1. Arte Clásico y Paleocristiano Artes Visuales Profesor R. Muñozcoloma

2. Escritura Egipto Grecia 3000 a.C. 0 1.800 a.C. 753 a.C. 476 d.C. 45 d.C. Antigüedad Roma Paleocristianismo

3. Grecia Grecia

4. Historia de Grecia Antigua Civilización Micénica (siglos XVIII – XII a. C.) La conocemos sólo a través de hallazgos arqueológicos y los poemas épicos, la Iliada y la Odisea, escritos por Homero muchos siglos después. Luego del Período Micénico siguen cuatro siglos de crisis profunda sobre lo que existe muy poca información, etapa conocida como “ período oscuro ”. Período Arcaico (siglos VIII – VI a. C.) Surgen las Poleis. Se fundan las colonias mediterráneas (apokías). Aunque fueran independientes mantenían la unidad cultural a través de la religión y la lengua. Período Clásico (siglos V – IV a. C.) Grecia alcanza su máximo esplendor. Grandes ciudades se disputan el dominio del mundo griego (Atenas, Esparta y Tebas). Florece el teatro (tragedia y comedia), la historia (Heródoto y Tucídides) y la filosofía (Sócrates, Platón y Aristóteles) Helenismo (siglos IV - II a. C.) Grecia es sometida por Macedonia. Alejandro Magno construyó un imperio conquistando incluso Egipto y Mesopotamia. Este período termina con la conquista romana, aunque la civilización griega sobrevive por la asimilación de ella que hicieron los vencedores.

5. Politeísmo Antropocentrismo Características de la cultura Griega

6. En el segundo milenio antes de cristo, algunos grupos indoeuropeos empezaron a llegar al sur de la península de los Balcanes y costas del Asia Menor, mezclándose con los habitantes primitivos y dando así origen al pueblo griego. Los griegos de ese entonces se establecieron separadamente, en diferentes regiones, formando estados pequeños denominados polis . Cada polis tenía sus propias leyes, instituciones, dioses y costumbres, pero, debajo de esa variedad, existía una civilización común, que ha sido considerado el origen de la nuestra . Todas las manifestaciones culturales de Grecia están presididas por una preocupación por el hombre. Se trata de una cultura antropocéntrica , como define la famosa sentencia de Protágoras: "el hombre es la medida de todas las cosas" ; incluso los dioses son seres afectados por las pasiones humanas (amor, celos, odio, etc.).

7. El arte helénico fue racional y humano, porque así fue la sociedad que lo creó; Racional, porque en él fue todo claro, sencillo, proporcionado, equilibrado. Humano, porque representó al hombre o a los dioses, pero estos no fueron pensados sino como una idealización del ser humano. Humano, también, porque los espacios arquitectónicos son grandes, pero siempre diseñados a escala del hombre si lo comparamos con las construcciones de otras civilizaciones. El nivel técnico que alcanzó, hicieron del arte de la Grecia Antigua un arte clásico. Esta excelencia cautivaría a generaciones futuras, que se inspiraron en él cuando nuevos estilos como el Renacentista (s. XV y XVI) y el Neoclásico (s. XIX).

8. El hombre La lucha entre el Orden y el Caos Temas del arte Griego

9. Arquitectura

10. Características de la arquitectura griega: 1.- Proporción de las partes : Los edificios eran considerados una unidad, de modo que todas sus partes estaban en relación unas con otras. El arquitecto partía de una medida base o módulo, que podía ser el diámetro de las columnas y calculaban todas las medidas en relación a ésa. Así, la longitud de las columnas, la altura del edificio, su ancho, etc., resultaban múltiplos o subdivisiones del módulo. 2.- Simplicidad : Todos los componentes son sencillos, no hay rebuscamiento ni nada de exceso. 3.- Claridad : El espacio arquitectónico es ordenado, claro y comprensible a primera vista.

12. Al construir sus edificio a la medida del hombre y con una preocupación por la apariencia exterior, que se inspira en la concepción del edificio como miembro de un conjunto, los griegos lo circundan con un elemento, la columna , es decir, como una forma estética. Cada pueblo aporta elementos a la columna; así surgen los tres órdenes clásicos: dórico , jónico y corintio .

13. Ordenes griegos Orden Dórico Orden Jónico Orden Corintio

14. ORDEN DÓRICO La columna arranca directamente del suelo (no tiene basa). El fuste estriado de arista viva tiene éntasis en su parte central, y disminuye de diámetro hacia arriba. Entre el capitel y el fuste hay una corona de ranuras llamada collarino .

