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l’un ni à l’autre, art &pou...
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Yann Kersalé - Portrait par Isabelle de Maison Rouge
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Sans titre, 40x40 Dans 50x50 A © Valérie Broquisse
www.valeriebroquisse.net
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Art versus fashion ? par Barbara Polla
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Valérie Broquisse
artiste photographe
La collection de SAM projetcts , entretien avec Sandra
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historienne de l’art à l’Ecole Normale Supérieure de Paris
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Convergence
Grand-Place, Bruxelles, Belgique, 2008 © Yann Kersalé
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Trilogie
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Ferrat, France, 2003
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précise l’artiste. Glissant sous le musée, elles fo...
En haut :
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De haut en bas, de gauche à droite :
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Peinture sur aluminium, dimension variabl...
art &geographie
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Knut Asdam,Tripoli, 2011, Archival Pigment Print, 160 cm x 280 cm
Courtesy Galerie Jérôme Poggi
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art &géographie
Isabelle de Maison Rouge : Tu réalises une exposition sur
les artistes norvégiens, d’où vient cette idée ?
Jérôme Poggi : ...
Peder Balke, Sans Titre, peinture à l’huile sur toile, 31x37cm
Courtesy Galerie Jérôme Poggi
IMR : Retrouve-t-on ces préoc...
IMR : Peux-t-on parler d’un art norvégien ?
JP  : Mettre en avant l’identité de la Norvège dans l’art
n’a pas beaucoup de ...
Per Barclay, Rue Visconti 11 (Paris)
Tirage photographique de la Rue Visconti, Courtesy Rue Visconti & Galerie Jérôme Pogg...
entre Nord et Sud est complémentaire et indispensable
parce qu’il se nourrit de ces différences. Je ne mesure pas
en terme...
international. Celles-ci s’enclavent dans différents pays et
organisent cette circulation et des passerelles plus faciles
...
sauf que l’on l’appelait autrement. Mais c’est vrai, si l’on
parle d’une scène européenne, toutes les disparités Nord/
Sud...
La pièce à conviction de Michel François qui semble être une vitre brisée, est en fait, vue de près une photographie en
tr...
Isabelle de Maison Rouge  : Revenons sur l’exposition
que tu as organisé avant l’été sur la scène artistique belge
contemp...
Ci-dessous :
Cette pièce d’Ann Veronica Janssens fait référence à une histoire personnelle. En l’an 2000, elle se rend com...
Avec cette nouvelle interprétation plastique, l’artiste Benoît Platéus crée un trouble dans l’univers de la BD en
déjouant...
Vues de l’exposition Pearls of the North au Palais d’Iéna. Crédit photographique : Rebecca Fanuelle
Tous droits réservés a...
Isabelle de Maison Rouge : Pourquoi le nord ?
Caroline Smulders : Parce que j’en suis. Le point de départ
de l’exposition ...
sortis aussi. Une autre dimension qui m’a toujours intéressé
est un côté très nationaliste d’un marché comme celui-la,
qui...
en savoir plus et pourquoi pas avoir quelque chose chez
nous…Et nous l’avons gagné. Mon idée un peu utopique
que j’ai touj...
Sandra Mulliez devant l’oeuvre de l’artiste
Adrián Villar Rojas au jardin des Tuileries,
Poem for Earthlings, réalisée grâ...
Isabelle de Maison Rouge : à quel moment t’es-tu intéres-
sée à l’art ?
Sandra Mulliez : L’intérêt pour l’art remonte à mo...
Le bureau où Sandra Muliez conçoit ses projets les plus fous dans sa fondation à la Villa Raffet.
Oeuvres visibles : la co...
tiques du monde de l’art pour un calendrier artistique pour
l’année 2012, et il a été mis en vente en édition limitée lors...
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  1. 1. art &- déc. 11 / jan. / fév. / 12N° 1 yann kersalé
  2. 2. Sans titre, 40x40 Dans 50x50 C © Valérie Broquisse www.valeriebroquisse.net Une publication de: New York University in France 56 rue de Passy 75016 Paris Tél. 01 53 92 50 80 RÉDACTION Rédactrice en chef : Isabelle de Maison Rouge (imaisonrouge@artand.fr) ont collaboré à ce N° : Valérie Broquisse, Timothée Chaillou, Marie-Gabrielle Duc, Alana Chloe Esposito, Marie Godfrin-Guidicelli, Camille Lacharmoise, Ariane Lopez-Huici, Anne Monier, Eva Ostrowska, Barabara Polla, Pascale Richard Anne de Vandière. Traducteurs : Heather Simon, Steven Todd Crumb ADMINISTRATION Directrice de la publication : Caroline Montel-Glénisson Secrétaire de rédaction : Bénédicte Donneaud Conception graphique : Daniel Dos Santos ISSN: en cours Dépôt légal à parution. Contact : contact@artand.fr Crédits photographiques Couverture : Le sillon dans le miroir © Catherine et Rémy Marion Pôles d’images & Yann Kersalé – AIK- Sillon Noir, Pleubian, Côtes d’Armor. art &
