Este documento contiene información sobre cómo el formato de una imagen, ya sea su tamaño, orientación u otras características, puede afectar su composición interna. Se analizan ejemplos de pinturas donde se ilustra cómo el formato rectangular horizontal o vertical influye en la distribución de los elementos dentro de la obra. También se explica que el formato puede separar a la imagen de lo que la rodea y ayudar a controlar su composición.

1. Esta presentación contiene imágenes y
animaciones configuradas en el programa
Power Point versión Office 2000. Si lo
visualiza con otras versiones dicho
contenido puede variar

2. bloque 3
Composición de la
imagen:encuadres y
formatos

3. Has pensado,¿cuántas
formas puede tener una
pintura?

4. James Abbott
Mac Neill
Whistler,
Composición en
gris y negro
(Retrato de la
madre del
pintor), 1871,
óleo sobre
tela, Museo
d’Orsay,París.
casi siempre son
rectangulares

5. André Derain, Arlequín y
Pierrot, c. 1924, óleo
sobre tela, Museo de
l’Orangerie, París
aunque también las
hay cuadradas,

6. Sandro Botticelli,
Virgen del Magnificat,
c. 1485, témpera sobre
madera, Galería de los
Oficios, Florencia.
redondas...

7. e incluso
irregulares.

8. En este bloque aprenderemos
cómo influye el formato
sobre la composición de
una imagen.

9. Pero,¿qué es el
formato?

10. Formato = la forma del
espacio en que está
plasmada una imagen;
Formato = al tamaño
absoluto o real de la
imagen.

11. Las primeras
imágenes fueron
pintadas en cuevas,

12. o sobre muros de
palacios,
tumbas, templos,
etc.

13. Así, la forma de
estas imágenes se
adaptaba al lugar
donde eran pintadas.

14. Más tarde, las
pinturas formaron
parte de retablos y
altares

15. Y, finalmente, se hicieron
en soportes independientes
a fin de transportarlas y
poder colocarlas en
cualquier sitio.

16. ¿Qué funciones tiene el
formato?
•Separa a la imagen de lo
que le rodea, es decir, la
“encuadra”.
• Permite controlar la
composición.

17. A continuación haremos un
recorrido al
interior de varias
pinturas,para ver qué
sucede en su
interior.

18. rectángulos
horizontal
es

19. Cuando se realiza una imagen
de formato rectangular hay
que tener en cuenta dos
aspectos:
• Su orientación
• Sus proporciones

20. Por orientación se
entiende si el lado más largo
del rectángulo está colocado
en el sentido
horizontal o
vertical.

21. Ambas orientaciones tienen
efectos muy distintos sobre
la manera en que vemos una
imagen.
Analicemos algunos ejemplos.

22. Francisco de Goya
(español), La maja
vestida, 1800-05
óleo sobre tela, 95
x 188 cm, Museo del
Prado, Madrid.
La maja vestida
GOYA es considerado hoy en día como un artista innovador, cuyo personal
estilo influenció a varios pintores posteriores. Este retrato es uno de los
más célebres y misteriosos de toda su producción, y asimismo, uno de
los más originales.
El formato de la pintura está formado por dos cuadrados unidos, no
obstante, vemos que la composición es asimétrica, pues el peso visual
está cargado en el extremo derecho, mientras que el vacío de la izquierda
lo compensa y equilibra.
El cuerpo de la modelo impone un sentido diagonal a la mirada, que
después de recorrer la anatomía queda fijada en el rostro enmarcado por
los brazos, dispuestos en forma de triángulo.

23. Edgar Degas
(francés), La
clase de danza,
hacia 1879, óleo
sobre tela,
Galería Nacional
de Arte,
Washington.
La clase de danza DEGAS fue un admirador de las jóvenes bailarinas del Ballet de la Ópera de
París, a quienes pintó en cientos de obras, ya fuera mientras ensayaban o
bien arriba del escenario. En la clase de danza capta tres momentos de la
actividad que se vive al interior del salón. A la izquierda, en primer plano, una
joven reposa extenuada sobre el piso, al centro, dos bailarinas conversan, y
al fondo, el resto de la compañía ensaya algunos movimientos.
A su vez, estos tres momentos conforman un ritmo visual de figuras y espacios vacíos vistos en perspectiva. Desde el
ángulo inferior izquierdo, vemos cómo asciende una línea diagonal hasta el extremo superior derecho. Esto contribuye
a generar la ilusión de profundidad espacial, la cual es aún más patente por la disminución de la escala o del tamaño
aparente de las bailarinas.

