Tema 9. El Quattrocento: arquitectura, escultura y pintura.

2. El Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que
surge en Italia en el s. XV y se extiende por Europa en el s.
XVI. Su manifestación literaria y filosófica se conoce con el
nombre de Humanismo.
Durante el Renacimiento el hombre vuelve los ojos a la
Antigüedad grecolatina. Sus autores tienen la intención de
hacer “renacer” la cultura clásica.
De Grecia se imitó el espíritu (neoplatonismo) y de Roma
las formas artísticas.

3. El renacimiento fue consecuencia de las transformaciones
religiosas, políticas, económicas y artísticas de los siglos XIII y
XIV.
En lo religioso: Se separa lo cívico y lo religioso y se pasa de
la visión teocéntrica propia de la Edad Media a una postura
antropocéntrica: no elimina a Dios, sino que lo humaniza. Se
exalta el individualismo y la libertad de espíritu que
desembocará en la Reforma protestante.
En lo político: Es la época de las monarquías autoritarias y
de la formación de los estados modernos.
En lo Económico: Es la época de los descubrimientos
geográficos y de un incipiente desarrollo industrial y con una
economía urbana y mercantil.

4. En lo Artístico: Se sustituye el sistema formal gótico por
otro distinto, basado en los modelos de la antigüedad
clásica.
El cuerpo humano es el principal objeto de atención y la
belleza es la expresión de un orden intelectual cuyo
lenguaje es la medida, el orden, el número y la proporción.
Aparece la perspectiva como principal sistema
representación.
de

5. El patrocinio de las obras de arte deja de ser una
actividad exclusiva de la monarquía y del clero
interesando, también, a la nobleza y a la burguesía.
El mecenas con su labor de patronazgo adquiría
prestigio a la vez que testimoniaba su poder económico.
En Italia entre los grandes mecenas destacan las familias
de los Médicis, Farnesio, Gonzaga, Pazzi, etc.
El artista comienza a ser alguien respetado y valorado,
aunque la mayoría se formaba en los talleres y seguía
vinculado a los gremios

6. Pedro Berruguete. Federico de
Montefeltro y su hijo (1477).
 Entre los príncipes del Quattrocento destaca
Federico, duque de Urbino, que hizo de su ciudad
uno de los centros artísticos más importantes de
Italia.
 Berruguete lo retrata como un hombre de
armas y de letras, ataviado con el traje militar y
sosteniendo un precioso manuscrito en las
manos, en alusión a la esplendida biblioteca que
ordenó formar en su palacio, donde también
encontraron trabajo arquitectos como Alberti y
Bramante, pintores como Berruguete, Piero della
Francesca, Leonardo y Rafael, y humanistas de la
talla de Baltasar de Castiglione, el gran cronista
de la vida cortesana durante el Renacimiento.
 El motivo de que aparezca de perfil izquierdo
se debe a una imposición del Duque, que en
1450 perdió el ojo derecho en un torneo.

7. El
Renacimiento se divide en dos grandes
períodos: el Quattrocento y el Cinquecento.
Quattrocento (siglo XV): es una etapa de
experimentación artística. La capital
es
Florencia
Cinquecento (siglo XVI): período más clásico
coincide con las primeras décadas del siglo XVI.
Su capital es Roma.
Hacia 1530 aparece el Manierismo que supone
una reacción anticlásica con un lenguaje
artístico muy personal.

10. La arquitectura renacentista sustituye el sistema constructivo y espacial del gótico por
otro inspirado en la Antigüedad clásica y en la basílica cristiana.
Elementos formales: Se sustituye el arco apuntado por el de medio punto; pilar con
formales
baquetones por las columnas con órdenes y proporciones clásicas y las bóvedas de
nervios por las de medio cañón, las de arista y la cúpula.
Elementos ornamentales: Decoración de candelabro, grutescos, medallones, putti,
ornamentales
guirnaldas, casetones, almohadillados, balaustres etc.

11. Desaparece la concepción medieval del espacio longitudinal: se
tiende a la planta central.
Hay unidad espacial, los interiores son anchos y desahogados.
La cúpula es el símbolo de la majestad de Dios.
El edificio es el resultado de un cálculo matemático (repetición
de módulos que se multiplican o se dividen) y el uso de la
proporción áurea permitirá que el resultado sea un todo
racional, proporcionado, en el que reinan el orden y la
simetría.