  3. 3. À mi-chemin entre un magazine-papier et un e-magazine, mais ne ressemblant ni tout à fait ni à l’un ni à l’autre, art &poursuit sa trajectoire. À la croisée des routes entre journal scientifique et revue critique, il se veut ouvert et accessible. Après le lancement du N° 0, voici donc le N° 1. Désormais attendu, art & s’est fait remarquer, il est soutenu par un grand nombre d’acteurs du monde de l’art, encouragé et même plébiscité par des lecteurs variés. Le voilà qui, désormais inscrit dans votre paysage, va continuer tous les trois mois de donner à penser autour de l’art contemporain en élargissant les territoires et s’autorisant tous les champs et domaines et les plus ouverts. Loin du prêt à penser, il préfère apporter du grain à moudre pour laisser les réflexions les plus libres circuler et s’enrichir au contact les unes des autres. art & se veut être un vecteur de son époque utilisant les technologies contemporaines, son site va évoluer avec le temps, la version bilingue est mise en ligne, son application i-pad ne saurait tarder…. art & souhaite répondre aux attentes des lecteurs les plus en pointe dans leur rapport à leur temps, aussi bien sur le fond que sur la forme. Pour le N°1 la Carte Blanche est donnée à Yann Kersalé et le Portfolio à Ariane Lopez-Huici. Nous avons visité avec Sandra Mulliez sa fondation SAM art Project et rencontré à New York Davide Baliano. Nous avons interrogé des commissaires d’exposition et galeristes sur l’attrait actuel pour une production artistique qui vient du Nord de l’Europe. Nous nous sommes laissés emporter par les manèges de Carsten Holler et nous avons plongé avec délices mais non sans crainte dans l’eau et ses mystères. art &souhaite proposer plusieurs visions, aussi nous avons donné la parole à deux historiennes de l’art qui regardent le travail d’Emeric Lhuisset à travers le prisme de la géopolitique. Nous nous sommes indignés avec les artistes qui occupent Wall Street. Et nous nous sommes interrogés sur les rapports entre l’art et la mode. Nous sommes allés au spectacle voir de la danse contemporaine dans laquelle les frontières entre art plastique et chorégraphie sont devenues invisibles. Enfin nous avons poussé la porte de galeries à Paris, comme à New York. Isabelle de Maison Rouge Rédactrice en chef 3 Edito art &
  4. 4. 4 sommaire 8Carte Blanche à Yann Kersalé Yann Kersalé - Portrait par Isabelle de Maison Rouge Yann Kersalé - Entretien par Anne de Vandière 22art & géographie 40art & collection 50art & expérience 54art & eau 64art & géopolitique 72Portfolio Ariane Lopez Huici 88art & spectacle L’appel du Nord : Entretiens avec Jerôme Poggi, Caroline Smulders, Jeanette Zwingenberger et Emilia Stocchi Les actions de la SAM La SAM Art Projects. Entretien de Sandra Mulliez par Isabelle de Maison Rouge Carsten Holler/Aux portes de la perception par Camille Lacharmoise Ophélia Ophélia par Isabelle de Maison Rouge les promesses de l’eau par Nathalie Parienté art & images 94 Emeric Lhuisset : Artiste comme baromètre géopolitique par Alana Chloe Esposito Emeric Lhuisset, une nouvelle histoire des conflits par Anne Monier Anatomie de la sensation pour Francis Bacon ou l’expérience de l’autre par Marie-Gabrielle Duc A corps & à cris par Marie Godfrin Entretien de Davide Balliano par Timothée Chaillou
  5. 5. Sans titre, 40x40 Dans 50x50 A © Valérie Broquisse www.valeriebroquisse.net 5 Art versus fashion ? par Barbara Polla 16Beaver, l’aurore de la révolte new-yorkaise par Eva Ostrowska art & mode 104 art & politique 116 art & livres 126 Dans les galeries de Paris 128 Dans les galeries de New York 136
  6. 6. 6 contributeurs Valérie Broquisse artiste photographe La collection de SAM projetcts , entretien avec Sandra Mulliez Une citation que Valérie aime : «le hasard profite aux esprits préparés » de Louis Pasteur ©VB Timothée Chaillou vit et travaille à New York et Paris. Il est critique d’art, commissaire d’exposition, historien de l’art et du cinéma. Il collabore régulièrement à de nombreuses revues d’art internationales Entretien avec Davide Balliano il a retenu la phrase de Louis Aragon « Reprochez, à votre goût, ses ronces au chemin qui mène à la mer : moi, j’aime encore en manger les mûres. » © Philippe Jarrigeon Marie-Gabrielle Duc écrivain Anatomie de la sensation pour Francis Bacon ou l’expérience de l’autre Elle reprend la citation de Pierre Reverdy: « On ne peut plus dormir tranquille quand on a une fois ouvert les yeux. » Qui en dit long sur sa curiosité toujours en éveil. © Dominique Duc Alana Chloe Esposito écrivain et journaliste indépendant spécialisé dans les affaires internationales et dans l’art contemporain Emeric Lhuisset, l’artiste comme baromètre Elle aime particulièrement “Begin with art, because art tries to take us outside ourselves. It is a matter of trying to create an atmosphere and context so conversation can flow back and forth and we can be influenced by each other. W.E.B. DuBois, American Civil Rights Activist © David Riessner Marie Godfrin-Guidicelli historienne de l’art et Journaliste indépendante (Théâtre, Danse, Arts visuels & Littérature) À corps et à cris Et pour trouver une ambiance hispanique elle cite « « Mon rêve va et rôde dans un autre rêve, Car mon rêve est déjà ton rêve… Parce que j’habite mon rêve dans ton rêve.J’habite ton corps dans mon corps ». Emilio Prados, Cuerpo perseguido © Jean-Louis Aubert Camille Lacharmoise journaliste et chargée de projet audiovisuel indépendante  Carsten Holler/ Aux portes de la perception  a choisi une phrase de Montaigne qu’elle aime autant pour son image que pour son fond: «Il faut voyager pour frotter et limer sa cervelle contre celle d’autrui»  © Julien Bertrand Ariane Lopez-Huici artiste-photographe Portfolio Ariane a fait sienne la citation du divin marquis D.A.F. de Sade « Les mouvements les plus simples de nos corps sont, pour tout homme qui les médite, des énigmes aussi difficiles à deviner que la pensée »   © Marilia Destot