15. Orden Dórico

16. ORDEN JÓNICO En este orden las columnas son más altas y delgadas que las dóricas. El fuste reposa en una pieza intermedia llamada basa . A veces se apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto . El fuste es cilíndrico, estriado. El capitel está formado por una especie de equino decorado con ovas, y con volutas a los lados.

17. Capitel Jónico

18. El Erecteión Templo dedicado a tres dioses: Poseidón, Krekrops y Athenea.

19. Cariátides Figura femenina esculpida, con función de columna con un entablamento que descansa sobre su cabeza.

21. ORDEN CORINTIO Es una variación del orden jónico del que se diferencia en el capitel y en un mayor riqueza en la ornamentación. El capitel está formado por hojas de acanto, y por pequeñas volutas en los ángulos superiores. También se habla de un orden cariático, llamado así por el uso de figuras femeninas ( cariátides ) que suelen llevar un cesto en la cabeza, y sustituyen a las columnas.

22. Orden Corintio

23. El Partenón (Acrópolis de Atenas) Año de construcción: 447-432 Dimensiones exactas: anchura del este: 30.875 metros anchura de o del oeste: 30.8835 m longitud norte: 69.5151 metros Longitud Sur: 69.5115 metros El número de piedras utilizó la construcción del Partenón fue de 13.400 piedras aproximadamente. El Partenón está dedicado a Atenea Pártenos fue construido en tiempos de Pericles , fue diseñado por Fidias quien dirigió a los arquitectos Ictinos y Calícrates . Fue construido con mármol del monte Pentélico .

25. Teatro griego

26. El número de oro , sección áurea o proporción áurea, es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte . Se denomina con la letra griega (Phi ), en memoria del escultor griego Fidias . Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la distribución de las hojas en un tallo, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte. Se trata de un número que posee muchas propiedades interesantes y que fue descubierto en la antigüedad, no como “unidad” sino como relación o proporción. Extra: El número de Oro El número áureo aparece, en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego . En la figura se puede comprobar que AB/CD= . Hay más cocientes entre sus medidas que dan el número áureo, por ejemplo: AC/AD= y CD/CA= .

27. Escultura

29. La escultura podía estar incorporada a la arquitectura (Partenón), o ser independiente. Podía ser de mármol, bronce o piedra. Generalmente, eran pintadas, igual que los edificios y podían narrar la vida de los dioses o de los hombres. Considerada, por el escultor, como una unidad, se la hacía a partir de un módulo, resultando así proporcionada o armónica. Los cuerpos, dotados de flexibilidad y movimiento, revelaban un gran conocimiento de la anatomía humana; eran representados en toda su belleza y perfección, de manera idealizada. Las esculturas griegas eran policromas, con el tiempo han perdido esa cualidad.

30. Los ideales del pueblo griego brillan en la escultura, cuyas creaciones señalan una de las cimas de toda la historia del arte, a pesar de que de algunos de los grandes maestros no conservemos sino copias romanas. La escultura griega consta de tres períodos: Período Helenístico (Finales del siglo IV a.C.) Período Clásico (siglos V y VI a. C.) Período Arcaico (hasta el siglo V a. C.)

31. Período Arcaico (hasta el siglo V a. C.) Lo que para los egipcios constituía una meta, para los griegos era el punto de partida. Los kóuroi (representaciones de atletas desnudos) y las Kórai (representaciones de sacerdotisas vestidas) conservan aún la rigidez (hieratismo) de los modelos orientales, perceptible en la dificultad de mover dedos y extremidades, ojos almendrados, pelo ordenado en superficies geométricas, expresión hierática; incluso en alguna esculturas se manifiesta algunos rasgos de frontalidad.

