Arribando a la concreción II. Títulos en inglés, alemán y español
Lenguaje audiovisual
1. Observaciones
sobre lenguaje
audiovisual
y su aplicación en
la fotografía.
Por: Serena Lazcano
(Sólo de forma extraoficial y
súper informal, para el Nenúfaro
Josefo Number One)
2. Preludio inarmónico a mi cantaleta:
• En esta presentación, no pretendo expresarme sobre aspectos técnicos, ya que cada cámara es una
herramienta con características diferentes, y basándonos en las reglas generales, en este ámbito seguramente
sabrás perfectamente como equilibrar la velocidad de tu obturador con la apertura de tu diafragma, y lograr
mucho mejor de lo que yo recuerde, los efectos que habías deseado.
• Partimos entonces de la siguiente premisa: TODO COMUNICA. Los seres humanos percibimos mensajes multi-
sensoriales, y al ver una imagen estática, utilizamos más que sólo nuestro sentido de la vista para percibirla.
Hay algo en su contenido, en sus proporciones, en sus colores, que naturalmente podemos interpretar con un
alto valor de BELLEZA; pero muchas otras, en las que tal vez no encontremos un defecto en concreto, pero algo
que percibimos más allá de lo que vemos, no nos convence del todo.
• Ahora bien, eso de la composición y reglas de encuadre nos ayudan a “enmarcar” esa percepción en una
proporción que realmente nos satisfaga. No se tiene por qué ser cuadrado y riguroso en todas las reglas, ya que
el arte y la forma de expresión de cada autor puede malear, modificar y adaptar estos conocimientos acorde a
su gusto, y sobre todo a lo que éste desee comunicar con cada una de sus fotografías. Sin embargo,
experimentar sobre estos preceptos puede ser algo excepcional, siempre y cuando se note la intencionalidad
en cada uno de tus cuadros; todo depende de qué es lo que desees resaltar, y justifiques de manera estética tu
objetivo.
3. Gran Plano General
• En el GRAN PLANO
GENERAL, lo importante no
es quiénes están ahí, sino en
mostrar dónde se encuentran.
El paisaje es lo principal...
Glenn Oakley
Glenn Oakley
4. Glenn Oakley
En la fotografía superior, se muestran las personas de una forma diminuta, haciendo hincapié en la inmensidad de
lo que les rodea, todo el PANORAMA; por lo que se justifica que ellos estén al centro,
aunque las personas no sean la figura de atracción central, sino el entorno.
Pero en la siguiente fotografía, las personas están jugando un importante rol... ellos están observando el paisaje, por
lo que, como espectadores esperamos, es ver lo que ellos aparentan disfrutar en ese momento....
Entonces... Algo raro sucede aquí,
¿no? Como si se aplastara la
imagen, o nos estuviéramos
perdiendo de algo... Por tanto, esperamos mayor PROFUNDIDAD Glenn Oakley
en lo que se está observando...
5. ¿Y qué transmite esta fotografía? ¿Para qué se
está utilizando en Gran Plano General?...
Indudablemente la intención es mostrar la gran
ALTITUD. La persona juega un rol importante,
aunque no sea el objetivo principal... puesto
que sin ella, no tendríamos un punto de
referencia para saber cuan grande, o cuan
cerca podría estar la roca respecto a las
grandes montañas del fondo.
Una fotografía sólo se compone de dos
dimensiones, por lo que nuestra percepción,
imaginación y conocimiento hacen el resto, al
interpretar los mensajes como tamaño y
profundidad, siempre basándonos en las
cosas que ya conocemos, y que por ende,
tomamos como referentes.
Glenn Oakley
NOTA: Sólo observa este pequeño ejercicio... Todos conocemos la forma de un lápiz, así mismo, tenemos un
estándar sobre su tamaño. En una fotografía sin ningún referente, TODOS los lápices lucirán iguales para tu cerebro.
Utilizando el cuerpo humano como un estándar, ahora tenemos una noción más clara sobre las proporciones, como
se muestra en los lápices de la derecha.
Aunque todos ocupen un espacio proporcional
en las DOS dimensiones que los observamos (Largo y Ancho),
sabemos que realmente NO son del mismo tamaño.
