El documento presenta información sobre varios artistas y obras de arte. Brevemente, describe una pintura de Henri Matisse en la que utiliza colores puros y arbitrarios para crear la imagen de su esposa, también habla sobre el pintor abstracto Wassily Kandinsky y su obra "Arco Negro" que carece de tema o composición aparente y se centra en manchas de color, y por último analiza la escultura de Constantin Brancusi "Pájaro en el espacio" que reduce la forma del animal al máximo para capturar su movimiento ascendente.

2. “El arte no
reproduce lo
visible; lo hace
visible” Paul Klee.

5. Henri Matisse. "La raya verde". 1905, Copenhague

6. Es el retrato de Amèlie Parayre, la
esposa del pintor Henri Matisse(1869-
1954). En la época en que fue pintado,
ambos llevaban ya varios años casados.
Dentro del fauvismo, Matisse
representa la tendencia hedonista, la
que refleja la alegría de vivir.
Matisse dejó claras sus ideas acerca de
la importancia del color en esta
sentencia: "cuando pongo verde, no
es yerba; cuando pongo azul, no es
el cielo. Se trata de un tema de gran
sencillez, el rostro de una mujer vista de
frente, realizado con gran economía de
medios y basado en el uso y la
combinación de tonos puros: amarillo,
rojo y azul, elegidos arbitrariamente
En realidad no estamos viendo a la
señora del pintor, sino la imagen que
éste crea de ella a través del empleo de
esos colores tan vivos, tan contrastados
unos con otros que, pese a la
arbitrariedad en su elección, crean un
conjunto que nos demuestra el afán del
artista por pintar dando una primacía
absoluta al color.

7. La línea verde que da nombre al
cuadro, divide el rostro en dos bajo el
cabello y da luminosidad y relieve por
la combinación de los colores: la masa
de los cabellos negros con reflejos
azules-morados encuadra el rostro,
cuyos tonos amarillentos en la parte
derecha y rosados en la parte izquierda
se realzan a través de los trazos
negros azulados de las cejas, de los
contornos de una parte del perfil y del
rojo del vestido. Es una pintura
figurativa, pero muy antinatural debido
al empleo arbitrario del color, sin
ninguna función descriptiva.
La clave de la obra de Matisse está en
el orden, entendido como claridad en la
forma. Sus cuadros tienen
composiciones simples y claras. Este
sentido del orden lo aprendió de las
obras de Cézanne. Para realizar un
cuadro, Matisse, tenía primero una
clara visión en la mente, luego venía la
elección de los colores basada en la
observación, en el sentir y en la misma
naturaleza de cada experiencia

8. No hay modelado ni profundidad, son
aspectos que no interesan al pintor. La
composición, en este caso muy simple,
está en función de los planos de color.
Lo más destacable de este lienzo
es, pues, el color y su forma de
combinarlo consiguiendo dar calor y
cuerpo al rostro de la mujer al colocar la
línea verde que resalta los tonos
amarillos y rosados de las mejillas.

9. El grito. Munch. Expresionismo.

13. Wasily Kandinsky.
Arco Negro. Grupo El
Jinete Azul dentro del
expresionismo

14. Wasily Kandinsky(1866-1944) nació en Rusia, podemos
considerarlo como un europeo cosmopolita. No en balde,
viajó ampliamente por el continente y acabó teniendo la
nacionalidad alemana. Su trayectoria, no se limita
exclusivamente a la pintura; estudió Derecho, fue profesor
(dio clases en la Bauhaus) y escritor, autor de dos
grandes obras sobre la teoría del arte.
En 1910 Kandinsky da a conocer su "primera acuarela
abstracta". Se da así un paso absolutamente novedoso en
la historia de la pintura: el objeto, cualquier objeto,
desaparece del cuadro. De esta manera la pintura alcanza
una absoluta autonomía. Ya no depende de la naturaleza,
ni de la realidad, ni de las personas; sólo de la voluntad
del artista, de su mundo interior, de su estado de ánimo.
Para Kandinsky, es la libertad absoluta del creador.
Un año más tarde, Kandinsky participa en Munich en la
creación del grupo "El jinete azul", cuyo nombre se debe,
precisamente, a una de sus obras. Mientras, sigue
experimentando en el abstracto, creando obras diversas,
a las que llama impresiones, improvisaciones y
composiciones, según el motivo que las inspira. En todas
ellas encontraremos líneas gruesas, manchas de color,
algunas formas geométricas y, en ocasiones, una tímida
presencia de lo figurativo, más evocativa que real.
Los primeros pasos de Kandinsky serán en
el Expresionismo, que propugna que lo único
importante en el arte, no era la imitación de la
naturaleza, sino la expresión de los sentimientos a
través de una selección de líneas y colores. A partir de
ello, Kandinsky llegó a la reflexión de que ¿no sería
más puro el arte suprimiendo todo lo referente al tema,
a la naturaleza, y basarse únicamente en la creación
de efectos de color y de forma?
Ese fue el punto de partida que inspiró a Kandinsky
para llegar al arte abstracto.