12. Además de la arquitectura religiosa hay arquitectura civil en la
que sobresalen el palacio urbano y la villa.
Los palacios suelen tener planta rectangular con un patio
interior. Predomina la horizontalidad. Suelen tener tres pisos y
fachadas almohadilladas.
Las villas son residencias campestres de nobles y comerciantes
ricos. Suelen tener planta de cruz griega con fachadas
idénticas.

13. Se considera el introductor del nuevo estilo.
Entre sus aportaciones están la recuperación de los motivos
clásicos y el empleo de las leyes matemáticas de la
proporción y la perspectiva.
En sus obras dominan las líneas rectas, los planos lisos y los
espacios cúbicos.

14. Cúpula de la
catedral de
Florencia
Es su obra más
famosa.
Esta formada
por dos cúpulas:
una interior, y
otra exterior, de
ladrillo y
dividida en
tramos a modo
de gajos.

15. Cúpula de la catedral de Florencia
Presenta la cúpula un perfil esbelto
gracias a su perfil ojival, conseguido a
partir de la curvatura de los ocho
nervios de mármol blanco, de 4
metros de espesor, que ascienden
hasta la cúspide.
Los nervios se unen y dan paso a una
estilizada linterna, diseñada por el
propio Bruneleschi.
La cúpula, cuyas 8 caras están
recubiertas de tejas rojas, se alza
sobre un tambor octogonal de
piedra revestida de mármol, con
una gran ventana circular en cada
uno de sus lados.

16. Cúpula de la catedral de Florencia

17. Planteó la cúpula como
un doble
cascarón
octogonal
con
un
espacio vacío en medio.
El cascarón interno –de
ladrillos y piedra- debía
ser más resistente que el
externo
para
sostenerlo.

18. Costillas,
horizontales
concéntricas, que junto con los
nervios ocultos en las caras
octogonales, contrarrestan desde
el interior los empujes.
Base de la cúpula, formada por
bloques de piedra que unían los
dos cascarones.
Semicúpulas de descarga, que
junto con los nervios visibles,
muy reforzados, contrarrestaban
las tensiones.

20. La Capilla Pazzi es una obra de
plena concepción renacentista.
En todo el edificio se aprecia
la búsqueda de la armonía
frente a la monumentalidad.
Esto se consigue mediante la
repetición de un módulo, casi
siempre basado en un cuadrado
o en un cubo, que permite
establecer las medidas del
edificio.
Por eso todos sus edificios
destacan por la escala humana,
la perfecta armonía entre los
elementos y el equilibrio de las
proporciones.

21. Capilla Pazzi.
La fachada se articula
mediante un pórtico con
columnas, que combina el
arco
central
con
superficies adinteladas.
En esta superficie hay
un entablamento que
"rompe" en el centro en
arco de medio punto.

22. Capilla Pazzi.
Interior.
Es de planta cuadrada
cubierta con cúpula,
donde se da la
interacción del espacio
cuadrado con cubierta
circular.

23. cúpula

24. Basílica de San Lorenzo.
Inspirada
en
las
basílicas
paleocristianas
que
Brunelleschi
estudió, se trata de un templo con
planta de cruz latina de tres naves.
La nave central tiene cubierta
adintelada con casetones y las laterales
bóveda de arista.
La separación de las naves se
establece mediante columnas de orden
compuesto y sobre ellas un trozo de
entablamento en el que descarga cada
arco de medio punto.
En el crucero dispuso una cúpula.

25. San Lorenzo.
Brunelleschi busca en
esta
iglesia
básicamente
dos
aspectos:
La horizontalidad que
se aprecia en los
entablamentos y la
cubierta plana de la
nave central y, la
armonía
en
la
proporción geométrica.

27. Santo Espíritu (las mismas características
Es importante el efecto espacial creado por la luz

28. Santo Espíritu
(las mismas
características)

29. Hospital de los Inocentes
Efecto de horizontalidad
Pórtico con arcos de medio punto sobre columnas corintias, En
las enjutas de los arcos hay tondos con figuras blancas sobre
fondo azul.

