El documento presenta diferentes definiciones de arte de académicos y artistas. Se define el arte como una forma de expresión y conocimiento, una actividad humana consciente capaz de reproducir o expresar experiencias de manera que emocionen. También se plantea que el arte es un fenómeno sociocultural y que a través del arte se puede conocer al ser humano y transformar su sensibilidad. Los artistas destacan que el verdadero arte es eterno y que a través del arte se contempla el mundo y se descubre su alma.
Teoría e historia de las artes combinadas primera claseCecilis Pector
Este documento presenta información sobre las artes combinadas y su historia. Brevemente describe los objetivos de estudiar este tema, incluyendo incorporar el concepto de artes combinadas, pensar el espacio de las artes, e indagar en la importancia de lo interdisciplinar desde el siglo XX. También resume brevemente una performance de 2004 de Leopoldo Maler que involucró 120 automóviles guiados por radio para documentar la integración de colores en las ciudades.
Teoría e historia de las artes combinadas primera claseCecilis Pector
Este documento presenta conceptos clave sobre las artes combinadas. Primero, explora la definición e historia de este campo interdisciplinario, incluyendo su surgimiento a principios del siglo XX. Luego, analiza ejemplos concretos como la performance "Metrobolismo" de Leopoldo Maler que combinó arte y transporte público. Por último, discute el cambio de paradigma en el arte contemporáneo con el surgimiento del arte conceptual y la disolución de fronteras entre disciplinas, requiriendo un nuevo tipo de espectador.
Teoría e historia de las artes combinadas Cecilis Pector
Este documento presenta conceptos clave sobre las artes combinadas. Primero, explora la definición e historia de las artes combinadas, incluyendo su desarrollo a partir del siglo XX con el surgimiento de movimientos interdisciplinarios. Luego, analiza una performance de 2004 del artista Leopoldo Maler que combinó arte, transporte y tecnología. Finalmente, discute el nuevo paradigma estético en el arte contemporáneo, caracterizado por la serialidad, la representación/presentación, y el espectador como performer.
El documento explora las definiciones y clasificaciones del arte a través de la historia. Explica que el arte no puede definirse de manera única y que ha evolucionado con el tiempo. Originalmente, el arte se refería a habilidades manuales y oficios, pero con el Renacimiento se separó de estas y se consideró como expresión individual. Hoy en día, el arte incluye nuevas formas como el cine, la fotografía y los videojuegos.
La filosofía del arte trata el problema del arte y la estética. Existen dos corrientes principales: los formalistas creen que el arte debe copiar la naturaleza de forma realista, mientras que los informalista sostienen que el arte es una creación original y no una imitación. El debate sobre el papel de la imitación versus la creación en el arte ha existido desde la antigüedad.
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética. Explica cómo autores como Heidegger, Gadamer y Hegel entienden la obra de arte y la interpretación desde una perspectiva ontológica y hermenéutica, más que subjetiva. También analiza cómo la noción de "juego" permite superar la dicotomía sujeto-objeto en la comprensión de la verdad y el arte.
El documento presenta diferentes definiciones de arte de académicos y artistas. Se define el arte como una forma de expresión y conocimiento, una actividad humana consciente capaz de reproducir o expresar experiencias de manera que emocionen. También se plantea que el arte es un fenómeno sociocultural y que a través del arte se puede conocer al ser humano y transformar su sensibilidad. Los artistas destacan que el verdadero arte es eterno y que a través del arte se contempla el mundo y se descubre su alma.
Teoría e historia de las artes combinadas primera claseCecilis Pector
Este documento presenta información sobre las artes combinadas y su historia. Brevemente describe los objetivos de estudiar este tema, incluyendo incorporar el concepto de artes combinadas, pensar el espacio de las artes, e indagar en la importancia de lo interdisciplinar desde el siglo XX. También resume brevemente una performance de 2004 de Leopoldo Maler que involucró 120 automóviles guiados por radio para documentar la integración de colores en las ciudades.
Teoría e historia de las artes combinadas primera claseCecilis Pector
Este documento presenta conceptos clave sobre las artes combinadas. Primero, explora la definición e historia de este campo interdisciplinario, incluyendo su surgimiento a principios del siglo XX. Luego, analiza ejemplos concretos como la performance "Metrobolismo" de Leopoldo Maler que combinó arte y transporte público. Por último, discute el cambio de paradigma en el arte contemporáneo con el surgimiento del arte conceptual y la disolución de fronteras entre disciplinas, requiriendo un nuevo tipo de espectador.
Teoría e historia de las artes combinadas Cecilis Pector
Este documento presenta conceptos clave sobre las artes combinadas. Primero, explora la definición e historia de las artes combinadas, incluyendo su desarrollo a partir del siglo XX con el surgimiento de movimientos interdisciplinarios. Luego, analiza una performance de 2004 del artista Leopoldo Maler que combinó arte, transporte y tecnología. Finalmente, discute el nuevo paradigma estético en el arte contemporáneo, caracterizado por la serialidad, la representación/presentación, y el espectador como performer.
El documento explora las definiciones y clasificaciones del arte a través de la historia. Explica que el arte no puede definirse de manera única y que ha evolucionado con el tiempo. Originalmente, el arte se refería a habilidades manuales y oficios, pero con el Renacimiento se separó de estas y se consideró como expresión individual. Hoy en día, el arte incluye nuevas formas como el cine, la fotografía y los videojuegos.
La filosofía del arte trata el problema del arte y la estética. Existen dos corrientes principales: los formalistas creen que el arte debe copiar la naturaleza de forma realista, mientras que los informalista sostienen que el arte es una creación original y no una imitación. El debate sobre el papel de la imitación versus la creación en el arte ha existido desde la antigüedad.
