Le concert du 15e Grand Prix Lycéen des Compositeurs, présenté par l'Orchestre Lamoureux et le Quatuor Debussy, a lieu le 7 avril 2014 au Théâtre du Châtelet et inclut des créations mondiales de Kaija Saariaho et Thierry Pécou. Le programme explore les inspirations de quatre compositeurs, alliant musique contemporaine et œuvres classiques françaises. Fayçal Karoui dirige cet événement, mettant en avant la richesse des répertoires français et la tradition de l'Orchestre Lamoureux.

1. Contacts presse
Marie de Lombardon (Orchestre Lamoureux)
01 58 39 30 30, communication@orchestrelamoureux.com
Frédérique Triquet (Grand Prix Lycéen des Compositeurs)
06 73 27 59 61/01 40 36 55 34, gplc@mnl-paris.com
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2. Lundi 7 avril 2014
Théâtre du Châtelet
20h00
Concert du 15e Grand Prix Lycéen des Compositeurs*
En partenariat avec musique nouvelle en liberté
Fayçal Karoui Direction
Avec le Quatuor Debussy
Kaija Saariaho
Ciel d’hiver, pour orchestre. Création mondiale **
Œuvre éditée par Chester Music
Edouard Lalo
Namouna, extraits des Suites d’orchestre n°1 et n°2
Thierry Pécou
Spinoza in Cuzco pour quatuor à cordes et orchestre. Création mondiale **
Jacques Offenbach / Manuel Rosenthal
Gaîté parisienne, Suite de ballet
* Le Grand Prix Lycéen des Compositeurs, organisé par musique nouvelle en liberté, a pour objet d’initier chaque
année 3000 lycéens de la France entière à la musique contemporaine.
Plus d’infos sur www.mnl-paris.com.
** Commandes de musique nouvelle en liberté-ville de Paris
Tarifs de 8 à 40 euros
Réservations auprès du Théâtre du Châtelet :
01 40 28 28 40, www.chatelet-theatre.com
Suivez l’Orchestre Lamoureux sur
et
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3. Note de programme
L’Orchestre Lamoureux, musique nouvelle en liberté et le Théâtre du Châtelet
s’associent pour donner, en prolongation à la journée du Grand Prix Lycéen des Compositeurs,
un concert en hommage à la musique nouvelle – avec les créations mondiales de Kaija
Saariaho et Thierry Pécou –, qui sera ponctué par de célèbres pages de musique française.
Le Quatuor Debussy sera invité à interpréter la création de Thierry Pécou, œuvre qui lui est
dédiée.
Ce programme est un parcours à travers les inspirations de quatre compositeurs : Kaija
Saariaho (« la plus française des compositrices finlandaises », J. Szpirglas) offre
la contemplation d’une nuit étoilée, Thierry Pécou, le voyage d’un philosophe dans le pays
des Incas, Edouard Lalo, les couleurs chaudes et orientales de la Méditerranée, et Manuel
Rosenthal, un pot-pourri de thèmes tirés des opérettes de Jacques Offenbach.
Ciel d’Hiver de Kaija Saariaho est l’arrangement du 2ème mouvement de sa pièce pour orchestre,
Orion. Forgée sur la figure du chasseur géant de la mythologie grecque (placé par Zeus dans
le ciel sous la forme de constellation), Orion est la métaphore d’une éternité, de l’infini,
et du mouvement énergique du chasseur. Pour ce concert, Kaija Saariaho dit avoir donné à
ce même matériau musical « une forme plus intime et chaleureuse », « inspirée par le sentiment
de calme et de solitude ressenti en contemplant le ciel étoilé pendant l’hiver ».
De son côté, la création de Thierry Pécou, Spinoza in Cuzco pour orchestre et quatuor à cordes,
est la rencontre entre une représentation symbolique du « prince des philosophes » Baruch
Spinoza et l’empire Inca avant sa chute. Ouvert à toutes les cultures, la musique de Thierry
Pécou est « un voyage sans frontières, où l’on côtoie les confins des continents » (R. BruneauBoulmier, Classica). Le Quatuor Debussy sera le noyau moteur de tout le déroulement musical
de l’œuvre.
Les extraits des Suites n°1 et n°2 de Namouna de Lalo transporteront elles aussi le spectateur
dans des contrées lointaines : l’écriture mélodique fait référence au folklore méditerranéen –
Lalo cite par exemple des airs marocains – tandis que l’instrumentation, d’une très grande
richesse, vient souligner les rythmes et les harmonies teintées d’exotisme. Si à sa création
en 1882 l’œuvre ne reçoit qu’un accueil mitigé, la salle compte tout de même
des enthousiastes : Gabriel Fauré, Emmanuel Chabrier, Ernest Chausson, Claude Debussy,
compositeurs qui allaient devenir l’honneur de la musique française.