  7. 7. 7 Anne Monier historienne de l’art à l’Ecole Normale Supérieure de Paris Emeric Lhuisset, une nouvelle histoire des conflits. Elle reprend volontiers les propos du peintre Zamora dans Aurélien. «Tenez- dit-il, au fond, je suis bien content que Roussel ne m’ait pas acheté ce tableau... Il me sert à découvrir les imbéciles... Quand un imbécile entre ici, dès qu’il a regardé ce tableau il dit: Mais les roues ne peuvent pas tourner... C’est fatal.» © Stéphane Nakhlé Isabelle de Maison Rouge historienne de l’art, critique d’art et chercheuse attachée à la ligne de recherche art & flux. Créatrice d’art & Yann Kersalé Portrait une leçon de ténèbres La collection de SAM projetcts , entretien avec Sandra Mulliez Hasard et géopgraphie : l’appel du Nord Ophélia Ophélia Aime à répéter à la suite de Gandhi «Vous devez être le changement que vous voulez voir dans ce monde» © Valérie Broquisse Eva Ostrowska artiste, photographe free-lance pour le New York Times, et The Village Voice, auteur pourCurator Choice Magazine et www. newyorkmuseums.com 16Beaver, l’aurore de la révolte new-yorkaise Elle constate souvent la vérité de ce proverbe russe : « En parlant peu, tu entends davantage » © Nicolas Ostrowska Nathalie Parienté galeriste & commissaire d’expositions indépendante. Les promesses de l’eau Partageuse d’images, à propos du thème de l’eau, elle reprend à son compte la phrase de Gaston Bachelard « C’est près de l’eau que j’ai le mieux compris que la rêverie est un univers en émanation, un souffle odorant qui sort des choses par l’intermédiaire d’un rêveur. » © Natalie Parienté Barabara Polla médecin, galeriste, écrivain et chroniqueuse. Sa galerie, Analix Forever, est basée à Genève ; à Paris elle expose comme “nomade”, actuellement à la galerie Taïss. art & mode Elle ne cesse de se référer à cette injonction « Le désir c’est la vie»de Jacques Coulais, artiste, dit “Pictor Maximus” © Dorothée Baumann Pascale Richard journaliste, écrivain vit à New York où elle organise des événements culturels pour des populations francophiles. Son prochain ouvrage Passion Sennelier raconte l’histoire du célèbre marchand de couleurs du Quai Voltaire paraitra aux Editions du Chêne au printemps 2012. Dans les galeries de NY « Je voudrais que les gens sachent qu’il ne faut pas approcher de la couleur comme on entre dans un moulin, qu’il faut une sévère préparation pour être digne d’elle. » Matisse © Catherine Starkman Anne de Vandière artiste, photographe et journaliste, Carte blanche Yann Kersalé Interview grande voyageuse, elle aime reprendre le proverbe Maure : « Celui qui ne voyage pas ne connaît pas la valeur des hommes » © Florence Bonny
  8. 8. Yann Kersalé
  9. 9. Yann kersalécarte blanche
  10. 10. Yann Kersalé une leçon de ténèbres Y RSALé NE LEçon DE resté 10
  11. 11. Il aurait pu laisser son atelier à Douarnenez, pourtant c’est dans la proche banlieue parisienne que les vents l’ont poussé, et qu’il a largué les amarres, car c’est là qu’il a trouvé les « faiseurs de moutons à cinq pattes » dont il avait besoin pour travailler. Dans ce « camp de base » se trouve un jardin dans lequel l’ombre discute avec la lumière à la tombée du jour, une cuisine – l’artiste est fin gourmet et cordon bleu à ses heures - et un « hangar » où il range sa « caisse à outils »; en fait une réunion d’ordinateurs sur les écrans desquels on peut voir des projets en 3D. Cependant, cet atelier n’est qu’un point de chute, le reste du temps, il voyage à travers le monde. Il le considère d’ailleurs comme un bateau à bord duquel il travaille avec son équipage. Yann Kersalé, avec un nom pareil, ne peut être que breton… Venant bien de cette province rude et attachante, passionné de voile comme il se doit, marin et baroudeur, il aime à se confronter aux éléments. La mer et ses dangers lui ont servi d’école de la vie, et lui ont permis de développer une maîtrise de soi afin de ne jamais montrer sa peur. Et sans doute est-ce au cours de ses promenades sur la lande, ses virées sur l’océan, ou ses marches sur les côtes escarpées que lui est venue cette fascination pour la lumière et son alter ego, l’ombre. Car l’un ne va pas sans l’autre. Yann Kersalé est donc un homme qui a besoin d’espace, de sentir l’air circuler autour de lui et de le matérialiser, le rendre visible. Amoureux de la vraie nuit et de déambulations nocturnes, il erre à la recherche de l’âme de l’obscurité, qu’elle soit en ville ou dans le paysage naturel. Le dicton nous dit que, la nuit, tous les chats sont gris, Yann Kersalé s’efforce de nous prouver le contraire, ou plutôt de nous révéler les nuances de gris ou les camaïeux de couleurs qu’elle recèle. La nuit est mystérieuse, pleine d’étrangeté, il va nous en dire la beauté, la faire surgir devant nos yeux. La nuit apparaît