15. Predominan las manchas de color enmarcadas
entre las que se destaca
“el arco negro”, que da nombre a la obra
también aparecen otras líneas negras no
relacionadas entre si. Los colores son muy
subjetivos. Se armonizan primarios y
secundarios aunque predomina una tonalidad
suave. Además los colores hacen las líneas. En
la obra no existe tema ni composición aparente,
ni tratamiento de la luz. Esto se debe a que
estamos ante una auténtica abstracción.,
dominada por tres formas que parecen a punto
de chocar. La línea curva negra no une las
formas, acentúa más la tensión entre ellas, igual
que la mancha roja entre las formas violeta
oscuro y azul. Las formas parecen girar
Alrededor del centro con un movimiento
violento. La coexistencia y confrontación de los
colores y las formas se desencadena por la
forma violeta.
Kandinsky quiere representar el mundo
espiritual a través del color y la línea

17. Las señoritas de Avignon. Picasso
Tal vez se trate de un
burdel, aunque tomó
como modelo de una
de ellas a Fernande,
su pareja durante
siete años, con la cual
tuvo una relación
tormentosa.

31. El Profeta. Pablo Gargallo. 1933. Cubismo

33. Relojes blandos. Dalí. 1931. Surrealismo.

42. Pájaro en el espacio de Brancusi es una figura de tamaño
medio realizada en bronce patinado de dorado, apoyada en una
peana en la que se combina un pequeño cilindro de piedra
calcárea y un prisma de planta cuadrada de madera.
La escultura del siglo XX se va a caracterizar por buscar
establecer nuevas relaciones entre la forma escultórica y el
espacio en el que ésta se sitúa.
Uno de los puntos de partida de este interés se encuentra en la
obra fundamental de un artista difícilmente adscribidle a ningún
movimiento artístico contemporáneo como es el rumano
Constantin Brancusi. El acabado de la forma ahusada y
apuntada , incluso podríamos decir “ aerodinámica”, en este
caso es absolutamente minucioso, pulido y brillante, y es una
constante en los demás trabajos de Brancusi. De este modo,
Brancusi consigue remarcar esa fluidez con la que la forma
parece ascender por el espacio. El tratamiento uniforme pero
algo más rugoso de la superficie del cilindro de piedra en la que
apoya contribuye también a subrayar dicha fluidez .
Aquí, como en otras obras semejantes, Brancusi reduce la forma
del animal y de su movimiento en el espacio, eliminando lo
superfluo (renunciando incluso a la representación de las alas
del pájaro), estilizándolos al máximo hasta convertir la esbelta
forma escultórica en concreción esencial del dinamismo del
movimiento ascendente del vuelo del pájaro y de su cuerpo en el
espacio.
.La forma, establece una nueva relación con el espacio que le
rodea por el que parece adentrarse dinámicamente.

43. Formas únicas de continuidad en el espacio. Boccioni. 1940. Futurismo
En su escultura Formas únicas de continuidad en el espacio el
artista plasma a representación de una figura humana
en pleno movimiento, los elementos del cuerpo no son
claramente discernibles pero por el contrario se aprecia
con precisión la fuerza del viento que golpea la figura,
la sensación de inestabilidad y el movimiento. Parece
que Boccioni haya fusionado en un solo cuerpo el
hombre, los ropajes, el dinamismo y el viento.
Las formas cóncavas y convexas han sustituido el
rostro de la singular escultura, los brazos han sido
eliminados y pese al rechazo del artista por la escultura
clasicista parece ser que en esta ocasión Boccioni ha
pretendido una revisión de una de las obras
clasicistas por excelencia, la famosísima Victoria
de Samotracia. No en vano, en ambas esculturas
encontramos la agitación y movimiento producido por el
viento pero si en la obra helenista los paños se pliegan
y retuercen debido a la fuerza del viento, en la obra
futurista hay una fusión total de los elementos.
La velocidad y el dinamismo se combinan en esta
modernísima escultura con un nuevo elemento, el
tiempo. La modernidad es la clave del futurismo y
Boccioni lo mantiene presente en cada una de las
obras que realiza.