La Gaîté Parisienne viendra conclure ce concert avec allégresse. La partition est un pot-pourri
des thèmes significatifs d’Offenbach que le compositeur et chef d’orchestre Manuel Rosenthal
écrivit en 1938 pour les Ballets de Monte-Carlo : outre la Vie Parisienne, l’ouverture donne
à entendre le Galop infernal d’Orphée aux Enfers ou la Barcarolle des Contes d’Hoffmann.
Fayçal Karoui, ancien directeur du New York City Ballet et ardent défenseur de la musique
de notre temps, aura plaisir à diriger ce programme mêlant les œuvres phares du répertoire
du ballet et la création de musiques nouvelles.
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4. L’Orchestre Lamoureux
Formation fondée en 1881 par Charles Lamoureux
Son fondateur Charles Lamoureux lui avait à l’époque donné pour nom "Société des nouveaux
Concerts". Lamoureux était un violoniste et chef d’orchestre d’origine bordelaise. C’était un
grand admirateur - entre autres - de la musique de Richard Wagner. Ce n’est donc pas un
hasard si c’est à Charles Lamoureux, et à l’orchestre qu’il venait de créer, (quelques petites
années auparavant) que l’on doit d’avoir entendu en France, pour la première fois, Lohengrin :
c’était en 1887, dans une version de concert donnée à l’Eden Théâtre (en lieu et place de
l’actuel Théâtre de l’Athénée).
Les décennies qui suivirent ont imposé l’Orchestre Lamoureux dans le répertoire français.
Debussy et Ravel lui doivent les premières auditions de La Mer, du Concerto en sol,
de La Valse, du Boléro… et puis l’histoire du Lamoureux est aussi liée aux noms
de quelques grands chefs, de Paul Paray à Igor Markevitch, de Jean Martinon
à Yutaka Sado, qui a présidé aux destinées de cette formation pendant 17 ans.
Aujourd’hui, l’Orchestre Lamoureux regarde vers l’avenir avec son nouveau directeur musical. Il
s’appelle Fayçal Karoui. Il a une formidable ambition pour ses musiciens.
Stéphane Grant
Saison 2013-2014 de l’Orchestre Lamoureux
Après une première saison inoubliable de Fayçal Karoui à la tête de l’Orchestre Lamoureux,
marquée par l’émotion de la série exceptionnelle de trente concerts pour la Folle Journée à
Nantes et au Japon, la saison 2013-2014 de l’Orchestre s’inscrit dans la continuité.
Depuis maintenant 132 ans, les sonorités de l’Orchestre Lamoureux sont façonnées
par les richesses du répertoire français. Pour la saison 2013-2014, Fayçal Karoui
et l’Orchestre s’attachent toujours à faire entendre au plus large public les œuvres de SaintSaëns, Berlioz, Fauré ou Magnard, comme les dernières pages de la création, avec Thierry
Pécou, Kaija Saariaho ou Pascal Zavaro. Aussi, cette saison sera l’occasion d’entendre le Chœur
Lamoureux, dirigé par Patrick Marco, chanter des œuvres trop peu jouées jusqu’ici, comme la
Messe des Pêcheurs de Villerville de Fauré et Messager et le Requiem de Duruflé.
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5. Crédit : Rouge 202
Fayçal Karoui Directeur musical de l’Orchestre Lamoureux
Fayçal Karoui prend ses fonctions à l’Orchestre Lamoureux en septembre 2012. Le français
succède au japonais Yutaka Sado, chef principal de la formation durant dix-sept ans (19932010), et ajoute son nom à une liste de baguettes prestigieuses.
Il anime également l’Orchestre de Pau-Pays de Béarn depuis sa fondation en 2002 et a assuré
la direction musicale du New York City Ballet de 2006 à 2011.
Né à Paris en 1971, Fayçal Karoui obtient en 1997 son premier prix de direction d’orchestre au
Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, ainsi que l’entrée en classe
de perfectionnement.
La bourse « Aida » lui permet alors de travailler comme assistant de Michel Plasson
à l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, poste qu’il occupe jusqu’en 2002.
Cette collaboration l’amène à diriger avec passion les œuvres du répertoire français.
