Cuadernillo de Prácticos BI y II-2012

Historia de las Artes Visuales I- Plástica
Cuadernillo de trabajos prácticos
Año 2012

Formas de aprobación de la materia presencial
Actividad propuesta:
1. Entrega en tiempo y forma de todos los trabajos prácticos de la
cursada regular;
2. Elaboración de powerpoint que contengan material conceptual y
ejemplificador de cada bloque: utilización de tablas temporo-
espaciales, establecimiento y explicación de conceptos eje de bloque
y análisis de ejemplos para cada tipo de manifestación.
3. Elaboración de un trabajo integrador en formato powerpoint que
recorra el contenido total de la materia, estableciendo las diferentes
metodologías de abordaje de la obra de arte planteadas desde la
cátedra.
Si alguno de los ítems anteriormente expuestos no son debidamente
cumplimentados, el alumno deberá rendir examen escrito de cada uno de
los bloques que no cumplimentara.

Entregas:
1. Los powerpoint de cierre de bloque se entregarán en las clases prácticas
en las siguientes fechas (sin excepción):
a) Bloque I y II A: 17-05, realización de un informe grupal (no más de 3
alumnos) de la defensa de powerpoint a partir de las correcciones del
docente. (24-05)
b) Bloque II B y III: 28-06, realización de un informe grupal (no más de
3 alumnos) de la defensa de powerpoint a partir de las correcciones
del docente. (05-07)
2. Powerpoint integrador: presentación 05-07 y breve defensa individual
los días 11 y 12-07 en forma individual. Recuperatorio escrito u oral el
08-08

1

BLOQUE I: LA OBRA DE ARTE COMO MATERIALIZACIÓN DEL MITO.
El proceso artístico en la red de sentido del pensamiento mítico.

Clase práctica N°1: Introducción al eje temático (12-04)
Objetivos:
 Abordar el concepto de “lo sagrado” desde la perspectiva de Mircea Eliade.
 Comprender los conceptos de espacio sagrado y espacio profano para
poder abordarlos en los siguientes bloques temáticos.
 Conocer la estructura y función del mito.
 Iniciar un acercamiento al mito como lenguaje simbólico.
 Establecer los vínculos entre mito, acción ritual y tiempo.

Textos:

1. Eliade, M. 1998 (1957), Lo sagrado y lo profano. España, Paidós. Introducción,
Cap. I y Glosario.
2. Eliade, M. 1991 (1963), Mito y Realidad. Barcelona, Labor. Cap. I La estructura
de los mitos y Cap. II Prestigio mágico de los “orígenes”.
3. Fromm, E. 1972 (1951), El lenguaje Olvidado, Buenos Aires, Hachette. I
Introducción, II Naturaleza del lenguaje simbólico.

Comentario sobre la bibliografía:
Estos tres textos fundamentan el eje conceptual especificando los
conceptos de mito, acción ritual, espacio sagrado, espacio profano, símbolo
y lenguaje simbólico.
Los tres nos van a llevar a la conclusión que el lenguaje simbólico es un
lenguaje inherente al ser humano, con una lógica específica que se
diferencia de la lógica aristotélica occidental. Que el arte y el mito utilizan
el lenguaje simbólico. Por ello, se relacionan en el proceso artístico que se
desarrolla en una red de sentido mítica y sagrada, actúa como elemento
que hace presente al mito a partir de la acción ritual.
LOS TRES TEXTOS FUNDAMENTAN LA HIPÓTESIS QUE CONSTRUYE EL
EJE. EL PROCESO ARTÍSTICO EN EL MARCO DEL PENSAMIENTO
MÍTICO, CONSTRUYE UNA RED DE SENTIDO BASADA EN EL MITO
DONDE LA OBRA DE ARTE ACTÚA COMO MITO MATERIALIZADO, Y EL
MITO SE HACE PRESENTE A TRAVÉS DE LA ACCIÓN RITUAL QUE
UTILIZA LA EXPERIENCIA ESTÉTICA PARA CONFORMAR, COMUNICAR Y
VALIDARSE COMO COSTRUCTOR DE MUNDO.