6. Plano General
Nos ayuda a describir el contexto en el que se encuentran nuestros personajes, una
fotografía en este plano nos ayuda a limitar un escenario, e incluso una historia... nos
ayuda a comprender qué es lo que está sucediendo... pero mucho ojo... no hay que
perder los detalles que hacen única esa descripción de la acción
• En esta fotografía
observamos perfectamente al
personaje, y la acción... Está
patinando, parece que está
saltando una rampa; además
hay algo en ella que la hace
original; el efecto del
contraste de los tonos grises
con el brillo en los metales
amarillos y la luz en su
cuerpo, pero...
Edgar Gómez
7. ¡Lo interesante de esta foto es la
acción! Que nos describan el
contexto. Y nadie nos dijo los
detalles en la foto anterior...
Asumíamos que estaba saltando de
una rampa; pero en la anterior no
vimos que era evidentemente una
rampa de 3 metros.
Si la escenografía te ayuda a contar
la historia, entonces el plano general
debe ser más amplio.
Edgar Gómez
9. En algunas tomas resulta bastante
romántico jugar con los enfoques...
(Probablemente desenfocar el objeto que
sería tu prioridad).
También nos ayuda para discernir la lejanía
o cercanía entre un objeto y otro. Esto se
refiere a hacer una mayor o menor
PROFUNDIDAD DE CAMPO.
Glenn Oakley
La espontaneidad del objeto, aún más en
movimiento (refiriéndonos a personas
evidentemente), es lo que da a las fotos un gran
espíritu; estar ahí para captarlo en su forma
MÁS NATURAL...
Jim Erickson
11. Plano Entero
En este plano, se exaltan las características físicas del personaje, debe ser una
foto de cuerpo completo, pero también el límite lo marcan la punta de la
cabeza y el final de los pies.
No es necesario dejar más
espacios que no sean relevantes,
sobre la cabeza, ni bajo los pies;
la idea es envolver el cuerpo
completo de los personajes, no
importa en la posición en que se
encuentren o ángulo en que haya
sido tomada la fotografía.
Barbara Peacock
13. • Analicemos esta fotografía,
cuyo objetivo es mostrar un
plano entero... ¿Notas algo raro?
14. • Primero, tenemos mucho espacio que
no necesitamos (mucho aire).
Ella está volteando hacia la izquierda superior,
aire
como si buscara algo, o si le llamara la atención;
por lo tanto su espacio debería estar enfocado a
la izquierda; esto hace que el espacio que tiene
a la derecha, parezca desperdiciado; debería
estar al frente de su vista, y no detrás.
Un mejor encuadre de
este plano, debería
verse algo así: aire
NOTA: EL AIRE no precisamente es un error en la fotografía,
generalmente hay un espacio en el FONDO del objeto que
estamos fotografiando; pero este espacio también debe
colaborar para que el objeto principal resalte, y no como en
este caso, sea un distractor y por lo tanto carezca de sentido.
15. Plano Americano
Nace gracias a las viejas películas del oeste, pues se necesitaba hacer tomas
donde se vieran las expresiones faciales y corporales de los actores, tanto
como que salieran las pistolas cargadas por debajo de las caderas, y los
movimientos de las manos que hacían con ellas.
{ }
En esta área se centraba la acción,
con las manos cerca de las
pistolas, pero aún observando las
expresiones del rostro.
Frank Rocco
16. En este plano americano
sucede algo importante... el
aire está detrás de ella, y no
a su frente... Pero aún así
está en armonía con el
entorno.
Allen Birnbach
• Las líneas que marca la
composición tienen una • No es estática, y aunque la mirada esté
trayectoria, como si el dirigida a una parte que no vemos,
objeto principal viniese de sabemos que es sólo por una forma de
la parte superior expresión, de no algo que ve, sino de un
izquierda y terminaría sentimiento, de libertad, armonía o
saliendo en la parte felicidad; que implícitamente se
inferior derecha. manifiestan fuera del cuadro.
17. Plano Medio
(o Plano Cintura)
El personaje se muestra de la
cintura para arriba, se centra
totalmente en la persona y no en
el lugar donde se encuentra.
Destaca sobre todo la expresión
facial y corporal, hay mucho
menos movimiento y más
dramatismo.
Ana Paola C.
18. Como en todos los planos, dependiendo del objeto de
interés en el cuadro, será el espacio que dejarás para
resaltarlo. En este caso la principal atención está enfocada
en el cabello, por lo que no importa que la toma sea un poco
más arriba de la cintura, siempre que esté incluso un pequeño
espacio por debajo del pecho. Algunos autores le llaman,
Plano Medio Corto.
