Claves para la toma de fotografía.

1. COMPOSICIÓN
El Encuadre
El Punto de Vista
Reglas de Composición
Ley de Horizonte
Ley de la Mirada
Regla de los Tercios
Campo y Planos de la Imagen
La Línea
La Curva
Las Formas y el Mosaico
El Pattern
La Textura
Exposición y el Enfoque
Perspectiva
El Retrato
Las formas, el volumen
El Color

2. Reglas
de Composición
• Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas
fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear
fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la
composición.
• La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la
combinación de un motivo y una composición vigorosa.
• Lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante
como lo que se incluye en ella.
• En esencia la composición es la selección y colocación de
objetos en el área fotografiada.
• Cuando mire a través del visor, procure ver la fotografía que
hay realmente y no otra que haya visto antes. En cambio,
intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más
expresivas de mostrarlas a los demás.

3. El encuadre
• Ver y fotografiar el
motivo:El ojo humano
observa un espacio sin
límites, pero en la cámara
el encuadre está limitado
por cuatro lados. Por lo
tanto es necesario elegir lo
que se quiere incluir y lo
que vamos a excluir desde
nuestro marco fotográfico,
es decir dentro de nuestro
fotograma, y tomar la
posición respecto de los
demás.
Para acercar y aumentar un
motivo, hay que usar un
teleobjetivo. Pero si en
cambio se desea ampliar el
campo de visión,
utilizaremos un gran
angular. Este es útil al
mismo tiempo cuando se
necesita mucha profundidad
del campo.

4. Encuadre
Simple
• Podemos añadir un
elemento extra en una
composición, encuadrando
el tema principal dentro de
una forma del primer plano
o del fondo. Un buen
procedimiento, es disparar
nuestra cámara a través de
una ventana o similar, lo
que aumenta la profundidad
y el equilibrio de la
composición, llegando a
eliminar detalles
innecesarios y cubrir cielos
o primeros planos vacíos.
Otra forma o posibilidad,
sería colocar el elemento
principal en el primer plano
de forma que, exponiendo
para un fondo mucho más
luminoso se forme una
silueta. Estos encuadres,
suelen exigir unos cuidados
de alineación entre un
primer plano y el fondo.

5. Encuadre
Compuesto
• Este tipo de
encuadre, trata de
ilustrar una imagen
dentro de otra.
• Es decir, en la
misma composición
un elemento se
encuadra con otro
dentro de la misma
fotografía,
haciéndola
destacar dentro de
la misma.

6. El Recorte
del Encuadre
• También el
formato de la
foto condiciona
la imagen.
• Un encuadre
horizontal,
resalta el
espacio.
• Uno vertical, lo
magnifica.

7. El Encuadre
horizontal

8. El Encuadre
Vertical

9. El Encuadre
Inclinado
• El encuadre inclinado
transmite dinamismo y
fuerza y suele
utilizarse como recurso
ocasional para resaltar
estas cualidades en el
motivo de la fotografía.

10. •
Angulación
del Encuadre
Un motivo puede encuadrarse
desde diversos ángulos,
acercándose o alejándose de
éstos, desde arriba o desde
abajo, las proporciones y el fondo
modifican la composición.
Buscar un buen ángulo para la
toma fotográfica consiste en
acechar a nuestra presa gráfica y
estar alerta de que cualquier
pequeño desplazamiento de poca
distancia, puede generar
composiciones diferentes que
serán más o menos afortunadas.
•
Ahora bien, al margen de lo dicho
y sin entrar en contradicción con
ello, los ángulos de toma se
dividen en cuatro tipos, según el
nivel de altura con respecto al
motivo desde el cual se realicen,
teniendo cada uno de estos, su
connotación particular que debe
ser conocida por el fotógrafo,
para su utilización consciente.

11. Toma a nivel
• Es cuando la
fotografía se
realiza desde el
mismo nivel del
objeto tomado, ni
por encima ni por
debajo de él.
Sirve para
mostrar o
describir algo de
manera "natural"
u "objetiva".