24. Paul Gauguin (francés),
¿De dónde venimos? ¿Qué
somos? ¿A dónde vamos?,
1897-99, óleo sobre
tela, 139.1 x 374.6 cm,
Museo de Bellas Artes,
Boston.
¿De dónde venimos?
¿Qué somos? ¿A donde
vamos? GAUGUIN concibió este lienzo como un largo fresco cuya lectura va de
derecha a izquierda. En éste se distribuyen 12 figuras situadas en distintos
planos. Se inicia con el niño dormido junto a un grupo de mujeres “que se
dejan llevar por la alegría de vivir”, y concluye al otro extremo con la anciana
que llora “cerca de la muerte”. En el centro, la figura de un joven se extiende a
todo lo largo para tomar un fruto del árbol del conocimiento. A su lado, dos
figuras representan a los infelices que no pueden evitar pensar en lo misterios
de la vida, mientras que a la izquierda, el “Más Allá” está representado en la
forma de un ídolo azul.
El artista consideraba a esta pintura su obra maestra y la suma de su pensamiento, por lo que está llena de
simbolismos y alusiones metafísicas. La escena se localiza en la isla de Tahití, donde llegó en 1891 en busca de una
sociedad más simple y elemental que la de Francia, y a la que retrató innumerables veces.

25. La ofrenda
HERRÁN se inspiró en la tradicional
celebración de muertos para realizar
este cuadro, quizás el más importante
de toda su producción pictórica, que se
caracteriza por su dibujo refinado y
elaboradas composiciones. En el
primer plano de esta imagen
observamos a una familia campesina
que lleva flores a bordo de su trajinera
en el lago de Xochimilco.
Saturnino Herrán
Los seis personajes superpuestos forman
(mexicano), La
ofrenda, 1913, un conjunto compacto y estático; en el
óleo sobre tela,
182 x 210 cm, cual están representadas las edades
Museo Nacional de
Arte, de la vida, un tema que era afín a la
INBA/CONACULTA,
México D.F. sensibilidad estética de finales del siglo
XIX e inicios del XX en México.
La triste expresividad de los rostros y posturas dan a la obra un carácter solemne. La vista sesgada en diagonal
deja ver al fondo el resto de la procesión que se pierde en el horizonte, donde también se divisa el cerro de La
Estrella. Llama la atención el abrupto cierre del encuadre sobre la escena central, que satura el espacio pictórico al
punto de quedar encerrada, dejándose al espectador la tarea de completar imaginariamente las figuras más allá de
los márgenes.

26. Edward Hopper
(norteamericano,
Noctámbulos,
1942, óleo sobre
tela, 84.1 x
152.4 cm,
Instituto de
Arte de Chicago.
Noctámbulos
HOPPER recreó en sus pinturas la vida citadina y rural de los Estados Unidos de
América con una visión que podríamos calificar de realista y poética. Casi
siempre, el protagonista de sus obras es el ciudadano común, cuya imagen es
atrapada mientras lee, trabaja, platica o toma café.
En este cuadro el espectador se hace parte de la imagen al observar desde afuera,
como si se tratase de un transeúnte, lo que ocurre al interior de un restaurante
nocturno situado en la confluencia de dos calles de Nueva York. La gran vidriera
del lugar hace las veces de un escaparate en el que quedan expuestos los
clientes y el camarero.
Hopper cuidaba mucho los detalles, iluminación y composición de cada una de sus obras. En ésta vemos cómo han
sido dibujados hasta los pequeños saleros que están sobre la barra, e igualmente cómo se transparenta hacia el
exterior la luz neón del restaurante. Asimismo, la distribución de cada elemento representado ha sido proyectada
auxiliándose en la sección áurea.

27. Ben Nicholson
(inglés), Sirius
March, 1964, óleo
sobre tela, 109.5
x 221 cm, Museo
de Arte Moderno,
Teherán.
Sirius March
NICHOLSON desarrolló en su madurez artística un estilo caracterizado por el uso
de formas geométricas puras, pocos colores aplicados en una gama amplia de
tonalidades y por cierto lirismo, expresado a través de composiciones equilibradas
y armónicas.
Lo anterior se constata en esta obra concebida como un friso, en la que establece
una tensión formal entre figuras cuadrangulares y círculos que se superponen
unas con otras.
El artista decía que “cada movimiento de la vida humana se ve afectado por la forma y el color; (...) de
manera que cuando un artista puede utilizar estos elementos libre y creativamente, puede convertirse en
una influencia tremendamente potente en nuestras vidas”.