30. Palacio Pitti.
Establece el modelo renacentista de
palacio que fue seguido por sus
discípulos
Muros sillares almohadillados.
Las ventanas con arco de medio punto.

32. ALBERTI
Fue un importante teórico, autor de tres Tratados sobre las
artes mayores, y uno de los primeros en emplear los órdenes
clásicos de la arquitectura romana. Para Alberti, las
matemáticas, el número, la medida y las proporciones, son el
fundamento de la belleza.
Impuso una pureza clásica que fue el precedente de las obras
de Bramante y sus sucesores, como muestra la fachada del
Templo Malatestiano inspirada en el arco de triunfo romano.
Su gran obra es la iglesia de San Andrés de Mantua.
Otras obras: fachada de Santa María Novella y el Palacio
Rucellai, ambos en Florencia.

33. Templo Malatestiano

34. Templo Malatestiano

35. San Andrés de Mantua. L.B. Alberti

36. San Andrés de Mantua es la
obra más avanzada de Alberti y
la que más influencia ejerce.
El interior es de una sola nave
con bóveda de cañón y cúpula en
el crucero. Utiliza el cuadrado
como base modular.
Presenta una monumental
fachada concebida como un gran
arco de triunfo, con grandes
pilastras, nichos y frontón.

37. San Andrés de Mantua

38. Santa Maria Novella
El cuadrado se emplea como módulo para las proporciones

39. Palacio Rucellai. Rompe la horizontalidad incluyendo pilastras verticales.

40. Palacio Rucellai. L. B. Alberti, 1459.
En el Palacio Rucellai, Alberti siguió el
modelo renacentista florentino, como en el
Medici-Ricardi de Michelozzo: tres pisos con
distribución rítmica de bíforas y cornisa en
voladizo.
Pero en cada piso las bíforas están
separadas entre sí por pilastras apenas
salientes del muro, según la superposición
de órdenes clásicos que recomendaba
Vitrubio y que se aprecia en el Coliseo de
Roma.
De este modo la fachada del palacio queda
ordenada no sólo en sentido horizontal, sino
también vertical.

41. Palacio Rucellai. Florencia. Rompe la
horizontalidad incluyendo pilastras
verticales.
Es una residencia palaciega, integrada en el entramado urbano, sin carácter
defensivo y priorizando la habitabilidad y el status social de sus propietarios.
Emplea Alberti para este edificio una arenisca de tonos amarillentos. En la
fachada los sillares adquieren un almohadillado, pero desbastado de forma
uniforme, al modo del aparejo romano. En el respaldo del banco corrido
emplea una especie de opus reticulatum romano.
 El autor de esta obra es León Battista Alberti (Genova, 1404 - Roma, 1472).
Alberti es considerado como el prototipo del hombre renacentista, hombre
universal y humanista. Fue el primer encargo que recibió Alberti.


42.  La fachada principal se articula
a partir de un banco corrido,
sobre el que se disponen tres
pisos, en los que Alberti
superpone los órdenes clásicos en
sus pilastras. Estos pisos se
separan mediante verdaderos
entablamentos. Mientras en la
primera planta se emplean
estructuras
adinteladas,
las
ventanas de los pisos superiores
son bíforas, enmarcadas en arcos
de medio punto. La fachada se
cierra con una gran cornisa de
piedra sostenida por ménsulas,
que sustituye por primera vez en
Florencia los antiguos aleros de
los tejados medievales. Esta
cornisa oculta una loggeta,
adornada con pinturas.

43. 
 Es un edificio con forma geométrica, cuatro
cuerpos reunidos alrededor de un patio
interior central, es decir un cubo con un vacío
en el centro. El patio, regular y porticado, se
convierte en núcleo centralizador del edificio,
a la vez que ilumina cada de las plantas.
Aprovecha el tradicional patio florentino, pero
como eje de un espacio racional y simétrico.
En este palacio Alberti plasma de manera
práctica sus teorías sobre proporciones,
armonía y belleza que tienen que adquirir los
edificios. Sin embargo, su mecenas Giovanni
Rucellai, deslumbrado por el palacio Médici se
empeñó en comprar los solares contiguos para
ampliar horizontalmente el proyecto original,
haciendo que el proyecto pasara de tener
cinco ejes a ocho, quedándose el último eje sin
construir. De este modo se rompe la
concepción original de la fachada como un
rectángulo simétrico.

