Animação 2 - Princípios de Animação

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Animação – Princípios

Pr. Animação - Referências

Disney Animation: The Illusion of Life
Ollie Johnston
Frank Thomas
Abbeville Press; Collectors edition
(June 1981)

LAI-DI – Dep. DESIGN - UFPR – André L. Battaiola

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(Blair, 1995)
(Willians, 2009)


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(Furniss, 2008)


(Taylor, 2004)

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(Barbosa Júnior, 2005)

(Halas et al, 2011)


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Princípios da Animação
Personagem
1. Carisma
Movimentação
2. Continuidade e Sobreposição de Ação
3. Ação Secundária
4. Arco
5. Temporização
6. Aceleração e Desaceleração


Semiótica da Animação
7. Enquadramento
8. Exagero
9. Esticar e Encolher
10. Antecipação
11. Desenhando Objetos
Sólidos
Técnicas de animação
12a. Animação Direta
12b. Pose a Pose

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Personagem
1. Carisma
Movimentação
4. Arco
5. Temporização


7. Enquadramento
8. Exagero
10. Antecipação
Sólidos
12b. Pose a Pose

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1. Carisma

(Appeal)

A personalidade é a “identidade”
dos personagens.
Para criá-la é preciso traçar uma
Um personagem de animação cativa o público por suas características reais e humanas. Este é o apelo de um personagem, sua capacidade de atingir o
espécie de perfil psicológico do
espectador e de se relacionar com ele.
personagem.
Para que um personagem animado
desperte interesse é preciso que
ele pareça vivo e real.
Para parecer real é necessário que
ele possua uma linha de
raciocínio, de conduta e ação.

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1. Carisma
Tal linha deve ser guiada pela sua personalidade,
assim, a importância de se estabelecer o perfil
psicológico dos personagens de uma animação.



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1. Carisma
Qualidades e valores humanos inseridos em personagens animados.
Se o Wall-e fosse humano...


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1. Carisma

Para que seja
convincente, a
personalidade deve
ser distinta e
marcante, e, ao
mesmo tempo,
familiar ao público.


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1. Carisma

Uma personagem de animação
cativa ao público por suas
características reais e
humanas.
Este é o apelo de um
personagem, sua capacidade de
atingir o espectador e de se
relacionar com ele.


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1. Carisma

(appeal)

Apelo é aquilo que torna um
determinado personagem
interessante Este é o o de um personagem, sua capacidade de atingir o
Um personagem de animação cativa o público por suas características reais e humanas.paraapelo espectador,
aquilo que o atrai e mantém sua
atenção.
Não é necessariamente “beleza”,
mas “carisma”.


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1. Carisma

Além do aspecto psicológico,
também, o aspecto técnico pode
conferir carisma aos personagens.
O uso de desenhos expressivos,
simples e organizados, assim
como evitar o uso de simetria (de
forma e de movimento)
contribuem para criar carisma.


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1. Carisma
Aspectos físicos como componentes da personalidade.


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1. Carisma
Personagens PIXAR
1987

Red's Dream

(vídeo)

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1. Carisma
Personagens PIXAR
1989

(vídeo)

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1. Carisma
1995

(vídeo)

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1. Carisma
1997

(vídeo)

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1. Carisma
Personagens PIXAR
2000

(vídeo)

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1. Carisma
Personagens PIXAR
2001

(vídeo)

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1. Carisma
Personagens PIXAR


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1. Carisma
Personagens PIXAR


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1. Carisma
Personagens PIXAR


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1. Carisma
Personagens PIXAR


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1. Carisma
Personagens The Simpsons


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1. Carisma
Personagens The Simpsons


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1. Carisma
Personagens Mônica


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1. Carisma
Personagens SouthPark


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1. Carisma
O Uncanny Valley (ou vale estranho) é uma hipótese da robótica sobre as
reações emocionais dos seres humanos para com robôs e outras entidades nãohumanas. Foi introduzido pelo roboticista japonês Masahiro Mori em 1970.


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Personagem
1. Carisma
Movimentação
4. Arco
5. Temporização


7. Enquadramento
8. Exagero
10. Antecipação
Sólidos
12b. Pose a Pose

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(Follow through and overlapping action)

Devido as leis físicas, objetos em movimento nunca
param subitamente ou se movem continuadamente.
Há sempre uma reação para uma ação, portanto, nenhum
movimento é isolado e não deve terminar abruptamente.


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Os princípios físicos em uma animação conferem
autenticidade ao filme e mantêm o espectador
identificado com as personagens.
Uma das recomendações é manter a ação fluída,
sem interrupções abruptas de movimentos.


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Quando o corpo da personagem pára todas as outras
partes continuam em movimento, de acordo com a inércia.
Partes como braços, pernas, cabelo longo, roupas,
vestidos, orelhas ou rabos grandes seguem um caminho de
ação próprio. Nada pára de uma única vez.


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(Secondary action)

Em um cenário nada é completamente fixo, mas
sim repleto de ações e movimentos de personagens
secundários que dão autenticidade a cena.
Esse princípio abrange a questão da ação/reação e
da interligação das coisas em um cenário.


