Open artcode paris 2014 catalogue

www.openartcode.com
Exhibition organisation
Studio Abba and Mary Brilli
Catalogue editing
Carlotta Marzaioli
Text translation
Lara Cox www.traduzioni-firenze.com
© 2014 Studio Abba
www.studioabba.com
Reproduction and diffusion of this
catalogue or any part of it by electronic
storage, hard copies, or any other
means, are prohibited unless a written
consent is obtained from the copyright
holders.

OA
OpenArtCode and the Society of Independent Artists
as part of ART CAPITAL at the Grand Palais
Twenty-nine international artists from the OpenArtCode group will exhibit their artwork from 25 to 30 November 2014 at the
Grand Palais in Paris in the occasion of Art en Capital. The OpenArtCode group has been invited to participate since 2008 by the
Society of Independent Artists, that was founded in 1884 by great artists such as Cezanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec and Pissarro.
It is thanks to the good humor, legendary efficiency and organization of Mary Brilli and Studio Abba Florence, that our talents
combine so successfully.
OpenArtCode represents a group of artists who have very different styles, techniques, artistic training and for many years now,
they have exhibited together worldwide. The complicity they have acquired at these various international shows, allows them to
participate at extremely prestigious exhibitions and events.
For their creative humanism, we look forward to welcoming the artists back among us, to have them participate in such a great
festival of colour and we hope that this Salon is, on all levels, a great success for the group but also an individual success for each
of the participating artists.
Dominique Chapelle

President of the Society of Independent Artists.
Vice President Art Capital 2014

AC
OpenArtCode et la Société des Artistes Indépendants
dans le cadre d’ART en CAPITAL au Grand Palais
Vingt-neuf artistes internationaux du groupe OpenArtCode exposeront leurs réalisations du 25 au 30 Novembre 2014 au Grand
Palais à Paris, au sein du salon Art en Capital, invités depuis 2008 par la Société des Artistes Indépendants, Association fondée
en 1884 par de grands artistes comme Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Pissarro… Grâce à l’organisation, la bonne humeur,
l’efficacité légendaire de Mary Brilli et du Studio Abba de Florence, nous réunissons nos talents avec succès.
OpenArtCode représente un groupe d'artistes lesquels ont des styles, des techniques, des formations artistiques très différents et
depuis plusieurs années ils exposent ensemble, leurs qualités graphiques dans le monde entier. La grande complicité acquise lors
de diverses rencontres internationales, permet aux artistes, l’organisation d’expositions et événements de prestige.
Pour leur humanisme créatif, nous nous réjouissons de les accueillir à nouveau parmi nous, d’avoir su les garder et dans l’esprit
d’une grande fête de la couleur, nous souhaitons que ce Salon soit, sur tous les plans, une grande réussite collégiale mais aussi
individuelle.
Dominique Chapelle
Présidente de la Société des Artistes Indépendants
Vice-présidente Art en Capital 2014

BdoorAlsudiry
ArabieSaouditewww.bdoor-alsudiry.blogspot.com
Bdoor Alsudiry est une artiste peintre
de Riyad en Arabie Saoudite. En
tant qu'artiste, elle désire aider au
développement de son pays qui est
célèbre pour ses dattes et ses palmiers
dattiers. Dans son art, elle exprime ses
sentiments sur ce fruit et ses bienfaits
dans des représentations très réalistes
et elle dit dans sa déclaration d’intention
artistique "ma peinture sur ce thème
met l’emphase et la lumière sur notre
attachement aux dattes et à la fascinante
beauté naturelle des palmeraies au milieu
des montagnes Towaiq ".
Dans OpenArtCode Paris 2014, elle
présente un lien entre le portrait et la
technologie numérique: le QR Code.
Utilisant un logiciel de réalité augmentée,
Twitter et Instagram, sa passion pour
les dattes et café arabe émerge et elle
crée ces "portraits" pour démontrer aux
visiteurs comment l'art peut unir les gens.
Bdoor a représenté le Royaume
d'Arabie Saoudite dans de nombreuses
expositions et y a rencontré un grand
succès, remportant de nombreux
prix internationaux. Elle est membre
fondateur de la Société arabe des Beaux-
Arts, "JSVET".
Bdoor Alsudiry is a Saudi Arabian painter
from Riyadh. As an artist, she is keen to
help the development of her country,
which is famous for date fruits and
palm trees. In her art, she expresses her
sentiments about the fruit and its benefits
in these realistic depictions and in her
artistic statement she says, “my painting
on this theme stresses and highlights our
concern for the dates and the fascinating
natural beauty of palm groves amidst the
Towaiq mountains”.
In OpenArtCode Paris 2014, she presents
a connection between the real portrait
and the digital technology: the QR Code.
Using augmented reality software,
Twitter & Instagram, the passion for dates
and Arabian coffee comes across and she
creates these “portraits” to demonstrate
how art can unite people.
Bdoor has represented the Kingdom of
Saudi Arabia in many exhibitions and has
been widely appreciated, winning various
international awards. She is a founding
member of the Arabian Society of Fine
Arts, "JSVET".

People&Dates
Technique mixte, installation 100x100cm

TrondAreBerge
Norvègewww.trondareberge.photoshelter.com
TrondAreBergevitettravailleenNorvège,
son pays natal. La relation de l'artiste, en
tant que Norvégien, aux éléments naturels
que sont le bois, le feu et l'eau, forme et
construit les histoires et les compositions
de ses œuvres. La lumière est toujours
au centre de ses photographies. Ses
compositions déplacent les lignes et les
formes en des expressions qui obligent
le spectateur à faire une pause, pour
engager les sentiments d'émotions. Ces
expressions unissent la structure et la
couleur pour susciter l'introspection,
pour apprécier ceux qui ont appris à vivre
à ciel ouvert. Trond Are Berge réalise ce
que l’esprit espère voir, représentant
des paysages qui révèlent quelque chose
sur la nature que nous avons peut-être
oublié depuis longtemps - son enlacement
sans fin et sa connexion à l'âme. Les
teintes vierges pleines de béatitude et les
couleurs contrastées de chaque œuvre
évoquent des sentiments de première
création. Artiste autodidacte, Berge crée
à partir de son respect inébranlable de la
terre et de la vie; un sentiment palpable
de manière poignante dans ses oeuvres
qui incarnent sa déclaration "Mon atelier
c'est la nature". Ses photographies ont
largement paru dans plusieurs livres et
à la télévision norvégienne (NRK). Il a
exposé en Norvège et à New York.
Trond Are Berge lives and works in his
native Norway. The artist’s relationship,
as a Norwegian, to natural elements,
such as wood, fire and water, shapes and
constructsthenarrativesandcompositions
of his works. Light is always central to his
photographs. His compositions move line
and form into expressions that compel
the viewer to pause, to summon feelings
of emotions, uniting structure and colour
to elicit introspection, to appreciate those
who have learned to live under open
skies. Trond Are Berge achieves what the
mind hopes to see, depicting landscapes
that reveal something about nature that
we may have long forgotten - its endless
embrace and connection to the soul. The
beatific pristine hues and contrasting
colours in each work evoke feelings of
early creation.
A self-taught artist, Berge creates, out of
his unyielding respect for the land and life,
asentimentwhichisinpoignantlypalpable
in his works and which epitomizes his
statement that “my studio is nature".
His photographs have appeared widely in
books and on Norwegian television (Nrk).
He has exhibited in Norway and New York.

Life
Photographie sur toile 85x100cm

WilliamBraemer
Cuba|États-Uniswww.williambraemer.com
Le travail artistique de William Breamer
est le résultat d’une expérience de vie
et d’une personnalité extraordinaire qui
a faim d’aventures riches, capables de
structurer l’individu. L’art de William peut
être défini comme un expressionnisme
abstrait, particulièrement assaisonné de
couleurs vaillantes, de riches coups de
pinceauetdesujetsprovocateurs.Avecses
tableaux abstraits empreints des Caraïbes
et inspirés par son héritage cubain et ses
sculptures richement créatives, le travail
de William attire une grande quantité de
collectionneurs.
Quand il était jeune, William a étudié à
New York et a fait son apprentissage en
Europe pendant les années 80. C’est en
Italie, à Florence, qu’il a eu l’inspiration de
poursuivre sa passion pour l’art; il a alors
commencé le voyage de toute une vie,
imprégné d’un amour pour l’expression
personnelle.
Dans sa déclaration d’intention artistique,
William dit: “Ma passion intense et mon
amour extrême pour la vie sont la base
de ma créativité…. J’aime définir mon
style artistique comme abstrait par
nature mais combiné avec une qualité
expressionniste... Mon interprétation
d'un sujet se transforme dans des couleurs
riches, vibrantes, vives... intemporelles,
qui éveillent l'âme, à la fois inspirantes
et radieuses. Mon usage de la couleur
évoque plusieurs états d'âme; chaque
élément que je crée est un instant de ma
vie, qui donc réfléchit cette période de
mon existence: mon art ce sont mes yeux
qui regardent dans mon âme".
William Breamer’s artwork is the
result of an amazing life experience
and a personality that hungers for
rich, character-defining adventures.
William’s art can be defined as abstract
expressionism; notably accentuated
with valiant colors, rich strokes and
provocative themes. From the Caribbean
enhanced abstract paintings inspired by
his Cuban heritage, to the ornately crafted
sculptures, William’s artwork appeals to a
wide cross-section of collectors.
As a young man, William was educated
in New York and upon graduation,
apprenticed in Europe during the 1980’s.
It was while living in Florence, Italy that he
was inspired to pursue his passion for art;
thus beginning a life-long journey steeped
in a love for self-expression.
William says in his artistic statement,
“My intense passion and extreme love of
life is the foundation of my creativity…. I
like to define my artistic style as abstract
in nature coupled with an expressionist
quality…. My interpretation of a subject
matter is transformed into rich, vibrant
bold colors – timeless, awakening the
soul, uplifting and radiant. My use of color
evokes many moods; each piece I create is
a moment in my life and therefore reflects
that period of time – my art is my eyes
looking into my soul”.