12. Toma en
Picado
• Es cuando la imagen
se toma desde una
posición más alta
que el objeto
fotografiado, de
arriba hacia abajo.
Debido a la
perspectiva que se
produce el motivo,
se ve disminuido en
tamaño cuando se
utilice sobre
personas puede
connotar en algunos
casos poca
importancia,
debilidad o
humillación.

13. Toma Cenital
• Es cuando la imagen se
toma en un ángulo
totalmente de arriba
hacia abajo, en posición
perpendicular con
respecto al suelo, es
decir, lo más extremo
posible de una toma en
picado.
Produce una gráfica sin
perspectiva, que puede
ser muy descriptiva si se
aplica a objetos
pequeños, e inusual e
interesante si se usa con
elementos grandes.

14. Toma
Contrapicado
• Es cuando la
fotografía se
realiza desde un
lugar más bajo
que el motivo
tomado, quedando
este más alto que
la cámara.
Debido a la
perspectiva que se
genera, el objeto
se aprecia
engrandecido
visualmente,
puede en algunos
casos connotar
enaltecimiento,
importancia o
poder.

15. Toma Nadir
• Es cuando la imagen
se toma desde una
posición más baja
que el objeto
fotografiado, de
abajo hacia arriba.
• El ángulo es casi a
90 º
• Debido a la
perspectiva que se
produce el motivo,
se ve agrandado en
tamaño cuando se
utilice sobre
personas puede
connotar en algunos
casos poder

16. Reglas
de Composición

17. •
La Ley del
Horizonte
Se indica, que en el recuadro
fotográfico deben trazarse,
imaginariamente y con una
afinidad, tres líneas horizontales de
igual anchura, tanto si se esta
trabajando en posición horizontal o
vertical, y en la gran mayoría de las
ocasiones, darle alrededor de dos
bandas a la zona donde se
encuentra el motivo principal, y
más o menos una banda a la zona
secundaria.
Generalmente, la amplitud de
ambos espacios dependerá de la
mayor o menor importancia de cada
uno de estos, pudiendo ser casi
iguales si la relación entre el motivo
principal y el secundario no es tan
desequilibrado nuestro fotograma,
hasta reducirse la zona secundaria a
solo un pequeño borde si el motivo
principal es muy destacado.
Es importante destacar, que esta
regla no solo se aplica cuando esta
presente el horizonte, sino en toda
imagen que tenga una línea más o
menos horizontal que divida a la
composición en dos espacios
significativamente diferenciados.

18. El Horizonte

19. Sin Horizonte

20. Regla de los
Tercios
• La denominada regla
de los tercios divide
la escena en tres
partes, tanto
horizontal como
verticalmente. Las
líneas que
determinan estos
tercios se cortan en
puntos
estéticamente
adecuados para
situar el centro de
interés, con lo que
evitamos que éste,
al estar situado en el
centro de la imagen
resulte estático.

21. Regla de los
Tercios
• Según la división por
tercios de una
escena, la
confluencia de los
tercios marcan unos
puntos donde se
hacen llamativos los
objetos, llamados
puntos fuertes. El
centro es un punto
fuerte. Es
recomendable hacer
coincidir los objetos
con estos puntos.

22. Regla de los
Tercios
•

23. Regla de los
Tercios

24. La Ley de la
Mirada o
Dirección
•
Es aquella ley en que toda
persona, animal o cosa, dentro
del recuadro fotográfico debe de
tener más espacio libre hacia su
parte frontal que lo que ocupa
su parte trasera,
independientemente de la
amplitud de lo abarcado en el
encuadre de la toma. Incluso
podemos recortar el borde del
recuadro fotográfico, la parte del
elemento gráfico en cuestión por
su parte posterior, si este se
encuentra en un plano cercano a
la cámara o es de dimensiones
muy grandes.
Siguiendo la pauta de estas
leyes, concederemos mas o
menos espacio a nuestro
objetivo principal, (el individuo,
personaje o plano) según la
importancia del campo que
tengamos delante, siempre que
sea directamente proporcional
entre el valor de lo mostrado y
el espacio que nos ocupa.