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética. Explica cómo autores como Heidegger, Gadamer y Hegel entienden la obra de arte y la interpretación desde una perspectiva ontológica y hermenéutica, más que subjetiva. También analiza cómo la noción de "juego" permite superar la dicotomía sujeto-objeto en la comprensión de la verdad y el arte.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
Belleza apariencia e intuición en la teoría estética wilmar de jesus diazacuarela46
Este documento resume las ideas estéticas y la teoría del arte del filósofo alemán Theodor Adorno. Adorno ve el arte como una resistencia a la cosificación y alineación bajo el capitalismo, mostrando la muerte del arte alejado de la sociedad e historia. Para Adorno, el arte enfrenta su materia mortal de forma opuesta a la espiritualización propuesta por Hegel, incorporando lo empírico y contextual. Adorno también considera la dialéctica entre el pensamiento y el arte, y cómo la experiencia estética debe involucrar una
El documento discute el concepto de arte, su definición y evolución histórica. Explica que el arte ha existido en todas las culturas y épocas como una actividad inherente al ser humano para expresar ideas y sentimientos. El artista es quien crea la obra de arte a partir de su inspiración y capacidad de expresión, aunque la obra también puede comunicar al espectador. El concepto de belleza está ligado a los dictados culturales de cada época y el arte puede perseguir transmitir placer estético o explorar otras posibilidades creativas.
El documento presenta un esquema con cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) para analizar los principales cambios históricos en la estética desde la Edad Media hasta la Ilustración. Solicita ampliar este esquema explicando cada categoría y dando ejemplos visuales. También pide analizar el concepto de "percepto" y su relación con el "ojo crítico", ilustrando con una obra. Por último, solicita comparar una obra renacentista con una vanguardista en relación al concepto de "mundo
Filosofía de la historia del arte (Hegeliana).Miguel Morales
Filosofía de la historia del arte desde la filosofía y la estética hegelianas. Lo preparé para la materia de filosofía del derecho y estética de Hegel.
El documento analiza el concepto de vanguardismo en las artes. Señala que el vanguardismo surgió como reacción a la pérdida de la religión y el orden establecido, llevando a los artistas a experimentar con nuevas formas que reflejaran un mundo caótico. Las vanguardias buscaban explorar nuevas dimensiones en el arte, criticar a la burguesía y desacralizar el objeto artístico, usando técnicas como el collage y la obra abierta para crear mundos heterogéneos. El artista v
El documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Heidegger, Gadamer y Hegel. Explica que la hermenéutica estudia la interpretación y comprensión de textos, y que para Gadamer la experiencia estética ofrece un modelo de racionalidad diferente al de las ciencias naturales. También describe conceptos como el Dasein, la poesía como fundadora del ser, y la noción gadameriana de que toda comprensión es interpretación condicionada por nuestro horizonte histórico.
Este documento presenta un trabajo práctico sobre estética de la imagen. Explica los principales cambios históricos en la estética divididos en cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) durante la Edad Media, Renacimiento e Ilustración. Luego analiza obras de arte de estos períodos según las categorías. También discute conceptos como precepto y ojo crítico relacionados con la obra "Las Meninas" de Velázquez. Por último, compara obras del Renacimiento y el vanguardismo
Belleza apariencia e intuición en la teoríaacuarela46
Teodor Adorno fue un filósofo alemán considerado uno de los máximos representantes de la Escuela de Fráncfort y la teoría crítica marxista. Para Adorno, el arte experimenta una agonía y resistencia bajo el capitalismo, que conduce a la cosificación y alienación, alejándolo de la sociedad e historia. Sin embargo, el arte no muere sino que encuentra su materia mortal a través de lo empírico y real, enfrentando su contradicción inherente. Adorno concibe el arte de manera diferente a Hegel, vié
El documento explora las definiciones y orígenes del arte a través de la historia. Explica que el arte ha evolucionado de significar destreza en la antigüedad a incluir disciplinas como la pintura, escultura, música, poesía, danza y arquitectura en los siglos posteriores. También discute si el arte proviene de la razón o los sentimientos, concluyendo que aunque la mente humana es necesaria, los artistas comparten sus sentimientos a través de su arte.
El documento resume la evolución histórica del concepto de arte. En la antigüedad, el arte se refería a cualquier destreza o habilidad técnica, incluyendo oficios manuales y algunas ciencias. Más tarde, surgió la distinción entre artes liberales y artes mecánicas. En la Edad Moderna, el concepto empezó a asociarse con la belleza estética y la creatividad. Finalmente, en la actualidad no existe una definición única del arte, sino diferentes teorías sobre su naturaleza y propós
El documento resume la estética de Hegel. Explica que el arte es la aparición sensible de la idea, pero no pertenece al orden de la sensibilidad inmediata. El elemento sensible en el arte es una apariencia de lo sensible que nos fuerza a abandonar nuestra naturaleza animal y separarnos de la realidad inmediata. El arte nos ayuda a liberarnos de la apariencia sensible para alcanzar una comprensión espiritual más profunda.