28. rectá
ngulo
s
ver
tic
ale
s

29. Cantando y
bailando en
primavera MA YUAN realizó este paisaje en un rollo
vertical de papel y en él despliega varias
cualidades del arte pictórico chino: equilibrio
entre lleno y vacío, dominio en el manejo del
pincel y la tinta, localización de varios puntos
de vista, pero sobre todo, la búsqueda de la
consonancia a través de la repetición.
Así, vemos cómo las montañas, rocas, árboles,
templos y personas, se unifican visualmente
por medio de delicados ritmos de líneas y
manchas,lo cual se lograba gracias a una
cuidadosa observación de lo similar en lo
diferente.
La pintura china antigua estuvo normada por principios filosóficos y
artísticos muy distintos de los occidentales. La tradición del paisaje se
remonta a la dinastía Tang (618- 907) y en ésta se observan cambios
sutiles, ya que no se le consideraba un arte inventivo, sino más bien
interpretativo y expresivo.
Uno de dichos principios de composición se denomina sze o
Ma Yuan (chino), “pensamiento”, el cual implicaba penetrar mentalmente en la estructura
Cantando y
bailando en de una escena para poder representarla. Asimismo, se buscaba captar
primavera, siglo
XIII, tinta sobre
el impulso vital de las cosas, o ch’i, bajo una visión armoniosa.
papel, 193 x 111
cm, Museo del
Palacio de Pekín.

30. El rapto de
Ganímedes CORREGGIO representó en esta pintura el
momento en que Ganímedes es sorprendido por
Zeus en forma de águila, mientras su perro ladra la
partida del amo. El formato estrecho y alargado fue
bien aprovechado por el artista para transmitirnos
una sensación de amplitud y espacialidad
extraordinaria.
El ángulo en contrapicada nos permite divisar desde
arriba el escarpado horizonte, mientras que en la
parte superior del lienzo, el escorzo genera la
ilusión de movimiento y ligereza.
En la mitología griega, Ganímedes era un joven de la estirpe real de Troya,
a quien algunos consideraban el más hermoso de los mortales. Un día,
mientras cuidaba los rebaños de su padre, apareció Zeus en la forma de
una enorme águila que lo atrapó para llevarlo al Olimpo, hogar de los
Antonio Allegri,
Correggio,
dioses.
(italiano), El
rapto de Ganímedes,
1530, óleo sobre
tela, 163.5 x 74
cm, Museo de
Historia del Arte,
Viena.

31. Viajero mirando
por encima de la
niebla FRIEDRICH intentó simbolizar en esta
pintura el anhelo del hombre por alcanzar la
vida eterna y la semejanza con Dios.
Ello explica que el pintor le haya dado una
fuerza visual inusitada, basada en una
composición depurada. En el centro de la
pintura vemos a un hombre de espaldas que
ha alcanzado la cima de una montaña,
desde la que domina el paisaje matinal, con
sus espesos bancos de niebla.
En su figura convergen todas las líneas
diagonales de la obra, resaltando al hombre
que ha logrado llegar a la meta última de su
vida. Frente a él se levanta la gran figura
cónica de otra montaña, a la cual observa.
Caspar David
Friederich
(alemán), Viajero
mirando por encima Podemos notar cómo la forma de ésta última es anticipada por el contorno
de la niebla, 1818,
óleo sobre tela, de los hombros del viajero, mientras que las demás rocas vistas a contraluz
94.8 x 74.8 cm,
Kunsthalle, guardan semejanza con su abrigo. Asimismo, su cabeza recuerda la forma
Hamburgo.
de la extraña roca que surge a su derecha.

32. Retrato de
Adolfo Best
Maugard RIVERA pintó este retrato de su colega y
amigo en el balcón de su estudio en Mont-
parnasse, París. La alargada figura, vista de
tres cuartos, está ligeramente descentrada, lo
que nos permite ver al fondo la estación de
trenes y la gran noria construida para celebrar
la Exposición Universal de 1900. De hecho, la
rueda pareciera tener como eje la mano del
modelo, mientras que su forma curvada es
emulada por el vapor que despide la
locomotora.
El juego de planos, estructuras geométricas y
direcciones, sugeridas por los contornos bien
definidos del barandal, el tren y el abrigo, así
como la pincelada fragmentada, revelan la
influencia cubista, no obstante Rivera ha
conservado en esta obra la perspectiva y un
Diego Rivera
(mexicano), Retrato dibujo realista.
de Adolfo Best
Maugard, 1913, óleo
sobre tela, 227 x Rivera formó parte de una comunidad de artistas jóvenes y vanguardistas
como Picasso,Delaunay y Mondrian, que hacia 1912 experimentaban con el
162 cm, Museo
Nacional de Arte,
CONACULTA/INBA,
México D.F. cubismo. En esta misma época otro pintor mexicano, Adolfo Best Maugard
se instala también en el barrio artístico de la ciudad y, al poco tiempo, Rivera
le dedica este gran retrato de elegante composición.