Athena
Sculpture de pièces de monnaie 86x48x27cm

MaryBrilli
France|Italiewww.marybrilli.com
Etiam si omnes, ego non. Tel pourrait
être le "motto" de Mary Brilli, qu’avec sa
personnalité éclectique et polyédrique
elle exprime à travers une efflorescence
d'expressions artistiques et une vision
fondamentalement humaniste du monde.
Ainsi, Mary Brilli s'efforce de capturer le
monde avec un vrai regard panoptique
qu'elle retourne dans sa diversité
kaléidoscopique.
Seuls ceux qui connaissent Mary Brilli
peuvent vraiment comprendre sa forte
personnalité. En connaissant son monde,
son travail, ses amours, ses passions, on
peut analyser son comportement qui
est libre, critique, anticonformiste. En
réalité, ses œuvres reflètent sa grande
foi en l’imagination et en la satire et elle
désire que le spectateur réfléchisse sur
sa critique, sans idées préconçues, de ce
monde irrationnel et complexe.
Artiste éclectique, Mary Brilli mélange les
genres: peinture, sculpture, dessin, travail
sur soie et aussi collages peints, créations
pour Hermès-Paris, installations, pour
n'en citer que quelques-uns. Cet amour de
l’art s’exprime également par l’écriture:
poèmes et journalisme. Tels sont ses
champs de création, sans oublier ses
actions humanitaires: elle a été lauréate
du Trophée de la Réussite au Féminin
qu’elle a reçu à Paris au Ministère des
Affaires étrangères en décembre 2011.
Etiam si omnes, ego non. This could be
Mary Brilli’s motto, with her eclectic
and polyhedral personality, she conveys
through an efflorescence of artistic
expression and with a fundamentally
humanist vision of the world. Thus, Mary
Brilli strives to capture a real panoptic
gaze that she returns in its kaleidoscopic
diversity.
Only those who know Mary Brilli can really
understand her strong artistic personality
and by knowing her world, her work and
her loves and passions, can we see her
as a free, self-critical and unconventional
artist. In reality, her works reflect her
great faith in imagination and in satire
and she wants the viewer to reflect on
her criticism, without prejudice, of this
irrational and complex world.
Wide-ranging artist, Mary Brilli works in
many genres: painting, sculpture, drawing,
silk and painted collages, creations
for Hermès-Paris and installations, to
name just some. This love of art is also
expressed in writing through poetry
and journalism. This is her creative side,
but her humanitarian work must not be
forgotten either: indeed she received the
award, Trophée de la Réussite au Féminin,
from the Ministry of Foreign Affairs in
Paris in December 2011.

Idée n. 2 (Détail)
Technique mixte 80x120cm

Cordero
États-Uniswww.artistsofpalmbeachcounty.com/#!naomi-cordero/csh2
Naomi Cordero est née et a grandi à
Fairfield, Connecticut. Elle est sculptrice et
peintre de portraits depuis plus de trente
ans. Bien qu’essentiellement autodidacte,
cet artiste novatrice a perfectionné ses
compétences à l'Armory Art Center, sous
la direction des maîtres sculpteurs de
portraits Muriel Kaplan et Bert Deiner,
ancien président de la Art Students
League de New York, qui l’ont considérée
comme "naturellement douée". Naomi
a également affiné ses techniques de
peinture à l'Academy of Fine Art & Studio
à North Palm Beach.
Le style de Naomi n'est pas un choix
conscient. Elle exprime ce qu'elle sent,
avec une technique intuitive sans aucune
idéepréconçue dece quiapparaîtra.Ce qui
ressort de ce processus d’expression libre
sont des peintures comportant des visages
allongés avec de grands yeux expressifs
et un fort contraste entre valeurs claires
et foncées. L’huile et les techniques
mixtes sont ses médiums de prédilection.
Après de nombreuses couches libres et
expressives de peinture à l'huile, données
par des pinceaux et couteaux à palette, les
personnages de ses portraits se révèlent
à travers leurs expressions et leurs yeux
pleins d’émotions.
L'œuvre de Naomi a été montrée dans
différentes galeries d'art en Floride,
dont The Frankel Gallery, The Lighthouse
Gallery à Jupiter et The Phillips Fine Art
Gallery à Sanibel Island. Actuellement,
Naomi est une artiste résidente de Art on
Park, à Lake Park en Floride.
Naomi Cordero, was born and raised
in Fairfield, Connecticut. She has been
a contemporary portrait sculptor and
painter for over thirty years.
Though mostly self-taught, this innovative
artist honed her skills at the Armory Art
Center under the guidance of master
portrait sculptors, Muriel Kaplan and
Bert Deiner, former President of the Art
Students League in New York City, who
called her “naturally gifted”. Naomi also
refined her painting skills at the Academy
of Fine Art & Studio in North Palm Beach.
Naomi’s style is not a conscious choice.
She expresses what she feels, resulting
in an intuitive technique without any
preconceived notion of what will appear.
What comes out of this free-form process
are paintings featuring elongated faces
with large, expressive eyes and a strong
contrast between light and dark values.
Oil and mixed media are her mediums of
choice. After many layers of loose and
expressive brushstrokes of oil colours that
are swished and dabbed by paint brushes
and palette knives, the characters of her
portraits reveal themselves through their
facial expressions and emotive eyes.
Naomi’s work has been shown at various
art galleries in Florida including The
Frankel Gallery, The Lighthouse Gallery
in Jupiter and The Phillips Fine Art Gallery
in Sanibel Island. Currently, Naomi is a
resident artist at Art on Park in Lake Park,
Florida.

Reina Sofia
Huile sur toile 77x102cm

Dari
États-Uniswww.dariartist.com
Dari est née à Johannesburg en Afrique
du Sud en 1957 et a déménagé à Toronto,
Canada, en 2008 après avoir obtenu un
permis de travail sur la base de son talent
artistique extraordinaire. Dari a ensuite
reçu le prestigieux 0-1 visa pour travailler
aux Etats-Unis et a déménagé en Floride
en 2009.
Les principales sources d'inspiration de
Dari ont été Man Ray, son "ami dans
l'esprit" avec ses diverses idées de l’art
et son refus des paramètres étriqués, et
également Pissaro, Monet, Van Gogh et
Signac ainsi que Max Pechstein et Karl
Schmidt-Rottluff.
Ses œuvres se trouvent dans des
collections privées et dans des entreprises
à la fois locales et internationales. Ses
commandes incluent des œuvres pour
divers députés en Afrique. La peinture
de Dari du sanctuaire de Signal Hill est
exposée dans le Museum Bo Kaap à Cape
Town et la série de sculptures en bronze
de Dari “Woman evolve” sera exposée
en permanence au siège de l'UNESCO
à Paris. Elle a reçu de nombreux prix
et distinctions et a été choisie, parmi
beaucoup d'autres artistes, pour donner
lieu à un documentaire de la télévision
sur son travail. Elle a été interviewée à la
radio et divers magazines prestigieux ont
présenté son travail.
Dari was born in Johannesburg, South
Africa in 1957 and relocated to Toronto,
Canada in 2008 after being issued a work
permit based on special artistic talent.
Dari subsequently received the prestigious
0-1 visa to work in the USA and moved to
Florida in 2009.
Dari's main inspirations have been Man
Ray, her "friend in spirit", with his diverse
ideas of art and his non-acceptance of
narrow parameters, then Pissaro, Monet,
Van Gogh and Signac as well as Max
Pechstein and Karl Schmidt- Rottluff.
Her artworks are to be found in private
and corporate collections both locally
and internationally. Her commissions
include works for various members of
parliament in Africa. Dari's painting of the
Signal Hill shrine is housed in the Bo Kaap
Museum, Cape Town and Dari's "Woman
evolve" series of bronze sculptures will
be displayed permanently at UNESCO
headquarters in Paris. She has received
many awards and recognitions and was
chosen, above many other artists, to have
a television documentary done on her
work. She has been interviewed on radio
and various prestigious magazines have
showcased her work.

Horsepower

CatherineDaubresse
Francewww.catherinedaubresse.wordpress.com
Née en 1947 à Paris, Catherine Daubresse
est diplômée du Lycée de Sèvres dans
le domaine des arts graphiques. Elle a
enseigné comme professeur certifiée dans
l’Education Nationale, mais sa première
exposition d’aquarelles remonte à 1980 à
la galerie de La Régence à Paris.
Depuis quelques années, elle expose ses
œuvres (huiles, pastels et aquarelles)
dans des salons et expositions en France
et au Maroc, avec des sujets qui vont des
marchés ruraux à des portraits intimistes.
De plus en plus appréciée pour ses huiles
aux couleurs chaleureuses, elle s’engage
dans des compositions au-delà du réel,
intégrant l’acrylique et l’huile dans
l'abstrait.
Ses récents voyages autour du monde
lui ont permis d’exprimer toute sa
sensibilité sur des toiles représentant des
scènes de la vie quotidienne, comme par
exemple dans sa série de peintures sur
son voyage au Tibet, Les Tibétains. Dans
ses portraits du monde au quotidien, la
combinaison de ses qualités picturales et
de sa connaissance artistique des Cubistes
et des Naïfs conduit à une représentation
fascinante et très juste de l'humanité. En
2014, Catherine a participé au Chianti Star
Festival où elle a remporté le troisième
prix avec La Salute et San Gimignano qui
disent son intérêt pour l'architecture et sa
capacité à la rendre joliment vivante.
Born in 1947 in Paris, Catherine Daubresse
graduated from the Lycée de Sèvres in the
field of graphic arts. She initially taught as
a certified teacher in the public education
system but turned to first exhibit a
collection of her watercolours in 1980 at
the prestigious Regency Gallery in Paris.
In more recent years, she has exhibited
her works (oils, pastels and watercolors)
at a number of fairs and exhibitions
throughout France and Morocco and
the subject matters range from rural
markets to intimate portraits. Increasingly
important for her oil paintings with their
warm colours, she sometimes combines
the use of both acrylics and oils to create
compositions that move beyond reality
into the abstract. Her recent world
travels have given her the opportunity to
express her sensitivity on canvas where
she depicts scenes from everyday life,
for example in the series from her trip to
Tibet, Les Tibetans. Here, the combination
of pictorial ability to portray the local
people and her artistic knowledge looking
back to the Cubist and Naïve schools
of art, lead to a fascinating and skilled
depiction of humanity. In 2014, Catherine
participated in the Chianti Star Festival,
where she won third prize, with La Salute
and San Gimignano which record her
interest in architecture and bring it alive
with dexterity and aptitude.

Impression andalouse
Acrylique et huile sur toile 81x116cm

Anne-MarieDjurfors
Suèdewww.anne-mariedjurfors.se
Anne-Marie Djurfors vit et travaille à
Stockholm en Suède. Le fondement de
l'œuvre de Anne Marie Djurfors est la
pensée constructiviste - un dialogue entre
les formes changeantes qui se déplacent
dans leur connexion et l’unité qui fournit
le rythme dynamique du tableau. Elle tra-
vaille avec des contrepoints, juxtaposant
l'architecture avec l'organique, créant un
éternel dialogue entre les formes. Le corps
devient géométrie ou vice versa dans un
environnement constamment changeant
et mobile. Djurfors travaille à l'huile, à
l’aquarelle et avec des collages. Certaines
de ses peintures sont réalisées sur
aluminium, laissant des éclats d'argent
qui brillent au travers.
Sa prolifique production a donné lieu à un
vaste ensemble d'œuvres. Le travail de
Anne-Marie Djurfors a été présenté à la
fois dans des expositions personnelles et
collectives, dans des musées, institutions
et galeries dans toute la Suède. Elle a
également exposé à New York, États-Unis
ainsi qu’à Budapest, Hongrie, Florence,
Italie, Berlin, Allemagne et Toronto,
Canada.
Anne-Marie Djurfors lives and works in
Stockholm, Sweden. The underpinning to
Anne Marie Djurfors' work is constructivist
thinking: a dialogue between forms
changing and shifting in their connection
andunity,thatgivesdynamicrhythmtothe
painting. She works with counterpoints,
juxtaposing the architectural with the
organic, providing the eternal dialogue
between forms. Body becomes geometry
or vice-versa in a constant changeable and
moving environment. Djurfors works in
oil, watercolors and collage. Some of her
paintings are done on aluminum, letting
slivers of silver shine through.
Her prolific production has resulted in an
extensive collection of works. Anne-Marie
Djurfors' work has been exhibited, both
as solo and co-exhibitions, at museums,
institutions and at galleries alike across
Sweden.
She has also exhibited in New York, USA as
well as Budapest, Hungary, Florence, Italy,
Berlin, Germany and Toronto, Canada.