Actividad:
Realizar un mapa conceptual que presente las relaciones que existen
entre los textos de clases prácticas.

Fecha límite de entrega: 19-04

2

Clase práctica N°2: La materialización mitológica en la Prehistoria: las
cuevas. (19-04)
Objetivos:
 Ubicar en tiempo y espacio el fenómeno artístico tratado en este práctico.
 Reconocer la complejidad de la producción paleolítica a partir del concepto
de dispositivo parietal.
 Comprender el aspecto simbólico de las producciones parietales.
 Conocer los alcances del desarrollo artístico del hombre paleolítico,
descubiertos hasta ahora.
 Establecer los vínculos entre mito, acción ritual y obra.

Textos:
1. Groenen, M. 2000 Sombra y luz en el arte paleolítico, Barcelona, Ariel (1ª edic. en
francés, 1997). Introducción y capítulos 5 a 12.
2. http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/es/

Este texto analiza de modo fenomenológico la experiencia artística. Lo interesante
aquí es que la dimensiona como proceso. El arte no está en la forma o el
significado de la obra, no está en el artista que la realiza, sino que eso toma
sentido en la experiencia fenomenológica del observador-público. Por eso, se
tienen que activar los tres elementos (obra, artista y observador), el sentido es
dinámico y se construye desde la experiencia espacial (no es lo mismo la obra en
la caverna que en un lugar de luz, no es lo mismo en un soporte bidimensional
que en la roca de la caverna, no es lo mismo a plena luz que a partir de la luz de
la antorcha.
La obra se con construye entre el artista, el entorno espacio-temporal, el
fenomenológico y el público-observador.
GROENEN NOS PERMITE ANALIZAR EN EL ARTE PALEOLÍTICO EUROPEO LA
HIPÓTESIS DE ENTENDER EL ARTE COMO PROCESO SITUACIONAL Y
RELACIONAL QUE PARTE DE LA EXPERIENCIA FENOMENOLÓGICA
MULTIDIMENSIONAL Y MULTISENSORIAL.
EL PENSAMIENTO OCCIDENTAL MODERNO TIENDE A REDUCIR LOS
CONCEPTO A LEYES CONSTANTES Y UNIVERSALES. GROENEN MUESTRA EN
EL EJEMPLO DEL ARTE PALEOLÍTICO JUSTAMENTE LO CONTRARIO DE LA
EXPERIENCIA DEL PROCESO ARTÍSTICO.
Actividades:
1. Realizar una tabla de ubicación temporo-espacial (línea de
tiempo) sobre los ejemplos citados en los textos.
2. Redactar un informe en el que se explique por qué la noción de
dispositivo parietal planteada por Groenen engloba también, las
nociones de mitología, vivencia de lo sagrado y lenguaje
específico. Analizar una obra paleolítica de las nombradas en el
texto.

3

Clase práctica N°3: Iconografía del tejido andino como “imago
mundi”. Cosmovisión y arte chamánico. (26-04)
Objetivos:
 Comprender que la construcción de una pieza textil puede analizarse
como una producción en la que sus hacedores manifiestan su
cosmovisión.
 Establecer los vínculos entre mito, acción ritual y obra.

Textos:
1. AAVV. 2006. Awakhuni Tejiendo la Historia Andina. Museo de Arte Precolombino
de Chile 2006. pp11-85
2. Arnold, D.. 2000. Convertirse en persona. El tejido: La terminología aymara de un
cuerpo textil. ACTAS DE LA I JORNADA INTERNACIONAL SOBRE TEXTILES
PRECOLOMBINOS. Universidad Autónoma de Barcelona