33. Barco de pescadores
PECHSTEIN fue uno de los miembros del
grupo de artistas alemanes Die Brûke. Su
obra es figurativa, aunque no académica, y
muestra la influencia de pintores franceses
como Matisse y Gauguin.
En 1913 el pintor visitó las islas Palau, situadas
en el Pacífico, donde pintó esta escena poco
realista de los pescadores. Destaca el uso de
fuertes diagonales que forman un ritmo
ascendente, lo que otorga gran movimiento y
vivacidad a esta imagen. Además,
observamos el aprovechamiento de la
distorsión como medio de representación.
En 1905 se formó Die Brücke ( El Puente) en la ciudad de Dresde,
Alemania, el cual tuvo una influencia fundamental en el desarrollo
del expresionismo alemán. A él pertenecieron varios pintores
jóvenes, algunos autodidactas, quienes pensaban que el arte debía
reflejar de manera directa el impulso creador y expresar de forma
Max Pechstein
(alemán), Barco de honesta los ideales de una nueva sociedad.
pescadores, 1913,
óleo sobre tela,
190 x 96 cm, Museo
Brücke, Berlín.

34. Jack-en-el-
Púlpito IV
O`KEEFFE recreó una y otra vez el tema
de la naturaleza: el paisaje de Nuevo
México, esqueletos de animales y sobre
todo flores, casi siempre vistas desde su
interior o en grandes acercamientos.
En 1930 pintó una serie de seis lienzos
donde representa una flor característica de
Norteamérica llamada popularmente Gato-
en-el-púlpito. Esta es la cuarta versión de
dicha serie, una abstracción de colores y
formas que se generan en el interior de la
planta.
Al centro, el pistilo consiste en un aura que
se levanta sobre un fondo negro, gris y
púrpura. Arriba, los pétalos y hojas de la flor
se revelan a través de tonalidades
Georgia O’Keeffe
(norteamericana),
iridiscentes de verde.
Jack-en-el-Púlpito
IV, 1930 óleo
sobre tela, 101.6 Los contornos y colores son la base compositiva de esta pintura, en la que
O’Keeffe manifiesta su idea de la inmanencia de la naturaleza revelada a
x 76.2 cm, Galería
Nacional de Arte,
Washington.
través del refinamiento de la forma

35. cuad
rado
s

36. Elcuadrado es una
estable
figura , debido
a que la longitud de su
base altura
y son
idénticas .

37. Asimismo, cuando se divide un
formato cuadrado a través de
una líneadiagonal , se
establece su eje de
simetría.

38. El prestamista
y su mujer
METSYS retrató en esta obra a un
prestamista de la ciudad de Amberes,
que en ese momento era la más rica
de Europa, pesando cuidadosamente
su oro y joyas. Junto a él está su
esposa, quien voltea la mirada a la
vez que se distrae de la lectura de un
libro de oraciones.
El soporte, formado por dos tablas
unidas, sirvió al artista para realizar
un composición simétrica, a la que le
imprimió cierto dinamismo al inscribir
a los personajes dentro de un
triángulo.
La balanza, las perlas, el espejo y la
Quentin Metsys fruta, son tan sólo algunos de los
(flamenco), El
prestamista y su varios símbolos de esta pintura.
mujer, 1514, óleo
sobre tabla, 71 x
68 cm, Museo del A mediados del siglo XV era común que los pintores del norte de Europa retrataran
Louvre, París.
escenas de la vida cotidiana en las cuales mostraban los vicios del ser humano a
través de múltiples simbolismos.

39. Olas
OGATA KORIN desarrolló un
estilo pictórico muy personal,
caracterizado por su idealización
de la naturaleza y por el
alejamiento del realismo que
habían seguido sus
predecesores.
En esta imagen, se observa más
que una representación fiel de las
olas del mar, la idea que de ellas
tiene el pintor. Divididas en dos
amplios planos, se trasponen una
serie de líneas, que a su vez,
configuran ritmos expansivos. La
estilización del dibujo da gran
dinamismo a las olas, e incluso
Ogata Kōrin (japonés),
Olas, Periodo Edo un sentido amenazante.
1658-1716, Biombo de
dos hojas,hoja de oro,
tinta y color sobre
papel, 147 x 165.4 cm, Los biombos se cuentan entre las creaciones más refinadas del arte japonés. Su
Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York. doble función, ornamental y como delimitadores de espacios, los hicieron muy
apreciados entre la elite del Japón imperial.