32. Kórai Kóuroi

33. Punto de partida: la concepción egipcia:, rigidez y frontalidad. Monumentalidad . Las figuras se presentan con los brazos pegados al cuerpo y la pierna izquierda ligeramente adelantada . Son como bloques cerrados , de donde la figura humana apenas puede desprenderse. Simetría en la composición , evitando torsiones y giros de la figura. Disposición geométrica de los cabellos . Ojos almendrados y globulares. Sonrisa arcaica . Representación naturalista de la figura humana : modelado de los músculos , tratamiento de las rodillas. Kóuroi o Kurós

35. El joven del becerro (Moscóforo), Museo de la Acrópolis de Atenas, 575-550 a. C.

36. Período Clásico (siglos V y VI a. C.) Este período señala el apogeo de la escultura, siendo Fidias el escultor que a mediados del siglo V aC la llevó a su esplendor. Pero antes forman una especie de transición los escultores Cálamis y Mirón los cuales vencen la rigidez del anterior período dando a las figuras delicadeza y gracia el primero y expresión de movimiento el segundo. Fidias, condiscípulo de Mirón en la escuela de Agéladas (de Argos), se celebra como escultor de los dioses pues nadie como él en el mundo antiguo supo dar a sus creaciones artísticas actitud noble y serena y sello de lo divino sin que le hiciera falta para ello el simbolismo. La escultura alcanza su máxima perfección y serenidad. El ideal de equilibrio griego encuentra en ella un lenguaje, un medio de expresión. Las posturas ya son mucho más suaves y generan un apacible movimiento. Luego los artistas otorgan mayor interés a la representación de la expresión de los sentimientos del rostro. Algunos de estos artistas son Mirón, Fidias, Polícleto, Scopas, Prexíteles y Lisipo.

37. Hermes con Dionisos niño en brazos . Praxíteles.

38. Reproducción en bronce romana del Discóbolo de Mirón, siglo II

39. Doríforo. Polícleto (450 y 445 aC)

41. Venus de Milo es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega. Representa a Afrodita (Venus para los romanos), diosa del amor y la belleza. Esculpida en mármol en un tamaño ligeramente superior al natural, el autor es anónimo, aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxíteles. Actualmente se encuentra en el Louvre de París.

42. Período Helenístico (Finales del siglo IV a.C.) Las conquistas de Alejandro en el siglo IV a.n.e. abrieron el mundo a la cultura helena; ahora bien, a finales de la centuria se produjo un cambio brusco. El arte que había perseguido el equilibrio entre la realidad y la belleza, entra en una pausado declive. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos, el dramatismo de las expresiones. Las figuras se plasman con movimientos intensos y vertiginosos. La escultura tiende ahora hacia la orientalización y el sincretismo, se acentúan también los movimientos y temas fantásticos (Sátiro Barberini); también se introducen escenas de la vida cotidiana (Espinario, Niño de la Oca) o retratos mucho más realistas representando la vejez y la fealdad (Demóstenes, Diógenes, etc...).

43. Laocoonte y sus hijos

44. Gálata moribundo

45. Toro Farnesio

46. El Fauno Barberini Fue realizada con mármol de Pérgamo y su altura es de 2,15 metros.

47. Pintura

48. En lo referente a la pintura , de la cual los historiadores griegos dejaron muchos escritos, podemos decir que fue la expresión artística en donde el genio artístico de Grecia alcanzó su máxima perfección. Lamentablemente no existe en nuestros días ninguna obra, pues todas han sucumbido al paso del tiempo. Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y Apeles. Sus pinturas y frescos se presume que reflejan sus estilos bastante laboriosos. Aunque se pueden apreciar cierto tipo de pintura en la decoración de las cerámicas y ánforas.

50. Motivos geométricos

51. Motivos geométricos

53. Pintura sobre vasija, circa 500 a.C.

58. AQUILES Y AYAX

59. Roma Roma

60. Historia de Roma Monarquía (753 al 509 a. C.) El poder era ejercido por el rey, asesorado por el Senado y una asamblea aristocrática. República (509 al 31a. C.) El poder estaba en manos de la oligarquía. Se eliminó el cargo de rey y sus funciones pasaros a dos cónsules de elección anual. En este período el Senado era el órgano supremo del Estado y estaba constituido por los jefes de las familias aristocráticas. Imperio (14 al 476 d. C.) Con la muerte de Augusto comienza el período propiamente tal, que duró cerca de 500 años. En este período el poder estaba en manos del emperador. Entre los años 31 a.C y el 14 d.C existe un período de transición hacia el Imperio, marcado por el gobierno de Augusto, quien era el emperador, aunque el Senado mantenía importantes atribuciones.