Frank Rocco
Por el contrario, la acción principal de este
plano, se resalta por los brazos entrelazados
de la pareja, apenas desde un punto más
bajo de la cintura de él. A este ejemplo
algunos autores lo nombran: Pablo Corral Vega
Plano Medio Largo
19. Una fotografía en la que se corta alguna parte del cuerpo, es osada,
más aventurada y a veces menos monótona. No forzosamente se
debe dejar aire en alguna parte del cuadro, si sólo intentamos
comunicar donde está el principal punto de interés.
El plano medio da más
dramatismo a las emociones,
ya que los receptores
interactuamos directamente
con la acción.
Pablo Corral Vega
20. En el presente cuadro por ejemplo, las niñas de las orillas han
sido recortadas, y ésto da una sensación de que algo las está
empujando hacia el centro, nuestra vista las aplasta, y por lo
tanto, no sólo su gesticulación y su mirada, sino también la
posición de sus cuerpos hacen forzar totalmente el punto de
atracción hacia el centro.
Barbara Peacock
21. Escena de Psycho: Fotografías Marilyn Monroe:
Alfred Hitchcock (1960) Richard Avedon (1957)
Primer Plano (Close Up)
22. Jeffrey Lamont Sue Barr
El primer plano es totalmente emotivo, enfoca las expresiones y los detalles de los
personajes... generalmente va desde el pecho y hombros a la cabeza. A diferencia del primer
plano clásico cinematográfico, como se apreció en la página anterior; la fotografía actual puede
ser mucho más experimental, ya que pueden variar los encuadres de los rostros (u otras
cosas), como lo podemos ver en las fotografías superiores; hasta crear lineas intermitentes
entre el Primer Plano, y Primerísimo Primer Plano, como lo veremos a continuación...
23. Primerísimo Primer Plano (Extreme Close Up)
Genevive Caron Jeffrey Lamont
Generalmente este plano describe detalladamente las expresiones del
rostro, va de la frente al mentón, nunca se ve la cabeza completa.
24. Jason Lindsey
Chris Butler Jason Lindsey
Se pueden experimentar diferentes niveles en las que se detalla este encuadre, y
puede variar de ser un Primer Plano muy cerrado, a un Primerísimo Primer Plano.
25. Plano Detalle
Como el nombre lo dice, muestra detalladamente un objeto, o un personaje, o
generalmente sólo una parte, sólo un punto en el cual se destaca algo, ya sea una
forma, una textura o alguna otra cosa que quiera resaltar el autor; lejos de darnos un
contexto, muestra una información en concreto, dejando a la imaginación de los
receptores completar lo que hay fuera del cuadro.
Frank Rocco Ana Paola C.
26. Este tipo de planos suele ser muy utilizado, cuando se desea mostrar con precisión
ciertos colores y texturas, que constantemente pasan desapercibidos ante
el ojo humano promedio; por ejemplo, la comida.
Aunque el platillo en sí no deja de verse apetitoso, esta
fotografía la tomaríamos los “amateurs” con nuestra cámara
compacta y desde un punto de vista en el que usualmente
vemos la comida servida en la mesa.
Pero qué pasa cuando la vemos
desde una diferente perspectiva,
cuando no sólo vemos nuestro
plato servido, sino los detalles
de cada elemento que la
componen...
Jeff Green
27. Los resultados son totalmente diferentes...
a través de los detalles podemos apreciar el
arte visual de cada platillo, o cada
composición culinaria.
La única desventaja es que así como en las
fotografías panorámicas necesitamos
objetivos (o lentes) especializados, como el
gran angular; para lograr detalles al mínimo
requerimos de un objetivo macro.
Jackie Alspers
Kiyoshi Togashi
28. Y antes de continuar con la composición y la distribución de los objetos en el cuadro,
necesitamos reafirmar que conocemos en qué posición estamos colocando nuestra cámara;
esto puede sonar simple, pero marcará una gran diferencia en el resultado... “No es sólo lo
que se dice, sino cómo se dice”...
Comparemos el siguiente mensaje:
Una familia en la playa.
Los mismos objetos, en un escenario similar, jamás
serían una fotografía equivalente sin los elementos
que la componen estéticamente; los planos
solo son una parte del todo.