40. Finca con
abedules
KLIMT realizó en su juventud esta
pintura poco común, que a primera
vista se confunde con una fotografía
desenfocada.
En el formato cuadrado domina un
manto de hierba jaspeado por
pequeñas flores silvestres, el cual
termina muy arriba, sobre la línea del
horizonte. A ambos lados, irrumpen
como líneas los delgados troncos de
cuatro árboles situados a diferentes
distancias y en perfecto equilibrio
visual.
La pincelada “impresionista” y el cierre
del campo visual que sólo nos
permite ver fragmentos, ayudan a
crear un efecto difuso y una
atmósfera de serenidad.
Gustav Klimt
(austriaco), Finca
con abedules,
1900, óleo sobre
tela, 80 x 80 cm,
Galería Austriaca,
Viena. Así, esta imagen revela más una visión interior de la naturaleza que su
representación fiel.

41. Niña enferma
MUNCH utilizó poco el formato cuadrado,
el cual organiza en esta composición a
partir de una diagonal ascendente que
separa el cuerpo de la niña del de su
madre.
Vemos a una joven de perfil apoyada
sobre una gran almohada blanca, que
observa impasible a su madre. Las
manos cerradas de la mujer, situadas en
el centro mismo de la imagen, muestran
su desesperación; y junto a la pincelada
nerviosa, dan un aire pesimista a la
imagen. La escena se sitúa en la
esquina de una habitación cuya
estrechez está dada por la cómoda y la
Edvard Munch
(noruego), Niña
mesa que flanquean a los personajes.
enferma, 1907, óleo
sobre tela, 118,7 x
121 cm, Galería
Tate, Londres.
El pintor expresó en esta obra la experiencia de la enfermedad, después de
que su hermana muriera de tuberculosis a los quince años de edad.

42. Pies prensando
la uva
GONTCHAROVA ideó en 1911 un
gran políptico integrado por nueve
pinturas, destellantes en colorido y
alegría; de formas simples y atrevidas.
La paleta de colores que utilizó para
realizarlo incluyó violeta, amarillo,
ultramarino y bermellón de vibrantes
tonalidades, con acentos de color
blanco.
Aquí nos muestra un interesante
acercamiento de la vista que
tendríamos desde atrás del proceso de
extracción del mosto. Una serie de
líneas curvas y contornos sólidos dan a
la imagen gran movimiento, no
obstante que las figuras y el color son
Natalia Gontcharova
(rusa), Pies prensando planos.
la uva, 1911, óleo
sobre tela, 99.5 x
92.5 cm, Centro
Georges Pompidou, El título del políptico es Cosecha y está inspirado en las tradiciones populares
París.
rusas y en la pintura de iconos. No obstante, cada pintura que lo integra fue
concebida como una obra en sí misma.

43. Naturaleza
muerta
TAMAYO era aún un pintor joven
cuando realizó, entre los 20 y 30 del
siglo pasado, varias naturalezas
muertas caracterizadas por una
paleta de colores sobria.
En esta obra reúne una serie de
objetos: una cabeza de maniquí,
una bocina, dos huevos y una tela, y
los acomoda muy juntos y en
distintas direcciones, de tal manera
que formen un conjunto compacto y
estático, que sigue el perímetro del
formato
Blanco, grises y ocres aplicados con
una pincelada gruesa acentúan la
Rufino Tamayo solidez de los objetos, lo que da
(mexicano), Naturaleza
muerta, 1930, óleo gran plasticidad al conjunto.
sobre tela, 125,7 x
123,2 cm, Galería
Enrique Guerrero,
México D.F.
La expresividad de la cabeza, con una sonrisa apenas esbozada por una línea,
sugiere una atmósfera teatral y metafórica.

44. círculos

45. Si elcentro es importante
para el cuadrado, lo es aún
círculo
más para el , ya
que todos los puntos de la
imagen son
equidistantes al
mismo.

46. En diversas culturas, el
círculo se ha asociado
con la idea de
perfección y la
infinitud

47. Gran Piedad
redonda
MALOUEL adaptó la disposición de
las figuras a la forma de panel de
madera que le sirvió de soporte.
Así, podemos notar cómo los
personajes aparecen sutilmente
curvados hacia el centro, a fin de
enfatizar la presencia de la
Trinidad.
Asimismo, la distribución de los
colores responde a ese mismo
esquema compositivo, pues el
bermellón se localiza a los
extremos de la pintura, mientras
que el azul profundo aparece
equilibrado en el sentido diagonal.
Atribuido a Jean La descripción de cada uno de los
Malouel (francés),
Gran Piedad redonda, rostros da gran riqueza expresiva a
la obra, pues en éstos se observan
hacia 1400, tempera
sobre tabla, 64,4 cm,
Museo de Louvre,
París. diferentes emociones.
Jean Malouel realizó esta pintura para el duque de Borgoña, quien la
utilizaba como imagen devocional.