44.  El Palacio cumple la doble función de residencia familiar y la representativa de banca y
comercio. Alberti tiene en cuenta, por un lado el aspecto de la intimidad, que logra al
proyectar las ventanas sobre el patio interior, y por otro el de representación,
conseguido al transformar el exterior del palacio en una especie de mirador sobre la
ciudad. Toda la planta baja se destina a la actividad de banca y comercio que desarrolla la
familia. Al exterior un banco corrido cumple la función de sala de espera para aquellos
florentinos que precisasen una audiencia y tuvieran que esperar.
 Alberti integra el palacio en un entorno urbano central, pero confinado en un solar
restringido y en continua modificación. La construcción del palacio proporcionará la
belleza necesaria a este emplazamiento urbano, un tanto tétrico hasta entonces.
Este palacio expresa y simboliza la riqueza, el esplendor y el orgullo de la ciudad de
Florencia, pero también, y lo que es más importante, el empuje y el poder de una nueva
burguesía, así como de su nueva mentalidad y gustos.

47. ESCULTURA

48. La escultura renacentista alcanza una
total independencia de la arquitectura.
Se preocupa por:
•la belleza y el equilibrio de las formas.
•naturalismo: Realismo idealizado
•la figura humana y el estudio del
desnudo.
Materiales: mármol, bronce (técnica de
la cera perdida).
Temas: religioso, mitológico y profano,
alegórico. El retrato adquiere gran
difusión.
El relieve alcanza un gran desarrollo
especialmente el llamado relieve
pictórico (Schicciato)

49. La escultura
renacentista se
inicia con
GHIBERTI
Sacrificio de Isaac

50. Realiza las puertas del
Baptisterio de Florencia
Puertas del Paraíso

51. Detalle

52. DONATELLO
Tiene más interés por la figura humana aislada que por
las grandes composiciones de carácter pictórico y
narrativo.
Representó todos los estados de ánimo: alegría, tristeza y
las diferentes edades del hombre, desde la infancia a la
vejez, con variados gestos y actitudes.
Le interesó la expresión más que la belleza.
Tiene gran dominio de los materiales y cultiva el bulto
redondo y el relieve.
Entre sus obras figuran retratos, temas religiosos, y
profanos

53. Cantoría

54. Zuccone

55. San Juan Evangelista

56. Es un joven apuesto,
representativo del héroe
cristiano
San Jorge

57. San Jorge.
Detalle

58. David. Donatello.
Escultura en bronce.
Tema bíblico. Es el primer desnudo de la
escultura renacentista.
Tiene, reminiscencias de la escultura
clásica, especialmente de Praxíteles por
el contraposto inspirado en la conocida
curva praxiteliana y la perfección
anatómica.
Representa los valores de la juventud, la
belleza idealizada, serenidad y elegancia
Parece tener un significado simbólico, ya
que es una especie de monumento
cívico-patriótico que conmemora las
victorias de Florencia frente a su rival,
Milán.
David

59. David. Donatello.
 Es una de las esculturas más importantes del
primer renacimiento.
 Vasari comentó, refiriéndose a esta obra,
“[…] ese cuerpo es tan natural, vívido y delicado
que a los artistas les parece que debe de haber
sido moldeado sobre el cuerpo de una persona
viva”.
 La pierna derecha soporta el peso del cuerpo,
mientras la izquierda descansa sobre la cabeza
de Goliat.
 El ángulo formado por la pierna libre es
contrarrestado por el brazo izquierdo que apoya
sobre la cadera.
 Su desnudez y la recreación de la curva
praxiteliana, imprime un movimiento sensual a
la anatomía del pastor.

60. David. Donatello.
 La superficie pulida y casi negra realza las
cualidades y el atractivo del cuerpo juvenil.
 Por otra parte, la espada que sostiene con la
mano derecha, con la que acaba de cortar la
cabeza de su enemigo, la piedra que guarda en
la otra mano y la mirada satisfecha hacia su
enemigo, dan idea de su valentía.
 El tratamiento de la anatomía masculina
difiere de la tipología clásica en el escaso
desarrollo muscular y en la apariencia andrógina
con que dota a David, en contraposición con los
atletas griegos.