Este documento presenta un esquema con cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) para analizar los principales cambios históricos en la estética desde la Edad Media hasta la Ilustración. Se pide ampliar este esquema explicando cada categoría y dando ejemplos visuales para cada período. También se piden definiciones de conceptos como percepto y su relación con el ojo crítico, y comparaciones entre obras del Renacimiento y vanguardia en relación al concepto de mundo/arte. Por último, se solic
Este documento presenta un resumen de cuatro categorías históricas del concepto de estética según Elena Oliveras: 1) El fundamento de producción, 2) El artista, 3) El comitente, 4) El fin según cada época. Describe estas categorías para la Edad Media, el Renacimiento y la Ilustración, e incluye ejemplos visuales para cada período. También resume dos puntos adicionales sobre el concepto de "percepto" y la comparación entre una obra renacentista y una vanguardista para explicar el concepto de "
El documento define el arte como la actividad humana de expresar ideas y emociones a través de recursos como la pintura, la escultura y la música. Explica que originalmente el arte tuvo una función ritual y religiosa, pero que su significado ha variado a través del tiempo y depende de la cultura. También describe los diferentes elementos del fenómeno artístico como el artista, la obra de arte y las diferentes disciplinas artísticas como la pintura, la escultura, la arquitectura y la literatura.
El documento presenta una introducción al concepto de arte, planteando preguntas sobre su definición, función y recepción. Luego analiza el origen del arte en la prehistoria como forma de comunicación, y su vínculo con la espiritualidad. Finalmente, explora la relación entre arte, estética y belleza; y cómo diferentes pensadores a lo largo de la historia han definido estas nociones.
Este documento trata sobre el concepto de arte. Expone brevemente algunas definiciones de arte propuestas por filósofos a lo largo de la historia. También plantea preguntas sobre la naturaleza de la obra de arte, el papel del artista y el espectador, y la relación entre estética y arte. Finalmente, analiza la visión del arte y la estética del escritor Oscar Wilde, influenciado por pensadores como Baudelaire y Pater, quienes defendían que el arte debe perseguir la belleza por sí misma y producir pl
Este documento presenta información sobre conceptos estéticos como la belleza, el arte y la experiencia estética. Explica el origen del término "estética" y cómo ha evolucionado su significado, desde Baumgarten hasta su definición actual. También analiza la relación entre el sujeto, el objeto estético y la experiencia estética, así como los problemas epistemológicos relacionados con el arte. Finalmente, discute la actitud del esteta y el lenguaje de la estética.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
Belleza apariencia e intuición en la teoría estética wilmar de jesus diazacuarela46
Este documento resume las ideas estéticas y la teoría del arte del filósofo alemán Theodor Adorno. Adorno ve el arte como una resistencia a la cosificación y alineación bajo el capitalismo, mostrando la muerte del arte alejado de la sociedad e historia. Para Adorno, el arte enfrenta su materia mortal de forma opuesta a la espiritualización propuesta por Hegel, incorporando lo empírico y contextual. Adorno también considera la dialéctica entre el pensamiento y el arte, y cómo la experiencia estética debe involucrar una
El documento discute el concepto de arte, su definición y evolución histórica. Explica que el arte ha existido en todas las culturas y épocas como una actividad inherente al ser humano para expresar ideas y sentimientos. El artista es quien crea la obra de arte a partir de su inspiración y capacidad de expresión, aunque la obra también puede comunicar al espectador. El concepto de belleza está ligado a los dictados culturales de cada época y el arte puede perseguir transmitir placer estético o explorar otras posibilidades creativas.
El documento presenta un esquema con cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) para analizar los principales cambios históricos en la estética desde la Edad Media hasta la Ilustración. Solicita ampliar este esquema explicando cada categoría y dando ejemplos visuales. También pide analizar el concepto de "percepto" y su relación con el "ojo crítico", ilustrando con una obra. Por último, solicita comparar una obra renacentista con una vanguardista en relación al concepto de "mundo
Filosofía de la historia del arte (Hegeliana).Miguel Morales
Filosofía de la historia del arte desde la filosofía y la estética hegelianas. Lo preparé para la materia de filosofía del derecho y estética de Hegel.
El documento analiza el concepto de vanguardismo en las artes. Señala que el vanguardismo surgió como reacción a la pérdida de la religión y el orden establecido, llevando a los artistas a experimentar con nuevas formas que reflejaran un mundo caótico. Las vanguardias buscaban explorar nuevas dimensiones en el arte, criticar a la burguesía y desacralizar el objeto artístico, usando técnicas como el collage y la obra abierta para crear mundos heterogéneos. El artista v
El documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Heidegger, Gadamer y Hegel. Explica que la hermenéutica estudia la interpretación y comprensión de textos, y que para Gadamer la experiencia estética ofrece un modelo de racionalidad diferente al de las ciencias naturales. También describe conceptos como el Dasein, la poesía como fundadora del ser, y la noción gadameriana de que toda comprensión es interpretación condicionada por nuestro horizonte histórico.
Este documento presenta un trabajo práctico sobre estética de la imagen. Explica los principales cambios históricos en la estética divididos en cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) durante la Edad Media, Renacimiento e Ilustración. Luego analiza obras de arte de estos períodos según las categorías. También discute conceptos como precepto y ojo crítico relacionados con la obra "Las Meninas" de Velázquez. Por último, compara obras del Renacimiento y el vanguardismo
Belleza apariencia e intuición en la teoríaacuarela46
Teodor Adorno fue un filósofo alemán considerado uno de los máximos representantes de la Escuela de Fráncfort y la teoría crítica marxista. Para Adorno, el arte experimenta una agonía y resistencia bajo el capitalismo, que conduce a la cosificación y alienación, alejándolo de la sociedad e historia. Sin embargo, el arte no muere sino que encuentra su materia mortal a través de lo empírico y real, enfrentando su contradicción inherente. Adorno concibe el arte de manera diferente a Hegel, vié
El documento explora las definiciones y orígenes del arte a través de la historia. Explica que el arte ha evolucionado de significar destreza en la antigüedad a incluir disciplinas como la pintura, escultura, música, poesía, danza y arquitectura en los siglos posteriores. También discute si el arte proviene de la razón o los sentimientos, concluyendo que aunque la mente humana es necesaria, los artistas comparten sus sentimientos a través de su arte.