Musicien complet, architecte et bâtisseur infatigable de projets riches, originaux et divers,
Fayçal Karoui fait partie de ces rares jeunes chefs français remarqués en France et à l’étranger
par les plus grands orchestres. Il est invité à diriger l’Orchestre de Paris, l’Orchestre de l’Opéra
National de Paris, l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique de Radio France,
l’Orchestra Giuseppe Verdi de Milan, l’Orchestra Accademia Santa Cecilia de Rome, l’Orchestre
de Chambre de Lausanne, l’Orchestre Philharmonique de Liège, l’Orchestre National du Capitole
de Toulouse, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo.
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6. Crédit : Bernard Benant
Le Quatuor Debussy
Christophe Collette, premier violon ; Marc Vieillefon, second violon ; Vincent Deprecq, alto ; Fabrice Bihan,
violoncelle
20 ans d’existence : un quatuor de dimension internationale
Premier Grand Prix du concours international de quatuor à cordes d’Évian 1993, Victoire de la musique
1996 ("meilleure formation de musique de chambre"), le Quatuor Debussy jouit d’une reconnaissance
professionnelle incontestable. Voilà déjà vingt ans que le Quatuor partage avec les publics du monde
entier ses interprétations musicales sur les scènes les plus prestigieuses. Japon, Chine, États-Unis,
Russie... ses tournées régulières lui ont permis de se faire un nom sur tous les continents.
Une soif insatiable de rencontres
Parmi les valeurs et engagements du Quatuor Debussy, on retrouve la curiosité, la surprise,
le renouvellement, la découverte et le partage. En créant des passerelles avec différents domaines
artistiques comme la danse (Maguy Marin, Anne Teresa De Keersmaeker, Wayne Mac Gregor, Abou
Lagraa, Mourad Merzouki...), le théâtre (Philippe Delaigue, Richard Brunel, Jean Lacornerie...) ou encore
les musiques actuelles (Olivier Mellano, Robert le Magnifique, Franck Tortiller...), le Quatuor n’est jamais
à court d’idées novatrices !
Ayant depuis longtemps choisi de mettre l’accent sur l’échange, le Quatuor Debussy anime chaque
année des ateliers pédagogiques en direction des enfants. Il est également à l’initiative de concertsrencontres pour tous afin de faire partager sa passion pour les musiques d’hier et d’aujourd’hui.
A l’occasion de ses 20 ans d’existence, le Quatuor Debussy s’est investi sur trois saisons dans des
actions culturelles envers les publics qui n’ont pas accès à la culture, de la communauté gitane
aux maisons de retraite, du monde de l’entreprise aux écoles.
La transmission du quatuor à cordes
Le Quatuor Debussy anime des académies de musique de chambre depuis son origine et donne rendezvous aux quartettistes chaque année en Ardèche en été (en lien avec le festival Cordes en ballade
dont il assure la direction artistique), au festival de l’Epau pour la session de printemps et maintenant,
au festival des Inouïes à Arras en août. Depuis novembre 2011, il dirige le cycle specialisé de quatuor
à cordes au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon où il propose des
sessions pendant toute l’année.
Le Quatuor Debussy côté disques
Plus de 20 disques, 3 disques à 4 ffff Télérama, de multiples diapasons, de nombreuses étoiles
et des Chocs ! Après l’intégrale des Quatuors de Chostakovitch en 6 volumes (Arion), le Quatuor Debussy
continue à enrichir sa collection notamment en musique française (Bonnal, Debussy, Onslow,
Ravel/Fauré, Witkowski, Lekeu). Il nous entraîne aussi dans ses explorations artistiques : collaboration
sur l’album intitulé La chair des anges d’Olivier Mellano (Naïve), deux albums de comptines pour enfants
avec Philippe Roussel (Enfance et musique), la transcription de concertos pour piano de Mozart
et sa version du célèbre Requiem de Mozart pour quatuor à cordes (Decca - Universal Music France).
Le Quatuor Debussy est conventionné par le Ministère de la Culture (DRAC Rhône-Alpes), la Région
Rhône-Alpes et la Ville de Lyon. Il est soutenu par la SPEDIDAM, l’association musique nouvelle en liberté
et la Banque Rhône-Alpes.
www.quatuordebussy.com
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7. Crédit : Priska Ketterer
Kaija Saariaho Compositrice invitée
Née en 1952 en Finlande, Kaija Saariaho vit une enfance imprégnée de musique et joue de plusieurs
instruments. Parallèlement à des études musicales, elle entame, à l’école des Beaux Arts d’Helsinki,
un cursus qu’elle abandonne vite pour se consacrer entièrement à la musique. À l’Académie Sibelius
d’Helsinki, elle reçoit l’enseignement de composition de Paavo Heininen avant de suivre, à Darmstadt
puis à Fribourg, les cours de Brian Ferneyhough et Klaus Huber.