62. San Juan
Evangelista

63. Se inspira en la escultura
ecuestre de Marco Aurelio.
Destaca por el naturalismo
y la serenidad del jinete y
del caballo, típicas del
Quattrocento, y el estudio
psicológico del personaje
característica del autor. Es
un retrato y está realizado
para glorificar al personaje
representado; también se
trata de resaltar la virtudes
del militar, que con gesto
austero conduce al caballo
sin violencia pero con
autoridad, remarcada ésta
por la posición del bastón
de mando
Gattamelata

65. En la pintura italiana renacentista también hay una vuelta
a la cultura clásica, buscando la belleza basada en la
medida, el número y la proporción.
Los elementos formales que más interesan a los artistas
son:
 La perspectiva, la composición, el color y la luz.
 Hay un interés por el naturalismo, por la percepción de
los volúmenes, y por reflejar la psicología de los
personajes.

66.  Aparece un nuevo sistema visual: la perspectiva lineal
que hace posible la representación de lo real en las dos
dimensiones.
 Los temas son fundamentalmente religiosos pero se
cultivan también temas mitológicos o profanos. La figura
humana se representa en las más variadas actitudes. Se
emplea el escorzo.
 Se avanza en la interpretación del paisaje y de los
escenarios arquitectónicos, y la luz es un elemento de
primer orden en el cuadro.
 Se pinta sobre muro, tabla y lienzo y las técnicas más
comunes son el fresco, el temple y el óleo.

67. La Anunciación

68. FRA ANGELICO. La Anunciación 1430-1432.
Es un pintor esencialmente religioso, en cuya obra se observan elementos góticos como el
uso del oro, el alargamiento y la curvatura de las figuras, el detallismo,
Junto a un sentido del volumen en sus figuras y una representación del espacio con
arquitecturas clásicas, propias del quattrocento.
Es el pintor por excelencia de la Virgen y de visiones celestiales, como La Anunciación y La
Coronación de la Virgen.
La Anunciación es un magnífico retablo, en
cuya predela o banco aparecen diversas
escenas de la vida de la Virgen.
Aunque todavía aparecen oros, el fondo
dorado gótico ha dejado paso a una
construcción de estilo renacentista y a una
atenta observación de la naturaleza en los
árboles y plantas que enmarcan la escena del
paraíso.
La gracia de las actitudes, el lujo de los
atuendos y la técnica preciosista en el
tratamiento de los pormenores contribuyen,
también, a la valoración del conjunto.

69. FRA ANGELICO. La Anunciación 1430-1432.
En la tabla central, la escena de la Anunciación transcurre en un pabellón de estilo
renacentista abierto por los dos lados.
Las dos figuras principales están situadas bajo un arco cada una. El arcángel Gabriel ocupa
la parte central de la composición y la Virgen se sitúa a la derecha. El ángel se inclina
levemente e inicia la genuflexión mientras María, con los brazos cruzados sobre el pecho y
con un libro abierto sobre la pierna derecha , baja la mirada.
Un rayo de sol ilumina a la Virgen y una
paloma, símbolo del Espíritu Santo, es
impulsada hacia María a través del rayo.
Al fondo, a la izquierda, aparece la escena de
la expulsión de Adán y Eva del paraíso
terrenal.
Tres medallones decoran el pabellón,
sostenido por columnillas corintias. En el arco
del centro aparece el busto de Jesús, que
configura la Trinidad junto con el Espíritu
Santo.
El vano sin puerta que da a la habitación de
María otorga profundidad a la escena.

70. La Coronación
de la Virgen

71. MASACCIO
Concentra toda su atención en el volumen de las figuras,
que adquieren un aspecto escultórico monumental,
macizo, y serenamente majestuoso.
Aplicó una luz homogénea en la representación de los
cuerpos y las vestiduras de los personajes lo que unido a
una sabia representación de la perspectiva consigue la
fusión de las figuras con el ambiente.
Obras: Frescos de la capilla Brancacci, La Trinidad

72. Capilla Brancacci

73. El Tributo de la Moneda. Capilla Brancacci. Florencia.
 En ella aparece una novedad: una perspectiva horizontal. A pesar de la
isocefalia, hay profundidad en el cuadro gracias al análisis de la luz
interpuesta entre las figuras de los distintos planos.
 Nos dice Vasari, que entre los Apóstoles que rodean a Jesús, el situado “en
último plano, en un autorretrato de Masaccio, pintado en el espejo tan bien,
que parece vivo”.