El documento resume la evolución histórica del concepto de arte. En la antigüedad, el arte se refería a cualquier destreza o habilidad técnica, incluyendo oficios manuales y algunas ciencias. Más tarde, surgió la distinción entre artes liberales y artes mecánicas. En la Edad Moderna, el concepto empezó a asociarse con la belleza estética y la creatividad. Finalmente, en la actualidad no existe una definición única del arte, sino diferentes teorías sobre su naturaleza y propós
El documento resume la estética de Hegel. Explica que el arte es la aparición sensible de la idea, pero no pertenece al orden de la sensibilidad inmediata. El elemento sensible en el arte es una apariencia de lo sensible que nos fuerza a abandonar nuestra naturaleza animal y separarnos de la realidad inmediata. El arte nos ayuda a liberarnos de la apariencia sensible para alcanzar una comprensión espiritual más profunda.
Este documento presenta un esquema con cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) para analizar los principales cambios históricos en la estética desde la Edad Media hasta la Ilustración. Se pide ampliar este esquema explicando cada categoría y dando ejemplos visuales para cada período. También se piden definiciones de conceptos como percepto y su relación con el ojo crítico, y comparaciones entre obras del Renacimiento y vanguardia en relación al concepto de mundo/arte. Por último, se solic
Este documento presenta un resumen de cuatro categorías históricas del concepto de estética según Elena Oliveras: 1) El fundamento de producción, 2) El artista, 3) El comitente, 4) El fin según cada época. Describe estas categorías para la Edad Media, el Renacimiento y la Ilustración, e incluye ejemplos visuales para cada período. También resume dos puntos adicionales sobre el concepto de "percepto" y la comparación entre una obra renacentista y una vanguardista para explicar el concepto de "
El documento define el arte como la actividad humana de expresar ideas y emociones a través de recursos como la pintura, la escultura y la música. Explica que originalmente el arte tuvo una función ritual y religiosa, pero que su significado ha variado a través del tiempo y depende de la cultura. También describe los diferentes elementos del fenómeno artístico como el artista, la obra de arte y las diferentes disciplinas artísticas como la pintura, la escultura, la arquitectura y la literatura.
El documento presenta una introducción al concepto de arte, planteando preguntas sobre su definición, función y recepción. Luego analiza el origen del arte en la prehistoria como forma de comunicación, y su vínculo con la espiritualidad. Finalmente, explora la relación entre arte, estética y belleza; y cómo diferentes pensadores a lo largo de la historia han definido estas nociones.
Este documento trata sobre el concepto de arte. Expone brevemente algunas definiciones de arte propuestas por filósofos a lo largo de la historia. También plantea preguntas sobre la naturaleza de la obra de arte, el papel del artista y el espectador, y la relación entre estética y arte. Finalmente, analiza la visión del arte y la estética del escritor Oscar Wilde, influenciado por pensadores como Baudelaire y Pater, quienes defendían que el arte debe perseguir la belleza por sí misma y producir pl
Este documento presenta información sobre conceptos estéticos como la belleza, el arte y la experiencia estética. Explica el origen del término "estética" y cómo ha evolucionado su significado, desde Baumgarten hasta su definición actual. También analiza la relación entre el sujeto, el objeto estético y la experiencia estética, así como los problemas epistemológicos relacionados con el arte. Finalmente, discute la actitud del esteta y el lenguaje de la estética.
Similaire à Clase 4 - Heidegger y el ser del arte.pptx (20)
-La adhesión entre los espermatozoides y las membranas plasmáticas de las células oviductales está asegurada por moléculas expuestas en la superficie rostral de los espermatozoides y capaces de unir carbohidratos en la superficie de las células oviductuales especifica para cada especie
-La adhesión entre los espermatozoides y las membranas plasmáticas de las células oviductales está asegurada por moléculas expuestas en la superficie rostral de los espermatozoides y capaces de unir carbohidratos en la superficie de las células oviductuales especifica para cada especie.
-Unas horas antes de la ovulación, los espermatozoides unidos comienzan a liberarse y progresan hacia la unión ampular/ístmica, donde el ovocito ovulado se detendrá para la fertilización.
Objetivo
-Revisar el conocimiento disponible sobre las moléculas involucradas en la selección, almacenamiento y liberación de espermatozoides del reservorio oviductal.
Este proyecto se enfoca en las artesanías y el arte de la región del Departamento de Nariño. ArtNariño es una iniciativa que busca crear una plataforma, donde los artesanos y artistas locales puedan publicar, explicar y vender sus obras, facilitando la conexión entre creadores y compradores según sus preferencias.
Para fortalecer las competencias de identidad nacional, regional y local se promueven actividades que tienen como propósito que los niños y niñas investiguen las reseñas históricas de los personajes que participaron en el proceso de la independencia, que elaboren líneas de tiempo a lo largo de la historia del país, que dialoguen y expresen sus opiniones sobre los cambios ocasionados, propongan alternativas de solución para revalorar la historia del país, asuman responsabilidades y compromisos para demostrar ese amor cívico cultural, resolverán diversas situaciones, valorar los símbolos patrios, reconocerán cómo utilizaban nuestros antepasados el suelo patrio y leerán diversos tipos de textos para comprender y revaloran su historia.
Captan el tema de la clase.
* Realizar la actividad de agrupar con objetos concretos
(cuadernos, lápices, borradores, etc.).
M: ¿Qué estoy haciendo con estos objetos?