61. Politeísmo Antropocentrismo Características de la cultura Romana

64. Las raíces del arte romano provienen de tres elementos: - Culturas itálicas primitivas. - Arte etrusco. - Arte griego. La cultura romana, tiene un carácter eminentemente práctico, poca importancia le dio al arte en su primera época, luego con influencias etruscas introducen el arco, el cual lo desarrollan al punto de la perfección, también comienzan a utilizar el retrato como realidad artística, y en el sentido real, no idealizado como los egipcios, por ejemplo. La técnica preferida por los romanos para sus retratos, y en general para todas sus pinturas fue el fresco. Antecedentes

66. Los dioses La guerra Temas del arte Romano

67. El arte romano se puede dividir en tres periodos: Período de Augusto Epoca Clásica (27 a.C. al 14 d.C.) Período de la República (510 al 27 a.C.) Período Imperial (14. al 315) De Tiberio a Trajano (14 – 117) De Adriano a Alejandro Severo (117 – 235) De Maximino a Constantino (235 – 315)

68. Arquitectura

71. Orden Toscano Es una aportación etrusca a los órdenes clásicos. Deriva del dórico, del que es una simplificación, y fue utilizado en Etruria en época anterior a la conquista de Grecia. Posteriormente fue adoptada y difundida por los romanos. Orden Compuesto Es una de las aportaciones romanas a los órdenes clásicos. Es una mezcla o composición (de ahí el nombre del orden) del capitel jónico y del corintio. Del primero toma las volutas de la parte superior y del segundo las hojas de acanto que adornan la parte inferior.

72. Templo de la Fortuna Viril. Roma. S. I a.c.

73. Templo de Gaius y Lucius (Maison Carrée). Nimes. S. I

74. El Panteón de Agripa o Panteón de Roma es un templo circular construido en Roma a comienzos del Imperio Romano dedicado a todos los dioses (la palabra panteón significa templo de todos los dioses ).

75. Panteón de Agripa (Espacio interior)

76. Teatro de Mérida. S. I a.c.

77. Teatro de Verona (Italia)

78. Teatro de Sagunto. S. I

79. El Circo Máximo de Roma

80. El Coliseo ( Colosseum en latín), originalmente llamado Anfiteatro Flavio ( Amphitheatrum Flavium ), es un gran edificio situado en el centro de la ciudad de Roma , capital de Italia. En la antigüedad poseía un aforo para 50000 espectadores, con ochenta filas de gradas. Los que estaban cerca de la arena eran el Emperador y los senadores, y a medida que se ascendía se situaban los estratos inferiores de la sociedad. En el Coliseo tenían lugar luchas de gladiadores y espectáculos públicos. Se construyó justo al Este del Foro Romano, y las obras empezaron entre el 70 d.C. y el 72 d.C, bajo mandato del emperador Vespasiano. El anfiteatro, que era el más grande jamás construido en el Imperio Romano, se completó en el 80 dC por el emperador Tito, y fue modificado durante el reinado de Domiciano.

84. Acueducto de Segovia. S. I a.c.

86. Arco de medio punto Es el resultado de un semicírculo entero, se ha usado desde tiempos remotos, desde Mesopotamia en donde se usaba la arquitectura caldea. Se difundió por todo el mediterráneo y Europa cuando la arquitectura etrusca pasó a la arquitectura romana, es por ello que es característico del arte romano.

87. Arco de Tito. S. I

88. Arco de Constantino. S. IV

89. Basílica Basílica La basílica romana tuvo múltiples usos dedicándose a mercado lugar de transacciones financieras, culto o, más ordinariamente, a la administración de justicia; también se utilizaba como lugar de reunión de los ciudadanos para tratar asuntos comunes. En cuanto a su concepción arquitectónica, se trataba de una gran sala rectangular compuesta por una o más naves (siempre en número impar), en este segundo caso, la central era más ancha y alta y estaba soportada por columnas.

90. Basílica de Majencio. S. IV Naves laterales Nave central Ábsides Nártex Pórtico Constantino

91. Escultura

92. Para el romano la pintura y la escultura, tuvieron siempre un carácter realista . Pero la cultura romana no puede sustraerse de la influencia griega, y lo helénico tiende más hacia lo abstracto y hacia el ideal. Este intrés por la cultura griega estuvo ceñido, desde siempre, a círculos elegantes e ilustrados, sin que el pueblo lo entendiera. Por ello se dan dos corriente paralelas en Roma, una popular y realista, y la otra aristocrática e idealista. Sin duda la escultura romana copia los patrones griegos, incluso los modelos, pero en donde realmente se destaca Roma, es en el relieve, los cuales adornan los arcos de triunfo y las columnas, representando batallas y actividades sociales. Utilizan en esta técnica la prespectiva dando con ello el sentido de profundidad a sus figuras.