48. Sagrada Familia
con Juan el
Bautista Niño
MIGUEL ÁNGEL representó en el
primer plano a María, José y Jesús
conformando un conjunto en forma
de pirámide. El ángulo de visión los
hace parecer monumentales, como
si fuesen una escultura con gran
movimiento.
En segundo plano, atrás de un muro
bajo, está Juan el Bautista niño;
mientras que al fondo, observamos
varios desnudos masculinos que
Michelangelo
reposan sobre un edificio en
Buonarroti (italiano),
Sagrada familia con
construcción.
Juan el Bautista niño,
hacia 1506, tempera
sobre madera, 120 cm,
Galería Uffizi,
Florencia.
Este cuadro le fue encargado al artista por uno de los matrimonios más
acaudalados de Florencia, para celebrar el bautizo de su hija. La figura y
posición del Bautista simboliza un puente entre el mundo pagano que vemos
al fondo y el cristianismo.

49. Cabeza de Medusa
“EL CARAVAGGIO” retomó el
mito griego de Medusa a la que
representó en el momento
mismo en que es decapitada, al
tiempo que grita horrorizada al
ver su reflejo. El realismo con
que el artista representa la
expresión del rostro y las
serpientes dan a esta imagen-
Michelangelo Merisi objeto gran fuerza y
“el Caravaggio”
(italiano), Cabeza
de Medusa, 1598-99,
dramatismo.
óleo sobre madera,
60 x 55 cm, Galería
Uffizi, Florencia. En ocasiones, la elección del formato para realizar una pintura tiene que ver más
con el tema que con cuestiones estéticas. Tal es el caso de esta imponente
imagen que fue realizada sobre un escudo de madera. Medusa era un
monstruo con cabellera de serpientes, cuya mirada tenía el poder de petrificar a
cualquier ser vivo. La Gorgona fue decapitada por el héroe Perseo, quien
entregó la cabeza a Atenea, diosa de la sabiduría y la guerra, para que la
colocara en su escudo.

50. Paisaje de
invierno con
patinadores
AVERCAMP pintó en este cuadro a
personas de todas las edades y
condiciones sociales que pasean sobre
un canal congelado. Algunos van en
tobogán, otros patinan e incluso hay
otros que juegan.
La composición de la imagen converge
en el velero varado al centro, mientras
que el horizonte está situado justo en
medio del formato. Al dividir las imagen
nos percatamos que las figuras del
frente ocupan una cuarta parte de la
circunferencia.
Hendrick Avercamp
(holandés), Paisaje El color apagado del cielo y el hielo
hacen que la pintura sea casi
de invierno con
patinadores, s.
XVII, óleo sobre
tabla, 30.5 cm,
Museo de Bellas
monocromática, algo poco común en
Artes, Budapest. las obras de este artista.
“El sordo de Kampen” - como le llamaban al pintor a causa de ser sordomudo-
fue un artista singular en su época, que se especializó en paisajes invernales
pintados de forma realista y detallada.

51. Contrastes
simultáneos:
Sol y Luna
DELAUNAY realizó cerca de 22
pinturas en las que exploró las
posibilidades de combinación
simultánea del contraste de colores.
Esta fue la primera de dicha serie, en
la que ya no aparecen elementos
figurativos sino únicamente manchas
de colores moduladas.
Esta obra fue improvisada directamente
sobre el lienzo y en ella predomina una
estructura circular, generada por la
yuxtaposición de colores
Robert Delaunay
complementarios que dan la sensación
(francés), Contraste
simultáneo: Sol y de movimiento.
Luna, 1913, óleo sobre
tela, 134.5 cm, Museo
de Arte Moderno, Nueva
York.
El estilo pictórico denominado Orfismo, al que pertenece esta composición, surgió
como una derivación del cubismo, sólo a que diferencia de éste hacía del color el
principal elemento expresivo. Su nombre deriva del mito griego de Orfeo y
manifiesta el deseo de sus seguidores por dar un carácter lírico a la pintura de su
época.

52. El hombre en
llamas
OROZCO se inspiró en el mito de
Prometeo para crear el mural de la
cúpula del Hospicio Cabañas, punto
culminante de su obra maestra.
Enmarcado por los brazos de varios
hombres, aparece la figura del héroe
que se eleva hacia las llamas, como
símbolo de su conquista.
José Clemente Orozco
Los planos concénctricos y el escorzo
(mexicano), El hombre
en llamas, 1936-39,
de la figura dan una majestuosa
fresco, Hospicio
Cabañas, Guadalajara. sensación de profundidad y
dimensión a esta composición
circular, cuyo cierre abrupto,
distorsiona y fragmenta el primer
plano.