25. La Mirada

26. •
La Dirección
•
La dirección es similar al flujo.
También crea la ilusión de
movimiento. Si hay algo en la
fotografía que parezca estar en
movimiento, tiene una dirección en
la que se mueve.
Un ejemplo de esto son las luces de
peatones de un semáforo. Cuando está
en rojo para los peatones, la figura
representa un peatón inmóvil, con las
piernas juntas y los brazos bajados.
Visualmente, no tiene ninguna
apariencia de estar en movimiento. Sin
embargo, la figura del peatón en verde
que permite cruzar tiene una dirección
en la cual se está moviendo. La
dirección en fotografía se puede cerar
de muchas maneras. Una figura a
punto de cruzar una calle puede
transmitir movimiento aunque la
veamos estática y no se muevan sus
brazos y sus pies, porque podemos
imaginarla un segundo después
cruzando la calle. Del mismo modo,
un coche que aparece cortado en el
lado izquierdo de una fotografía en la
que solo se ve su parte delantera,

27. La Dirección

28. El Campo:
El Primer
Plano
• El campo, es el espacio
que abarca nuestro
objetivo. El campo es
largo cuando el objeto, o
bien el motivo principal
está muy lejos respecto
al punto de toma.
Sin embargo, es medio
cuando el motivo pincipal
ocupa aproximadamente
la mitat de la altura del
fotograma y está situado
cerca de la cámara.
Los planos fotográficos
se dividen en profundiad
en relación a la distancia
del objeto o motivo
principal.

29. El Campo:
Segundo
Plano

30. Las Líneas
• Las líneas dominantes deben
centrar la atención, no
desviarla. Se puede hallar una
línea casi en cualquier cosa,
como en un camino o en una
sombra.
Una de las normas más
populares de la composición se
basa en la repetición de las
líneas y objetos,
especialmente cuando el tema
es una estructura.
Las líneas pueden ser,
horizontales, verticales, curvas
u oblicuas.
Las líneas horizontales, suelen
expresar armonía y
profundidad, paz y
tranquilidad, mientras que las
verticales limitan la
profundidad y actúan como
barreras entre la fotografía y
la vista, es decir subrayan la
grandiosidad del motivo.

31. La Línea

32. La Línea

33. La Curva
• Las líneas curvas y amplias
dan una sensación de
belleza y gracia, aportando
movimiento a la
composición. La vista
recorre la línea de manera
pausada y natural.
Producen una sensación de
paz y tranquilidad.
Las curvas en S, son otra
forma de composición bella
y armónica, y también una
de las más comunes. La
vista sigue suavemente la
curva hasta alcanzar el
principal centro de interés,
centro que debemos
asegurarnos que exista.

34. Las Formas,
Volumen
• La imagen fotográfica, es
bidimensional, pero la
iluminación, el contraste
tonal y cromático resaltan
los volúmenes.
La luz puede aplanar o
crear fuertes sombras,
llegando a fundir formas
entre sí. La forma viene
también modificada por el
punto de la toma.
Un fondo monocromático
contrastante, resalta la
forma del motivo.
Los objetos que se reflejan
en el agua, duplican su
volumen llegando a formar
imágenes espectaculares.
Las formas pueden
utilizarse para marcar un
encuadre dentro de otro.

35. El Mosaico
• El mosaico se encuentra
compuesto por la sucesión
de líneas y formas.
Para evitar que nos cause
monotonía, hay que incluir
elementos secundarios.
Debemos jugar con los
tonos, luces y sombras para
resaltar la composición del
conjunto fotográfico.
Si el mosaico ocupa todo el
encuadro, el impacto se
acentúa. Los mosaicos se
encuentran en todo nuestro
alrededor, entre las
personas, observando
paisajes, sombras etc.

36. El Pattern o
Repetición
• El denominado efecto
pattern, consiste en la
repetición de elementos
gráficos que a través de
un conjunto y juego de
volúmenes, conforman
una imagen armoniosa.
•
Se encuentra una repetición
de elementos pattern, en el
campo de la arquitectura, en
ventanas, tejados, ladrillos...