Cualquier familia normal, dejándose Jim Erickson
fotografiar por un turista ocasional.
29. Ángulos de Cámara
Y para ayudarme con la siguiente explicación,
utilizaré este dibujito que con anterioridad
alguien más ya se había tomado la molestia de
hacer (Gracias Google!), donde se muestran los
principales ángulos para colocar nuestra cámara
(y esto se aplica para cualquier tipo).
El más utilizado es el “Frontal” o “Normal”;
seguido de una gran ola de fotos tipo emo por el
ángulo en “Picada”, y después en
“Contrapicada”; los mucho menos frecuentes y
difíciles de realizar, incluso por su complejidad
estética, son los que atraviesan completamente
el eje humano; por encima el “Cenital” y por
debajo el “Nadir”, que yo antes siempre lo
conocí como “Supina”.
30. Ángulos de Cámara: Frontal
Ryan Pyle Tatjana Alvegard
Comúnmente, ya sea de pie o sentados, nuestros ojos y nuestra cámara están a la
misma altura que nuestro objeto. Se refiere al ángulo horizontal entre el objetivo y la
cámara, y no importa precisamente si el objeto a fotografiar está de frente, o de
espalda (jajaja, mejor aclarar y evitamos confusiones).
31. Ángulos de Cámara: Picada
Este ángulo es muy común en fotografías
del tipo que se toma uno mismo; pero
también en años recientes, una gran ola
de jóvenes emotivos lo han utilizado,
pues expresa inherentemente cierto
grado de tristeza, de sentirse observados
por el mundo desde arriba hacia abajo; y
si se toma de un plano más abierto, hace
referencia a que el objeto es pequeño e
incluso que podría estar un tanto
aplastado entre todo lo que lo rodea.
Aleksander Rodchenko (1891-1956)
Aún así es un bonito
recurso estético si
nuestra intención es
coherente con lo que
se está comunicando.
Ana Paola C.
32. Este primer plano, con
ángulo en picada tiene
algo que lo hace ser
especial, y a la
fotografía le da una
profundidad inferior en
forma de V; esto es
porque fue tomada
desde una parte trasera
y no de frente como
acostumbramos...
Lawry Swope
Originalmente debió
haberse visto de cabeza
Fotógrafo
Objeto
33. Ángulos de Cámara: Contrapicada
Frank Rocco Chris Butler
Este tipo de tomas le da mucha más superioridad al objeto, incluso algo muy pequeño
podría tener una perspectiva comparativa de algo realmente muy grande.
34. Pero no solamente se refiere a
acentuar características físicas,
sino psicológicas. Alguien que
literalmente no es tan alto, no más
que un edificio, manifiesta una
clara representación de PODER.
Chris Cone
Los basketbolistas siempre se han
caracterizado por ser altos. Una fotografía
con un ángulo de este tipo exalta esta
peculiaridad.
Bruce Deboar
35. Fotografía del Golden Gate, por: George
Ángulos de Cámara: Steinmetz, para National Geographic (2007)
La cámara y el objeto son
Cenital totalmente perpendiculares.
36. El ángulo cenital nos permite experimentar con situaciones y objetos de manera poco
convencional, y altamente creativa. Una toma de este tipo bien ejecutada, tiene un alto
valor estético y llamativo. Podríamos decir que es una toma del cielo, al piso.
Ana Paola C.
Nick Fancher Noel Spirandelli
37. Ángulos de Cámara:
Nadir o Supina
Este ángulo es muy difícil de encontrar, ya
que siempre se utiliza una cámara que
perpendicularmente apunte al cielo. No
hay grados de inclinación. En la fotografía
que superior de la izquierda, se está
utilizando el ángulo para dar una
perspectiva subjetiva del piso. ¿Si fueras
piso, qué verías?...
38. Fotógrafo
Toma simétrica y muy inteligente
para utilizar este ángulo.
Aleksander Rodchenko (1891-1956)
39. Ahora sí, la COMPOSICIÓN
¿Qué elementos forman parte de nuestra imagen en el
cuadro fotográfico? Sabemos que queremos mostrar
algo, pero la forma en que lo mostramos le puede dar
mucho mayor sentido a las emociones que éste contiene.