53. óvalos

54. oval
El formato permite
hacer composiciones más
libres , ya que sus
extremos se
estrechan en los
márgenes.

55. Escena
pastoril
BOUCHER recreó en esta elegante
escena a una pareja de campesinos
jóvenes que, absortos el uno en el
otro, entrelazan sus brazos para
beber vino.
El género pastoril al que pertenece
esta obra llegó a ser muy popular,
debido a que se inspiraba en el ideal
de una vida sencilla, de feliz contacto
con la naturaleza, en contraposición
a la artificialidad de la vida
cortesana. Este cuadro tuvo una
finalidad decorativa, lo que le
permitió al artista jugar libremente
con la forma y la composición de la
François Boucher
(francés), Escena
pastoral, principios de
1730, óleo sobre tela,61
x 75 cm, Museo del
misma.
Hermitage, San
Petesburgo.
Este tipo de formato ovalado, también
llamado tondo ovato, se obtiene
trazando dos círculos entrelazados a
partir de su centro.
El estilo rococó floreció en las cortes europeas del siglo XVIII y se caracteriza por el
abigarramiento de sus formas y el carácter teatral y fantasioso de sus composiciones.
Uno de los pintores preferidos de esta época fue Boucher.

56. El triunfo
de Céfiro y
Flora
TIEPOLO ejecutó esta obra como
parte de la decoración de un techo, de
ahí que la composición ovalada fuese
concebida para apreciarse desde
abajo.
En ella hace un fastuoso despliegue de
técnica pictórica, presente en la vista
en perspectiva, en el modelado de los
cuerpos y el brillante colorido, así
como en el dinamismo de la
composición en diagonal ascendente.
La imagen hace una alegoría de la
Primavera como la unión de Céfiro,
dios de los vientos primaverales, y de
Flora, diosa de los capullos, mientras
Giovanni Battista viajan en una nube.
Tiepolo (italiano), El
triunfo de Céfiro y
Flora, 1734-35, óleo,
sobre tela, 395 x 225
cm, Museo del Los dioses van acompañados de querubines, mientras que en el extremo inferior se
Settecento Veneziano,
Ca’Rezzonico, Venecia. ve a Cupido, dios del amor, que les muestra el camino.

57. Robert Delaunay
(francés), Ventanas
abiertas
simultáneamente,
primera parte, tercer
motivo,1912, óleo
sobre tela, 57 x 123
cm, Colección Peggy
Guggenheim, Venecia.
Ventanas abiertas
simultáneamente,
primera parte,
tercer motivo.
DELAUNAY pensaba que la abstracción era el medio ideal para expresar la
realidad. En esta pintura de un formato inusualmente elíptico, se propuso
experimentar con la transparencia de la luz y los colores. No hay un motivo
concreto que representar sino únicamente fragmentos de colores, que pare
el artista constituye una razón en sí misma de la pintura.
La organización del color es compleja y armoniosa. Vemos cómo se establece
un juego entre matices y tonalidades con el fin de aparentar diferentes
planos y profundidad. El ojo se mueve de manera continua de una forma a
otra, estableciendo ritmos infinitamente variados.

58. Instrumentos
musicales
PICASSO sugiere en esta naturaleza
muerta las formas de un violín, una
guitarra, una mandolina, un
metrónomo, así como unas partituras
y un papel tapiz.
En apariencia, las formas semejan estar
pegadas unas sobre otras, algo que
no es casual dado que en ese
entonces el artista también realizó
varias obras utilizando la técnica del
Pablo Picasso (español),
Instrumentos musicales,
collage.
1912, óleo, yeso y
aserrín sobre lienzo, 90
x 80 cm, Museo del Picasso comenzó a experimentar con una nueva vertiente del cubismo a partir
de 1912, en la cual los objetos ya no eran representados con volumen, sino sólo
Hermitage, San
Petesburgo.
a través de líneas y planos de color superpuestos. A esta segunda fase se le
conoce como cubismo sintético, que a diferencia del cubismo analítico es más
decorativo y abstracto.