RP: Agrupando, juntando, uniendo, etc.
* Indicar que hagan agrupaciones con las tapas (frijoles) en
su pupitre.
2. Comentan la situación del
problema. [A]
M: ¿Qué hicieron?
RP: Los juntaron en una sola canasta, los unieron, etc.
Que imaginen la idea del dibujo y que lo expresen oralmente identificando las palabras claves como: unir, juntar,
agrupar, etc.
2. HUSSERL Y HEIDEGGER
L a F e n o m e n o l o g í a
Heidegger fue discípulo de Husserl, el creador de la
Fenomenología, que era un método de examinación de
consciencia aplicado a la filosofía. Examinaba la
subjetividad. Puede ser entendido como un estudio de las
estructuras de la experiencia. Husserl, su creador era un
matemático y estaba interesado en la naturaleza de las
verdades necesarias mas que en los problemas de la vida.
Husserl buscó un punto para fundar todo el conocimiento.
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3. LA EXPERIENCIA VITAL
• Heidegger no llama “seres humanos” a los
hombres, porque desde la primera persona,
ese término es muy biológico. La existencia
requiere conciencia y subjetividad.
• Le llama el “ser ahí”, arrojado a la
existencia, y su característica principal es
que se cuestiona su realidad y su
experiencia.
• Se interesó por la estética y revolucionó los
conceptos del Arte.
H e i d e g g e r y e l s e r
3
4. EL SER DEL
ARTE
¿ C u á l e s l a e s e n c i a d e l
a r t e ?
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5. HEIDEGGER
E L A R T E C O M O M A N I F E S T A C I Ó N D E
L O A B S O L U T O
-En 1935 escribió “El origen de la obra de arte”.
-En este texto, Heidegger intent repensar el SER del arte.
-Este texto se contrapone a la tendencia de la estética moderna en que se ve a la
obra de arte como un objeto producido por un artista y así como objeto estético de
goce.
-Para Heidegger no puede ser reducida una obra a la presencia de una mera cosa.
-Rechaza la idea de que la actualidad de la obra de arte pueda ser captada en base a
la naturaleza de un objeto y también rechaza la asunción de que la obra ha de ser
pensada en la base de algo existente en el mundo.
-Heidegger propone que la obra de arte es un suceso (un Happening) de Verdad.
5
6. HEIDEGGER
E L A R T E C O M O M A N I F E S T A C I Ó N D E
L O A B S O L U T O
-El arte no es representacional y no puede ser pensado como algo en el
mundo en ningún caso.
-Para Heidegger, el arte es lo que contrapone al nihilism.
-Heidegger se cuestiona si Nietzsche verdaderamente tuvo éxito en
sobreponerse al nihilismo que se encuentra en su estética.
-Para Heidegger, el arte se nos abre en su hacer, en su trabajo, no en su
naturaleza de “cosa”, y tampoco en el artista.
-Una cosa importa para Heidegger, y se da en su origen, y es la esencia del
arte. ¿Qué hace que el arte sea arte y no otra cosa?
-Para entender de donde viene, entendemos su ser.
-Para eso debemos entender no viendo obras de arte, sino
comprendiendo su ser en el pensamiento, en el pasaje del pensamiento a
la material y no en la material. El arte se vuelve un suceso intelectual.
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7. HEIDEGGER
E L A R T E C O M O M A N I F E S T A C I Ó N D E
L O A B S O L U T O
-El arte mismo en su carácter de producción, y apertura al mundo.
-La expresión y la personalidad del artista, su persona y su obra, no son
suficientes para garantizar una visión esencialista del origen del arte y su
esencia.
-El acto de preservar una obra de arte, es sacarla del mundo, es una
apropiación en que se Cierra la posibilidad de apertura al mundo de la
obra de arte.
-El arte florece y nos abre mundo en la medida en que ES y se descubre
en apariencia. Debe funcionar como tal y no estar removida del mundo.
-El arte preservado es mera cosa.
-Una obra de Beethoven guardada en papel es tan cosa como una bolsa
de papas. El arte está en su suceder (happening).
7
8. HEIDEGGER
E L A R T E C O M O M A N I F E S T A C I Ó N D E
L O A B S O L U T O
-Todo lo existente es una cosa, pero en sentidos diferentes.
-Para el artista, la cosa es la MATERIA con que trabaja.
-Ellos trabajan artísticamente para producir FORMA.
-Esa cosa tiene propiedades, y es entonces SUSTANCIA.
-La síntesis de Forma y Materia, produce la COSA que puede ser
igualmente aplicado su concepto a cosas de la naturaleza, no
necesariamente artísticas.
8
1- Sustenta
propiedades
2- Unidad de
sensaciones e
impresiones
3- Una materia
con FORMA
La COSA es 3 elementos en la filosofía occidental
9. HEIDEGGER
E L A R T E C O M O M A N I F E S T A C I Ó N D E
L O A B S O L U T O
-Debemos comprender esto de la filosofía occidental y mantenerlo a una
distancia, porque el tipo de COSA que es la obra de arte es, está
determinado por su carácter de trabajo.
-La obra de arte no es reducible a esos conceptos de COSA que vimos,
conceptos metafísicos.
-La obra tiene un TRABAJO/SER que florece y descubre el mundo en la
medida en que está EN el mundo y es DEL mundo y abre el mundo en
APARIENCIA.
9
10. 10
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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Cuando nos paramos frente a una obra en un museo, o
vamos a ver una obra clásica al teatro como Antígona, las
obras están TRANSPUESTAS de sus espacios originales. El
rol que jugaban como TRABAJOS/ENTES artísticos en
preservar y dar a luz al mundo es TRANSPUESTO en meros
objetos artísticos, que luego se convierten en OBJETOS DE
VIDA EXPERIMENTADA.