74. El Tributo de la Moneda. Capilla Brancacci. Florencia.
 Felipe Brancacci es un acaudalado comerciante de sedas que quiso decorar su
última morada con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro.
 Masaccio fragmenta el cuadro en tres escenas yuxtapuestas. En el centro Cristo es
requerido por el recaudador de impuestos de Cafarnaun para que pague el derecho de
portazgo antes de entrar en la ciudad. Entonces el Señor encarga a Pedro que pesque
un pez en el lago de Genezaret, (izquierda) en cuyas entrañas hallará la moneda
solicitada por el funcionario de Hacienda. A la derecha Pedro paga el impuesto.

75. Primeros
desnudos
del
Renacimiento pictórico, realiza
un
profundo
análisis
psicológico de los personajes,
de gran intensidad dramática,
remitiendo a modelos de la
Antigüedad.
Adán y Eva

76. La Trinidad. Iglesia de Santa María de
Novella, Florencia. Fresco.
 Utiliza un punto de vista muy bajo
para provocar un efecto ilusionista de
espacio en perspectiva (con María y
San Juan delante de la cruz, mantenida
por Dios Padre), acentuado al colocar
las figuras de los donantes arrodillados
en primer término, delante de la
supuesta arquitectura.

77. La Trinidad. Iglesia de Santa María de
Novella, Florencia. Fresco.
Se trata de una de las primeras pinturas
que hacen uso de la perspectiva lineal:
todas las líneas confluyen en un punto de
fuga, situada en la parte inferior central
del piso sobre el que se erige la cruz. La
composición está realizada desde el nivel
visual del espectador.

78. La Trinidad. Iglesia de Santa María de Novella,
Florencia. Fresco.
La escena viene presidida por la imagen de Dios Padre
quien elevado por encima de una repisa, se erige por
encima del resto de las figuras y pasa sus brazos por
debajo de la crus.
 Entre las cabezas del Padre y del Hijo se sitúa el
Espíritu Santo.
 La Virgen y San Juan se hallan a los pies de la cruz.
 En un nivel más bajo, se encuentran las figuras
arrodilladas y orantes que son los dos comitentes.
 En la zona inferior se simula la mesa de un altar. En su
interior hay un sarcófago sobre el que reposa un
esqueleto, símbolo de la muerte inevitable. La
inscripción que aparece sobre el esqueleto nos dice:
YO FUI YA LO QUE VOSOTROS SOIS,
VOSOTROS SERÉIS LO QUE YO SOY.

79. PIERO DELLA
FRANCESCA
Su pintura se basa en el estudio de la perspectiva y de la
luz. Consigue armonizar lo científico con la belleza de las
formas.
Sus figuras resultan monumentales y solemnes, muy
escultóricas, y un tanto estáticas. Sus proporciones e
indumentaria son clásicas. Se insertan perfectamente en
los marcos arquitectónicos o de paisaje en los que la luz
juega un destacado papel.
Obras: El sueño de Constantino, La Flagelación, El Bautismo
de Cristo y La virgen de Montefeltro

80. Retratos de Battista Sforza y de Federico de Montefeltro (1465-1466)

81. El sueño de Constantino

82.  La Flagelación, incluye dos escenas separadas entre sí por el pórtico de
inspiración clásica y la gruesa línea blanca del suelo.
 En la izquierda Pilatos contempla como Jesús es azotado por dos verdugos.
Un personaje con turbante y que da la espalda al espectador, observa el
castigo.
 La otra escena tiene lugar en primer plano y al aire libre: tres hombres

84.  Las dos figuras centrales de la composición son la de Jesús y la del joven del
grupo en primer plano. Ambos tienen los pies en una posición similar y están a
la misma distancia de la columna central, que es el elemento dominante de la
composición
 El suelo de ambas escenas esta realizado siguiendo las leyes de la perspectiva
lineal, con el punto de fuga junto al verdugo de la izquierda de Jesús.