Esta bibliografía analiza un caso en el mundo de la América Antigua
vinculado al tejido andino.
El texto de autores varios Awakhuni Tejiendo la Historia Andina es un
raconto histórico general del tejido andino en las culturas más importantes
de esa área cultural, las técnicas y herramientas principales y los
principales temas iconográficos, como así también su vínculo de sentido-
función con el pensamiento mítico y el orden social que se consolida a
partir de ese fundamento y que se materializa en los temas y formas del
tejido.
El texto de Arnold Denise presenta una explicación del sentido del mito en
la acción de confeccionar el tejido. Por tanto, presenta la acción ritual que
provoca la materialización del mito a través de la obra.
Por otro lado, el texto de Martínez Sarasola nos introduce, con ejemplos y
definiciones, a la comprensión de la cosmovisión indígena americana,
centralizando su análisis en cinco ideas centrales o principios: la totalidad,
la energía, la comunión, la sacralidad y el sentido comunitario de la vida.

EN EL MARCO DE ENTENDER EL CONCEPTO TEÓRICO DEL ARTE
COMO PROCESO, EN ESTE CASO SE OBSERVA EL CIRCUITO ARTISTA-
OBRA Y SE PRESENTA LA HIPÓTESIS QUE:
LA RED DE SENTIDO DEL PENSAMIENTO MÍTICO ABARCA TODAS LAS
ETAPAS DEL PROCESO ARTÍSTICO.

4

Actividades:
1. Realizar una tabla de ubicación temporo-espacial (línea de tiempo)
sobre los ejemplos citados para clases teóricas y prácticas.
2. Construcción de un mapa conceptual –en grupo- en el que se
consignen los conceptos principales de LLAMAZARES, Ana María y
MARTÍNEZ SARASOLA, Carlos; y se ponga en relación el papel del
tejido andino (explicado en Arnold, Denis) con los 5 pilares de la
cosmovisión de las culturas chamánicas.
3. Realizar un informe vinculando los conceptos de mito, acción ritual y
obra en un tejido andino.


5

Clase práctica N°4: Pensamiento mítico y logos en relieves y
esculturas del Partenón. (03-05)
Objetivos:
 Analizar el proceso de transición del sentido de la obra de arte de mito
materializado a alegoría, en el marco del nacimiento del pensamiento
filosófico griego y la sociedad de la polis
 Identificar los estilos de la escultura griega a partir de la hipótesis
propuesta por E. Gombrich y J.J. Pollit.

Textos:
1. Pollit, J.J., 1984 Arte y experiencia en la Grecia Clásica, Xarait,
Bilbao, (1ª ed. en inglés: 1972). Prólogo, Caps. 1 y 3.
2. Gombrich, Ernst: (1954), Arte e ilusión, Estudio sobre la psicología
de la representación, Barcelona, Gustavo Gilli, 1979; segunda parte,
cap. IV, pp. 112-137.


Aquí (en el texto de Pollit, J.J.) se elige el desarrollo estilístico y del sentido
de la escultura griega entre el período arcaico y clásico, que coincide con el
desarrollo en la polis de proceso de aparición del pensamiento filosófico.
En el análisis estilístico e iconográfico de las esculturas y relieves de
templos se puede observar esta transformación.

En el texto de Gombrich, por otro lado, se plantea la hipótesis siguiente: El
modelo mimético del arte griego es la materialización del modo de pensar y
construir mundo que tiene esta cultura, basado en una mentalidad
teorética y descubridora, que se traduce en lo estilístico en un modelo de
adecuación con lo real basado en el proceso de esquema y corrección. Ese
proceso que se observa en el desarrollo estilístico, en la escultura arcaica-
clásica y en los ciclos iconográficos de los relieves escultóricos de templos
emblemáticos como el de Zeus en Olimpia y el Partenón en Atenas.

Este proceso de humanización escultórica es en parte equivalente a la
“antropogenia” que se observa en la tragedia, con la diferencia que,
mientras en la tragedia surge una pregunta acerca del destino humano
y de la polis, que de algún modo es parecido a cómo se desarrolla el
programa iconográfico del altar de Zeus en Olimpia, en el programa
iconográfico del Partenón presenta una glorificación del pueblo de
Atenas con sentido conmemorativo. Por eso se habla de un mito
socio-histórico.