comme son champ d’investigation, de même que l’était la toile pour le peintre traditionnel. Et les lumières qu’il manie sont les couleurs du peintre, avec lesquelles il dessine et fait naître des formes, et donc des émotions. Il n’est en rien un éclairagiste traditionnel, un ingénieur de la lumière, mais bel et bien un artiste. Il s’insurge en effet contre l’éclairage patrimonial qui plonge tous nos bâtiments dans une clarté jaunâtre qu’il exècre. Il rejette la mode qui veut que la moindre paroisse illumine son église « pas étonnant que l’on retrouve la même sauce lumineuse dans toutes les villes du monde » bougonne-t- il. Lorsqu’on a du mal à le qualifier, doit-on dire plasticien lumière, sculpteur de lumière ? il ironise « pourquoi cette appellation ? je préfère lampiste ! », avant d’expliquer que ce besoin d’enfermer les gens dans des boîtes et de leur coller une étiquette l’ennuie « avec moi, impossible de me mettre dans un quelconque tiroir ! »… Pour Yann Kersalé, la lumière ne doit pas se plaquer contre l’édifice dans une ambiance factice venue de l’extérieur, mais au contraire entamer un dialogue avec lui. Il est, avec la lumière, dans une reconquête de ce qui est à voir. Il cherche la bosse, le creux, l’aspérité, le rugueux ou le lisse… il joue avec les objets. Pourtant il ne sculpte pas la lumière, mais bel et bien avec elle. C’est elle qui rend visible, qui met en évidence. Ses projets se conçoivent toujours à partir du lieu d’intervention, où il part, tel un reporter, prendre un certain nombre de clichés qui lui permettront de dessiner les bases d’un synopsis, d’un story-board, d’une histoire. La mise en lumière qui en résulte, est donc à percevoir au sens propre comme au figuré. L’artiste apporte une clarté sur le lieu, de manière visuelle, surtout dans la perception, et donc la compréhension du regardeur. Il invente une fiction lumineuse, nous fait entrer dans une narration qui n’a rien de cursive, mais qui est à ressentir comme une révélation de l’objet-sujet 11 Yann kersalécarte blanche
  12. 12. ainsi présentée à tous les niveaux de notre sensibilité. Une histoire, donc, qui variera en fonction du spectateur, qui s’écrira au pluriel et constituera une multitude de récits intimes qui prolongent la contemplation en fonction de l’intériorité et la sensibilité de chacun. D’une mise en valeur par une mise en scène - ou mise en lumière - à une mise en abyme, il n’y a qu’un glissement. Et Yann Kersalé le fait opérer dans ses installations. Il s’implique dans la renaissancedulieu,parsarévélationluminescente.Mettant au jour certains détails ignorés par le soleil, et plongeant d’autres dans l’obscurité, c’est à un regard différent qu’il convie le spectateur. Loin du coup d’éclat ou de la poudre aux yeux, le travail de Yann Kersalé respecte les liens qu’il tisse avec l’objet (bâtiment ou végétal) regardé. Comme une leçon de ténèbres, cet éclairage offre une vision poétique et lumineuse du monde qui incite au recueillement, ou tout au moins au temps d’un arrêt sur image, juste pour mieux regarder. Dans sa conception, l’intervention artistique de Yann Kersalé rappelle le travail des grands artistes de la renaissance alliée aux technologies de notre temps. Tel un Léonard ou un Michel Ange, il agit à la tête d’un atelier et supervise les projets. Cet atelier prend la forme moderne d’une SARL où travaillent une dizaine de collaborateurs, tous spécialisés, et chacun œuvre à différents travaux en cours, pour rendre réalisables les dessins et desseins de l’artiste. À ses yeux, son « studio » prend l’aspect d’un laboratoire où il expérimente et fabrique les fragments de ce qu’il va créer, sur place, in situ. Yann Kersalé évoque la boîte à outils qu’il transporte avec lui : vidéo, écrans, tubes fluorescents, son… qu’il va assembler dans l’endroit déterminé. Il se compare à un cuisinier qui emporte avec lui tous les ingrédients pour réussir sa recette. C’est ce travail d’équipe qui permet aux conceptions les plus folles de voir le jour. Concept n’est d’ailleurs pas le mot employé par l’artiste, il lui préfère la locution «  percept  », proposée par le philosophe Gilles Deleuze. Celui-ci, dans sa définition de la philosophie, la distingue de l’art; pour lui, la philosophie n’est ni contemplation, ni réflexion, ni communication. Elle est l’activité qui crée les concepts, alors que l’art opère par percepts et affects. Le percept s’oppose donc au concept dans le sens où il est l’objet de la perception sans référence à une chose en soi. Ainsi, le premier geste que fait Yann Kersalé au départ de toute intervention lumière, est d’établir un scénario pour organiser ces fameuses valeurs de percepts. Son travail s’articule ensuite autour de quatre grands axes. En tout premier lieu, viennent les connivences avec des architectes. C’est le cas de nombreux projets réalisés au cours des vingt dernières années. Il crée ainsi avec Jean Nouvel, en 1993, Théâtre temps, qui est la mise en lumière de la grande verrière que l’architecte pose sur l’Opéra de Lyon, triplant alors la capacité du bâtiment classé sans toucher à sa structure.  