Red Passage

GillianGallandatHuet
Pays-Baswww.gillhuet.nl
Gillian Gallandat Huet (1957) a grandi
dans une famille créative d'origines
très diverses: française, écossaise,
australienne et russe.
Compte tenu de son expérience, elle sait
que son orientation internationale et son
intérêt pour d'autres cultures ont toujours
contribué à son évolution personnelle.
Avec son histoire multiculturelle, la
fascination de Gillian pour la nature lui
vient de sa mère australienne élevée en
milieu rural, qui lui a appris l'amour de
l'humanité et le langage des animaux.
Son style naturaliste et réaliste a une
âme et c'est à travers son art que Gillian
s'efforce de rétablir la connexion entre les
êtres humains et la nature. "Mes œuvres
symbolisent la nature et aident à rétablir
le contact avec nos racines. La nature a une
énergie "soignante"etcomme nousvivons
dans une ère numérique très exigeante,
nos vies peuvent vraiment bénéficier de
contacts accrus avec la nature. De cette
façon, nous pouvons sentir nos propres
racines et rejoindre le cosmos".
Gillian Gallandat Huet (1957) grew up in
a creative family with very diverse roots:
French, Scottish, Australian and Russian.
Given her background, she feels her
international orientation and interest in
other cultures have always helped her
personal development. Together with her
multicultural history, Gillian’s fascination
with nature comes from her rurally-raised
Australian mother who taught her the love
of humanity and the language of animals.
Her naturalistic and realistic style carries a
soul and it is through her art, that Gillian
strives to re-establish the connection
between human beings and nature.
“My works of art symbolise nature and
help to restore contact with our roots.
Nature has a healing energy and as we live
in a very demanding digital era, we can
benefit from having more contact with
nature in our lives. In this way, we can
feel our own roots and reach out to the
cosmos”.

My breakthrough
Bronze 41x50x16cm

Gesager
Norvègewww.gesager.com
John Gesager Nielsen est né à Silkeborg
au Danemark et il vit en Norvège depuis
1956. Il est un moderniste, non seulement
dans son expression artistique sculpturale,
mais aussi dans le choix de ses matériaux,
comme l'acier inoxydable et le plexiglass.
Grâce à ces matériaux, et souvent en
combinant les deux, il crée des sculptures
dans un style artistique contemporain et
souvent abstrait. Le sculpteur exprime
l'esprit de son temps. Un examen plus
approfondi révèle cependant des traces
de figuratif et une influence évidente des
traditions et des mythes.
La plupart de ses inspirations sont tirées
de paysages norvégiens; en particulier les
montagnes et les puissants glaciers. Dans
ses explorations d’un tel environnement
théâtral, il a découvert l'abstraction même
de la nature et les formes sculpturales
créées par l'influence perpétuelle des
éléments.
Les sculptures de Jean Gesager Nielsen ont
un succès international et elles ont reçu
le premier prix dans plusieurs concours
d'art.
John Gesager Nielsen was born in
Silkeborg, Denmark and has lived in
Norway since 1956. He is a modernist, not
only in his artistic, sculptural expression
but also in his choice of materials, such
as stainless steel and plexiglass. Through
these materials, and often combining
the two, he creates sculptures in a
contemporary and often abstract artistic
style. The sculptor is expressing the spirit
of his age. A closer scrutiny does however,
reveal traces of the figurative and an
obvious influence from traditions and
myths.
Most of his inspirations are drawn from
Norwegian landscapes; in particular the
mountains and the powerful glaciers.
By wandering through such dramatic
surroundings he has discovered the very
abstraction of nature and the sculptural
shapes created by the perpetual influence
of the elements.
John Gesager Nielsen's sculptures have
been internationally appreciated and his
art has been awarded first prize in several
art competitions.

Red sun
Acier et plexiglass 30x70cm

KayGriffith
États-Uniswww.griffithfineartgallery.com
Artiste abstraite, Kay Griffith est née et
a grandi au Texas, Etats-Unis. Son travail
abstrait produit des réactions viscérales
chez ses spectateurs, inexplicables par
des mots. Elle peint naturellement,
diffusant sa passion et son énergie
dans chacun de ses tableaux. L’effet de
matière et les couleurs se mélangent,
parfois simplement, parfois avec une
sophistication complexe; mais toujours
pour laisser la place à l'interprétation
et à la contemplation des observateurs.
Griffith est une artiste professionnelle
depuis plus de dix-huit ans. Dans sa
déclaration d’intention artistique elle
dit: «Je suis née pour être un peintre
abstrait. Pour moi, la question a toujours
été celle de la convergence des couleurs,
des rythmes, et les jeux de lumière et
d'ombre. Bien que je puisse exécuter des
peintures à l'huile traditionnelles, mon
cœur est dans le travail abstrait. Tout ce
que je dois faire pour être inspirée est
de marcher à l'extérieur et de passer du
temps à expérimenter la convergence que
je viens de décrire. Je trouve que cette
convergence se reflète davantage quand
je peins d’instinct, du premier jet, avec
un couteau à palette. Je suis passionnée
par la peinture abstraite et je ne peux pas
imaginer la vie sans elle."
Kay a exposé ses œuvres dans divers
endroits aux Etats-Unis, au Canada et à
Paris, France.
Abstract artist Kay Griffith is from the USA,
born and raised in Texas. Her abstract
work engenders visceral responses in
viewers, unexplained by words. She paints
naturally, exuding passion and energy in
every painting. The impasto and colors
become integrated, sometimes simply,
other times with a complex sophistication;
but always making way for interpretation
and contemplation by viewers. Griffith has
been a professional artist for more than
eighteen years. In her artist statement
she says “I was born to be an abstract
artist. For me, it has always been about
the convergence of color, rhythms and the
play of light and shadow. Although I can
execute traditional oil paintings, my heart
lies in abstract work. All I have to do to be
inspired is walk outside and spend time
experiencing the convergence that I have
described. I find that this convergence is
more accurately reflected when I paint
wet-into-wet, using a palette knife. I am
passionate about painting abstracts and
cannot imagine life without painting
them."
Kay has exhibited her work in various
locations in the USA, Canada and in Paris,
France.

Break of day

DavidHarry
États-Uniswww.davidharryfineart.com
Ce passionnant artiste américain, David
Harry, a grandi dans une maison au doux
parfum de térébenthine, où les étagères
étaient pleines de livres d'art et les murs
couverts de tableaux. Sa grand-mère
était une peintre très connue: Beulah S.
Bowers. Même si David a commencé à
peindre sérieusement vers 25 ans et si son
éducation artistique a donc été subjective,
plusieurs styles ont marqué toute sa
carrière artistique, du néo-expressionisme
au projet postmoderniste appelé peinture
Anti-Action, jusqu’à ses œuvres actuelles
qui consistent en des tableaux abstraits
relativement grands.
David dit “les beaux-arts sont une forme
d'expression qui travaille comme une
métaphore visuelle pour une expérience
commune. Mon dernier travail relève
d'un procédé pas très différent d'une
composition de jazz, une action initiée
par-dessus une structure familière.
Les tableaux correspondent aussi au
lieu dans lequel ils sont conçus. Mon
déménagement en Floride a intensifié
ma représentation de la lumière et a
renforcé l'importance de la couleur
dans mes tableaux. Leurs variations
profitent de la nature périphérique de
leurs compositions. Chaque tableau est
autorisé à se sentir chez lui”.
David a exposé en solo à Paris et à New
York City, ainsi qu’à Hambourg, Potsdam
et Freiberg en Allemagne et il expose
régulièrement danslesArtFusionGalleries
de Miami.
This exciting American artist, David Harry,
grew up in a household with the sweet
smell of turpentine, where the shelves
were stocked with art books and the
walls were covered with paintings. His
grandmother was the well-known painter
Beulah S. Bowers. Even though David
started seriously painting around the age
of twenty-five and his art education was
therefore subjective, various styles have
marked his full artistic career from early
neo-expressionism to a post-modernist
project called Anti-Action painting, to
his current body of work that consists of
relatively large-scale abstract paintings.
In his artistic statement, David states
that “fine art is a form of expression that
works as a visual metaphor for a shared
experience. My latest work is about a
process not unlike jazz composition,
action initiated over a familiar structure.
The paintings also respond to place. My
move to Florida has resulted in a greater
emphasis on the depiction of light, and
heightened the importance of color in
my painting. Their scale takes advantage
of the peripheral nature of composition.
Each painting is allowed to feel its own
way”.
David has had solo shows in Paris and New
York City, as well as Hamburg, Potsdam
and Freiberg in Germany and regularly
exhibits at the Art Fusion Galleries in
Miami.

August
Acrylique sur toile 120x150cm

EvelyneHuet
Francewww.evelynehuet.com
Evelyne Huet est née à Paris, où elle vit et
travaille. Mathématicienne de formation,
elle a également étudié l’anthropologie
et sa peinture est fortement imprégnée
des cultures et des arts des sociétés
dites primitives, ainsi que des œuvres de
Marlene Dumas, Jean-Michel Basquiat
et Bernard Buffet, notamment. Pendant
de nombreuses années, elle a peint sur
des toiles traditionnelles le courage des
femmes et des petites filles face aux
situations de violences qu'elles sont
très nombreuses à subir partout dans le
monde. Récemment, Evelyne est passée à
lapeinturedigitaleetàd'autresthèmesqui
la passionnent depuis longtemps, comme
les mythes, les religions et l'histoire des
peurs collectives, dont celles de la mort
et de la folie en Occident depuis le Moyen
Age. Sur la toile comme sur les supports
digitaux, elle s'efforce de simplifier ses
représentations à l'extrême et à peindre
l'émotion en évitant le pathos. La critique
d’art Caroline Canault écrit à son propos:
"Sesportraits,icônesnumériquesréalisées
sur iPad pourraient être l’héritage du
Pop Art et de l’Art Primitif à la fois. Ils
témoignent d’un inconscient collectif, une
réserve de drames réels ou fictionnels qui
parlent à tous et appartiennent de ce fait
à tout le monde.”
Membre du groupe d’artistes internatio-
naux OpenArtCode, ses peintures sont
régulièrement présentées dans des
expositions personnelles et collectives
en France et à l’étranger (Italie, Espagne,
Israël, Chine et États-Unis). Elle est aussi
l’une des artistes de la Galerie Teodora à
Paris.
Evelyne Huet was born in Paris, where
she lives and works. A mathematician by
training, she also studied anthropology
and her painting is strongly influenced
by the cultures and arts of societies
seen as primitive, as well as by artists
such as Marlene Dumas, Jean-Michel
Basquiat and Bernard Buffet. For many
years, she depicted the courage that
women and young girls display in the
face of violent situations around the
world that many of them are confronted
with, on traditional canvases. Recently
Evelyne has made the transition to
digital painting and to conveying other
themes she has been passionate about
for some time including myths, religions
and the history of collective fears, such
as death and insanity in the West since
the Middle Ages. On canvas, as on digital
supports, she endeavours to simplify her
representations to the extreme and to
paint emotion, whilst avoiding pathos.
The art critic Caroline Canault writes
about her: "Her portraits, digital icons
made on iPad, could be the inheritance
of both Pop Art and Primitive Art. They
testify to a collective unconsciousness,
a reserve of real or fictional dramas that
speak to everyone and therefore belong
to everybody."
A member of the OpenArtCode group of
international artists, her paintings are
regularly displayed in solo and group
shows in France and abroad (Italy, Spain,
Israel, China and USA). She is also one
of the in-house artists at the influential
Galerie Teodora in Paris.