93. Columna Trajana. S. II Antigua estatua de Trajano. Sustituida en el S. XVI por una efigie de San Pedro Narración de las Guerras Dacias Plinto. Guarda de las cenizas del emperador

94. Estatua de Trajano, emperador romano del 98 al 117 adC

95. Anónimo romano

96. Estatua de Augusto Prima Porta, Museos Vaticanos, nº 2290. Altura 2,04 m, mármol con restos de policromía, datada en el 20 dC. Hallada en 1863 en la Villa Livia , llamada entonces Prima Porta (Roma)

97. Retrato de hombre Siglo I a.C. Mármol

98. Emperador Cayo Julio César Germánico, conocido como Calígula. (37–42) Mármol

99. Pintura

100. La pintura romana, descendiente y heredera de la griega , poseía una técnica depurada . Ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que se arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas. Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios . La condición social del pintor era la de un artesano , aunque los que pintaban sobre tabla tenían mayor prestigio. En general estas pinturas se utilizaban como decoración en las casas, y la técnica que utilizaban era el fresco y luego la prortegían con una capa de cera la cual intensificaba los colores. Los romanos también utilizan el mosaico para decorar sus interiores. Pero éste es preferido para suelos.

102. Pintura mural

103. Pintura mural

104. Fresco romano proveniente de la Casa dell'Amor fatale di Pompei, I s. d.C. - Museo Archeologico Nazionale, Nápoles

105. Dánae y su hijo Perseo Rescatados por Pescadores. Pompeya S. I

106. Pinturas Pompeyanas

109. Temática y expresividad Los artistas romanos tocaban todos los temas : escenas cotidianas, mitológicas, paisajes, bélicas, eróticas, cómicas, etc. Muchas veces las pinturas eran simulaciones de mármoles, de arquitecturas, de cuadros colgados o de jardines imaginarios. La liberalidad de las costumbres en el imperio romano posibilitó la abundancia del desnudo , tanto femenino como masculino . Es más, nos encontramos con escenas de explícito contenido sexual, sin disimulos. Esto sucede en los lupanares de Pompeya, donde se ilustraban las posturas "especialidad" de las señoritas, se marcaban las direcciones con penes y se decoraban las estancias con escenas “eróticas" de dioses y diosas.

110. Beso entre Amor y Psique

111. El mosaico Destacó también el arte pictórico de la civilización romana en el procedimiento del mosaico , no limitado como hasta entonces, a simples decoraciones de pavimentos sino extendido a cuadros pensiles según lo revelan algunos ejemplares que se guardan en los museos y abrazando en uno y otro caso, asuntos y composiciones históricas.

115. Alejandro en Issos. Se sabe que este mosaico fue una copia de otro original de fines del siglo III a dC. Es una verdadera obra de arte, con un tamaño excepcional de 5 por 2,70 metros sin contar los adornos del borde . El tamaño de las teselas es de 2 a 3 cm cada una y el número total asciende a 1.500.000.

116. Las pérdidas que se pueden apreciar son debidas a los desastres que ocasionó el volcán Vesubio en el año 79 y los anteriores terremotos del año 63.

117. La pintura de caballete La pintura de caballete y los pequeños frescos también se dan. Los temas se enriquecen: historia, paisajes de distintos tipos, mitología, bodegón, vida cotidiana, animales y el retrato. El retrato se da desde el s. I a.C. pero es en el s. II cuando proliferan. Destacan los del Fayum , unos retratos funerarios en tela o en madera que están realizados con la técnica de la encáustica. Un buen ejemplo de retrato es "El panadero y su esposa", del s. I en Pompeya.