Yann Kersalé propose la création d’une oeuvre plastique à l’intérieur de l’œuvre de l’architecte. Il organise des pulsations de lumière rouge en résonance avec le lieu et la programmation du bâtiment. Parce qu’un théâtre n’est pas seulement un monument qui reçoit du public, mais un immeuble qui existe par lui- même au gré des répétitions ou des spectacles… Il vit au rythme de ses organes vitaux : salles de spectacles, coulisses et autres pièces, il connaît des moments d’activités intenses et des périodes de sommeil. À l’instar de ces mouvements, perçus par Yann Kersalé comme des respirations, il a organisé un orchestre de pulsations lumineuses, visibles de l’extérieur et qui deviennent les témoins de cette respiration, symbolisant l’agitation humaine comprise en son cœur, telle une gestation animale. Après le spectacle, l’ensembledubâtimentplongedansuneléthargiesoulignée par la présence de faibles lueurs rouges comme des braises sur le point de s’éteindre. Mais le tout va progressivement s’éveiller avec la ronde du pompier de service. Si l’envie lui prenait de s’agiter violemment, il provoquerait en quelques secondes l’embrasement de la voûte assoupie… La lumière illustre l’électrocardiogramme de l’objet architectural. Le même désir anime les projets réalisés en 2004 pour la Tour Monoprix, la Vraie Fausse enseigne, sur le périphérique parisien à la porte de Châtillon et celle de la Deutsche Post à Bonn. Ces deux buildings, bien que radicalement différents, l’un est aveugle, l’autre est transparent, concrétisent l’idée d’une tour sans fin. L’exemple parisien est animé d’un scintillement infini qui rappelle celui du soleil sur l’eau de la Seine à ses pieds comme une continuité du jour, la nuit. Le projet allemand insiste sur la mise en transparence de l’architecture et comme sertie d’une multitude de points lumineux dont l’intensité s’accroît du sol au sommet dans un mouvement ascendant faisant monter la lumière colorée. Dès la tombée de la nuit, ce bâtiment de 250 m, le plus haut de tout le secteur, visible à des kilomètres à la ronde, s’inonde progressivement de jaune, il passe ensuite au rouge, pour finir en bleu. Ces variations colorées se modifient en fonction de la saison. Le spectateur se trouve ainsi chaque fois surpris, aucune monotonie ne peut s’installer. En 2006, sous les pilotis du musée du Quai Branly, il aménage, l’Ô, nouveau dialogue avec son ami de longue date, l’architecte Jean Nouvel et le paysagiste Gilles Clément. Il garde à l’architecture tout son mystère, en créant simplement un jardin d’ombres en accord avec un lieu marqué par les symboles de la forêt, du fleuve et les obsessions de la mort et de l’oubli. « L’eau, où vivent en liberté certains esprits de la forêt avant qu’on les capture pour les enfermer dans des fériches1 , est évoquée par des nappes lumineuses de joncs incorporés à la végétation » 1. Nom donné par l’abbé Prevost aux fétiches in Histoire générale des voyages 1761 Pourtant il ne sculpte pas la lumière, mais bel et bien avec elle. C’est elle qui rend visible, qui met en évidence. 12 Yann kersalécarte blanche
  13. 13. Convergence Grand-Place, Bruxelles, Belgique, 2008 © Yann Kersalé De gauche à droite : Gare Atocha, Madrid, Espagne, 1999 © Yann Kersalé Allégorie Trichromique, Deutsche Post, Bonn, Allemagne, 2003 © Yann Kersalé 13 Yann kersalécarte blanche
  14. 14. 14
  15. 15. Trilogie Jardin privé, St Jean Cap Ferrat, France, 2003 © Yann Kersalé précise l’artiste. Glissant sous le musée, elles forment une évaporation blanche. Un blanc qui varie du bleu au vert, suivant la nature de l’atmosphère, glace, eau ou vapeur, en fonction de la température qui sévit dans la région parisienne. Récemment, en octobre 2011, c’est avec Le Corbusier, allias Corbu, qu’il discute… A l’occasion du cinquantenaire de la cité radieuse, l’artiste a effectué une intervention plastique sous forme de mise en lumière éphémère, Sous-Jacente, de la célèbre unité d’habitation de Briey. Le deuxième volet des travaux de Yann Kersalé se situe dans la réalisation d’objets lumineux, ainsi Jallum, objet en cristal pour une utilisation extérieure et intérieure, créé pour Baccarat en 2010 ou encore Allumouette, en 2006. Ce dispositif lumineux « anti-pigeons » a été spécialement conçu pour les Moulins de Tolbiac, ré- aménagés par l’architecte Rudy Ricciotti. Troisième champ d’investigation  : les commandes privées ou publiques, interventions in Situ, éphémères ou pérennes. Tel est le cas avec la Nuit des Docks, où, à la nuit tombante, le port de Saint-Nazaire s’illumine de tous ses feux pour offrir une chorégraphied’ombres,delumièresetdecouleursimaginée par l’artiste (1991). Jeux de lumières qui rappellent l’histoire du lieu, l’écho d’une activité maritime engloutie dans le silence des bassins solitaires. À la gare d’Atocha de Madrid en 1999, pour en illuminer la verrière, il dépose des fragments d’orange, de rose magenta, de vermillon et de carmin, « prélevés » sur les toiles de Goya et Velazquez, hommage allégorique aux grands maîtres de la peinture espagnole. Lumière d’ombres à Tunis en 2005, est axé sur la valorisation des deux coulées de couleurs végétales par des lumières bleues et vertes, qui donnent une dimension magique, amplifiant l’effet de perspective et provoquant la déambulation des piétons. D’octobre à novembre 2008, il pare la Grand Place de Bruxelles d’un toit de lumière. Mise en place à l’occasion de la Saison Culturelle Européenne, elle transforme radicalement l’endroit qui l’accueille  : « Sorte de grande salle de bal, d’un château improbable dont le plafond est le ciel, encadré de façades richement ciselées; c’est cet espace libre de ciel qui devient le support de fond de Convergence, départ de quatre entités de lignes pointillées qui s’entremêlent sur fond de ciel européen », « Ce qui m’intéresse, c’est créer des transversalités, en sortant de tous les carcans techniques habituels. » 15 Yann kersalécarte blanche