6

Actividades:
en la que se consignen los cambios sobre el uso y función de la
escultura griega.
2. Realizar un informe comparativo desde el indicador estilístico y el
iconográfico de los frontones o frisos-metopas del Templo de Zeus en
Olimpia y el Partenón de Atenas, aplicando las hipótesis de trabajo
de los textos de Gombrich y Pollit.


7

BLOQUE II A: LA CONSTRUCCIÓN DEL SENTIDO DE LA OBRA DE
ARTE COMO ALEGORÍA.
El proceso artístico como operatoria de producción y observación
analítica racional.

Clase práctica N°5: La obra de arte como alegoría.
Objetivos:
 Analizar el pasaje de construcción de sentido de la obra de arte como
alegoría a partir del período helenístico griego.
 Comprender en la alegoría la convivencia de dos aspectos que la fundan:
lo visual y lo conceptual.

Textos:
1. Preaux, C. (1978). El mundo helenístico. Grecia y Oriente. Ed.
Nueva Clío, Barcelona, 1984, Tomo II, Cap. V, pp. 407-427.
2. Kunze Max. (1991). El gran altar de mármol de Pérgamo. Su
redescubrimiento, su historia y su reconstrucción. Museo del
estado de Berlín.
3. Onians, J. 1996. Arte y pensamiento en la época helenística, Madrid,
Alianza Forma. Cap. II

En el ejemplo de este caso se muestra la aplicación del nuevo sentido-función de
la obra en el programa de construcción de la dinastía Atálida en la ciudad de
Pérgamo, especialmente en la obra del Gran Altar. Allí se puede comparar las
similitudes con el conjunto escultórico del Partenón y las diferencias tanto de
estilo como del modo de comunicar el significado. En el altar de Pérgamo, si bien
el tema de los relieves son mitos y el marco de referencia es sagrado, el relato
responde al concepto de resaltar valores abstractos como la legitimidad de origen
y hazañas de acciones de una dinastía. El mito pasó de ser significado a tema
y el significado pasó a ser concepto abstracto tomado de los valores estoicos
presentados tanto en el estilo como en la iconografía. El arte se hace
conmemorativo.

El texto de Preaux dimensiona la situación social y cultural que dio lugar al
cambio de pensamiento.

Actividad:
1. Realización de un cuadro conceptual en el que se consignen los
elementos que ayuden a enmarcar el concepto de Alegoría.
2. Realizar un análisis de obra escultórica del período griego que
explique la operatoria de la alegoría, teniendo en cuenta los
elementos trabajados por los autores del práctico.


8

Clase práctica N° 6: La alegoría en el período imperial romano
Objetivos:
 Analizar la construcción de sentido de la obra de arte como alegoría en el
proceso de formación del Imperio Romano
 Ejemplificar dicho proceso a partir de las producciones artísticas
vinculadas a las figuras de Augusto y de Trajano.

Textos:
1. Zanker, P. 1992. Augusto y el poder de las imágenes. Alianza Forma,
Madrid, Cap. IV: El programa de renovación cultural
2. Bianchi Bandinelli, R. 1969. Roma centro del poder. “La formación
de un arte imperial”., págs.. 223 a 275. Colección el Universo de las
Formas. Aguilar. Madrid
3. Davies Penélope. (Original inglés 1994). Las políticas de
perpetuación. La columna trajana y el arte de la conmemoración.
Traducción Molina Laura y Andruchow Marcela. 2010. Cátedra
Historia del arte I (Paleolítico, Neolítico, Antigüedad Clásica) FBA
UNLP. Artículo que nace de la disertación doctoral “Politics and
Design: The Funerary Monuments of the Roman Emperors from
Augustus to Marcus Aurelius (c. 28 B.C.-A.D. 193)”, Universidad de
Yale, 1994. Fuente:
<http://web.mac.com/rhondataube/iWeb/Rhonda%20Taube/Art%
206%20HONORS_files/Davies%20Trajan%27s%20Column.pdf>,
[febrero de 2010].