La fotografía muestra mucho más que sólo una imagen,
conlleva estados de ánimo y puntos de vista sobre lo que
observamos en nuestro entorno. El fotógrafo muestra al
mundo su forma de ver las cosas; y para hacerlo de una
manera más bella, existen algunas reglas para acomodar
dentro del cuadro, estos objetos a nuestro favor.
40. LOS HORIZONTES
Consiste en dividir nuestra toma en 3
partes más o menos proporcionales; y
los horizontes deberán marcarse en
alguna de estas dos líneas divisorias,
dependiendo de qué es lo que se desee
resaltar.
Vicky Sander
Aunque los horizontes no siempre son totalmente lineales, de igual
modo lo que se intenta es que si el objeto está enmarcado por un
entorno con una línea divisoria al fondo, éste pueda dar una sensación
de equilibrio con la lejanía o cercanía respecto al objeto.
Jeffrey Lamont
41. LOS TERCIOS
De manera similar a los horizontes, se
trazan las 2 lineas imaginarias que
dividirán nuestra fotografía en partes,
pero también de manera vertical.
Esta regla dice que nuestro CENTRO, es
decir el principal punto de atención,
deberá estar posicionado alrededor de
los puntos donde se intersecta cada
línea. Estos puntos fuertes le dan mayor Nicky Woo
armonía y equilibrio en el cuadro de la
fotografía, que si estuviese literalmente
en el centro de la misma.
42. ¿Los Tercios o la Divina Proporción?
Aunque no se mencione que los tercios
tengan algo que ver con la “razón aúrea”
o “proporción divina”, creo que pueden
guardar cierta relación en la estética de
la fotografía. La verdad es que yo nunca
me preocupo por dejar el punto de mi
centro exactamente en el tercio, y por lo
que he visto, la mayoría de los fotógrafos No necesitas ser un científico o matemático para sacar una foto
profesionales tampoco procuran medir “divina”; la proporción de B, es 1.618 veces más grande que A, y
milimétricamente en dónde va a quedar así sucesivamente respecto a todos los espacios, en los más
su centro (Aunque obviamente se suele pequeños debe quedar el principal punto de atención, el que
utilizar el “tanteo”). Lo que si he podido tratándose de personas, generalmente sería el rostro.
observar que se encuentra con mayor A B
frecuencia, y que por alguna razón nos
genera esa sensación de estabilidad, es
seguir nuestros instintos y copiar los
patrones de la naturaleza. ¿Cómo?
Existe un número, que representa la
PROPORCIÓN con la que está fabricado
la mayor parte del universo, incluso los
humanos; el 1.618. El ejemplo más
usado es el caracol; el cual, del centro
hacia fuera, en cada giro de 360º, la
proporción que aumenta es de 1.618, y
así sucesivamente.
43. Bueno, no tiene por qué ser exacto, pero nos podemos dar una idea de las proporciones
en las que nuestra imagen podría estar acorde con el diseño “divino”.
Steve Murray
Glenn Oakley
44. Nicky Woo
LA MIRADA. Cualquier objeto, persona o animal, debe tener más espacio al frente de donde se
dirige su mirada. Pero como lo habíamos dicho antes, todo depende de lo que se esté comunicando; y de
la forma en que se justifique.
45. Nicky Woo
En estos ejemplos, de la misma autora que las fotografías de la diapositiva
pasada, vemos el uso del aire reducido al frente de la mirada, por el contrario a la
regla; ya que precisamente se está utilizando para dar más emotividad a la toma.
El de la izquierda aparenta tener un alto grado de frustración, o enojo y tristeza; y
el de la derecha, como si estuviese castigado, preocupado o melancólico.
Evidentemente los dos lo manifiestan a través de la expresión y el lenguaje
corporal, pero también, el aire del cuadro hace como si algo los empujara contra
una pared invisible o simplemente quisieran salir de éste.
46. Ethan Welty Glenn Oakley
Ok, ok; él tampoco tiene más espacio adelante ¿Y en ésta? Bueno, aunque la persona ocupe el
que atrás, y hasta luce feliz. Pero hay dos centro de atención, el concepto está definido por
situaciones que justifican la toma; una, que marca los sombreros. El señor usando sombrero, tiene un
una trayectoria, tal vez el largo camino que sombrero en la mano, e intencionalmente el
tuvieron que recorrer, y la dirección de la que fotógrafo nos quiso mostrar el cúmulo de
vienen; y dos, que los objetos detrás de él, en este sombreros detrás de su objetivo.
caso los camellos y la persona montando son
relevantes, y ocupan el segundo plano, tal vez la
fotografía no tendría sentido sin ellos caminando
detrás en la misma dirección.