11. 11
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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-Aún podemos ser inspirados por la magnificencia de las
catedrales góticas, pero aún así, ha cambiado el mundo
original en que funcionaban como arte y esto ha roto su
ser/obra de arte original.
-El origen de la obra de arte es el arte. El arte no existe
porque hay obras de arte, sino lo contrario. Como en tanto
hay arte, existe la necesidad de la obra de arte. Y la
necesidad de la obra es la plataforma de posibilidad de la
obra del artista.
-Este es el círculo hermenéutico del arte. Desde el suceso
de arte a la obra de arte transpuesta (exhibida).
12. 12
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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-El templo de Afaya, o Afea, en Aegina, Grecia.
-Originalmente era un santuario para la aparición o
desaparición de la diosa Afaya.
13. 13
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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-Las esculturas pedimentales (actualmente en Berlín)
revelaban la presencia de un dios o de héroes.
14. 14
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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-La obra de teatro era un dispositivo diseñado
originalmente para invocar a los dioses y lograr la catarsis.
15. 15
EL SER DE LA OBRA DE ARTE
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-El mundo que revelaban estas obras para nosotros está casi
totalmente perdido.
-Del mismo modo lo está el cielo que Van Gogh pintó en
Noche estrellada.
-Establecer en el sentido de erigir es esencialmente diferente
de montar una obra. Construir un templo a Zeus, o establecer
la estatua a Apolo, o la performance de una tragedia.
-Establecer es dedicación y alabanza. Dedicar, significa
consagrar en el sentido en que el trabajo es presentación. Lo
sagrado es apertura de la deidad al mundo y la alabanza es la
apreciación de la dignidad y esplendor de un dios.
-En el montar de una obra se asume que la obra a erigir ya
tiene en sí esas características esenciales en su ser.
16. APERTURA AL MUNDO
• La obra es un altar en que el mundo
es abierto y está organizado de
modo tal de desvelar el misterio de
la existencia del ser.
• El mundo no es la acumulación de
cosas para ser utilizadas o el puro
pensamiento, tampoco es la suma ni
el marco.
• El mundo es lo que rodea al ser y es
donde el ocio y la prisa, lo remote y
lo próximo, lo angosto y lo expansive
de todo el ser se mantiene abierto a
nosotros.
• El mundo no es objeto, sino que es
percibible dentro de la existencia del
mundo.
• EL SER DEL ARTE es el de ABRIR
MUNDO, lo presenta y lo sostiene
habitable.
• El ser del arte no está destinado a
serlo para la gente del negocio del
arte, sino para los espectadores.
• Lo que determina la calidad del arte
es que presente un rechazo a lo que
es comunmente presente a mano.
• El medio, la expresión, la forma son
concepciones que fallan para
comprender enteramente la esencia
del arte como rechazo del presente
que sostiene abierto un espacio-
tiempo.
• Ya que el arte trabaja con los medios
de la tierra: durabilidad, flexibilidad,
luminosidad, oscuridad, sonidos y
todo, el poder de la palabra, el peso,
etcetera, une en unísono la plenitud
de todo lo que es tierra.
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17. TIERRA
• Relación esencial entre TIERRA y
MUNDO.
• La TIERRA no es un depósito o masa
de materiales, tampoco el planeta,
sino la armonía de montaña y mar,
de tormentas y aire, de árboles y
pastos, de águila y caballos.
• TIERRA es aquello que se
desenvuelve permanentemente en
plenitude, y así siempre toma lo que
es desenvuelto para retenerlo.
• La TIERRA oculta, preparándose para
la aperture al mundo.
• La obra de arte también consiste de
TIERRA y sostiene su retroceso hacia
la TIERRA, cosa que la Cierra y abre
MUNDO al mismo tiempo.
• El Mundo está contra la Tierra y la
Tierra contra el Mundo. Están en
oposición y pugna. Pero la pugna es
la intimidad de su mutual
pertenencia.
• 1-El mundo pugna por sobrepasar a
la tierra. Esta es la naturaleza de la
apertura.
• 2 - La tierra tiende a esconder el
mundo dentro de sí y mantenerlo
allí. Esta es la naturaleza de la tierra
de seconder.
• 3 – Entonces la aperture y cierre de
mundo están siempre en pugna.
• 4 – El ser de la obra de arte es la
íntima lucha entre MUNDO y
TIERRA.
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18. ARTE COMO VERDAD
• Verdad como una corrección en la
representación ya supone la noción
de desocultamiento (Aletheia en
griego). Reconocer que dos cosas
son similares o congruentes, uno
debe “VER” que lo sean. Su
coincidencia debe ser aparente,
desocultamiento.
• Claridad. La naturaleza dialéctica de
la verdad incluye la aperdura y el
ocultamiento de algo.
• La Belleza es el resplandor o
contenido de SER en la obra de arte.
La belleza es un modo en que la
verdad ocurre.
• Esto sucede en el mundo moderno,
en que estamos rodeados de arte, y
sin embargo por ese apuro cotidiano
no nos permitimos el tiempo para
que la obra ABRA su MUNDO para
nosotros.
• Heidegger define a la ESENCIA del
arte como poesía, o POIESIS. La
poiesis no es traer algo de la no
existencia a la existencia, sino el
establecer en el trabajo una VERDAD
y abrirla al mundo.
• Todo el arte en esencia es poético, la
búsqueda de la aperture de una
obra en que todo es distinto a lo
usual.
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19. EXPRESIÓN
• Todas las artes son formas de
poetizar.