Abla Pokou, Reine des Baoulé
Peinture digitale impression Diasec 84x116cm

SumioInoue
Japonwww.sumioinoue.com
Sumio Inoue est né en 1948 à Tokyo,
au Japon. Il a étudié les techniques
de la photographie à l’Académie du
Design de Tokyo de 1968 à 1970 puis
au Centre du Design du Japon de 1970
à 1974. Il a commencé sa carrière dans
la photographie commerciale, avant de
passer à la photographie artistique en
1990. Sumio vit et travaille à Tokyo mais
passe une partie de l’année à New York.
Ces dernières années, il a soigneusement
développé une série appelée Silenzioso:
images imprimées sur du papier de riz
fait-main, un procédé qui prend plusieurs
mois. Intérieurs d’églises, monuments
importants, villes et paysages urbains sont
imprimés avec une infinité de nuances et
d’ombres monochromes très intenses.
Sumio donne à voir quelque chose là
où il n’y a rien à voir, en dévoilant et en
évoquant des espaces inconnus avec
un pathos antique destiné à stimuler
l'imagination du spectateur. Il a présenté
ses œuvres au Japon, États-Unis, France,
Italie, Espagne, Royaume-Uni, en Grèce
et au Mexique. Il est membre du groupe
OpenArtCode depuis sa création en
2008 et il a participé aux WorldArtVision
Cancun et Barcelona et au WAV Party
Madrid en 2012 et 2014. En 2007, Sumio
a gagné le premier prix de la photographie
à la Biennale de Florence et il a remporté
le Prix du Jury au GemlucArt à Monaco en
2009.
Sumio Inoue was born in 1948 in Tokyo,
Japan.Hestudiedphotographictechniques
at Tokyo Design Academy from 1968 to
1970 and at the Japan Design Center from
1970 to 1974. He began his career working
in commercial photography and in 1990
moved over to artistic photography.
He lives and works between New York
and Tokyo. The artist has spent the past
years carefully developing a series called
Silenzioso: images printed on handmade
rice paper, a process that takes several
months. Church interiors, important
monuments, town and cityscapes are
printed with intensified focus and in
infinitely monochromatic shades and
shadows. Sumio reveals something where
nothing can be seen and uncovers and
evokes unknown spaces with an antique
pathos so as to provoke the viewer’s
imagination.
He has had successful solo and collective
exhibitions worldwide, including in
Japan, US, France, Italy, Spain, UK,
Greece and Mexico. He is a member
of the OpenArtCode group since the
outset in 2008 and also participated in
WorldArtVision Cancun and Barcelona
and in WAV Party Madrid 2012 and 2014.
In 2007, Sumio won the first prize for
Photography at the Florence Biennale
and won the Prix du Jury at GemlucArt,
Monaco 2009.

Silenzioso #82
Photographie imprimée sur papier de riz fait à la main par l’artiste 65x79cm

EllenJuell
Norvègewww.ellen.juell.dinstudio.no
Les peintures acryliques impressionnistes
d'Ellen Juell capturent une expression
coloréedelacapacitédecuriositéhumaine
et notre recherche de l'harmonie et de la
plénitude. Juell est inspirée par la figure
humaine et les expressions faciales. Elle
se concentre sur ces détails particuliers,
convaincue que l'art est une entreprise de
communication, de forme verbale ou non-
verbale. Son utilisation de couleurs vives,
dynamiques et complémentaires donne
à ses œuvres une "fraîcheur" certaine et
l’aide à transmettre son sentiment que
l'art doit être un vecteur d’optimisme et
d’inspiration pour les autres. Ses coups
de pinceau rapides, agiles, donnent au
travail de Juell une forte impression
de mouvement et ses compositions
travaillées plongent le spectateur dans
une relation très intime avec ses images.
Tous ces éléments confortent Juell dans
le sentiment que l'art peut exprimer plus
que ce qui est visible et peut communiquer
une confiance dans la vie à travers diverses
formes de l'expression humaine.
Ellen a eu de nombreuses expositions
personnelles en Norvège, à Oslo et elle
a participé à de nombreuses expositions
d'art internationales partout dans le
monde. Actuellement elle vit et travaille à
Oslo, en Norvège.
Ellen Juell's impressionistic acrylic paint-
ings capture a colourful expression of
the human capacity for curiosity and our
search for harmony and fulfillment.
Juell is inspired by the human figure
and facial expressions. Her focus on
these particular details parallels her
belief, and the ideas surrounding it,
that art is a communicative endeavor
whether it is a form of verbal or non-
verbal communication. Juell's use of
bold, vibrant and complementary colours
give her works a "freshness" and help to
communicate her feeling that art should
be used as a vehicle to spread optimism
and inspire others. Working with quick,
rapid brushstrokes gives Juell's work
a strong sense of movement and her
cropped compositions bring the viewer
into a more intimate relationship with her
images. All of these elements facilitate
Juell's view that art can express more
than what is visible and can communicate
a buoyancy of life through various forms
of human expression.
Ellen has exhibited in many solo and group
shows in Oslo, Norway and worldwide;
she currently lives and works in Oslo.

The team feeling

JianJunAn
Canada www.jianjunan.com
Jian Jun An est né en 1966 dans la province
de Gan Su en Chine; il a immigré au
Canada en 2005 où il vit actuellement. La
pierre angulaire de son art repose à la fois
sur l'Expressionnisme et sur le Réalisme.
Il s’intéresse aux créatures vivantes et à
la vie humaine et utilise la société et la
nature objective comme sources de sa
création pour exprimer l'humanité. Dans
sa déclaration d'intention artistique,
il dit: “Dans mes œuvres, les lignes
courbes, de gros blocs de couleur et la
forme de souvenirs oubliés sont comme
le lieu de ma vie: flou, complexe et
confus, constamment en recherche
et expérimentant la simplicité dans la
complexité, revitalisant les souvenirs,
l'image pleine de tension, les couleurs qui
se doivent d’être pleines de vitalité. Ce
qui fait un "vraiment grand" designer est
la solidité de l’ancrage de son patrimoine
culturel. Les caractéristiques régionales
de l'Occident et de l'Orient sont intégrées
pour la conception de l'œuvre d'art
architecturale qui se doit d’être en
harmonie avec l'environnement local. Le
design vient de la nature, retourne à la
nature, et va au-delà de la nature.”
Jian Jun An a beaucoup exposé au Canada
dans sa quête de fusion des esthétiques
orientale et occidentale.
Jian Jun An was born in 1966 in Gan Su
Province, China and immigrated to Canada
in 2005 where he currently lives.
The cornerstone of his art is based both
in Expressionism and Realism. He pays
attention to living creatures and human
life and uses the society and the objective
nature as the wellspring of creation to
express humanity. In his artist statement
he says: "In my works, the curved lines,
large blocks of color, and the form of
forgotten memories are just like the locus
of my life: blurred, complex and confused,
constantly searching and experiencing
simplicity in complexity, revitalizing
memories, the image to be full of tension,
the colors to be full of vibrancy. What
makes a truly great designer is his solid
foundation of cultural heritage. Western
and Eastern regional characteristics
are integrated for the design of the
architectural artwork that is in accordance
with local environment. The design comes
from nature, returns to nature, and goes
beyond nature."
Jian Jun An has exhibited extensively in
Canada in his quest to fuse Eastern and
Western aesthetics.

Cuba impression 3

RiekoKarrer
Japonwww.rieko.ch
Le bouddhisme et la méditation occupent
une place très importante dans la vie de
Rieko Karrer qui est d'origine japonaise
et vit à Sion en Suisse. "Je tiens à sentir
l'air qui passe à travers l'espace dans
mon œuvre et diffuse une lumière et une
énergie calmes. En utilisant des matériaux
traditionnels japonais, j'essaie de créer
une atmosphère raffinée avec des traits
concis, respirant une luminosité naturelle
afin de réveiller nos pensées...." Lorsque
l'artiste crée ses œuvres, elle entre dans
un état particulier, se plonge dans son
univers et s'efforce d'atteindre l'état de
plénitude. L’œuvre de cette artiste est
sans ornement, il présente la simplicité et
l'authenticité et elle utilise des symboles
d'une manière économique, des lignes
et des cercles avec la calligraphie et le
dessin automatique. Les peintures de
Rieko Karrer apportent l'équilibre à notre
environnement, comme la musique,
comme une flûte qui emplit l'air, mais en
même temps donne le calme.
Depuis 1989, Rieko a exposé dans de
nombreuses expositions personnelles et
collectives en Suisse ainsi qu’en Grèce et
à Toledo, Tel-Aviv, Belgrade, Londres et
New York.
Buddhism and meditation occupy a very
important place in the life of Rieko Karrer
who is of Japanese origin and lives in Sion
in Switzerland. "I wish to feel the air that
goes through the space in my work and
gives out a light and calm energy. In using
traditional Japanese materials, I try to
create a refined atmosphere with concise
strokes, breathing in a natural luminosity
in order to awake our thoughts…." When
the artist creates her works she enters in
a particular state, immersing herself in her
universe and she strives to attain the state
of plenitude.
Theworkofthisartistiswithoutornament,
it presents simplicity and authenticity
and with an economic manner she uses
symbols, lines and circles together with
calligraphy and automatic drawing. The
paintings of Rieko Karrer bring balance
to our surroundings, like music such as a
flute that fills the air but at the same time
produces a calmness.
From 1989, Rieko has exhibited in many
solo and group exhibitions in Switzerland
as well as in Greece, Toledo, Tel Aviv,
Belgrade, London and New York.

