2. HISTORIA
En la evolución de la fotografía han contribuido numerosos
investigadores a través de sus intuiciones y grandes
descubrimientos. Los principios ópticos y químicos en los que se
basa el proceso fotográfico ya eran conocidos en la antigüedad,
pero no fue hasta el siglo XIX cuando se desveló una síntesis,
que permitió revelar y fijar la primera imagen sobre una placa de
peltre cubierta con una suspensión bituminosa de cloruro de
plata.
La fotografía es como el arte de fijar y reproducir por medio de
reacciones químicas en superficies preparadas, las imágenes
obtenidas de la cámara oscura (J. Casares).
3. El Arte Gráfico, según Juan Carrete en Grabado y Creación
Gráfica, define el arte gráfico (y no las artes gráficas) como un
concepto general que abarca a las diversas técnicas y
procedimientos para la realización de estampas y por
extensión, cualquier sistema de retrografía para plasmar la
creación artística. Aquí aparecen nuevos conceptos: estampa y
creación artística.
4. CONCEPTOS:
Componer es organizar las formas dentro del espacio visual
disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado
sea armonioso y estéticamente equilibrado.
LA COMPOSICION DE UNA IMAGEN: Entre
dichas normas están las relativas a
profundidad o perspectiva, detalle, punto de
vista, tamaño y escala, textura, forma y
situación. Factores que forman un todo en la
foto. No todos tienen que estar presentes en
cada fotografía, pero los que participen en
cada una concreta, deben hacerlo de manera
conjunta.
Lo expresivo de una foto, no son los detalles,
sinó su efectismo, el cual no puede tener el
mismo significado para todo el mundo, porque
las personas no son todas iguales, pero si es
efectiva, siempre encontrará personas que
sabrán valorarla en su significado.
5. Otro de los factores más importantes que
conforman el conjunto de la fotografía, es la
composición, selección y disposición de sujetos,
en el área de la imagen fotográfica, dando como
resultado la capacidad para comunicar algo.
Componer es igual a crear. La mayor parte de las
buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si
se quieren crear fotografías hay que
familiarizarse con algunos principios de la
composición.
La verdadera fuerza de una buena imagen radica
en la combinación de un motivo y una
composición vigorosa; lo que se decide dejar
fuera de la imagen es tan importante como lo
que se incluye en ella.
6. ENCUADRES
El ojo humano observa un espacio sin límites, pero en la
cámara el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo
tanto es necesario elegir lo que se quiere incluir y lo que
vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico, es decir
dentro de nuestro fotograma, y tomar la posición respecto
de los demás.
7. ENCUADRE SIMPLE: Podemos añadir un elemento extra
en una composición, encuadrando el tema principal
dentro de una forma del primer plano o del fondo. Un
buen procedimiento, es disparar nuestra cámara a
través de una ventana o similar, lo que aumenta la
profundidad y el equilibrio de la composición, llegando a
eliminar detalles innecesarios y cubrir cielos o primeros
planos vacíos.
8. ENCUADRE COMPUESTO: Este tipo de encuadre
fotográfico, trata de ilustrar una imagen dentro de
otra. Es decir, en la misma composición un elemento
se encuadra con otro dentro de la misma fotografía,
haciéndola destacar dentro de la misma.
9. PLANOS
PRIMER PLANO:
El campo, es el espacio que abarca nuestro objetivo. El
campo es largo cuando el objeto, o bien el motivo principal
está muy lejos respecto al punto de toma. Sin embargo, es
medio cuando el motivo principal ocupa aproximadamente la
mitad de la altura del fotograma y está situado cerca de la
cámara. Los planos fotográficos se dividen en profundidad
en relación a la distancia del objeto o motivo principal.
10. SEGUNDO PLANO:
En un segundo plano la imagen suele estar compuesta de un
primer plano, un segundo plano y un fondo. La separación
de diversos planos se realiza considerando las diferencias
tonales. Para atraer la atención sobre algún elemento en
primer plano, sólo hay que desenfocar el fondo abriendo
mucho el diafragma.