• Lo poético es en sí mismo el decir
proyectivo del SER en sí y como tal,
el mito del mundo y también del
espacio de la proximidad y distancia
de los dioses. Lo poético es la
esencia del lenguaje y no solo como
resultado de esto puede volverse
una expresión.
• La poesía y la esencia del arte son
fundantes del SER.
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21. POESIA/ARTE
FUNDANTES DEL SER
T R E S U N I D A D E S
-Fundar es algo DADO, un regalo gratuito.
-Fundar es ERIGIR, darle material.
-Fundar es PONER EN FIE, darle comienzo.
-La Poiesis es un modo de estar allí que llamamos
HISTORIA que se desenvuelve en arrojos históricos de
creación que fundan mundos.
-Los pueblos, están siempre listos y arrojados allí.
-La POIESIS, el ARTE restauran en SER a lo que
propiamente ES en esencia y que vuelve la TIERRA
HOGAR en el mundo.
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22. CONTRA LA ESTÉTICA
A FAVOR DEL ARTE
-Heidegger se sitúa contra la tradición moderna de la
estética, porque él está en favor de la verdadera
“obra de arte”, que él argumenta que la aproximación
estética del arte eclipsa.
-La estética fluye desde el subjetivismo moderno. Y el
encuadre moderno.
-Heidegger lo que se propone hacer es liberar al arte
mismo de su estátus como una categoría estética.
-La interpretación fenomenológica del arte consiste
en construir un Puente entre una obra en particular
(óntica) y que esta nos permita establecer una verdad
del arte en general.
-Grandes obras de arte focalizan momentos y lugares
históricos que reflejan a las comunidades qué vale y
qué importa y esto es interpretado a la luz de la obra.
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- Las obras de arte funcionan como paradigmas, sirviendo
sus comunidades como modelos de la realidad, lo que
significa que las obras pueden manifestar variadamente o
articular o incluso reconfigurar las ontologías históricas
modelando sus mundos culturales.
23. PARADIGMAS
-Los micro-paradigmas son lo que importa más para
nosotros profundamente.
-Las obras de arte paradigmáticas descubren cómo
funciona el arte mismo para las sociedades.
-Los macro-paradigmas son grandes obras de arte
como los templos griegos o el drama trágico, son
obras que tienen éxito en transformar
fundamentalmente a las comunidades históricas,
transformando su comprensión acerca de su ser.
-Cuando el gran arte sucede, cuando hay un
comienzo de él y es empujado a la historia, la historia
o bien comienza, o comienza de Nuevo.
-El gran arte es literalmente revolucionario, en otras
palabras, capaz de convertirse en inercia de
tradiciones existentes, mediante la puesta en
movimiento de las ruedas de la historia entre
comunidades.
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- Heidegger creyó que la estetización del arte había hecho que los
modernos se queden estancados en una visión rarificada y
abstracta según la cual “el goce del arte sirve primordialmente
para satisfacer el gusto de los conocedores y los estetas”.
- Para nosotros hoy, el arte pertenece al mismo dominio del
pastelero.
- El hecho de que nuestra cultura celebre a los baristas que sirven
café con dibujos que hacen con la leche, sugiere que hemos
perdido la perspectiva del rol que el arte puede jugar en dar
forma a la historia en el más profundo nivel.
24. PARADIGMAS
-La obra de arte está posicionada como un OBJETO para
un SUJETO, y esta díada sujeto-objeto está mediada por
una relación de sentimientos-sentidos, y esto es
definitive para la consideración estética.
-La dicotomía sujeto-objeto forma la base misma de la
cosmovisión moderna, así que estaríamos sorprendidos
si la estética moderna no lo presupusiera.
-Lo que Heidegger objeta acerca del modo en que los
estetas se aproximan al arte presupone un sujeto que
aprecia el arte, parado frente a una obra de arte,
disfrutando (o no) su experiencia sensorial de la obra.
-El arte entonces es empujada al horizonte de lo que la
estética supone que este ES. El arte se convierte en un
objeto de la experiencia vivida y en este modo el arte se
vuelve una expression de la vida vivida.
-Eso convertiría al arte en objeto, en algo externo a la
subjetividad.
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- El arte no es algo externo al sujeto, sino que está en el sujeto, en
su mismo ser. Cuando la obra de arte se convierte en objeto para
que los sujetos tengan experiencias significativas de estas obras y
también sean comprendidos como expresiones significativas de
las experiencias de un sujeto artístico.
- Este isomorfismo de expresión estética e impresión no aplica al
Surrealismo, Dadá, Fluxus y sus obras.
- La abstracción pone en jaque este mismo argumento de la
estética que cuestiona Heidegger.
25. INTENSIFICACIÓN
-Los objetos estéticos a nuestro alrededor intensifican
nuestras experiencias estéticas (saturan nuestros
sentidos).
-Hay 5 síntomas de subjetivismo a la que se nos somete.
-Los primeros cuatro son la ascendencia de la ciencia, la
tecnología, la estética y la cultura.
-El Quinto es el decliner histórico de lo divino que
Heidegger, haciendose eco de Schiller llama el des-
diosamiento o des-deificación del mundo.
-El subjetivismo así designa la búsqueda
incrementalmente global de la humanidad para lograr
complete control sobre cada aspect de nuestra realidad
objetiva, establecernos a nosotros como seres que dan
medida y proven las normas y guías para todo lo que ES.
-Por eso incomoda tanto el mundo de lo desconocido, lo
indeterminado.
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- Heidegger no niega la realidad del sujeto/objeto, sino que señala
que nuestra experiencia del sujeto/objeto deriva de y presupone
un más fundamental nivel de la experiencia, una modalidad
primordial de la existencia en que el YO y el MUNDO están
unidos más que divididos.