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(Secondary action)

Semelhante ao princípio de continuidade e sobreposição
da ação, a ação secundária diz respeito ao movimento
de objetos, dependentes do movimento de outros de
forma atrasada.
Essa ação acrescenta e enriquece a ação principal. Não
traz resultados diretos, mas contribui indiretamente para
a realização da primeira ação.


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(Secondary action)


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(Secondary action)

http://www.youtube.com/watch?v=2yUSOBD4igc


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4. Arco

(arc)

No mundo real, quase todas as ações são feitas
através de linhas precisas e harmoniosas que
permitem uma suavização dos movimentos.
Quando criamos animações, construímos movimentos
que percorrem uma trajetória, usualmente, estes
caminhos são curvos ao invés de lineares.

http://www.youtube.com/watch?v=6ZEdOx2J_Fg&feature=related


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4. Arco

(arc)

O caminho visual da ação de um extremo
ao outro é sempre descrito por um arco.
Na natureza, arcos são os caminhos mais
comuns pelos quais uma forma pode
mover-se de uma posição à outra.
Utilizar arcos nas animações é uma forma
de tornar o movimento de personagens
mais suave e, por isso, bem mais realístico.

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(arc)


4. Arco
Muito raramente um personagem ou parte de um
personagem movimenta-se em linhas retas.
O movimento tende a não seguir caminhos lineares.
Quando um braço tenta alcançar algo, seu movimento
tende a mudar-se para um arco.


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4. Arco

(arc)
http://www.youtube.com/watch?v=6ZEdOx2J_Fg&feature=related


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4. Arco – Relevância em CG

(arc)

Numa animação, o movimento é freqüentemente
representado na timeline usando arcos.
Os arcos representam os valores de parâmetros de
objetos num momento específico no tempo.
O método usado para calcular a interpolação dos
valores entre os quadros-chaves determina as
características do arco.


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(arc)


Animação sem a técnica de arcos


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(arc)


Animação com a técnica de arcos


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5. Temporização

(timing)

A relação de tempo é a essência de uma animação.
Através da temporização é que o público percebe se o objeto
ou personagem em questão é pesado, leve, triste, feliz ou
agitado. A temporização confere veracidade à animação.


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5. Temporização

(timing)

A velocidade a qual algo se
movimenta dá um senso do que o
objeto é e por que está se
movimentando.
Algo como um piscar de olho, pode
ser rápido ou lento.
Se for rápido, o personagem
parecerá alerta e desperto.
Se for lento, poderá parecer cansado
e letárgico.

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5. Temporização

(timing)


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5. Temporização

(timing)

Os personagens utilizados em desenhos animados são,
normalmente, caracterizados por cronometragens rápidas
entre uma pose e outra. As animações reais tendem a ter
suas cronometragens mais lentas.
Assim, manter a concatenação dos eventos e sua
coerência temporal são fundamentais para a autenticidade
da narrativa.
http://www.youtube.com/watch?v=1rpcRBIybX0&NR=1

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(slow-in and slow-out) - Aceleração e Desaceleração

O princípio das seqüências e seu término devem ter sua
construção cadenciada, permitindo ao espectador se ajustar
às mudanças de cada cena nova.
Por exemplo, uma bola saltando tende a ter uma velocidade
maior quando está caindo do que quando está subindo, isso
deve-se a fato de que temos uma força de gravidade
atuando sobre a mesma.


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Ligado ao princípio físico da inércia, esse princípio
ilustra que no mundo praticamente nada pára ou
começa a se movimentar abruptamente.


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(timing)


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(timing)


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Personagem
1. Carisma
Movimentação
4. Arco
5. Temporização


7. Enquadramento
8. Exagero
10. Antecipação
Sólidos
12b. Pose a Pose

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7. Enquadramento

(staging)

O universo da animação não apresenta restrições para a
posição ou para o ângulo em que uma tomada é realizada.
Entretanto, é necessário atentar para a capacidade do
espectador de entender o ambiente exposto.
Desta forma, devem-se evitar mudanças de
enquadramento que não se adequem suavemente às
tomadas anteriores e, assim, ao processo de construção
da cena.
O principal é dar ênfase à ação.


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7. Enquadramento

(staging)

Apresentar a ideia da forma mais clara possível.
Direcionar a atenção do espectador para o lugar certo.
Adequar a pose, ou a linguagem corporal, com sua
expressão facial, de forma à não causar erros de
interpretação.


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7. Enquadramento

(staging)

Staging (Enquadramento), Antecipation (Antecipação) e
Timing (Temporalização) devem estar integrados.
O objeto de interesse deve contrastar com o resto para
não confundir o objetivo da ação, apenas uma ideia por
vez deve ser transmitida.
Este princípio deve ser usado, principalmente, para
mostrar a expressão corporal do personagem, sua
personalidade ou sentimento.


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7. Enquadramento

(staging)

Diferentes poses, caracterizando cada personagem e cada ação.