Perception
Techniques mixtes 53x53cm

MarleneKohn
États-Unis La fascination de Marlene pour la texture
l’a conduite à explorer une gamme sans fin
dematières,depuislatoileetlefiljusqu’au
bois et au métal; et à expérimenter
de nouveaux matériaux comme des
brindilles, des clous et même du papier
de couverture. Elle aime le challenge
consistant à utiliser des matériaux
originellement destinés à d’autres usages.
Son travail artistique concerne les formes,
les lignes, les dessins, les mouvements,
les fleurs et les motifs qui dérivent des
textiles et de la nature. Une ligne ou une
forme subtile peut déterminer la direction
que va prendre son œuvre. Même si
au départ elle fait un croquis, cela peut
parfois complètement changer au fur et
à mesure de son travail. Beaucoup de ses
toiles sont conçues de manière modulaire,
commençant par de petits carrés qui
peuvent ensuite s’étendre et se combiner
avec d’autres, ou rester tels quels. Dans sa
déclaration d’intention artistique elle dit:
"Mon but est d’embarquer le spectateur
dans un voyage particulier à chaque
fois qu’il regarde mon travail. Si chaque
personne repart avec une expérience et
une impression singulières après avoir
vu mon œuvre, alors ma mission est
accomplie".
Marlene est une artiste professionnelle et
un professeur d’art à Miami depuis plus
de 25 ans. Ses œuvres se trouvent dans
de nombreuses collections privées et elles
ont été exposées partout dans le sud de
la Floride.
Marlene’s fascination with texture has
led her to explore an endless range of
surfaces from canvas and thread to wood
and metal and to experiment with found
materials such as twigs, nails and even
roofing paper. She enjoys the challenge
of using materials originally meant for
something else.
Her artwork involves shapes, lines, pat-
terns, movements, flowers and motifs
that derive from influences such as
textiles and nature. A subtle line or
shape can determine the direction a
piece will take. Even if she has a sketch,
once she starts working, it often changes
completely. Many of her canvases are
created in a modular fashion, beginning
with small squares that may be expanded
or combined with others, or stand on their
own.
In her artistic statement, Marlene says
“my goal is to take the viewer on a special
journey every time they look at my art.
If each person walks away with a unique
impression and experience from viewing
my work, then my mission has been
accomplished."
Marlene Kohn has been a professional
artist and art educator in Miami for over
25 years. Her work is in many private
collections and has been showcased
throughout South Florida.

Metal Weaving
Alluminium 114x114cm

KostasKorovilas
Grècefacebook:KostasKorovilasStudioofTheArts
Kostas Korovilas est né à Kalamata en
Grèce et il a été élevé et éduqué en
Angleterre. Il a étudié la peinture au West
of England College of Art, le design et le
costume de théâtre à la Bristol Old Vic
Theatre School de Bristol et la philosophie
à l'University College de Londres. Il a
travaillé comme décorateur de théâtre
dans des théâtres en Grande Bretagne,
obtenant d'excellentes critiques de la part
des journaux nationaux.
Ses principales inspirations dans la
peinture viennent de mondes de "l’au-
delà": les mondes visibles ou invisibles,
détectés par nos sens physiques, ou
atteints par l'esprit et l'imagination.
L’espace allume son imagination, mais
ses peintures comprennent la musique et
la poésie, exprimées dans des couleurs et
des formes. Comme un compositeur de
musique, il compose des sons mélodiques,
des couleurs et des formes. Ses peintures
sont souvent des allégories poétiques qui
délivrent un message au spectateur. L'art
en général, et la peinture en particulier,
sont un véhicule qui transporte le créateur
dans des univers inconnus, des territoires
inexplorés du cosmos, invisibles à l'œil et
à l'esprit ordinaires.
Il vit aujourd'hui à Athènes et se consacre
essentiellement à la peinture et la poésie.
Kostas a participé à des manifestations
artistiques internationales telles que la
London Biennale 2013, Art Monaco 2014,
"The Spirit of Art returns to Vienna" 2014,
et bien d'autres. Il a également participé
à l'exposition d'art la Galerie Nationale
d'Athènes et a connu un grand succès
avec son exposition personnelle à l'Art
Kolonaki Gallery d’Athènes en juin 2014.
Kostas Korovilas was born in Kalamata
Greece and brought up and educated in
England. He studied painting at the West
of England College of Art, theatre design
& costume at the Old Vic Theatre School
in Bristol and philosophy at University
College London. He has since worked
as a theatre designer in British theatres
receiving excellent reviews from national
newspapers.
His main inspirations in painting come
from other worlds: visible or invisible
worlds, sensed by his physical senses, or
reached by the mind and imagination.
Space kindles his imagination, but his
paintings comprise music and poetry
expressed in colours and shapes. Like
a music composer, he creates melodic
sounds, colours and shapes. His paintings
are often poetic allegories delivering a
message to the spectator. Art in general,
and especially painting, is a vehicle that
carries the creator into unknown worlds,
unfolding areas of the cosmos, unseen by
the ordinary eye and mind.
He now lives in Athens and has dedicated
himself mainly to painting and poetry.
Kostas has participated in international art
events such as London Biennale 2013, Art
Monaco 2014, "The Spirit of Art returns
to Vienna" 2014 and many others. He
has also participated in an art exhibition
at the Athens National Gallery and had a
successful solo exhibition at Art Kolonaki
Gallery Athens in June 2014.

Red wine sparkles in the sunlight

AlexanderLee
Australiewww.alexanderlee.artspan.com
Alexander Lee est né dans le nord-ouest
de l'Angleterre, mais il a grandi sur la côte
ouest de l'Australie. Alexander a étudié la
peinture et le dessin à la Claremont School
of Fine Art de Perth. En 2001, Alexander
a déménagé à Stockholm en Suède. Il
a ensuite passé beaucoup de temps à
voyager à travers l'Europe, et c'est en
2008 qu'il a décidé de devenir un artiste à
plein temps et un illustrateur. Les œuvres
d'Alexandre vont du dessin au crayon à
l'acrylique sur toile, avec des premières
œuvres qui se concentrent principalement
sur l'océan et les vignobles de par sa
vie en Australie, puis un travail qui se
déplace vers un dessin et une peinture à
la fois très détaillés et très réalistes et qui
expérimente aussi l'abstrait. Alexander
a également eu une période de peinture
de portraits, suite au succès d’œuvres de
commande.
Depuis 2013, Alexander réside à Salzbourg
en Autriche, mais il passe encore de
longues périodes à travailler dans son
atelieràStockholm.Lesplusrécentssuccès
d'Alexander ont été deux prix qu’il a reçus
pour ses œuvres sur papier à la Biennale
de Chianciano 2013 en Toscane, Italie.
Cette année 2014, Alexander a également
exposé à Londres, Vienne, Anvers, en
Toscane et à Lisbonne, et il participera en
2015 à la Biennale de Londres et en 2016 à
celle de New York.
Alexander Lee was born in the north-west
of England but grew up on the west coast
of Australia. Alexander studied painting
and drawing at the Claremont School
of Fine Art in Perth. In 2001, Alexander
moved to Stockholm in Sweden, spending
much of his time travelling around Europe
and it was in 2008, that he decided to
become a full-time artist and illustrator.
Alexander’s works range from pencil
drawings to acrylics on canvas, with his
early works focusing mainly on the ocean
and vineyards from living in Australia,
to move onto very detailed and realistic
drawing and paintings and also to
experiment with the abstract. Alexander
has also had a period of portrait painting
as a result of a successful period of
commissioned assignments.
Since 2013, Alexander has been residing
in Salzburg, Austria, but still spends long
periods of time working in his studio
in Stockholm. Alexander’s most recent
achievement was to win two awards for
his works on paper at the Chianciano
Biennale 2013 in Tuscany, Italy. This year
2014, Alexander has also exhibited in
London, Vienna, Antwerp, Tuscany and
Lisbon and in 2015 will participate in the
London Biennale and in 2016, in New York.

Carlotta’s Wave

CharlotteLisboa
Brésilwww.charlottelisboafineart.com
Charlotte Lisboa est née à Salvador de
Bahia au Brésil. Après son diplôme de
l'Université de Miami, elle a continué
ses études académiques au Romero
Hidalgo Artists' Studio, où les qualités de
son dessin se sont affinées, devenant un
composant essentiel de son éducation
artistique. Ses influences vont de Monet
et Renoir à Rembrandt, Sorolla, Sargeant
et Klimt, ainsi qu’aux œuvres abstraites
de Rothko. Charlotte se dit conduite à
peindre des sujets avec des émotions et
de l'atmosphère.
elle dit de son travail "Si quelqu’un
me demande d'expliquer mon art en
quelque mots, je dis: L'humanité avec des
coups d'une atmosphère éthérée. Mes
dessins académiques ont été un point
de départ pour chercher une perception
ou un état d'âme qui explore l’émotion
via les expressions, les textures et les
mouvements du sujet qui est là…. Mes
dessins, techniques mixtes et peintures
à l'huile luttent pour exprimer la vie
d’une manière authentique, en séparant
les sujets du contexte de leur existence
et en les amenant à un autre niveau
de conscience. Je perçois mes œuvres
comme réalistes, avec une touche
d'impressionnisme et d'abstraction.
Le spectateur percevra une évolution
continue d'idées, qui sont revigorées par
la création de chaque nouvelle œuvre”.
Charlotte Lisboa was born in Salvador de
Bahia, Brazil. Following her graduation
from the University of Miami, she
continued her academic studies at the
Romero Hidalgo Artists' Studio where
her drawing skills became more refined
as a crucial component of her artistic
education. Her influences range from
Monet and Renoir to Rembrandt, Sorolla,
Sargeant and Klimt, as well as Rothko's
abstract works. Charlotte is compelled
to paint figures with emotion and
atmosphere.
In her artistic statement she says of her
work “If I am asked to explain my work,
in a few words I would say: humanity with
strokes of an ethereal atmosphere. My
academic figure drawing was taken as a
pointofdeparturetoseekadistinctfeeling
or mood that explores emotion with
expressions, textures and movements
from the subject at hand….My drawings,
mixed medias and oil paintings strive to
express life in a genuine way by taking
the subjects out of context in which they
exist, into another level of awareness.
I perceive my work as realistic with
touches of impressionism and abstraction.
The viewer will perceive a continuous
evolution of ideas which are refreshed in
the creation of every new piece”.