11. ANGULACION DEL ENCUADRE: Un motivo puede
encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o
alejándose de éstos, desde arriba o desde abajo, las
proporciones y el fondo modifican la composición.
Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica consiste en
acechar a nuestra presa gráfica y estar alerta de que
cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia,
puede generar composiciones diferentes que serán más o
menos afortunadas. En consecuencia, nos moveremos en
torno a ella acercándonos y alejándonos, si es posible,
hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la
mayor medida posible las siguientes cuatro características:
12. ANGULO CONTRAPICADO
Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo
que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.
Debido a la perspectiva que se genera, el objeto se aprecia
engrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar
enaltecimiento, importancia o poder.
13. ANGULO PICADO
Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta
que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo.
Debido a la perspectiva que se produce el motivo, se ve
disminuido en tamaño cuando se utilice sobre personas
puede connotar en algunos casos poca importancia,
debilidad o humillación.
14. ANGULO CENITAL
Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de
arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al
suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.
Produce una gráfica sin perspectiva, que puede ser muy
descriptiva si se aplica a objetos pequeños, e inusual e
interesante si se usa con elementos grandes.
15. COMPOSICION ESTÁTICA
Esta composición es estática, ya que se encuentra en
equilibrio absoluto como se puede observar (todos los
puntos se encuentran en el centro de la cartulina),
esta foto no posee tensión ya que los puntos se
encuentran en el centro realizando líneas imaginarias:
una en el eje vertical y otra en el eje horizontal. Si, por
el contrario, las líneas fuesen curvas daría sensación
de dinamismo, pero ello no sucede en esta foto con lo
cual es una composición estática.
16. Composición Dinámica:
Esta composición al poseer esos puntos formando una
curva imaginaria que va de un lado al otro de la
cartulina, le proporciona cierto grado de tensión con
lo cual es una composición dinámica. A pesar de ser
una composición dinámica, se encuentra equilibrada,
ya que como se puede observar el peso visual de la
derecha esta compensado con el de la izquierda y todo
ello lo realiza el punto grande situado en la parte
inferior izquierda
17. COMPOSICION SIMÉTRICA
Una composición es simétrica cuando el peso visual de los
elementos está repartido de modo equivalente con
respecto a uno de los ejes principales, vertical u
horizontal. El tipo más usado es el de la simetría bilateral
según el eje vertical. También existe una simetría con
respecto a un eje diagonal. Por lo general la simetría
implica estatismo
18. Composición asimétrica:
Es asimétrica cuando el peso visual de los elementos de
la imagen se reparte de modo desigual con respecto a uno
de los ejes principales, vertical u horizontal. La asimetría
respecto al eje horizontal o a una diagonal es lo más
frecuente. La asimetría al romper la formalidad estática y
convencional del centro, representa la alternativa más
inmediata de crear un efecto dinámico en la composición.
19. FUNDAMENTOS
1. Todo mensaje de diseño visual se elabora siempre basado
en una combinación, dotada de una estructura coherente y
premeditada, de los elementos vitales con los que
hayamos decidido trabajar. Estos elementos pueden tomar
forma de imágenes, textos o espacios, o, por el contrario,
constituirse como la ausencia deliberada de alguno de los
elementos arriba indicados.
2. Peso de los Elementos Cada elemento que se ubique en el
área de diseño adquiere un peso visual en la composición.
Nuestro diseño debe constituir un todo en el que cada uno de
los elementos gráficos de que nos servimos posea una
función específica, sin interferir en importancia y
protagonismo a los elementos restantes.
20. 3. Factor de Equilibrio Toda composición debe poseer un
equilibrio visual y se conocen dos tipos: el formal y el informal.
El centro óptico de nuestra pantalla no es precisamente el
centro geométrico de la misma, pues el primero está ubicado un
poco por encima del segundo.
4. Factor de Tensión La tensión consiste en aplicar al diseño
fuerza, dinamismo y movimiento. Esta se puede lograr
combinando líneas y formas agudas e irregulares aplicando
algunas técnicas como: La aplicación de tensión en el diseño de
la pantalla de nuestro curso, logrará un dinamismo y agilidad en
la composición, rompiendo el aburrimiento de un diseño
demasiado formal.