- Este proceso tiene su origen en Kant, de él, Descartes y más aún,
en OKHAM como su origen medieval.
26. EXPERIENCIA ESTÉTICA
-En la Universidad de Nuevo México, en el instituto
MIND, los pacientes en los que se experiment fueron
suministrados con imagines “bellas” para mirar y la
actividad neuronal que se estudió en sus cerebros fue
estudiada empíricamente usando uno de los más
poderosos resonadores. Lo que sucedió lo predijo
Heidegger en 1937:
-La estética se convierte psicología y luego procede en la
manera de las ciencias naturales, eso es, estados de
sensación se convierten en hechos de evidencia para ser
experimentados, observados y medidos.
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27. LA INDUSTRIA CULTURAL
COMO ENMARCADORA
-Heidegger describió cómo la industria del arte trata a
las obras de arte como “recursos en un almacén”, o
como “papas en una bodega” para ser envalados
rápidamente y eficientemente como carbon o como
troncos de una exhibición a otra.
-Él está más perturbado por cómo el arte es reducido a
la estética y este así se convierte en partícipe del
crímen, por ejemplo cuando la sensación de belleza es
reducida a un estado cerebral objetivamente buscado
para ser medido precisamente y controlado a través de
neurociencias, como si fueran ciencias de la
computación.
-De este modo, en una medición neurológica, los
zapatos de Van Gogh, solo recibieron una puntuación de
5.5/100 segun los científicos.
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28. LA MUERTE DEL ARTE
-El arte está muriendo, pero no está lejos de morir. El
arte moriría si la experiencia estética se mantiene como
el solo element del arte. Todo depende en salir de la
experiencia meramente estética hacia el SER, lo que
significa alcanzar una forma diferente de arte.
-Derrida refiere al motive del Fénix. Uno entierra lo que
ya está muerto, de modo que la vida sea revivida y
regenerada de las cenizas.
-Heidegger concuerda con Hegel en que el arte, como
forma en que la verdad obtiene existencia en sí misma,
en su más alta determinación, vocación y propósito, el
arte se convierte así en una cosa del pasado.
-Heidegger tiene, a pesar de eso la esperanza de que la
verdad distintiva se manifieste en el arte de modo que
el arte pueda tener la trascendencia de moldear la
historia tan importante como tuvo para los antiguos
griegos, pero que perdió en el mundo moderno.
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-Subsiste la pregunta de si el arte aún es esencial y
necesariamente una manera en que la verdad sucede que sea
decisivo para nuestra existencia histórica o no lo es más así.
-La presencia
29. ESENCIA POSMODERNA
DEL ARTE
-La esencia del arte consiste en que el artista posea el
instinto esencial de lo possible, para traer posibilidades
ocultas de lo que ES hacia la obra y así hacer que los
seres humanos sean capaces de ver aquello con lo que
diariamente están cegados y afanados.
-Nunca serían capaces de entender lo que es una
pintura. No podrían entender que la figura de un
Labrador en el campo es un tema serio, difícil, pero al
mismo tiempo bello, eso es merecedor de la devoción
de la propia vida en expresar lo poético oculto en eso
(carta de Van Gogh a Theo, Agosto de 1882).
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30. ESENCIA POSMODERNA
DEL ARTE
-La reconstrucción imaginative de Heidegger de un
mundo perdido en la figura del templo nos motiva a un
encuentro no estético con el arte.
-Heidegger no busca un retorno nostálgico al mundo
griego.
-Desecha un revival como una imposibilidad porque el
templo antiguo, tanto como la cathedral medieval ya no
reúne su mundo histórico a su alrededor y entonces ya
no funciona como gran arte y tal remoción del mundo y
decaimiento del mundo no puede ser revertido.
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31. ESENCIA POSMODERNA
DEL ARTE
-Su esperanza es que a través de una Mirada no estética
del arte, comprendamos el ser de entidades no como
objetos modernos (subjetivismo) o removidos
(reenmarcados), sino en un modo genuinamente
posmoderno, entonces inaugurando otro comienzo
histórico.
-Una obra sin una comunidad interpretativa, se
mantiene estéril y muda, y una comunidad interpretante
sin una obra de arte como guía, permanence ciega.
-Nos gusta creer que la humanidad está en camino de
comprender el universe, pero el arte nos enseña que no
vamos a agotar las posibilidades inherentes de lo que
nos gusta llamar “realidad”.
-El arte nos ayuda a aprender a abrazar nuestra finitude,
recordándonos su otro lado, el hecho de que la
inteligibilidad nunca agotará su Fuente.
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-El arte nos ayuda a abrazar aquella mirada trágica de que el ser
nunca completamente revelará en su tiempo la misma cosa que hace
posible que los seres humanos continúen comprendiendo todo de
nuevo y de maneras más significativas potencialmente.
32. ESENCIA POSMODERNA
DEL ARTE
-Todo lo primordial se contempla como algo que nos es
familiar. Todo lo que fue Ganado por luchas se vuelve
algo manipulado. Todo misterio pierde su poder inicial
una vez descubierto.
-Desafortunadamente, es difícil presentas las verdades
más profundas que emergen de las luchas personales
existenciales que la fenomenología demanda sin
proveer al público con un resultado formulaico y
monótono.
-Con las ideas de mundo y de tierra, Heidegger busca
darle nombre de modo de hacer visible el conflicto sutil
estructural del corazón de la iteligibilidad, la oposición
que permite al SER ser DESVELADO en TIEMPO.
-La TIERRA es su respuesta a la creación ex nihilo.
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