GiovannaLysy
Italiewww.giovannalysy.com
Pour Giovanna Lysy, son pays natal de La
Foce en Toscane, au cœur du Val d'Orcia,
est d'une importance fondamentale:
parce que la beauté naturelle n'y a pas été
gâtée par l'homme et parce que le temps
y semble suspendu.
La vocation de Giovanna se concentre sur
la création de sculptures uniques, chacune
représentant une interprétation originale
dujeuentrelalumièreetlamatière.Lesoin
qu'elle prend dans le choix des matériaux
- tels que le fer ou travertin provenant des
carrières locales – en les expérimentant et
en les combinant, et sa foi dans le simple
travail manuel se combinent avec une
telle innocence qu'un champ poétique
se crée, donnant vie à un travail tout à la
fois nouveau et fondamental. En effet, la
nature est un élément commun qui associe
ces éléments assemblés et la lumière,
essentielle et vitale pour chaque œuvre et
qui devient l'élément variable d’un point
de vue sans cesse changeant dans un
monde globalisé. Même si la plupart des
sculptures de Giovanna sont de grande
taille, elles s'intègrent harmonieusement
dans l'espace dans lequel elles sont
installées, tels des spectateurs silencieux.
Giovanna Lysy a participé à plusieurs
expositions individuelles et collectives
dans toute l'Italie et en Europe; parmi
les plus récentes, l’exposition “The
Naturalists” organisée par Peter Miller
pendant l'été 2013, l’événement "Stanze
MozArt" de décembre 2013 qui était un
autre projet d'installation passionnant
organisé par le critique d'art international
Bruno Corà, et cette année des expositions
à Madrid, en Toscane et ici à Paris avec le
groupe des artistes OpenArtCode.
For Giovanna Lysy, her homeland in
Tuscany in the heart of the Val d’Orcia
at La Foce is of fundamental importance:
where natural beauty has not been spoilt
by man and time appears suspended.
Giovanna’s vocation concentrates on
the creation of unique sculptures, each
representing an original interpretation of
the play between light and matter. The
care she takes in the choice of materials
- such as iron or travertine from the
local quarries – by experimenting and
connecting, and her faith in sheer manual
labour, combine together with such
innocence and disillusion that a poetic
field is born, in which a new and vital work
is formed. Indeed, nature is a common
element that blends these assembled
elements and light, essential and vital to
each piece, becomes the variable element
that offers a constantly changeable view
point in a globalized world. Even though
most of Giovanna’s sculptures are large
in size, they integrate harmoniously with
the space in which they are set, like silent
spectators.
She has participated in various solo and
collective shows throughout Italy and
Europe, most recently: “The Naturalists”
curated by Peter Miller in the summer
2013, “Stanze MozArt” in December 2013,
which was another exciting installation
project curated by the international art
critic, Bruno Corà, and this year in Madrid,
Tuscany and here in Paris with the
OpenArtCode group of artists.

Radici
Technique mixte, installation 190x180cm

SaraPalleria
Italiewww.sarapalleria.com Le peintre Sara Palleria est née à Rome
où elle vit et travaille. Diplômée en
sciences de l'éducation, elle continue à
travailler dans ce domaine de recherche
parallèlement à sa carrière artistique,
avec une référence particulière à l'univers
de la couleur liée à la psychologie des
émotions. Elle collabore avec différentes
institutions dans le secteur des arts visuels
et organise des cours sur l'image et les
recherches sur la couleur.
Ses grandes huiles sur toile stupéfient le
spectateur par leur beauté intrinsèque,
l'utilisation des couleurs et des nuances
de texture et d'énergie. Elle aime peindre
“tout ce que l'œil pense qu'il voit. La
traversée de la couleur, alternant entre
ciel et terre, entre lumière et obscurité,
l'expression des couleurs et des matières...
tout ce qui semble être et devient au
contraire quelque chose d'autre, où
les couleurs et la terre échappent et
s'accrochent aux frontières incertaines
dans la nature du voyage humain sous-
jacent”. Au cours des dix dernières
années, l'expressionisme abstrait de
Sara est parvenu à une phase plus mûre:
l'espace de la toile fait référence au
voyage intérieur entrepris par l'artiste en
poursuivant une réalité intemporelle mais
parfaitement concrète. Dans l'emploi
de la lumière et de la couleur, elle laisse
seulement entendre l’arrière-plan et
le premier plan, et reste indéchiffrable
avec ses contours incertains de nature et
d'imagination.
The painter Sara Palleria was born in
Rome, where she lives and works. She
received her degree in Education Sciences
and still works in this research field
in parallel to her artistic career, with
particular reference to the importance
of colour linked to the psychology of
emotions. She collaborates with various
institutions in the visual arts sector and
runs education courses on images and
colour laboratories.
Her large-scale oils on canvas stagger the
viewer for their intrinsic beauty, use of
colour and nuances of texture and energy.
She loves to paint all that “the eye thinks
it sees”. In her artistic statement Sara
explains, “alternating between heaven
and earth, between light and dark, the
expression of colour and materials...
all that seem to be and instead become
something else, where colours and the
earth slip away and cling to uncertain
borders in the nature of the underlying
human journey”.
Over the last ten years, Sara’s abstract
expressionism has reached a more mature
phase: the space of the canvas refers to
inner journeys that the artist has taken,
drawing out a timeless reality that is
vividly concrete. In her use of light and
colour, she just hints at a background
and foreground, yet it is undecipherable
with its subtle boundaries of nature and
imagination.

Saudades

SantinaSemadarPanetta
Canada www.santinasemadarpanetta.com
Santina Semadar Panetta a manifesté très
tôt son désir ardent de travailler dans le
domaine artistique. Née en Italie, Santina
Semadar a terminé ses études classiques
avec succès. Ce succès académique fut
récompensé par plusieurs prix et bourses
d’études et en 2002, Santina Semadar est
partie étudier au Québec sous la direction
de Sam Aberg à l’Académie Arts & Beaux-
Arts. Pendant ses études et jusqu’à
l’obtention de son diplôme, elle a pris part
à plusieurs expositions organisées par
l’Académie Arts & Beaux-Arts.
Santina Semadar souligne que “L’Art est
un Langage! J’ai choisi de travailler dans le
mouvement lyrique postimpressionniste
parce que sa rhétorique et sa philosophie
permettent une réalité dominante.
Ce mouvement autorise un parallèle
avec la musique dans le déploiement
des harmonies, on n’entend pas la
mélodie, mais on peut la voir à travers le
parfum des séquences poétiques de ses
chromatiques…”.
En avril 2009, la National Bank a honoré
Santina Semadar d’une exposition en solo
regroupant les œuvres de son ‘Hommage à
Vivaldi’, au siège de la banque à Montréal.
Le critique d’art et historien international
Sam Alberg a récemment écrit un livre
Santina Post-Symbolism, livre qu’on peut
trouver dans plusieurs bibliothèques
prestigieuses de l’Amérique du Nord et du
Canada. Les œuvres hautement estimées
de Santina Semadar figurent dans des
collections privées dans tout le Canada et
en Australie.
Santina Semadar Panetta manifested
from an early age her ardent desire to
work in the arts. Born in Italy, Santina
completed her classical studies with great
accomplishment. This academic success
accredited her with several prizes and
scholarships and in 2002 Santina, studied
under the tutelage of Sam Aberg at the
Academie Arts & Beaux Arts, in Quebec,
Canada. During her studies up to the
completion of her diploma, she took part
in many group exhibitions, which were
organized by the Academie Arts & Beaux
Arts.
In her artistic statement, Santina
emphasizes “Art is a Language! I have
chosen to work in the post- impressionism
lyric movement because its rhetoric
and philosophy permits a preponderant
reality. It allows a parallel with music in
the deployment of the harmonies, we do
not hear the melody, but we can see it by
the perfume of the poetic sequences of its
chromatics….”. Indeed, the National Bank
honored Santina in April 2009 with a solo
show of the group of works ‘Hommage to
Vivaldi’, at the head office in Montreal.
Mr. Sam Aberg, international art critic
and historian, has recently written a
book on her Santina Post-Symbolism,
which can be found in many prestigious
Libraries in North America and Canada.
Her highly esteemed works are amongst
private collections throughout Canada
and Australia.

Ritmo Perpetuo II

FransjeSteinsBisschop
Pays-Baswww.fransjesteinsbisschop.nl
Artiste néerlandaise, Fransje Steins
Bisschop est fascinée par son environ-
nement quotidien. Elle témoigne de la
nature, des gens et de la beauté intime
du détail. La vérité est capturée, non par
la peinture de portraits, de fleurs et de
scènes naturelles, mais en pénètrant et en
reflétant leur fragile monde caché. Parfois,
Fransje se déplace lentement du figuratif
vers une expression plus abstraite. Dans sa
déclaration d’intention artistique, Fransje
souligne: "Si je les regarde avec un esprit
impartial, la fleur ou la personne finiront
peut-être par me montrer leur réalité. Je
dois juste me mettre à leur service.... "
Possédant un œil insolite, elle a trouvé
un moyen fascinant de révéler la fierté
et la beauté dans la vulnérabilité, nous
montrant ainsi sa réalité de la nature.
Elle se sent poussée à voir des fleurs qui
périssent, à témoigner de leur caractère
éphémère. Cela lui semble souligner
l'essence même de la vie intérieure. C'est
avecunevéritablecuriositéqu'elleexplore
la réelle nature des êtres, nous révélant
ce qu'ils n'avaient pas nécessairement
encore partagé avec nous. En nous
montrant avec amour ce qui les définit et
qui ils sont vraiment.
Dutch artist, Fransje Steins Bisschop is
fascinated by her daily surroundings. She
witnesses nature, people and the intimate
beauty of detail. Truth is captured, not by
portraying people, flowers and natural
scenes, but by entering and reflecting
their hidden, fragile world. Sometimes
she slowly moves from figurative to more
abstract expression.
In her artistic statement, Fransje
emphasizes “If I look with an unbiased
mind, the flower or person will eventually
show me his or her reality. I just have to
put myself at their service....”
Having an unusually sharp eye, she has
found a fascinating way of revealing the
pride and beauty within vulnerability,
thereby showing us her reality of nature.
To see flowers perish, to witness their
transience moves her. In her view, it
underlinestheveryessenceoflifewithin.It
is with genuine curiosity that she explores
the true nature of beings. Revealing to us
what they had not necessarily shared with
us yet. Lovingly showing us what defines
them into who they truly are.