21. 5. Factor de Ritmo Consiste en la repetición secuencial de
determinados conjuntos de elementos buscando crear armonía
y movimiento en las composiciones. El ojo humano se encuentra
predispuesto a realizar recorridos dinámicos por la
composición, lo cual le transmite una alta sensación de
dinamismo. Los recursos empleados son: Alternar elementos de
manera secuencial. Provocar una progresión de elementos, ya
sea mediante la gradación de colores, o una escala de
dimensiones.
6. Recorrido Visual de las Áreas de Diseño Dos puntos
determinan el recorrido visual que hacemos ante una
composición, una es nuestro sistema de percepción visual
humano, y la otra es el factor cultural de nuestro mundo
occidental, es decir de izquierda a derecha y de arriba hacia
abajo.
22. 7. Ubicación de las Imágenes Las imágenes deben ser
colocadas en el área de diseño, dirigiendo su atención hacia
el centro o interior de la composición, porque de lo contrario
sacaremos del área de diseño la atención del usuario.
Situaremos, por tanto, los ejes direccionales de nuestras
imágenes siempre el centro de nuestra composición, nunca
al contrario.
8. Percepción del Receptor Todos los puntos anteriormente
señalados son importantes para lograr una composición
adecuada, más sin embargo existe también otro elemento
que interviene en la interpretación de un mensaje gráfico
que es el mecanismo perceptivo de receptor de la
comunicación.
23. CARACTERÍSTICAS
- LA ICONICIDAD: es la capacidad que posee la
representación de algo para producir en nosotros un efecto
visual similar al que nos produce la realidad representada.
Mientras más similar sea el efecto, más icónica será la
representación.
24. LA ABSTRACCIÓN: supone que la imagen no tiene parecido
con una realidad concreta, puede ser producto de la fantasía
(imágenes surrealistas) o relaciones arbitrarias (señal de
tráfico: prohibido el paso). En algunos casos la
representación no existe y la imagen se convierte en una
realidad autónoma (pintura abstracta)
25. REDUNDANCIA: referido a las imágenes, tiene que ver
con el uso de estereotipos o modelos: determinadas
concepciones que se tienen en torno a personas, forma
de interpretar el mundo, etc. (Veremos que esa es
precisamente una de las funciones de la imagen
publicitaria: la estereotipadora)
26. LA ORIGINALIDAD: en el mundo de las imágenes,
consiste en planteamientos estéticos nuevos y sobre todo
en formas diferentes de entender la realidad. Originalidad
no tiene que significar algo abstracto, difícil de “ver” y
entender, sino en imágenes que escapen a la
estandarización.
27. COMPOSICION DIGITAL
La composición digital es la técnica utilizada
en postproducción de efecto
visuales y efectos especiales para la creación
de imágenes complejas o en movimiento,
combinando imágenes de orígenes diferentes;
como video digital rodado, película
escaneada, imágenes sintéticas
en 3D, animaciones en 2D, fondos pintados,
fotografías fijas digitales y texto.
La composición se usa extensivamente en
el cine moderno para conseguir efectos que
serían imposibles o demasiado costosos para
producir de otra manera. Un uso común para
la composición digital es la extensión digital
de escenas que facilita el rodaje de un
escenario relativamente pequeño y crear la
impresión de un escenario bastante más
grande incorporando objetos adicionales
digitalmente.
28. FORMATOS DE LA IMAGEN
Las imágenes pueden ser de muchos formatos diferentes:
bmp, gif, jpg, etc. Pero no todos estos formatos son
adecuados para una web, debido a que pueden ocupar mucha
memoria o a que no son compatibles con algunos
navegadores.
Los formatos más utilizados son el GIF y el JPG, que a pesar
de ser imágenes de menor calidad que las imágenes BMP,
son más recomendables debido a que ocupan menos
memoria. Vamos a ver un poco más sobre estos formatos:
29. FORMATO GIF:
Utilizan un máximo de 256 colores, y son recomendables
para imágenes con grandes áreas de un mismo color o de
tonos no continuos. Suelen utilizarse con gran
frecuencia, ya que permiten definir transparencias y
animación.