  16. 16. En haut : Baccarat photophore jallum, 2010 © Yann Kersalé Colone de gauche de haut en bas : Alignements des mégalithes, Carnac, Morbihan, France, 2011 © Yann Kersalé L’Ô, Musée du Quai Branly, Paris, France 2006 © Yann Kersalé Colone de droite : La vague, hommage à Gustave Courbet, Digue du Havre, France 2010 © Yann Kersalé
  17. 17. Yann Kersalé insiste sur le fait qu’il ne veut pas infléchir son art pour rester dans un réseau de produc- tion qui se vend, et « me retrouver dans les pages économiques des journaux, dans des bilans chiffrés sur la cote des artistes d’art con- temporain dans le monde. Je me contente des pages culture » explique le plasticien. En 2010, il a imaginé sur la digue du Havre un hommage à Gustave Courbet, en soulignant de lumière une Vague en référence au tableau peint par le maître du réalisme en 1870 sous le titre de mer orageuse… Yann Kersalé donne à l’architecture, ou au paysage, le temps de la nuit, une forme sculpturale. Il propose aussi des promenades végétales poétiques, comme ce fut le cas autour d’un arbre dans un jardin privé, jardin près de Lyon, ou chez des amoureux de leur parc à la française en Normandie ou le parcours sans fin à Ploubalay Bretagne (2004), ou encore Trilogie dans un jardin privé à St Jean Cap Ferrat (2003), ou enfin Le jardin des sept sorcières, un jardin à secrets, pour les éditions Gallimard à Paris (2008). Invitation à des déambulations rêveuses…Yann Kersalé s’octroie également un temps réservé à la recherche fondamentale pour des « expéditions lumières » qui sont des projets à très long terme. « Ce qui m’intéresse, c’est créer des transversalités, en sortant de tous les carcans techniqueshabituels.Mettonscelasurleplandelacuriosité à l’état pur. Travailler avec des chercheurs relève avant tout d’un état d’esprit, ou plus simplement de l’esprit. Je suis à la recherche d’une poésie dans les sciences, qui me nourrisse, m’enrichisse et me sorte de ce bocal où sont enfermés tant d’artistes. Alors je joue avec des spécialistes de l’eau, du vent, des fonds marins, du son…Je ne suis pas en quête de nouvelles technologies, mais d’échanges. J’aime voir leur façon de fouiller, d’appréhender, de trouver… À travers eux, je ne veux surtout rien « rajouter » à mes travaux, mais plutôt quérir toujours plus loin cette légèreté d’une œuvre qui a tendance à disparaître » indique-t-il. Dernièrement, il a monté sept expéditions lumières en Bretagne durant l’été 2011, et le résultat est présenté actuellement à Paris dans l’espace EDF, dans une exposition où les installations ont été créées pour le lieu spécifique. Comment notre dompteur de luminescences en est arrivé là ? Par quelles voies s’est-il frayé un chemin sous les spotlights ? Un caractère obstiné et déterminé lui ont permis de poursuivre ce parcours atypique. Il entre dans les années 70 à l’Ecole des Beaux Arts de Quimper avec dérogation spéciale puisqu’il est à peine âgé de 15 ans 1/2… Curieux de tout, la découverte du Land Art, des Nouveaux Réalistes et des Situationnistes lui montre que l’on peut créer des œuvres de manière non imposante. Il se rend compte qu’il lui faut trouver un médium, une forme d’art, une manière de s’exprimer qui n’a pas été encore trop explorée. Tout de suite, il commence à « bidouiller » les projecteurs de diapositives de type carrousel fabriqués par Kodak. Il fait des jobs alimentaires qui le conduisent vers le Palace, temple de la «  branchitude  » à l’époque, et travaille dans le milieu des concerts de rock. Il reçoit ainsi une « éducation de chantier » où il trouve de grandes connivences entre la lumière et la musique. Il trouve ainsi un monde d’expérimentation pour la lumière, un laboratoire qui n’est pas une fin en soi, mais vraiment le point de départ. «  Être artiste c’est une posture. Un choix de positionnement d’individus dans une société donnée, qui prennent des risques, qui sont en quête du sensible, de la réflexion, de l’intellect. Voilà une posture d’artiste qui se confronte au reste de l’humanité. Sinon, on fait de la décoration. Ce qui n’est pas péjoratif, mais c’est autre chose  », aime t-il à préciser. Alors, lorsqu’on lui demande comment il se positionne sur la scène de l’art contemporain, sa réponse fuse immédiatement  : « J’y participe et j’en vis. J’ai un atelier AIK dans lequel travaillent dix personnes. Mais il est clair que ma position est hors du circuit classique, celui qui passe par les galeries, les centres d’art, les musées. Les frac, fric et froc… Or c’est ce circuit qui permet d’être immédiatement identifiable, et donc promu avec telle ou telle étiquette en réponse à ce