Caractéristique de ses œuvres des années 1980, son écriture sensuelle, descriptive et lyrique s’emploie
à de subtiles transformations. Sa recherche en matière de timbres nouveaux aura stimulé son étude
de nouvelles techniques instrumentales et de l’ordinateur auquel, depuis 1982, elle s’est initiée à l’Ircam.
Cette pratique constitue depuis un élément important de ses compositions.
Elle confirme sa notoriété internationale avec des œuvres telles que Verblendungen pour orchestre
et bande magnétique (1982-84), Lichtbogen pour formation chambriste et électronique (1985-86),
Nymphéa (1987) commande du Lincoln Center pour le Quatuor Kronos.
À partir des années 1990, sa musique devient plus expressive, souvent plus rapide dans ses fluctuations
mélodiques. Les éléments rythmiques deviennent plus forts en dépit de l’absence, toujours, de pulsations
rythmiques régulières. Ce qui demeure central : le timbre et les couleurs. Ses œuvres principales
comprennent un concerto pour violon, Graal théâtre, écrit pour Gidon Kremer en 1995 ; deux œuvres
dédiées à Dawn Upshaw : Château de l’âme créé au Festival de Salzbourg en 1996 et Lonh un cycle
de mélodies pour soprano et électro-acoustique créé au Festival Wien Modern en 1996 ; Oltra mar
pour orchestre et chœur mixte, créé en 1999 par l’Orchestre Philharmonique de New York ; un concerto
pour flûte, Aile du songe, composé pour Camilla Hoitenga (2001) ; Nymphea Reflexion pour orchestre
à cordes, dédié à Christoph Eschenbach (2001) ; Orion pour l’Orchestre de Cleveland (2002) ; Quatre
Instants, pour soprano, piano/orchestre, pour Karita Mattila, créé en avril 2003.
Kaija Saariaho participe également à de nombreuses productions multimédias telles que le ballet Maa
(1992) chorégraphié par Carolyn Carlson ou Prisma, cd-rom consacré à son œuvre (Prix multimédia
Charles Cros en 2000).
Son premier opéra, L’Amour de loin, livret d’Amin Maalouf et mise en scène de Peter Sellars, a remporté
un vif succès lors de sa création au Festival de Salzbourg en 2000 et a été récompensé en 2003
par le Prix de composition Grawemeyer. Parmi les nombreux autres prix qu’elle a reçus, citons le Prix
Italia, le Prix musical du Conseil Nordique ou le Musical America Composer of the year 2008.
Son second opéra, Adriana Mater, sur un livret original d’Amin Maalouf, entremêlant la réalité sombre
du présent et le rêve, a suivi, également mis en scène par Peter Sellars, à l’Opéra Bastille en mars 2006.
Il a été repris à Helsinki et à Santa Fe en 2008.
Kaija Saariaho a aussi signé un vaste oratorio, La Passion de Simone, commande du Festival de Vienne,
du Los Angeles Philharmonic, du Barbican et du Lincoln Center. Le texte de cette œuvre a été écrit
par Amin Maalouf autour de la vie et de la pensée de la philosophe Simone Weil. La création s’est faite
en novembre 2006 à Vienne, puis à Londres, Helsinki, Stockholm, New York au Lincoln Center for the
Performing Arts, ainsi qu’à Los Angeles.
En février 2007, fut donnée à Boston la première de Notes on Light pour violoncelle et orchestre,
commande à l’occasion du 125ème anniversaire du Boston Symphonic Orchestra. Cette pièce a déjà été
interprétée plus d’une dizaine de fois à travers le monde par Anssi Karttunen.
La création mondiale de Mirage, pièce pour soprano, violoncelle et orchestre, écrite pour Karita Mattila
et Anssi Karttunen, a eu lieu Salle Pleyel avec l’Orchestre de Paris dirigé par Christoph Eschenbach
en mars 2008. La pièce a été ensuite jouée à Londres, Berlin et au Carnegie Hall de New York.
L’ensemble Les Jeunes Solistes a crée en mai 2008 à l’Amphithéâtre de l’Opéra de Paris Bastille, Écho!
pour huit voix et électronique, commande conjointe de l’Opéra de Paris et des Jeunes Solistes. Laterna
Magica, pièce d’orchestre pour le Berliner Philharmoniker dirigé par Simon Rattle, a été créée
en septembre 2009 à Berlin puis à Lucerne.
Son troisième opéra, Émilie, a été crée par Karita Mattila à l’Opéra de Lyon en mars 2010,
puis immédiatement après à l’Opéra d’Amsterdam, par Mattila puis par Karen Vourc’h. D’om le vrai sens,
son concerto pour clarinette pour Kari Krikku, a été commmandé par le Finnish Radio Symphony
Orchestra - qui a donné la première en septembre 2010 au Finlandia Hall, Helsinki, dirigé par Sakari
Oramo -, et la BBC, Fundação Casa da Musica, le Swedish Radio Symphony Orchestra et Radio France.