118. Retrato de niño. (Egipto período Romano) Encaústica sobre mádera s. II

119. Paleo cristi anismo Paleocristianismo

120. Monoteísmo Teocentrismo Características del Paleocristianismo

121. Se denomina Cristianismo primitivo o Paleocristianismo al período del cristianismo que va desde su origen, hacia el año 30, hasta el Concilio de Nicea (siglo IV), no obstante, en lo referente al arte, se puede apreciar cierta unidad estilística, estética y política hasta la caída del Imperio Romano (476). Particularmente hay que mencionar que la cultura Paleocristiana (Monoteísta y Teocéntrica) se desarrolla dentro de la cultura Romana (Politeísta y Antropocéntrica) creando una serie de conflictos y tensiones que (re)configurarán la problemática cultural y, por ende, del arte hacia delante, desembocando este proceso en la época llamada Edad Media. Religiosos Temas del arte Paleocristiano

122. El primer arte cristiano es un puente entre dos culturas : la clásica de la antigüedad y la cristiana medieval . Su fin era estrictamente religioso. Se trata de un lenguaje al servicio de la liturgia y la verdad revelada . Por ello, la representación de la verdad espiritual predomina en detrimento de la verdad física. Por esta razón, el arte paleocristiano es un arte anticlásico : se subraya su sentido simbólico y expresivo . El arte plástico será una narración clara y concisa , con un fuerte carácter didáctico y pedagógico . Estéticamente sigue la línea marcada por el arte romano bajo-imperial: tendencia a la esquematización conceptual . Servían las catacumbas también como lugar de culto en determinadas ocasiones. En tiempos difíciles y de persecuciones, aquí se refugiaba la comunidad cristiana para llevar a cabo los misterios religiosos. Por eso se encuentran en muchos lugares verdaderas criptas o iglesias en las que se recibían los sacramentos o se escuchaban sermones.

124. Período de las Catacumbas Período de las Basílicas Clandestinidad, se reúnen en las Catacumbas para desarrollas sus “rituales”. Surge la iconografía cristiana. Comienzan a utilizar y construir (a semejanza) las Basílicas romanas como edificios de culto. Año 313 / Edicto de Milán. Fue un edicto promulgado en Milán que estableció la libertad de religión en el Imperio Romano, dando fin a las persecuciones religiosas. El edicto fue firmado por Constantino I y Licinio, dirigentes de los imperios romanos de Occidente y Oriente, respectivamente. Paleocristianismo

125. Catacumbas Las catacumbas de San Calixto (Roma) Al principio, los cristianos utilizan como lugar de reunión el TITULUS, la casa de un Patricio acomodado. Paralelamente surge el CEMENTERIO PÚBLICO situado en las calzadas de acceso a la ciudad: LA CATACUMBA. Las catacumbas contienen las manifestaciones más primitivas de la plástica cristiana. Se trata de pinturas que decoraban los techos y paredes con temas alusivos a la fe cristiana. La catacumba es un recinto subterráneo (los cristianos tienen prohibida la exhibición de sus símbolos religiosos) organizado a partir de galerías ( ambulacrum ), en cuyas paredes se encuentran los lóculos rectangulares para los cadáveres.

126. Fresco en las Catacumbas de San Gennaro, Nápoles, Italia

127. Fresco de la Catacumba de Santa Priscila, en Roma Comienzo del s. III. “ La pintura puede ser para los iletrados lo mismo que la escritura para los que saben leer” (Gregorio el Grande).

128. Iconografía Responde a las directrices de la jerarquía cristiana. Los ciclos de imágenes evocaban la providencia de Dios para con los hombres, la salvación o los sacramentos. SÍMBOLOS: la Paloma (el bautismo y la pureza), el Pez (Cristo), el Cordero (el cordero pascual), Pavo real (la inmortalidad), Alfa y Omega (Principio y Fin), Crismón (anagrama de Cristo). TEMAS: el Buen Pastor, Adán y Eva en el paraíso, Madre con Niño, Orante Jesús…etc. TEMAS DEL ANTIGUO TESTAMENTO: sacrificio de Abraham, Jonás y la ballena, la resurrección de Lázaro.. TEMAS PAGANOS: amorcillos, victorias aladas, vides, etc.

129. Cristo sedente. s. IV Museo de las Termas de Roma. Mármol. Cristo aparece aquí representado como maestro, con el rollo de la ley en la mano derecha al modo de los antiguos filósofos griegos. Aparece imberbe y con pelo largo, sentado sobre la silla curul, que le otorga el poder de juez entre los romanos.

130. El buen pastor Uno de los motivos más conocidos y populares del arte paleocristiano es el del Buen Pastor, representado como un pastor vestido con una túnica, que carga una oveja. Este tema simboliza a Cristo como salvador de su rebaño. Relieve del Buen Pastor S . III , catacumba de Pretestato, Roma. Se usó para decorar lápidas, sarcófagos y escultura funeraria, con el fin de mostrar la salvación del alma. Este tema también sirvió para ornamentar otros objetos, como las lámparas de arcilla que se encendían con aceite y que iluminaban los pasillos de las catacumbas.