Ode to the blues

LidiaTeixeira
Portugalwww.lidia-teixeira.com
Lidia Teixeira est une photographe
autodidacte née à Madère au Portugal en
1965. Elle a commencé à dix-sept ans son
expérimentation de l’art abstrait avec des
huiles et des acryliques. Inspirée par le
mouvement infini de la nature, elle s'est
concentrée sur la transmission de l'impact
émotionnel de la couleur, du contraste
et de la texture. Son expérimentation
continuelle de différents matériaux et
de nouvelles techniques ont déplacé son
intérêt pour la peinture abstraite vers la
photographie. La méthode personnelle
de Lidia Teixeira intègre le mouvement,
la lumière naturelle et l'eau pour donner
de nouvelles identités aux objets banals
qui lui servent de sujets. En se déplaçant
autour des éléments qu’elle choisit,
l'artiste dissout leurs limites et les met en
mouvement comme de nouveaux corps de
couleur fluides. Ce qui aurait pu être une
plume ou une tasse devient alors au terme
d’un voyage une composition pleine de
l’élasticité d’une énergie colorée. Comme
elle conserve l'expérience du spectateur
verrouillée à la surface de ses textures,
ses photos sont imprégnées d’une matière
à la fois visuelle et viscérale. D’une telle
proximité, Lidia Teixeira partage avec
succès avec nous des vibrations que
nous sommes invités à explorer à la fois
visuellement et émotionnellement. Elle
recycle les éléments de notre quotidien
et les moule dans une langue encore plus
expressive bien qu’abstraite, qui apparaît
ici mise à nu sur la surface de chaque
cadre.
Lidia Teixeira is a self-taught photographer
born in Madeira, Portugal in 1965. She
started experimenting with oils and
acrylics at the age of seventeen in the
creation of abstract art. Inspired by the
endless movement of nature, she focused
on transmitting the emotional impact
of colour, contrast and texture. Tireless
experimentation with diverse materials
and new techniques shifted her interest
from abstract painting to photography.
Teixeira’s personal method incorporates
movement, natural light and water to
create new identities from the banal
objects that serve as part of her subject
matter. As she moves around the chosen
items, the artist dissolves their boundaries
and sets them in motion as fresh and fluid
bodies of colour. What could have been
a feather or a mug then, now travels
across a given composition as stretches
of colourful energy. As she keeps the
beholder’s experience locked to the
surface of her textures, the photographs
achieve a heightened visceral and visual
effect from up close. From such close
proximity, Teixeira successfully shares
with us vibrations which we are drawn
to explore both visually and emotionally.
She recycles items from our everyday lives
and moulds them into a more expressive
yet abstract language, which appears
here, laid bare on the integrated surface
of each frame.

Vibrance
Peinture digitale monté sur Dibond 139x112cm

Tiril
États-Uniswww.artbytiril.com Tiril Benton est née à Londres en 1955
et elle vit maintenant en Alabama aux
États-Unis. Elle a commencé à dessiner
lorsqu’elle était très jeune et travaille à
présent avec toutes les tailles de toiles,
papiers et cartons en utilisant des huiles,
des acryliques, des aquarelles et de la
gouache, ainsi que des crayons, des
pastels, des pinceaux et des encres. Dans
sa déclaration d’intention artistique,
elle résume son expérience de peintre:
“Quand le dialogue commence, il y a une
révélation de l’intérieur, une extraction,
une vibration de la connaissance puisée
dans la psyché, des conceptions sortent
du subconscient. Les couleurs évoluent
et ensuite, une seule inspiration émerge
au niveau de la conscience. Les toiles
deviennent réceptives, fluides, légères.
Tout est un. Je peins avec une foi absolue.
L’expérience de chaque tableau s’éclaire
en cherchant la connaissance intérieure,
en osant et en me poussant à m’exprimer
avec une authenticité qui me laisse à
l’envers… vulnérable et vivante. Pas de
platitudes et de juxtapositions soigneuses
de coups de pinceau, mais une énergie
vitale pure. Une réalisation viscérale du
potentiel disponible”.
Tiril a exposé seule et en groupe aux États-
Unis, en France, en Espagne et en Italie.
Ses œuvres font partie de collections
privées dans de nombreux pays. Elle est
membre du groupe OpenArtCode et,
actuellement, elle est représentée par les
Art Fusion Galleries de Miami.
Tiril Benton was born in London in 1955
and lives in Alabama in the US. She began
to draw when she was very young and now
works with all sizes of canvas, papers and
boards using oils, acrylics, watercolours
andgouache, as well as pencil, soft pastels,
pen and ink. In her artistic statement, Tiril
summarizes her painting experience: “as
the dialogue begins there is an internal
digging, mining, a stirring of knowledge
held deep within the psyche, concepts
emerge from the subconscious. Colors
evolve and then a singular prompting will
rise to the top into the consciousness. The
canvas becomes receptive, fluid, light.
All is one. I paint with absolute faith. The
experience of each painting illuminates by
finding the inherent knowledge instilled
within, daring and challenging me to
express with an authenticity that leaves
me inside out. Vulnerable and alive. No
platitudes and careful juxtapositions of
strokes, but a raw, vital energy. A visceral
realization of available potential”.
Tiril has had many fruitful solo and
collective shows in the USA, France, Spain
and Italy. Her works belong to private
collections in numerous countries; she is
member of the OpenArtCode group and
is currently represented by Art Fusion
Galleries, Miami.

Lakshmi’s Edge

PaulaUbillaCortés
Chiliwww.tuidea.com
Paula Ubilla Cortés est née au Chili il y a 43
ans. Designer industriel, elle a commencé
sa carrière professionnelle par une
invitation à participer à la Chilean Bienal
de Diseño en 1996 au Museo Nacional de
Bellas Artes.
De 2000 à 2005, elle a travaillé comme
productrice audiovisuelle dans les
Alpes autrichiennes; cela a développé
sa capacité à observer les émotions
humaines en partageant les expériences
dans un environnement multiculturel.
Paula a beaucoup voyagé à travers
l'Europe, en Asie, en Amérique et en
Australie. Se sentant redevable de ses
propres expériences et en quête du
bonheur pour toute l'humanité, elle a
créé en 2012 la première Happiness Clinic
à Santiago du Chili, parallèlement au
démarrage de son étude photographique
des émotions. Aujourd'hui, son travail
photographique est devenu une icône
de l'art contemporain de l'expression
émotionnelle.
"La vie a tellement de niveaux de
bonheur et de tristesse que lorsque
nous comprenons et apprécions ces
différences, cela signifie que nous vivons
dans l'essence même de l'humanité...
Avec cette photo nommée READY, je vous
invite simplement à vous habiller et à
recommencer... C’est tout simplement la
vie".
Paula Ubilla Cortés was born in Chile 43
years ago. An industrial designer, she
began her professional development with
an invitation to participate in the Chilean
Bienal de Diseño in 1996 at the Museo
Nacional de Bellas Artes.
From 2000 to 2005 she established herself
as an audiovisual producer in the Austrian
Alps, this developed her ability to observe
human emotions sharing experiences
in a multicultural environment. Paula
travelled extensively throughout Europe,
Asia, America and Australia and as a
product of her own experiences, and in
her pursuit of happiness for all mankind,
created the first Happiness Clinic in
Santiago Chile, along with the beginning
of her photographic study of emotions
in 2012. Today, her photographic work
has become a contemporary art icon of
emotional expression.
“Life has so many levels of happiness and
sadness, and when we understand and
enjoy these differences, it means we are
living in the true essence of humanity...
With this picture named READY, I invite
you to just dress up and start again... it´s
just life”.

READY
Photographie sur plexiglas 76x115cm

AlessandroVilla
Italiewww.alessandro-villa.com
Né en 1979 à Milan en Italie, après une
scolarité à la Arts High School, Alessandro
Villa a intégré la NABA (Nuova Accademia
Belle Arti) où il a étudié la photographie
avecleprofesseurMarioCresci.Auboutde
deux ans de formation, il a interrompu ses
études pour commencer à travailler dans
une agence de publicité internationale
en tant que graphiste. Pendant cette
période, il a également été l'apprenti
d’Angelo Tondini, photojournaliste, qui lui
a enseigné l'esthétique et la composition.
Depuis lors, il collabore avec le
photographe Nico Tondini, spécialisé dans
le voyage et la nature morte. Ses photos
sont présentes dans de nombreux livres et
magazines en Italie et à l'étranger.
Ces dernières années, il s'est consacré
à une nouvelle forme de photographie,
dans laquelle la lumière ne se limite pas à
montrer laréalitéapparente,maispénètre
dans la forme, révélant l'énergie présente
dans l'ombre. Il cherche la perfection
et se concentre sur la beauté naturelle
intérieure, originale. Il a commencé
à exposer ses œuvres en 2013 et est
membre de la Permanente di Milano.
Born in 1979 in Milan, Italy, after Arts
High School, Alessandro Villa attended
the NABA (Nuova Accademia Belle
Arti) where he studied photography
under Professor Mario Cresci. After two
years, he interrupted his studies to start
working in an international advertising
agency as a graphic designer. During this
period, he was also apprentice to photo-
reporter Angelo Tondini, who taught him
aesthetics and composition. Hereinafter,
he cooperates with photographer Nico
Tondini, specialised in travel and still life.
His pictures are present in many books
and magazines in Italy and abroad.
In these last years, he has dedicated
himself to a new form of photography,
in which light is not limited to show the
apparent reality, but penetrates into the
form, revealing the energy present in
the shadow. He looks for perfection and
is oriented to the original, inner natural
beauty. He started exhibiting his works in
2013 and is a member of the Permanente
di Milano.