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7. Enquadramento

(staging)

Enquadramento ruim –
pela silhueta não é possível entender a ação

Enquadramento bom –
pela silhueta é possível entender a ação

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7. Enquadramento

(staging)

Enquadramento ruim – não é possível entender a ação


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7. Enquadramento

(staging)

Enquadramento bom – a ação é bem compreendida


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7. Enquadramento

(staging)


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7. Enquadramento

(staging)

Numa cena cheia de ação o olhar do espectador será guiado para o objeto em
repouso.


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7. Enquadramento

(staging)

Numa cena parada o olhar do expectador será guiado para o objeto em
movimento.


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8. Exagero

(exaggeration)

O exagero é usado para acentuar uma
ação ou ideia fazendo com que
determinada cena não passe
desapercebida ao público.
O princípio do exagero parece óbvio,
contudo, não significa distorcer objetos e
preenchimentos arbitrariamente ou fazer
uma ação mais violenta ou irreal.


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8. Exagero

(exaggeration)

O animador deve ir ao fundo da ideia e desenvolver sua
essência e, assim, entender a razão do uso do exagero na
cena. Se uma cena é triste é a chance de torná-la
tristíssima.


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8. Exagero

(exaggeration)

Uma cena tem muitos componentes em seu design como
som, cor, emoção, preenchimento dos objetos, etc.
O exagero deve trabalhar com cada um desse componentes,
mas nunca isolado.
O Exagero de vários elementos deve ser equilibrado, pois
se estes estão muito acentuados, ou se apenas um deles
está, a cena pode-se tornar demasiadamente artificial.


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8. Exagero

(exaggeration)

O segredo é saber equilibrar, deixando alguns elementos
com movimentação natural e outros exagerados para que a
ação flua e o público perceba a mensagem com
espontaneidade.


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(squash & stretch)

No princípio de esticar e encolher não importa o quanto um
objeto se deforme, seu volume deve se manter constante.
Serve para demonstrar quão rígido um objeto é, pois, todos
os objetos reais, a menos que sejam extremamente duros,
apresentam um pouco deste tipo de deformação.


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(squash & stretch)


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(squash & stretch)

Este princípio é muito importante em expressões faciais tanto
para demonstrar a movimentação dos músculos da face,
quanto as expressões do personagem.


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10. Antecipação

(anticipation)


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10. Antecipação

(anticipation)

As ações de movimentação de
personagem em uma animação,
geralmente, acontecem em três fases:
1.a organização do movimento,
2.a ação atual e
3.o prosseguimento da ação.
A primeira parte é conhecida como
antecipação.


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10. Antecipação

(anticipation)

A antecipação pode ser entendida como a tomada de
energia para se realizar uma ação.
Quanto mais energia demanda uma ação, maior será a
duração da tomada de energia. para realizá-la.


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10. Antecipação

(anticipation)

Em certos casos, a antecipação é essencial fisicamente.
Por exemplo: antes de se lançar uma bola é necessário
balançar o braço para trás, essa ação do braço é a
antecipação, enquanto que o lançamento é o próprio
movimento.


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10. Antecipação

(anticipation)

A antecipação é usada para chamar a atenção do
espectador, preparando-o para a ação que se segue.
Um período mais longo de antecipação geralmente é
necessário para ações mais rápidas.
Geralmente em animações mais realistas, o espectador
tem que imaginar o que vai acontecer, pois a
antecipação é mais sutil.


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11. Desenhando Objetos Sólidos

(solid drawing)


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11. Desenhando Objetos Sólidos

(solid drawing)


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Personagem
1. Carisma
Movimentação
4. Arco
5. Temporização


7. Enquadramento
8. Exagero
10. Antecipação
Sólidos
12b. Pose a Pose

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(straght ahead action)

A cena pode ser construída e editada de maneira
fluída, sob a forma de um passeio da câmera, ou em
tomadas quadro a quadro, quebrando a continuidade de
uma seqüência, mas enfatizando algum elemento em
especial.


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Na animação direta, o animador segue desenhando
cronologicamente quadro-a-quadro.


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(straight ahead action)

Recomendado para a produção de animações de
situações realísticas (dançar, lutar, correr, etc).
Cria um movimento mais fluído e dinâmico.
No entanto, é mais difícil de se controlar o tempo e o
enquadramento.


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Motion Capture é um exemplo de Straight Ahead Action.
O objeto é filmado e a animação é desenvolvida com base
em sensores colocados no objeto.
Não existe interpolação, a animação é feita
seqüencialmente do início ao fim da ação.


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Motion Capture


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Rotoscoping


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Rotoscoping


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Rotoscoping


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12b. Animação Pose-a-Pose

(pose-to-pose action)

Na animação pose-a-pose, o animador desenha o quadro
inicial, o final e alguns quadros da ação, para depois completar
todos os outros intermediários.


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Implementada através de quadros-chave.
“Inbetweens” – desenhos entre os quadro-chaves.
A ação é planejada, assim como os desenhos
necessários para executá-la, proporções, cenário, etc.;
-Timming (temporização) precisa.


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Movimentações na cena são limitadas pela
capacidade do animador em representar tais
movimentos.
Utilizada principalmente para expressão corporal do
personagem, sua personalidade ou sentimento.


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