47. LINEAS
Las líneas horizontales o
verticales otorgan una
sensación de simetría y rigidez
a las fotografías. Algunas
veces el uso de las líneas
rectas dan equilibrio, pero si
no hay una combinación de
éstas con algunas variaciones
a menudo, podrían resultar
tomas muy monótonas.
Laurie Swope
48. En esta composición basada en líneas verticales,
podemos ver que la regla de los tercios fue ignorada
totalmente; ésta menciona que el objeto nunca debe
ser colocado al centro, y por el contrario, en esta
fotografía lo está. Aún así, la forma en que están
situados el andamio, hasta los dos bloques
separados de ladrillos, forman esa continuación lineal
que sobresale del cuadro, y nos comunica de cierto
modo, solidez y simetría.
Jared Leeds
49. Las fotografías compuestas por líneas horizontales suelen expresar paz, un
ambiente tranquilo y profundidad en la imagen.
David Magnusson Wayne Cable
A decir verdad, el abuso en composiciones de este Marcando una pequeña diferencia de la pasada,
tipo puede ser aburrido. Esta fotografía se muestra estas líneas son más dinámicas, los zapatos
demasiado relajada y plana, para mi gusto no hay efectivamente juegan un papel importante, y los
nada que resalte en ella, si hubiese un humano u colores le dan mucha más viveza, pero sobre todo, el
objeto interactuando se vería mejor, particularmente hecho que haya una persona pasando por ahí
este tipo de fotos no me agradan. inadvertidamente la hace más cálida y dinámica.
51. Cuando utilizamos un horizonte inclinado se le llama
PLANO HOLANDÉS.
Utilizando líneas inclinadas podemos dar mucho más dinamismo y movimiento a la
imagen, dependiendo cómo las utilicemos se pueden acentuar para dar mayor profundidad.
52. Tatjana Alvergard
Al utilizar un PLANO HOLANDÉS se debe notar la
intencionalidad de la inclinación, si no podría parecer
un error, o una falta de equilibrio del fotógrafo.
Jason Lindsay
53. Las líneas inclinadas para dar el efecto visual de PROFUNDIDAD,
pueden ser evidentes utilizando líneas reales, o sólo imaginarias a
través del acomodo de los objetos.
Jim Erickson Laurie Swope
Steve Murray Joey Gaffney
54. Lineas Curvas
Betsy Malloy Chris Butler
Las curvas son agradables a la vista, nos parecen dinámicas y hasta sensuales. A diferencia de las
lineas rectas, aunque los objetos estén estáticos, como el edificio, o las personas sentadas; las
curvaturas nunca comunican rigidez, por el contrario manifiestan movimiento.
55. Trabajando más
dimensiones
Ya habíamos dicho con anterioridad que una
fotografía tiene dos dimensiones, el Largo y el
Ancho. Pues bien, nuestros sentidos nos
permiten observar a través de ésta e interpretar
como si estuviéramos ahí; es por esto que
podemos trabajar con la Profundidad de Campo
y podemos adjudicarle entonces un FRENTE y un
FONDO; generalmente en nuestro frente está el
punto de interés y en el fondo pues, el resto que
nos ayuda a contextualizar dónde se encuentra.
Pero no siempre tiene por qué ser así.
John Lair
56. Shelly Steichen Vicky Sander
En estas fotografías por ejemplo, vemos en el FRENTE un primer
objeto, y en un SEGUNDO PLANO el objeto que resalta como mayor
centro de atracción, y por último, el FONDO.
57. Desenfocar el FRENTE y enfocar el SEGUNDO PLANO
John Lair Peter Leverman
Al tener muchos elementos y capas en el entorno,
a veces podemos perdernos en el que queremos
destacar como CENTRO de atención, por lo que,
si lo estamos utilizando en un segundo plano, un
buen recurso es desenfocar lo que está a su
alrededor, para así desviar la atención
directamente sobre éste.