37. El Pattern o
Repetición

38. La Textura
• La palabra textura nos
define la estructura de
una superficie. Áspera e
irregular o suave y
brillante. La textura
revelada por una
fotografía, nos dice lo que
se sentiría si la superficie
se pudiese tocar.
Debe transmitir una
sensación táctil y de
profundidad, como por
ejemplo la rugosidad de
una corteza o la suavidad
del terciopelo.
La luz, es clave para
fotografiar la textura. La
mejor suele ser oblicua,
dependiendo de la calidad
de textura.La luz dura en
cambio destaca las
superficies irregulares.

39. La Textura

40. Exposición y
Enfoque
•
La exposición correcta depende
de la combinación del tiempo
de obturación. El obturador
limita el tiempo que el rayo de
luz penetra en la cámara y
expone la película o el sensor
digital. Mediante el obturador
se controla el tiempo necesario
para que la imagen se exponga
y quede reflejada en la película
o el sensor digital) y la abertura
del diafragma.
El diafragma y el tiempo son
directamente proporcionales,
cuanto más abierto se
encuentre el diafragma, más
rápido será el tiempo de
obturación. Por ejemplo en
valores numéricos (f22)
corresponden diafragmas
cerrados y con valores más
bajos f4 el diagrama abierto.
Con diafragma cerrado se
obtiene mayor profundidad del
campo. Con el diafragma
abierto se obtiene menos
profundidad del campo.

41. La
Exposición

42. Enfoque Total
• El enfoque es otro de
los elementos
fundamentales para
dirigir la atención del
espectador y resaltar
los motivos de
nuestras
composiciones.

43. Desenfoque
del Fondo
• En un segundo plano la
imagen suele estar
compuesta de un
primer plano, un
segundo plano y un
fondo.
La separación de
diversos planos se
realiza considerando las
diferencias tonales.
Para atraer la atención
sobre algún elemento
en primer plano, sólo
hay que desenfocar el
fondo abriendo mucho
el diafragma.

44. Efecto Pannig
o Barrido
• Consiste en seguir
con la cámara el
motivo en
movimiento durante
el disparo. El fondo
queda movido.
Resulta esencial
elegir un tiempo de
obturación que
permita expresar la
idea del movimiento.

45. Efecto Pannig
o Barrido

46. Tipos de
Perspectiva
: Lineal
•
La perspectiva es el mejor
procedimiento para crear una
sensación tridimensional en una
fotografía.
El ojo estima la distancia en
base a la disminución de
tamaño de los objetos y al
ángulo de convergencia de las
líneas (perspectiva lineal). Del
objetivo y de la distancia
dependerá el que la imagen
resulte con mucha o poca
profundidad. La sensación de
profundidad es puramente
ilusoria, pero constituye una
técnica de composición muy
importante.
Líneas dinámicas: Las formas
más dinámicas de composición,
hace uso de líneas diagonales.
Escogiendo un punto de toma,
un objetivo que provoque líneas
convergentes o radiales, se
puede obtener una fuerte
impresión de perspectiva

47. Perspectiva
Aérea
• Aérea, las
condiciones
climáticas y
atmosféricas (humo,
neblina)
proporcionan una
sensación de
profundidad, ya que
los colores y la
tonalidad de la
imagen se
amortiguan según
aumenta la
distancia. Los
diferentes cambios
cromáticos facilitan a
que la perspectiva
aérea sobresalga y
destaque.

48. Enfoque,
Distancia
Focal
•
El enfoque permite hacer nítido a un sujeto. En las
cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que
enfocar. En las SLR manuales, se enfoca mediante una
rueda que hay en el objetivo. En las SLR con autofocus
el enfoque se hace apuntando con el centro, al sujeto
y pulsando el botón de disparo suavemente.
Apretando más se realiza el disparo.
Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el
objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz
de enfocar.
Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una
distancia mínima mayor, aproximadamente 1,5
metros, que los objetivos de menor alcance (p.ej. 2880), aproximadamente 40 cm.
La distancia mínima puede reducirse para fotografías
de cerca con lentes de acercamiento.
Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de
hacer una fotografía se tenga claro cuál es el sujeto
que se quiere enfocar, y que ese enfoque se encuentre
apuntando directamente sobre él y posteriormente se
haga el encuadre de la escena. Realmente, cuando
enfocamos un sujeto lo que hacemos es enfocar una
distancia.
Primer punto se enfoca, después se compone la
escena (encuadrando) y finalmente se dispara.
La cámara fotográfica, permite congelar motivos en
movimiento, gracias a la velocidad del obturador.
Para detener un movimiento es necesario tener en
cuenta la velocidad con que se mueve el sujeto.