131. Sarcófagos Los cristianos que podían mandarse hacer sarcófagos de mármol pedían que labraran en ellos símbolos y episodios tomados del Antiguo y del Nuevo Testamento . El común denominador que expresa el significado de estas obras artísticas es el de la certeza de la salvación a través de la Fe en Dios .

132. Fragmento de la tapa de un sarcófago del siglo IV d. en donde se aprecia el motivo de la “nave mística”. Los nombres grabados cerca de cada uno de los personajes explican quiénes son: IESUS el timonel y los remeros: MARCUS, LVCAS y (IO)ANES. Esta escena que simboliza la Iglesia como la nave de la que Cristo es el timonel y a la cual guían los Evangelistas.

133. Sarcófago paleocristiano con escenas de la pasión de Cristo S. IV Museos Vaticanos relieve FRONTAL ORGANIZADO EN ESCENAS BAJO ARCADAS

134. Lápidas cristianas En las catacumbas se han encontrado múltiples símbolos e historias del cristianismo grabados en lápidas. Aquí vemos una lápida en donde se representó la existencia terrenal como un viaje peligroso que llega a la meta final que ilumina la luz del faro, alegoría de la Fe cristiana . Lápida con inscripción funeraria de Firmia Victoria. Mármol blanco. Siglo III

135. Edicto de Tesalónica Fue decretado por el emperador romano Teodosio el 24 de noviembre de 380. Mediante este edicto el cristianismo se convirtió en la religión oficial del Imperio Romano. Con este edicto, el Imperio Romano en su totalidad pasaba a tener una nueva religión oficial tras 67 años de libertad de culto. El Panteón Romano se había complementado a lo largo de muchos siglos con los dioses, deidades y lares domésticos, con el culto a los propios antepasados e incluso con divinidades prerromanas que habían sido asimiladas tras el proceso de romanización en muchos lugares del Imperio. Todo esto debía ser ahora abandonado para abrazar el culto a una religión monoteísta y a las normas morales que la acompañaban. A pesar de ello, Teodosio protegió en la medida de sus posibilidades a los ahora semiclandestinos paganos de la persecución y el acoso de los cristianos.

136. EL ARTE PALEOCRISTIANO: LA ARQUITECTURA. Cuando a finales del siglo IV (313, Edicto de Milán) se autoriza el culto cristiano se emprende la construcción de las primeras iglesias, ya de dimensiones considerables. Se escoge el modelo de la BASÍLICA ROMANA (antes tribunal y sede del mercado), por su concepción espacial y capacidad de acogida de grandes multitudes, adaptándola a sus necesidades litúrgicas, y porque nunca había sido recinto de culto de otras religiones. Basílica de Santa María la Mayor (Roma) año 432

137. Basílica de Santa Sabina. Roma (432-400) La sobriedad técnica es la nota característica. Se emplea el mortero para las paredes, que se recubren con ladrillo. Los muros exteriores son lisos y sin ornamentos. La apariencia general es la de un conjunto de bloques cúbicos unidos. La cubierta es de madera a dos aguas en la nave central. Los elementos clásicos se emplean sin criterio arquitectónico. La gran diferencia con la basílica romana es la desaparición de la bóveda (que no volvería a utilizarse hasta el año 1000).

138. Basílica de Santa Sabina (interior)

139. Mausoleo de Santa Constanza (Roma) año 350 Erigido por el emperador Constantino para albergar los restos de su hija Constanza. Responde al modelo de edificio centralizado, alternativo a la basílica, que fue utilizado para baptisterios, mausoleos, martyria (restos sepulcrales de mártires), y que debían sus plantas circulares o poligonales a la necesidad de hacer accesible el objeto o persona venerada.

140. Mausoleo de Santa Constanza (interior)

141. El papa Sixto III fue impulsor de la construcción de obras sobre formas anteriores, como ocurre con este baptisterio levantado sobre una antigua estructura octogonal de tiempos de Constantino. El baptisterio es de planta centralizada y está rodeado por un deambulatorio abovedado que recuerda a Santa Constanza. Constituye uno de los mejores ejemplos de planta centralizada levantados en el siglo V. Baptisterio de San Juan de Letrán (Roma) s. V

143. Arte Clásico y Paleocristiano Artes Visuales Profesor R. Muñozcoloma