59. Al interior
de la vista
ERNST pintó figuras de pájaros en
muchas de su obras surrealistas. Hacia
1928 inició una serie de obras donde
aparecen extrañas figuras de aves y
embriones cuyos cuerpos transparentes
se entrelazan.
El significado de esta imagen puede
remitir al dilema del huevo y la gallina,
ya que los contornos de las aves se
encuentran contenidos en un huevo,
mientras que otras parecieran engullirlo.
El artista aprovechó bien el color para
establecer una ambigüedad entre la
forma y el fondo, tanto al interior del
ovoide como en su exterior, ya que el
Max Ernst (alemán), Al
interior de la vista, fondo verde actúa también como marco
1929, óleo sobre tela,
100 x 81 cm, Museo de
de la pintura.
Arte Moderno y
Contemporáneo,
Estrasburgo.
Para los surrealistas, el subconsciente era una inmensa fuente de inspiración
que les permitía socavar la lógica y el razonamiento, a través de la creación de
imágenes relacionados con los sueños y la imaginación.

60. Formatos
irregulares

61. Ceres rinde
homenaje a
Venecia
“EL VERONÉS” fue el sobrenombre de
Paolo Caliari, uno de los artistas
venecianos más importantes del siglo
XVI. En esta composición representó a la
diosa romana de la agricultura, Ceres,
haciendo un homenaje a la ciudad-estado
de Venecia.
El formato respondió a un diseño previo del
plafón y está constituido por un cuadrado
y cuatro círculos; sin embargo, la imagen
privilegia el centro, donde observamos a
una mujer que personifica a Venecia, que
Paolo Caliari “el está sentada sobre un estrado con un
león a sus pies, símbolo de la ciudad. A
Veronés” (italiano),
Ceres rinde homenaje a
Venecia, 1575, óleo
sobre tela, 309 x 328
cm,Galería de la
su derecha se encuentra Heracles, y a su
Academia, Venecia. izquierda, Ceres rodeada de niños que
portan espigas de trigo.
La elección del tema no fue casual, pues la imagen estaba destinada a decorar la
oficina del Magistrado de los alimentos en el Palacio del Dux, quien era el responsable
de todo lo relacionado con los granos y cereales.

62. Zapato azul con dos
tacones dado la
vuelta y puesto
debajo de una
bóveda negra
JEAN ARP participó en varios
de los movimientos artísticos
más importantes de principios
del siglo XX.
Siendo un joven se unió al
movimiento Dada, al interior del
cual produjo varios relieves de
madera pintada de diferentes
Jean Arp (francés),
Zapato azul de dos
colores y montados a manera de
talones volcado sobre
una bóveda negra, c. collage.
1925, madera pintada,
Las formas que utilizaba nos
75.3 x 104.6 x 5 cm,
Colección Peggy
Guggenheim, Venecia.
recuerdan a microorganismos.
El extravagante título de la obra
no guarda relación con su
forma, tan solo pretende llamar
la atención sobre la misma.
Dada fue un movimiento de espíritu anárquico que iba en contra de los valores
tradicionales del arte. A los dadaístas les gustaba ser irracionales, absurdos y
provocativos. Con el tiempo, dichas actitudes cambiaron para siempre la noción de arte.

63. Composición
1
MONDRIAN buscaba la armonía entre
forma y espíritu a través de la pintura. Su
lenguaje pictórico se reducía a líneas rectas
escrupulosamente dispuestas en el plano
pictórico y a planos de colores primarios,
siempre en equilibrio.
En esta obra hace rotar el eje de un
cuadrado para convertirlo en un rombo, más
Piet Mondrian
(holandés),Composición
dinámico y abierto, que contiene en su
1, 1925, óleo sobre
tela,112 x 112 cm interior los vestigios de otras figuras
Kunsthaus, Zurich.
similares.

64. s.XIII 1506 1530 1610 1730 1800 1879 1900 1911 1913 1929 1936 1964
1400 1514 1598 1660 1734 1817 1899 1907 1912 1925 1930 1942
Romanticismo
Simbolismo Simbolismo
Muralismo
Surrealismo
Renacimiento
italiano Barroco Rococó
centroeuropeo Realismo
Pintura
china Romanticismo Secesión Rayonismo Cubismo
Manierismo Surrealismo
Pintura Abstraccionismo
Pintura japonesa Postimpresionismo Orfismo
medieval
Renacimiento Rococó Dadaísmo
norte de Barroco
italiano Modernismo
Europa
Impresionismo
Cubismo Neoplasticismo
LAS OBRAS EN EL TIEMPO
Expresionismo
También puedes estudiar las
imágenes en orden cronológico y por
estilo o tendencia artística.
Observa los cambios y similitudes Orfismo
entre ellas. También compara
aquellas que fueron creadas en el
mismo año.

65. Programa de Artes Visuales de secundaria
Composición de la imagen: encuadres y
formatos
Material didáctico para el profesor.
Realización de diseño y contenidos:
José Antonio Espinosa