49. El Interés de
Imágenes
Impares
Parece existir una percepción
especial de los números
impares, y en especial de los
grupos de tres elementos.
Un único elemento puede
transmitir soledad o
aislamiento, con dos elementos
una foto puede quedar
demasiado bien equilibrada y
estática, y cuatro elementos
pueden resultar demasiados
para distribuir.
Por algún motivo que no se
explicar, a las personas nos
gusta el número 3. En
fotografía suele funcionar la
agrupación de tres elementos
como centro de interés.

50. La Figura y el
Fondo
El contenido del frente y del fondo
de una foto es importante.
Tanto en el fondo como en el
frente tienen aplicación otros
elementos compositivos como
los colores o las líneas.
Lo importante en el frente y en el
fondo es que no haya
demasiados detalles que puedan
distraer la vista del espectador
del centro de interés.
La mejor herramienta con la que
contamos para marcar la
diferencia entre el frente y el
fondo de nuestras fotos es la
profundidad de campo. Gracias
a la apertura del diafragma que
utilicemos a la hora de hacer
fotografías, conseguiremos
mayor o menor nitidez en el
fondo.

51. El Flujo en la
Imagen
Después de las líneas, podemos tratar el
flujo. El flujo es el modo en el que la
mirada del espectador se desplaza
de una parte de la fotografía a otra.
Una manera de definir el flujo de una
fotografía es mediante el uso de líneas.
Pueden ser horizontales, verticales,
diagonales, convergentes o
divergentes. A veces el flujo creado
por las líneas es nítido y claro, como
los laterales de un edificio que
convergen hacia el cielo), o pueden ser
menos obvias. Sin embargo, la mirada
del espectador debería ser capaz de
recorrer los elementos de una parte a
otra de la imagen.
El flujo crea la ilusión de movimiento (o
ausencia de movimiento si se desea).
Las líneas diagonales se consideran
generalmente más "dinámicas",
mientras que las líneas horizontales y
verticales se consideran más
"estáticas". Un equilibrio cuidadoso de
elementos estáticos y dinámicos dará
un sentido global de movimiento a tus
fotografías.

52. El Color
• El uso de ciertos
colores puede
transmitir y en una
fotografía cuyo
primer impacto
visual suele ser el
color marca muchas
veces la diferencia.

53. El Significado del Color
• El blanco transmite paz, pureza, inocencia.
El negro es el color de la muerte, lo oculto, el mal, también es el color de
la elegancia.
El amarillo es el color del sol y transmite alegría, jovialidad, energía e
impulsividad.
El rojo es el color de la sangre, nos muestra pasión, ira, fuego.
El naranja es similar al amarillo pero simboliza el entusiasmo y lo
positivo.
El azul es el color del frío, comparte con el verde la sensación de
tranquilidad y es el color que mejor simboliza los sueños.
El violeta es el color de lo místico, de la suntuosidad, en ocasiones
simboliza la muerte.
El verde simboliza relajación, tranquilidad, es el color de la naturaleza.
El marrón es el color de la tierra, simboliza lo masculino, lo severo lo
árido.
El significado de los colores es asociativo y depende del contexto en que
sean utilizados para que transmitan las sensaciones que buscamos.
Espero que este tutorial os haya servido de ayuda.

54. El Color en
Armonía
• Combinando los colores
podemos conseguir
composiciones armónicas
o jugar con el contraste.
Las composiciones
armónicas combinan colores
del mismo tono o de distinto
pero que mantienen
pigmentos de los otros. Una
composición armónica debe
tener un color principal o
dominante, uno tónico o
nota de color que sería su
complementario y otro de
transición que actúa como
conciliador y que se
encontraría equidistante
entre los otros dos.

