental que abre una ópera y sirve para preparar el ambiente de la
misma..
ORATORIO OBERTURA ARIA RECITATIVO

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