58. Laurie Swope
Otra forma de dar mucho más dramatismo y
atracción a nuestros personajes, es esta toma
llamada “over showlder”, porque precisamente, la
cámara toma “sobre el hombro” del personaje
que está al frente, al centro de atracción en el
segundo plano. En la fotografía superior vemos,
que a diferencia de las de la izquierda, la cámara
pasa “sobre el hombro” del mismo personaje,
que se toma de nuevo como CENTRO en el
SEGUNDO PLANO gracias a la ayuda de un
espejo.
Richard Schultz
EL “OVER SHOWLDER”
59. Aleksander Rodchenko (1891-1956)
OBJETOS REFLEJANTES
Si de trabajar más dimensiones se trata, entonces un
gran recurso es utilizar objetos reflejantes, ya que te
proporcionan múltiples frentes, posiblemente más de
un objeto en segundo plano, e incluso una diversidad
de fondos; estas tomas son muy dinámicas, muy
arriesgadas, pero definitivamente muy llamativas.
Ana Paola C. Jason Lindsay
60. Ryan Pyle Sara Henderson
También podemos aprovechar los reflejos naturales del paisaje...
61. Y ahora que estoy hablando de espejos, he
recordado una locura. ¿Alguna vez has tenido un
sueño en el que estas dormido también y estás
soñando, y en ese sueño también estás soñando?...
Esto se tradujo en la literatura francesa, cuando una
historia estaba dentro de otra historia, y ésta dentro
de otra, y así sucesivamente, como “mise en
abîme”, es decir PUESTA EN ABISMO.
Este efecto se traduce de forma visual, como cuando
te ves entre dos espejos, éstos se reflejan
mutuamente hasta el infinito; como caer en un
abismo sin fin.
Y en la fotografía pues, recordemos esta portada de
Pink Floyd, una foto donde aparece una foto tomada
en el mismo lugar, con otra foto de ese mismo lugar,
etc, etc.
No estoy
diciendo que
se tenga que
hacer algo
como esto,
pero nos
puede dar
algunas
bonitas
ideas...
Ethan Clements
62. EL ESPACIO NEGATIVO
Ya vimos que conforme a los planos
siempre hay espacios que debemos
rellenar, y si los dejamos pues nos
puede salir mal la foto, ¿No? Bueno,
hay una excepción; cuando
manejamos un fondo de color o
textura uniforme, podemos jugar
con estos espacios para acentuar
nuestro punto de interés.
Ana Paola C.
63. Chris Mueller Peter Zander
La principal idea de este recurso, es que el fondo se mantenga sin
distractores, que permitan resaltar entre un gran espacio el objeto central.
64. LOS OBJETOS REPETIDOS (PATTERNS)
Caleb Kenna
Edward Addeo Daryl Solomon Edward Addeo
Los elementos que se repiten y están relacionados de alguna manera, son visualmente muy
atractivos, le dan cierta dirección a la fotografía. Dependiendo de lo que tomes, pueden
representar aspectos como compañerismo, multitud, abundancia, o incluso polarización en
algún sentido. Por ejemplo, las pastillas en exageración pueden implicar algún tipo de adicción.
65. EL ENMARCADO INTERNO
Chris Butler
Chris Crisman Johan Robert Willis David Magnusson
Ayudarnos de las figuras del entorno para colocar un MARGEN como parte de la
composición de la fotografía, le da un efecto de enmarcado que nos ayuda a reforzar el
tema, otorga dinamismo y puede centrar más la atención en el principal punto de interés.
66. Desde el punto de vista del jugador.
LA TOMA SUBJETIVA
Bueno, bueno... Todas nuestras
tomas son subjetivas, ya que las
realizamos desde nuestra
perspectiva, pero que tal si por un
momento quisiéramos mostrar lo que
sería ver desde el punto de vista de
cualquier otro personaje u objeto
¿Cómo se vería todo si fuera un
sandwich, una pelota, o un vaso?
Matthew Teuten
No pude evitar recordar esta toma subjetiva, de la
película “Little Shop of Horrors”; no se si fue muy
famosa pero era de mis favoritas en la infancia (una
comedia de terror). Esta toma del cine de los 80´s
muestra al sádico dentista (Steve Murray) desde el
interior de la boca de su paciente.
67. Laurie Swope
Y por último, pero para nada ILUMINACIÓN Y
menos importante... COLOR
68. LOS COLORES
Para explicar el funcionamiento y aplicación
de la teoría de los colores tendría que hacer Circulo Cromático
todo un curso enfocado en ésto, sin
embargo, a grandes rasgos, intentaré
acentuar sobre algunas cuestiones que nos
permitirán utilizarlos benéfica y Cálidos
conscientemente en nuestras tomas Fríos
fotográficas.