55. El Color en
Contraste
• El contraste puede ser
del mismo tono de color
o de distinto pero
siempre debe
apreciarse una
variación de densidad o
de saturación
acentuada, la diferencia
de tonos atraerá la
atención.

56. Los colores
Existen dos tipos de colores, los
cálidos y los fríos.
Los rojos, naranjas y amarillos forman
parte de la gama de colores
cálidos.
Los azules, verdes y violetas forman
parte de la banda de colores fríos.
Existen muchos elementos
psicológicos ligados a los colores.
Por poner un ejemplo, los azules se
consideran colores tranquilos,
mientras que lo rojos son más
temperamentales. Existe mucha
literatura al respecto de la
psicología del color, por lo
simplemente resumiremos que el
color tiene una importancia
determinante en la composición.
En materia de colores hay que prestar
atención también al contraste. El
contraste se define como la
diferencia de luminosidad entre las
partes más claras y más oscuras de
nuesta foto.

57. Los colores

58. Los colores

59. El espacio
negativo
Se considera el espacio negativo a los
grandes espacios vacíos,
normalmente en blanco o negro,
dentro de una fotografía,
normalmente a un lado.
El alejamiento del elemento central
de la imagen, rellenando el resto
de la foto de un espacio vacío nos
permite transmitir una
información adicional de soledad,
aislamiento o calma a la imagen.
Aunque no es un recurso que
vayamos a utilizar habitualmente,
no está de más conocerlo. Está
enfrentada a la regla de
composición consistente en
rellenar el encuadre comentada
más arriba en este mismo artículo.

60. El Ritmo
• El ritmo no es otra
cosa que la
repetición de
elementos iguales,
como oí hace tiempo
la repetición genera
orden. Dentro de
este punto hay otro
interesante y es que
si dentro de un
grupo de elementos
iguales introducimos
otro desigual este
destacará gracias a
su diferencia.

61. La simetría
• La simetría está
presente en la mayoría
de las cosas que
conocemos, nosotros
mismos somos un plano
simétrico, así como un
pino, una botella o un
un avión. Utilizar el
encuadre como un
plano simétrico nos da
sensación de orden y de
equilibrio, si bien su uso
excesivo es bastante
aburrido. La simetría no
siempre tiene por que
tener elementos
idénticos también la
pueden constituir dos
análogos que generen
esa impresión.

62. La simetría

63. El equilibrio
•
El equilibrio en una composición
no es otra cosa que colocar los
elementos de una forma
armoniosa, como el concepto es
vago y difícil de definir caben
muchas interpretaciones, pero
podemos acercarnos a algo
parecido a una interpretación si
pensamos que al colocar distintos
elementos en una imagen el peso
del encuadre visualmente suele
fallar en alguna de las partes. Si
contamos con una imagen
simétrica las cosas son fáciles,
pero si la imagen no lo es
podemos demostrarlo de una
forma gráfica.
•
Claramente podemos ver en las
dos imágenes que contienen los
mismos elementos y colores
como una de ellas se muestra
más equilibrada mientras la otra
claramente nos dá una sensación
de imprecisión.

64. El equilibrio
• También podemos
equilibrar una imagen
colocando elementos a
un lado de la misma
que compensen los de
la zona contraria.
• La composición
afortunadamente
admite muchas
interpretaciones, tantas
como autores, por eso
el próximo mes
tocaremos más
conceptos. Espero que
os guste.

65. Invertir la Imagen
No es difícil saber cual es la escalera que
sube y cual la que baja.

66. Invertir la Imagen
No es difícil adivinar
cual de estos tractores
va y cual vuelve.

67. Ingenio y
Creatividad

68. Ingenio y
Creatividad

69. Ingenio y
Creatividad

70. Ingenio y
Creatividad

71. Ingenio y
Creatividad

72. Ingenio y
Creatividad

73. Ingenio y
Creatividad