besoin présent de mettre les gens dans des boîtes. » Il prend en effet ses distances face au marché de l’art et aux relations mondaines du milieu qu’il fuit comme la peste. Il s’inscrit dans la réflexion menée par son maître à l’école des Beaux Arts de Quimper, devenu un ami, Jean -Louis Pradel,  qui rappelle que : «  l’art marchandise, comme l’art objet des concept-stores de l’art contemporain sont radicalement contestés » ! Yann Kersalé insiste sur le fait qu’il ne veut pas infléchir son art pour rester dans un réseau de production qui se vend, et « me retrouver dans les pages économiques des journaux, dans des bilans chiffrés sur la cote des artistes d’art contemporain dans le monde. Je me contente des pages culture »… dit-il, non sans humour. Et quand on lui demande à quel type de galerie il rêve, il précise : « la galerie idéale, serait pour moi un vrai partenariat de quête et de recherche. Un galeriste à la fois producteur et agent, un directeur de production comme au cinéma ou au théâtre, pour pouvoir mener à bien mes expéditions lumière. Une galerie atypique pour un artiste atypique ! » et il ajoute « aujourd’hui, le lieu d’expérimentation n’existe plus et la galerie en arrive presque à formater les œuvres. Elle prend des petits airs d’écurie, et moi je pense que les artistes ne sont pas des chevaux de course… les galeries ne se ruinent plus pour les artistes et leur rentabilité doit être immédiate. Je pourrais faire des pièces « spéciales marché », spéciales galeries, mais je n’en ai tout simplement pas envie ! » Un artiste radical et sans concession donc. Son complice, Jean Nouvel, résume bien le personnage, « il faut respecter les personnages secrets, les personnalités à tiroirs. Car ce sont eux qui créent les mythes. Je veux vous confier quelque chose : cet innocent est dangereux pour les idées reçues ». Isabelle de Maison Rouge 17 Yann kersalécarte blanche
  18. 18. 18 Yann kersalécarte blanche
  19. 19. Anne de Vandière : Qu’est ce qui t’a amené au choix de ces 7 lieux ? YK : Le rapport à l’inversion et un clin d’œil aux ancêtres de la Bretagne. Les Celtes sont arrivés par la mer et ont pensé par la mer. En débarquant ici, ils ont appelé leur pays Pen Ar Bed : le début du Monde, alors que Finistère en latin finibus terrae signifie la fin de la terre. Mes 7 choix de sites ont été faits sur cette inversion et en fonction de celle ci. 1 - La mer, le fond de l’eau, des cathédrales d’algues la nuit. Première architectonique que je pouvais travailler en lumière artificielle. 2 - Présence de l’homme sur une île par un phare, architecture isolée par l’eau. 3 - Le sillon noir, langue et amorce de terre. 4 - Le chaos de Huelgouat, forme géologique de pierres rondes improbables. 5 - Les alignements de Carnac, architecture mystérieuse et présence humaine, bien avant la venue des Celtes. 6 - Le radome de Plomeur Bodou, objet contemporain même s’il a 50 ans d’âge. Apparition des images, des nouvelles technologies, objet de transmission. 7 - La ZAC de la Courouze, lieu méta-urbain, construit par l’homme, abandonné par l’homme puis reconstruit par l’homme. Trois maisons métaphores de la ville. Un parcours qui part du fond des océans, et qui se termine à la construction sur terre. Partir de la mer pour aller vers la terre. Essayer de regarder la nuit et non le jour. C’est une histoire de point de vue. C’est une manière de se placer par rapport à l’expression du regard. Chercher dans les contraires quelque chose de sensible. AV : Pourquoi « plus à l’ouest » ? YK : Parce que le continent Euro-Asiatique est le plus grand et que je suis né à l’extrême ouest de ce continent, au bout du bout de cet immense territoire géo politique. Je suis convaincu d’être citoyen du monde, mais je viens d’ici. AV : Pourquoi « 7 fois » + 1 ? YK : 7 fois pour la comptabilité du temps par rapport à la semaine. Nous, occidentaux, comptons 7 jours par semaine. En revanche, les Celtes comptaient leur semaine en huit nuits. Donc, une nuit pour un lieu, à l’extrême ouest du continent. La huitième étant l’exposition à la Fondation EDF. AV : Qu’en est-il de la huitième nuit ? YK  : La huitième nuit est une boîte noire, antithèse de la white cube. La quintessence de sept installations qui se regroupent en une seule pour former la huitième nuit artificielle. A l’intérieur de ce cocon d’ombres, vont se diffuser sous toutes sortes de manigances, la mise en abîme des 7 « matières lumières » captées. L’intégralité de l’espace sera sous une forme d’immanence des lumières 7 fois plus à 19 7 Question + 1 Entretien avec Yann Kersalé Yann kersalécarte blanche photographies : Laurent Lecat