El círculo cromático se compone principalmente por 3 grupos; los
colores fríos, los cálidos, y el espectro de los verdes, que son neutros;
ya que dependiendo de la intensidad, puede acoplarse a ambos.
Neutros
Los colores van surgiendo de la combinación
de diferentes intensidades entre los mismos,
que básicamente son tres: ROJO, AZUL, y
AMARILLO. Todos los demás que se
encuentran entre estos espectros surgieron
por haberse combinado sólo estos tres
colores; los llamamos colores secundarios y
terciarios.
69. Y bueno, más que lo importante de saber cómo se forman
los colores es saber cómo los percibimos. Los colores
son, porque así los percibimos dependiendo de la
intensidad de luz; por ejemplo, el BLANCO, la máxima
luminosidad, lo percibimos así ya que está compuesto de
todos los colores; y a la menor luminosidad, lo
conocemos como NEGRO, el cual es la ausencia de
colores como tal.
El blanco, negro, y la escala de grises en la fotografía
suelen expresar desde melancolía, hasta romance;
generalmente esta gama de luminosidad expresa
tranquilidad, no manifiesta vibraciones enérgicas; aunque
también se relaciona con elegancia.
Shelly Steichen
Pablo Corral Vega
70. Utilizar colores análogos
Puedes utilizar colores que estén dentro de la misma gama
de tonalidades dentro del Circulo Cromático; por ejemplo los
mismos tonos entre azul, azul violeta y violeta.
Emmanuel Faure Lindsay Gallup
En estas fotos se están utilizando colores análogos de tonos cálidos, el de la izquierda
es llamativo, pero se neutraliza con los dorados y cafés; a diferencia del de la derecha,
es vibrante y enérgico, ya que sólo se utilizan tonos muy cercanos al mismo rojo.
71. Estas fotografías de colores análogos en tonos
fríos manejan las mismas gamas entre el azul y
algunos tonos de verde-azul.
Por cierto, las fotografías inferiores, me parece
que poseen una mayor complejidad estética. Ese
salto de la vestimenta en el contexto es un detalle
sublime; le da movimiento, pero también un alto
grado de melancolía y locura. Logra transmitir
emociones, y la belleza por si mismas, a
Melissa Henessy diferencia de la superior, en la que la posición de
la modelo se ve forzada y, repito, para mi gusto,
en poca armonía con el entorno.
Erick Almas Erick Almas
72. Utilizar colores complementarios
Lindsay Gallup Saye Farroktala
Manejar en la composición
colores que son totalmente
opuestos en el círculo cromático;
estos colores juntos hacen realzar
las propiedades de cada uno
individualmente.
73. Valerte de los neutros...
Los tonos por excelencia de la naturaleza, siempre
son armónicos con los espectros de la luz de día, y
combinan con todos los demás.
Peter Leverman
Peter Leverman Laurie Swope
74. Experimentar con la Experimentar con las
ACENTUACIÓN TEXTURAS
Barbara Peacock
Peter Leverman
Es mantener los tonos del entorno y
los objetos en un mismo rango y dejar Daryl Solomon
sólo que un pequeño detalle se salga
Objetos con diferentes texturas y una variación
del parámetro. Como los guantes
de intensidad de luz pueden dar resultados
rojos en este ejemplo.
poco comunes, pero atractivos visualmente.
75. Jugar con los contrastes de luminosidad
Lars Topelmann Chris Butler
Utilizar luz artificial en un lugar con luz natural para O aprovechar al máximo la dirección de la luz para
rellenar sombras.... hacer contornos...
76. Y para hacer algo creativo:
Experimentar con los CONTEXTOS
Jim Erickson Jimmy Williams
Colocar objetos en situaciones inusuales, sarcásticas,
contradictorias, irónicas o simplemente innovadoras;
dándole un nuevo uso o forma a algo que vemos
siempre de la misma manera.
77. No hay ningún secreto o fórmula mágica que haga
una buena fotografía sólo a partir de conocimientos.
Hay que analizar cómo se vería nuestro entorno a
través del lente en un cuadro frente a ti; es saber
observar, y estar ahí en el momento justo.
Jason Lindsay