85.  El grupo del primer plano recibe la luz desde la izquierda, mientras que en la
representación de la flagelación existen distintas fuentes lumínicas: el cuerpo de Cristo
recibe luz desde la derecha, des espacio existente entre las columnas; otra fuente de luz
es la puerta abierta detrás de Pilatos, que permite ver la escalera con gran claridad; el
techo iluminado justamente encima de Cristo delata la tercera fuente de luz.
 Sutiles juegos de luces y sombras –como el de la vestimenta del personaje con
turbante- revelan el virtuosismo del pintor.

86.  Estos tres personajes podrían
representar el arrepentimiento de Judas
(aunque no hay ninguna referencia a las
30 monedas) o a tres personajes
conocidos del artista.
La versión más aceptada considera al
grupo de la derecha como un símbolo de
la reunión de los gobernantes italianos
de la época para oponerse a la amenaza
que representaban los turcos. Esta teoría
concuerda con un texto del Salmo 2, que
parece que estaba inscrito en el marco de
la tabla: Convenerunt in unum (Se
hicieron uno).
 Por aquellos años Federico de
Montefeltro, posible comitente de la
obra, orientaba su política hacia una
nueva liga de los ducados italianos que
superara sus desavenencias.

87. El Bautismo de Cristo

88. Virgen de Montefeltro

89. BOTTICELLI
Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia y delicadeza de
su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.
Es el creador de un nuevo tipo de belleza femenina: cuerpos etéreos, ligeros,
rostros alargados, melancólicos y cabelleras sueltas y ondulantes
Recibió la influencia del neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las
ideas cristianas con las clásicas. El neoplatonismo es lo que inspira dos de sus
más famosos cuadros: El nacimiento de Venus, y La Primavera. En ambas le
interesa más recrearse en los ritmos lineales que crear unos personajes rotundos
y sólidos como los de Masaccio.

90. BOTTICELLI
 Para la villa de Castello, propiedad de Lorenzo de Pierfrancesco, sobrino de
Lorenzo “el Magnífico”, realiza dos cuadros singulares: La Primavera y El
nacimiento de Venus, que simbolizan respectivamente el “Amor” y la “Belleza”.

91. La Primavera (Uffizi, Florencia)
 La Primavera es un horóscopo destinado a celebrar las bodas de su propietario,
Lorenzo de Pierfrancesco. Ante un bosquecillo de naranjos y flores, Venus que es la
divinidad tutelar de la educación humanista, libera por una parte a las Gracias, que bailan
a su derecha junto a Mercurio, y, por otra, a Flora, situada a la izquierda, que es producto
de la unión carnal entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris. “Fui una vez llamada Cloris y
ahora me llaman Flora” aclara Ovidio.
 Por lo tanto, Botticelli ha representado la doble naturaleza del amor: la gracia de las
artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño; o si se prefiere, la
novia al mismo tiempo casta y sensual, que siempre hará feliz al esposo.

92. La Primavera (Uffizi, Florencia)

93. La Primavera (Uffizi, Florencia)
 Destaca el gran formato de la obra (203 cm X 314 cm), lo
relacionan con los tapices.
 En el cuadro aparecen varios personajes relacionados con la
mitología clásica, pero no representan ninguna escena que se narre
en lo textos mitológicos. Por ello, se piensa que en realidad se
trata de una alegoría, que puede tener distintas interpretaciones.

94. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Mercurio, que alza su mano derecha hacia las nubes,
portando el caduceo, para dispersar las nubes. En la
cabeza lleva un casco y porta una espada en el cinturón, lo
cual puede relacionarse con su función de guardián del
jardín de Venus. Se calza con sandalias aladas.

95. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Las tres Gracias. Eran mujeres jóvenes, servidoras de Venus.
Representaban el placer, la castidad y la belleza. Se visten con ropas
muy ligeras

96. La Primavera (Uffizi, Florencia)
 Destaca el gran formato de la obra (203 cm X 314 cm), lo relacionan con los tapices.
 En el cuadro aparecen varios personajes relacionados con la mitología clásica, pero no
representan ninguna escena que se narre en lo textos mitológicos. Por ello, se piensa
que en realidad se trata de una alegoría, que puede tener distintas interpretaciones.
 Mercurio, que alza su mano derecha hacia las nubes, portando el caduceo, para
dispersar las nubes. En la cabeza lleva un casco y porta una espada en el cinturón, lo cual
puede relacionarse con su función de guardián del jardín de Venus. Se calza con sandalias
aladas.
 Las tres Gracias. Eran mujeres jóvenes, servidoras de Venus. Representaban el placer,
la castidad y la belleza. Se visten con ropas muy ligeras

97. La Primavera (Uffizi, Florencia)
 Venus. Es el personaje central de la
composición y queda enmarcada por una especie
de claro que se abre en el bosque que tiene a sus
espaldas.

98. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Cupido. Se sitúa sobre la cabeza de Venus y tiene su arco
preparado para lanzar una de sus flechas.


99. La Primavera (Uffizi, Florencia)
 Flora. Diosa de la Primavera, aparece vestida con un traje
estampado y esparciendo flores.

100. La Primavera (Uffizi, Florencia)
La ninfa Cloris y Céfiro. Esta escena recoge el momento en que Céfiro, dios del
viento, atrapa a la ninfa Cloris, de cuya boca salen flores.
Los personajes se disponen sobre un bosque que sirve de telón de fondo.
Entre la vegetación destacan los naranjos, árboles relacionados con la familia
Medici: un mirto, planta que se atribuye a Venus, y laureles.
 Esta obra destaca, entre otras cosas, por la minuciosidad a la hora de tratar
detalles, por ejemplo en las joyas y en los adornos del pelo de las Gracias.

101. Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos de Urano al contacto con el
mar, cuando fue castrado por Zeus. Y Ficino interpretó esta leyenda como el
nacimiento de la Belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la
divinidad.

102.  Botticelli –advierte Vasari-, “hizo desnudos femeninos; de entre ellos pueden
verse hoy en la Villa del Castello dos cuadros; en uno está representado El
nacimiento de Venus saliendo de las aguas, que impelida por las brisas y los vientos,
llega a la tierra rodeada de amorcillos”.
 A la derecha, Céfiro, el viento de la primavera, ha abrazado a la inocente ninfatierra Cloris. Tras la unión surgen flores de su aliento y queda transformada en Flora,
que a la derecha ofrece una túnica a Venus.
 El tema está inspirado en los Fasti de Ovidio, que canta: “Fui una vez llamada
Cloris y ahora me llaman Flora”.
El Nacimiento de Venus .

104.  Las cuatro figuras que componen el cuadro, dos de ellas entrelazadas, provocan un
juego de fuerzas que se contrarrestan y proporcionan movimiento y tensión a la escena.
 Los vientos soplan sobre Venus, que se yergue sobre una pierna que le sirve de punto
de apoyo, mientras la otra queda libre siguiendo el modelo de la estatuaria griega.
Equilibra el lado derecho del cuadro la Primavera, que se apresura a cubrir a Venus con un
manto.

105.  Un examen atento de Venus revela un
cuello demasiado largo, un brazo que se
dobla de manera poco natural y unos
hombros excesivamente estrechos y caídos.

106.  La interpretación mitológica da paso a las interpretaciones neoplatónicas del mito de
Venus que, como miembro del círculo de los Medici, Botticelli conocía y compartía. No
es una simple exaltación de la belleza femenina, sino una alusión a la fuerza del amor en
el conjunto de la naturaleza.
 El cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen sobre la diosa hacen referencia
al amor, pues implican alegría, pero también dolor con sus espinas: la concha se refiere a
la fertilidad; la guirnalda de mirto que lleva la Primavera simboliza el amor eterno.

107.  El cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen sobre la diosa hacen
referencia al amor, pues implican alegría, pero también dolor con sus espinas:
la concha se refiere a la fertilidad; la guirnalda de mirto que lleva la Primavera
simboliza el amor eterno.

108. La calumnia,

109. Historia de Nastagio degli Onesti

114. Virgen del Magníficat

115. Virgen del Magníficat
 El título del cuadro proviene de lo
que la Virgen está componiendo,
guiada por la mano del Niño: el salmo
que comienza “Magnificat", sobre un
libro de pergamino.
 En el brazo de la Virgen está el Niño,
que observa a la madre, mientras con la
mano izquierda aferra una granada,
símbolo de la resurrección.
La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de
Florencia desde 1492. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de
Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de
Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María,
mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la
parte trasera: Bianca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido
sería la hija de Lorenzo, Lucrezia de Medici.