30. FORMATO JPG:
Las imágenes son de mayor calidad que las GIF, al poder
contener millones de colores, pero el tamaño de la imagen es
mayor y tarda más en descargarse se utilizan más para fotos.
Puedes incluir imágenes en otros formatos, que podrán ser
visualizadas en algunos navegadores. Este es el caso de las
imágenes BMP y PNG. Puedes cambiar el formato de las
imágenes mediante la utilización de algún programa de
tratamiento de imágenes, como pueden ser Fireworks,
Photoshop, Corel Draw, etc. Por ejemplo el Fireworks de
Macromedia tiene una opción, exportar a tipo gif que reduce
considerablemente la ocupación de la imagen sin perder en
calidad (siempre que la imagen se adecue al formato).
Dependiendo del programa utilizado existirá una mayor o menor
cantidad de opciones a la hora de modificar las imágenes. Para
realizar modificaciones sencillas, como la de recortar las
imágenes y cambiar los colores, puedes utilizar incluso el
programa Paint de Windows.
31.
32. LA REGLA DE ORO Y SUS TRES LEYES
Estos principios formales de composición
visual fueron utilizados de manera elemental
desde la más lejana antigüedad, tanto en el
Viejo Mundo como en América, como puede
observarse en los murales egipcios,
mesopotámicos y aztecas, entre otras
culturas.
Sin embargo, las informaciones más lejanas
que tenemos hoy en día sobre su teorización
y sistematización se las debemos a los
griegos de la edad clásica, entre los siglos V
y III antes de Cristo, quienes los usaron en
pintura, escultura y arquitectura.
Posteriormente, durante el Renacimiento
Europeo, en los siglos XV y XVI, los grandes
maestros de esa época hicieron bastante uso
de estos parámetros, legándonos algunas de
las más bellas imágenes que tiene el
patrimonio mundial.
33. En los tiempos modernos han sido criticados en
varias oportunidades debido al surgimiento de
corrientes artísticas muy cuestionadoras, pero nunca
han perdido su vigencia, siendo actualmente de uso
común no solo en las artes gráficas sino también en
los medios de comunicación social como la
fotografía, el cine, la televisión y la publicidad.
34. LEY DEL HORIZONTE, DE LA MIRADA Y TRES
TERCIOS
Pero estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra, son
normas que nos pueden ser muy útiles para comenzar a
componer partiendo de ellas, y que podemos emplearlas o no
según nuestro criterio y su adecuación al tema que se esta
trabajando. Una buena práctica, es realizar varias versiones
de una misma imagen, respetando estas leyes en unos casos
y en otros no, para luego comparar los resultados.
35. LA LEY DEL HORIZONTE:
indica que en el recuadro fotográfico
deben trazarse, imaginariamente y con
una afinidad, tres líneas horizontales
de igual anchura, tanto si se esta
trabajando en posición horizontal o
vertical, y en la gran mayoría de las
ocasiones, darle alrededor de dos
bandas a la zona donde se encuentra
el motivo principal, y más o menos una
banda a la zona secundaria.
Generalmente, la amplitud de ambos
espacios dependerá de la mayor o
menor importancia de cada uno de
estos, pudiendo ser casi iguales si la
relación entre el motivo principal y el
secundario no es tan desequilibrado
nuestro fotograma, hasta reducirse la
zona secundaria a solo un pequeño
borde si el motivo principal es muy
destacado.
36. LA LEY DE LA MIRADA:
Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro
del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre
hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera,
independientemente de la amplitud de lo abarcado en el
encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde
del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en
cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un
plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy
grandes.
37. REGLA DE LOS TRES TERCIOS:
Se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse,
imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos
horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos
donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse
el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición.
Esto ocasiona un arreglo asimétrico de la imagen, con el
polo de máximo interés visual encontrándose relativamente
cerca de alguna de las cuatro esquinas del recuadro, y el
área central de la gráfica ocupada por elementos
secundarios.