Plutonica
Photographie monté sur Dibond 100x150cm

OA
B a r b a r a A l c a l d e w w w . b a r b a r a a l c a l d e . c o m M e x i c o B d o o r A l s u d i r y w w w . b d o o r - a l s u d i r y .
b l o g s p o t . c o m S o u t h A r a b i a K a r e e m R a l p h A m i n w w w . k a r e e m r a l p h a m i n . c o m U S A
T r o p e z B w w w . t r o p e z - b . f r F r a n c e M e n n o B a a r s w w w . m e n n o b a a r s . n l T h e N e t h e r l a n d s
M a r e l y B e c e r r a w w w . m a r e l y b e c e r r a . c o m M e x i c o I s a b e l B e c k e r w w w . i s a b e l b e c k e r .
c o m . b r B r a z i l F i g e n B e g e n w w w . f i g e n b e g e n . c o m T u r k e y T r o n d A r e B e r g e w w w .
t r o n d a r e b e r g e . p h o t o s h e l t e r . c o m N o r w a y E v a B e u m e r w w w . e v a m b e u m e r . k u n s t i n z i c h t .
n l T h e N e t h e r l a n d s B I K K E L w w w . b i k k e l a r t i s t . c o m T h e N e t h e r l a n d s R i t a B l i t t w w w .
r i t a b l i t t . c o m U S A M a r i a B o n e o w w w . m a r i a b o n e o . c o m . a r A r g e n t i n a L e o n B o s b o o m w w w .
l e o n b o s b o o m . n l T h e N e t h e r l a n d s W i l l i a m B r a e m e r w w w . w i l l i a m b r a e m e r . c o m U S A
G i n a B r e z i n i w w w . g i n n a r t . c o m B u l g a r y / U S A M a r y B r i l l i w w w . m a r y b r i l l i . c o m I t a l y / F r a n c e
M a r i a C a r v a j a l w w w . m a r i a c a r v a j a l . c o m M e x i c o S o n i a C a s a r e s M a n t i l l a E c u a d o r A d r i a n a
C a s a t i T r i g a r i B r a z i l B r e n d a C h a r l e s M e x i c o R e n a t o C h i a r a b i n i w w w . c h i a r a b i n i a r t e .
c o m I t a l y N a o m i C o r d e r o w w w . a r t i s t s o f p a l m b e a c h c o u n t y . c o m U S A R a n d y C o v e y w w w .
r a n d y c o v e y . c o m U S A E m i l i e C u m m i n g s w w w . e m i l i e c u m m i n g s . n l T h e N e t h e r l a n d s R i c c a r d o
D a m e t t i w w w . r i c c a r d o d a m e t t i . i t I t a l y G r a z i a D a n t i w w w . g r a z i a d a n t i . c o m I t a l y D a r i
w w w . d a r i a r t i s t . c o m U S A C a t h e r i n e D a u b r e s s e w w w . c a t h e r i n e d a u b r e s s e . w o r d p r e s s . c o m
F r a n c e E m m a n u e l D e B r i t o F r a n c e L o e s d e H a a n w w w . l o e s d e h a a n . n l T h e N e t h e r l a n d s D e
H a n s i w w w . z o n e r i n g . d k D e n m a r k S h a i l a P a t r i c i a d e l a F u e n t e M e x i c o G l e n n d e W i t t w w w .
g l e n n d e w i t t . c o m U S A D e s t r o y B e w w w . a r t - t o t e m . c o m F r a n c e A n n e - M a r i e D j u r f o r s w w w .
a n n e - m a r i e d j u r f o r s . s e S w e d e n N i n a D r e y e r H e n j u m w w w . n i n a d r e y e r h e n j u m . c o m N o r w a y
C h r i s t i n e D r u m m o n d w w w . c h d r u m m o n d . c o m B r a z i l R o s a l y n E n g e l m a n w w w . e n g e l m a n a r t .
c o m U S A B r u n o F a l c ã o w w w . f o t o g r a f i a f i n e a r t . c o m B r a z i l M a r y b e l G a l l e g o s w w w .
m a r y b e l g a l l e g o s . c o m M e x i c o G i l l i a n G a l l a n d a t H u e t w w w . g i l l h u e t . n l T h e N e t h e r l a n d s
S h i r l e y G a r c i a C i p u l l o w w w . s h i r l e y c i p u l l o . c o m B r a z i l V i c t o r i a E u g e n i a G a r c i a M o r e n o w w w .
f l i c k r . c o m / p h o t o s / v i c t o r i a g a r c i a m C o l o m b i a E n r i q u e G a r c i a S a u c e d o w w w . g a r c i a s a u c e d o .
c o m M e x i c o M a r i n a G a v a z z i w w w . m a r i n a g a v a z z i . c o m I t a l y G e s a g e r w w w . g e s a g e r . c o m
N o r w a y J u a n C a r l o s G r a n a d o s M e x i c o E d m u n d I a n G r a n t w w w . e d m u n d i a n g r a n t . c o m U S A
K a y G r i f f i t h w w w . g r i f f i t h f i n e a r t g a l l e r y . c o m U S A H e r n a n G u i r a u d w w w . h e r n a n g u i r a u d .
c o m . a r A r g e n t i n a S h a r i n a G u m b s w w w . s h a r i n a g u m b s . c o m A r u b a / T h e N e t h e r l a n d s G U T I
w w w . g u t i a r t s . c o m C o l o m b i a A g n e t a G y n n i n g w w w . a g n e t a g y n n i n g . c o m S w e d e n D a v i d H a r r y
w w w . d a v i d h a r r y f i n e a r t . c o m U S A R a y m o n d H o o g e n d o r p w w w . r a y m o n d h o o g e n d o r p . c o m T h e
N e t h e r l a n d s E v e l y n e H u e t w w w . e v e l y n e h u e t . c o m F r a n c e A z r a H u s k i c h w w w . a z r a h u s k i c h . i t
C r o a t i a / I t a l y H v w w w . a r t - t r a n s f i g u r a t i o n . c o m F r a n c e S u m i o I n o u e w w w . s u m i o i n o u e . c o m
J a p a n M a r i a R o s i n a J a a k k o l a w w w . m a r i a r o s i n a . f i F i n l a n d M a z J a c k s o n w w w . m a z j a c k s o n .
e u U K M a r i a n n e J . J a n s e n w w w . d e b e e l t e n i s . n l T h e N e t h e r l a n d s B e t t y J o n k e r w w w .
b e t t y j o n k e r . n l T h e N e t h e r l a n d s E l l e n J u e l l w w w . e l l e n . j u e l l . d i n s t u d i o . n o N o r w a y J i a n J u n
A n w w w . j i a n j u n a n . c o m C a n a d a M a r g a r e t K a r a p e t i a n d ' E r r i c o w w w . m a r g a r e t k a r a p e t i a n . c o m
I t a l y R i e k o K a r r e r w w w . r i e k o . c h J a p a n H i l d e K l o m p w w w . h i l d e k l o m p . n l T h e N e t h e r l a n d s
B a r b a r a A l c a l d e w w w . b a r b a r a a l c a l d e . c o m M e x i c o B d o o r A l s u d i r y w w w . b d o o r - a l s u d i r y .
b l o g s p o t . c o m S o u t h A r a b i a K a r e e m R a l p h A m i n w w w . k a r e e m r a l p h a m i n . c o m U S A
T r o p e z B w w w . t r o p e z - b . f r F r a n c e M e n n o B a a r s w w w . m e n n o b a a r s . n l T h e N e t h e r l a n d s
M a r e l y B e c e r r a w w w . m a r e l y b e c e r r a . c o m M e x i c o I s a b e l B e c k e r w w w . i s a b e l b e c k e r .
c o m . b r B r a z i l F i g e n B e g e n w w w . f i g e n b e g e n . c o m T u r k e y T r o n d A r e B e r g e w w w .
t r o n d a r e b e r g e . p h o t o s h e l t e r . c o m N o r w a y E v a B e u m e r w w w . e v a m b e u m e r . k u n s t i n z i c h t .
n l T h e N e t h e r l a n d s B I K K E L w w w . b i k k e l a r t i s t . c o m T h e N e t h e r l a n d s R i t a B l i t t w w w .
r i t a b l i t t . c o m U S A M a r i a B o n e o w w w . m a r i a b o n e o . c o m . a r A r g e n t i n a L e o n B o s b o o m w w w .
l e o n b o s b o o m . n l T h e N e t h e r l a n d s W i l l i a m B r a e m e r w w w . w i l l i a m b r a e m e r . c o m U S A
G i n a B r e z i n i w w w . g i n n a r t . c o m B u l g a r y / U S A M a r y B r i l l i w w w . m a r y b r i l l i . c o m I t a l y / F r a n c e
M a r i a C a r v a j a l w w w . m a r i a c a r v a j a l . c o m M e x i c o S o n i a C a s a r e s M a n t i l l a E c u a d o r A d r i a n a
C a s a t i T r i g a r i B r a z i l B r e n d a C h a r l e s M e x i c o R e n a t o C h i a r a b i n i w w w . c h i a r a b i n i a r t e .
c o m I t a l y N a o m i C o r d e r o w w w . a r t i s t s o f p a l m b e a c h c o u n t y . c o m U S A R a n d y C o v e y w w w .
r a n d y c o v e y . c o m U S A E m i l i e C u m m i n g s w w w . e m i l i e c u m m i n g s . n l T h e N e t h e r l a n d s R i c c a r d o
D a m e t t i w w w . r i c c a r d o d a m e t t i . i t I t a l y G r a z i a D a n t i w w w . g r a z i a d a n t i . c o m I t a l y D a r i
w w w . d a r i a r t i s t . c o m U S A C a t h e r i n e D a u b r e s s e w w w . c a t h e r i n e d a u b r e s s e . w o r d p r e s s . c o m
F r a n c e E m m a n u e l D e B r i t o F r a n c e L o e s d e H a a n w w w . l o e s d e h a a n . n l T h e N e t h e r l a n d s D e
H a n s i w w w . z o n e r i n g . d k D e n m a r k S h a i l a P a t r i c i a d e l a F u e n t e M e x i c o G l e n n d e W i t t w w w .
g l e n n d e w i t t . c o m U S A D e s t r o y B e w w w . a r t - t o t e m . c o m F r a n c e A n n e - M a r i e D j u r f o r s w w w .
a n n e - m a r i e d j u r f o r s . s e S w e d e n N i n a D r e y e r H e n j u m w w w . n i n a d r e y e r h e n j u m . c o m N o r w a y
C h r i s t i n e D r u m m o n d w w w . c h d r u m m o n d . c o m B r a z i l R o s a l y n E n g e l m a n w w w . e n g e l m a n a r t .
c o m U S A B r u n o F a l c ã o w w w . f o t o g r a f i a f i n e a r t . c o m B r a z i l M a r y b e l G a l l e g o s w w w .
m a r y b e l g a l l e g o s . c o m M e x i c o G i l l i a n G a l l a n d a t H u e t w w w . g i l l h u e t . n l T h e N e t h e r l a n d s
S h i r l e y G a r c i a C i p u l l o w w w . s h i r l e y c i p u l l o . c o m B r a z i l V i c t o r i a E u g e n i a G a r c i a M o r e n o w w w .
f l i c k r . c o m / p h o t o s / v i c t o r i a g a r c i a m C o l o m b i a E n r i q u e G a r c i a S a u c e d o w w w . g a r c i a s a u c e d o .
c o m M e x i c o M a r i n a G a v a z z i w w w . m a r i n a g a v a z z i . c o m I t a l y G e s a g e r w w w . g e s a g e r . c o m
N o r w a y J u a n C a r l o s G r a n a d o s M e x i c o E d m u n d I a n G r a n t w w w . e d m u n d i a n g r a n t . c o m U S A
K a y G r i f f i t h w w w . g r i f f i t h f i n e a r t g a l l e r y . c o m U S A H e r n a n G u i r a u d w w w . h e r n a n g u i r a u d .
c o m . a r A r g e n t i n a S h a r i n a G u m b s w w w . s h a r i n a g u m b s . c o m A r u b a / T h e N e t h e r l a n d s G U T I
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N e t h e r l a n d s E v e l y n e H u e t w w w . e v e l y n e h u e t . c o m F r a n c e A z r a H u s k i c h w w w . a z r a h u s k i c h . i t
C r o a t i a / I t a l y H v w w w . a r t - t r a n s f i g u r a t i o n . c o m F r a n c e S u m i o I n o u e w w w . s u m i o i n o u e . c o m
J a p a n M a r i a R o s i n a J a a k k o l a w w w . m a r i a r o s i n a . f i F i n l a n d M a z J a c k s o n w w w . m a z j a c k s o n .
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b e t t y j o n k e r . n l T h e N e t h e r l a n d s E l l e n J u e l l w w w . e l l e n . j u e l l . d i n s t u d i o . n o N o r w a y J i a n J u n
A n w w w . j i a n j u n a n . c o m C a n a d a M a r g a r e t K a r a p e t i a n d ' E r r i c o w w w . m a r g a r e t k a r a p e t i a n . c o m
I t a l y R i e k o K a r r e r w w w . r i e k o . c h J a p a n H i l d e K l o m p w w w . h i l d e k l o m p . n l T h e N e t h e r l a n d s
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