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8. Thierry Pécou Compositeur invité
Né en 1965 à Boulogne-Billancourt, Thierry Pécou a étudié l’orchestration et la composition
au C.N.S.M.D. de Paris. Il a été pensionnaire à la Casa de Velazquez à Madrid, lauréat du Prix Villa-Médicis
Hors les Murs, et a reçu de nombreux prix pour ses compositions, qui font l'objet de commandes
de la part d'institutions et d'interprètes renommés.
Ses œuvres ont ainsi été interprétées dans des lieux tels que les festivals « Présences » à Radio France,
l’Opéra de Umea en Suède, la Gaudeamus Music-Week à Amsterdam, l’Automne de Moscou, les New
Music Concerts à Toronto, le Foro Internacional de Musica Nueva de Mexico, Automne en Normandie,
le Festival d'Ambronay, Bath Music Festival, Tampere Choir Festival (Finlande), Shanghai Spring Music
Festival, ainsi qu’à l’Auditorium de Yokohama au Japon, et à la Salle Pleyel, aux Théâtre de la Ville et
Théâtre des Champs-Elysées à Paris.
Ce compositeur est l’un des rares musiciens à réunir le geste de la composition et son incarnation
sur la scène. Il interprète fréquemment ses propres œuvres, au piano ou à la tête de Variances, ensemble
à géométrie variable dédié à la création, dont il est le fondateur, ou en soliste avec orchestre, pour
ses concertos pour piano (Tremendum et L'Oiseau innumérable). Thierry Pécou s’est engagé très tôt
dans un itinéraire singulier, à l’écart des notions d’avant-garde, et de post-modernité centrées
de manières univoques sur l’histoire esthétique de l’occident. Au fil de ses créations, le compositeur est
allé à la rencontre de cultures éloignées dans l’espace et dans le temps : les langues et l’imaginaire
de l’Amérique précolombienne et des sociétés amérindiennes dans la Symphonie du Jaguar et la cantate
Passeurs d’eau, les mythes grecs qui ont inspiré Les Filles du Feu, les traces de l’Afrique et de l’Amérique
dans Tremendum un carnaval brésilien, Outre-Mémoire et L’Oiseau innumérable, mais aussi la Chine
ancienne, la spiritualité tibétaine… En rencontrant ces traditions, Thierry Pécou, « rêve de faire résonner
le monde entier », et cherche à redonner à la musique sa dimension de rituel. Ainsi conçue, la musique
invite, absorbe l’auditeur. La forme musicale est alors indissociable du geste corporel. La forme, le geste
de l’instrumentiste et éventuellement, la danse, s’inscrivent dans le même échange d’énergie
qui caractérise les cultes afro-américains – tel le candomblé brésilien ou les rituels chamaniques
amérindiens.
Sa musique s’inscrit dans le souffle épique du Tout-Monde que prédit le poète martiniquais Edouard
Glissant et qui n’est pas une totalité uniforme mais la multiplicité imprévisible de toutes nos singularités.
Pour Thierry Pécou, la complexité n’est pas l’objet d’un art : elle résulte d’une écoute du monde.
C’est ainsi que la virtuosité compositionnelle que l’on entend dans Vague de pierre côtoie la répétition
incantatoire de simples formules mélodiques, tout comme, aux abords d’une île, un cordon uniforme
de sable longe la végétation enchevêtrée de la mangrove.
Thierry Pécou sait également sculpter le son vers le silence pour dévoiler et dépasser un autre silence :
celui auquel ont été réduits les peuples et les cultures victimes de l’expansion coloniale de l’Occident.
C’est par la métaphore et par l’invocation que Ñawpa oppose sa résistance à la destruction dont a été
l’objet la musique rituelle de l’ancienne civilisation andine de Tawantinsuyu. C’est par la force de
l’intention poétique et l’adresse de l’écriture qu’Outre-Mémoire ressuscite la mémoire interdite des
victimes de la traite négrière.
Pour Thierry Pécou, écrire c’est se trouver face à l’autre homme, dans sa fragilité et sa souffrance.
Pourtant, la substance et la forme musicale ainsi que leur réception ne peuvent être circonscrites par un
système ou réduites à l’expression d’une idéologie. Elles accompagnent la pensée du compositeur mais
acquièrent leur propre existence, qui dépasse le geste et le moment de la création.
Jean-Luc Tamby
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