Aquí se presentan dos casos de cambio de paradigma en el proceso artístico
referido al ámbito público de la cultura romana. Un refiere al modo como se
materializó en la producción artística el programa de renovación cultural de
Augusto (Zanker) y en los otros el perfeccionamiento de ese arte
conmemorativo en la época de consolidación del imperio, especialmente en el
período de Trajano, a partir del ejemplo de su Columna, tanto desde el punto
de vista de lo iconográfico y estilístico (Bianchi Bandinelli) como su
emplazamiento (Davies Penélope)

Actividades:

en la que se consignen los ejemplos artísticos citados en los textos
de clases teóricas y prácticas con respecto a la obra artística
romana.

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2. Realizar un informe analizando una obra del período Augustal o
Imperial de Trajano a partir del indicador iconográfico alegórico y la
función conmemorativa.


10

BLOQUE II B: LA CONSTRUCCIÓN DEL SENTIDO DE LA OBRA DE
ARTE COMO ALEGORÍA.
La obra de arte como mediación discursiva del signo alegórico y del
dogma.

Clase práctica N°8: Nacimiento de la estética medieval
Objetivos:
 Constatar el mantenimiento del sentido de la obra de arte como alegoría,
en este caso, como materialización del dogma.
 Identificar las características formales del arte Paleocristiano y bizantino.

Textos:
1. LAGRECA, Lía, 2003, Ubicación y temática de los mosaicos de la
iglesia de San Vitale, Ravenna. Texto de circulación interna de la
Cátedra.
2. Bibliografía temática complementaria: BECWITH, John: (1997) Arte
paleocristiano y bizantino, Madrid, Cátedra; Cap. 5, pp. 113-158

Desde una descripción específica de una iglesia (San Vitale) se analiza el
programa iconográfico para ejemplificar el proceso de materialización del
dogma y de hacer visible lo invisible a partir de una mediación discursiva
alegórica.

Actividad:
(abierta a inclusiones posteriores) en la que se consignen los ejemplos
de obras artísticas del período medieval y sus respectivos tipos de
lectura (según planteo de cátedra).
2. Definir en plenario junto al docente el concepto de dogma.
3. Realizar un informe en el que se responda al siguiente interrogante
¿Cómo y que representan la imágenes de la Iglesia de San Vitale?


11

Clase práctica N°9: La alegoría en la obra de arte islámica
Objetivos:
 Identificar el carácter alegórico de la imagen islámica.
 Establecer las relaciones de este arte abstracto/geométrico con el
concepto de lo divino.

Textos:
1. GRABAR, Oleg. 1980. La Alhambra. Iconografía, formas y valores.
Aguilar Madrid. Cap III y Conclusión.
2. CORRECHER, Consuelo. Un punto de partida antijardín: el oasis.
Los ocultos jardines del Islam. Revista “El jardín en la Argentina”
Año 8 Nº 30. p. 38/41
3. Jardines paradigmáticos del mundo medieval. Los hispano-
islámicos. Revista “El jardín en la Argentina” Año 8, Nº 31. p.
32/36.
4. PÉREZ GÓMEZ, Rafael, 2004, Un matemático pasea por la
Alhambra, Semana europea para la Ciencia y la Tecnología,
Departamento de matemática aplicada, Universidad de Granada


En esta clase se analiza el proceso artístico islámico a partir del caso de la
Alhambra. La alegoría a analizar es la unidad y multiplicidad de Alá que está
en todo y como este concepto adquiere materialidad a partir de una alegoría
centrada en la decoración de tramas geométricas centradas en los modelos
cristalográficos representados en la pintura mural y en la experiencia visual,
olfativa y auditiva de los jardines.

Actividad:
1. Ubicar en la tabla temporo-espacial (línea de tiempo) realizada en la
clase anterior, los ejemplos que corresponden a la obra islámica.
2. Realizar un informe en el que se responda a los siguientes
interrogantes ¿Por qué se puede decir que la “decoración” en la obra
islámica es también una alegoría del dogma? ¿De qué manera se
lleva adelante la alegoría? Explicar a partir del análisis de una
pintura mural o los jardines de la Alhambra el proceso alegórico.


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