  20. 20. l’ouest. Je veux dire par là une exploration de la projection sur la métaphore des écrans de captation. Un écran n’est ni forcément plat, ni forcément vertical, ni forcément une restitution à l’identique. La lumière et son réceptacle ne sont pas toujours ce que l’on croit ou ce que l’on voit. Chacun doit s’approprier sa part de vision. AV  : Que veux tu dire par recherche de «  lumière matière » ? Qu’est ce qu’une mise en abîme ? YK  : Tout est une affaire de réflexion, de rebond, de transcendance. Que l’on prenne de la matière lumière brute (réflexion sur l’eau, glace, nuages), ou que l’on transforme un objet en l’éclairant d’une toute autre façon, on obtient une banque de lumières qui peut être à nouveau utilisée sur tous les supports de mon choix. De ce fait, chaque lieu du monde peut être redécouvert sous cette nouvelle forme de vision. La mise en abîme  est quelque chose qui me fascine, depuis les peintures hollandaises du 17ème siècle. Dans un tableau, on découvre un autre tableau, puis un autre …Une sorte d’effet rebond dans la vision. Un tourbillon de vues qui existe dans l’infiniment grand comme dans l’infiniment petit. J’applique, pour mon compte, cette réalité scientifique en créant un moteur de recherche. D’un travail donné je développe un autre travail qui lui même peut en donner un troisième. AV : Est-ce une prise de « risque » ? YK : Une incertitude d’abord. La part de risque dans une installation éphémère de ce type comporte ce que tout artiste peut rencontrer dans l’écriture de sa partition, puisque toute tentative de précision est illusoire. En étant in situ sur la forme, le travail est effectué en direct. Il est primordial. En se mettant sur le motif, on ouvre la porte à des éléments inconnus. Mais ce qui a toujours été l’apanage des artistes reste « les hasards heureux »… Parfois. AV  : D’où vient cette envie de monter des expéditions lumières en parcourant le monde ? YK : A l’instar de 7 fois plus à l’ouest, l’idée est de découvrir de nouvelles formes, déjà révélées par la lumière solaire. Partir à la découverte de la terre, qu’elle soit géologique, construite par l’homme ou crée naturellement par un paysage en mouvement. Tout de nuit peut être redécouvert, pour peu qu’un plasticien comme moi veuille bien y poser un certain éclairage. AV : Quarante ans d’ombres et de lumières … Qu’est ce qui dans ton enfance, ton adolescence, parlait déjà de l’homme, de l’artiste d’aujourd’hui ? YK  : Très jeune, j’ai eu un rapport à l’ombre et à la lumière qui m’ont laissé des traces. Enfant suractif le jour, j’éprouvais la nuit quelques difficultés à m’endormir. Dans l’attente du sommeil, je garde en mémoire des traces de lumières sur le plafond de ma chambre, des faisceaux de phares de voitures entre les persiennes. Puis en pension, les piles électriques sous les draps, les quelques punitions où nous devions courir la nuit dans la forêt.A 16 ans, mon entrée aux Beaux Arts et la gravure qui m’a révélé la lumière dans les noirs. La photographie m’a plongé dans une quête d’ombres et de lumières sur les formes, projetées ensuite sur des écrans divers. Un travail sculptural, mais léger et subtil. A 19 ans, le Land Art révolutionne ma façon de voir. Intervenir en dehors de la galerie, du marché de l’art, c’est une ouverture sur le reste du monde. Et puis entre 16 et 21 ans, docker sur le port de Douarnenez. Des nuits à décharger le poisson sur les quais, et des petits matins à contempler les levés de soleil. Sans parler de mes veilles en mer lorsque j’étais matelot et que je prenais les quarts du dernier embarqué. J’ai vu des mers d’huile aux reflets argentés et des mers démontées sous des rayons de lune. Propos recueillis par Anne de Vandière Keriolet Aout 2011 20 Yann kersalécarte blanche
  21. 21. p.18, de haut en bas : L’installation évoque celle réalisée dans la Zac de la Courrouze où se trouvent trois maisons abandonnées aux confins de l’agglomération de Rennes. Les fils de lumières qui parcourent ici le plafond de la salle deviennent la méta- phore des autoroutes de la communication. Les Alignements de mégalithes de Carnac sont emportés par une danse mystérieuse, se balançant aux rythmes aléatoires et leurs ombres portées captées par l’artiste sont projetés sur des faux rochers qui paraissent animés. p.20-21, frise, de gauche à droite : Le Chaos du diable, apparaît sur l’envers d’un volume gonflable de forme irrégulière et translucide et la lumière sort de tous les interstices entre les rochers. Au Sillon noir, situé dans les alentours du Sillon du Talbert. L’artiste a planté 200 tiges couronnées, chacune, d’une touffe de leds. La vidéo qui en résulte est projetée sur des bandes verticales rigides fixées du sol au plafond dont les faces réfléchissantes font scintiller les images diffusées La verticale du Phare de l’île Vierge, se retrouve à l’horizontale dans le reflet sur la mer de sa silhouette auréolée de lumière bleue ci-contre : Le visiteur a l’illusion d’une plongée sous-marine, qui rap- pelle Prairies sous-marines, Océanopolis dans le Finistère. La lumière captée sur les bandes verticales très souples qui évoquent des algues pénètre l’espace et l’on doit passer entre pour se frayer un chemin. 21
  22. 22. Page ci-contre De haut en bas, de gauche à droite : A K Dolven, Sans titre, 2011 Peinture sur aluminium, dimension variable Courtesy Galerie Jérôme Poggi, Paris, et Anthony Wilkinson, Londres. Anna-Eva Bergman Pluie, 1974 Acrylique et feuille de métal 104.00 X 74 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi Knut Åsdam Blissed, 2005-2006 Archival C-Print contrecollé sur Aluminium 32,5 cm x 60 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi Per Maning Proposal For a Water Monument, 2010 80 X 60 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi Per Maning Stone No 1, 2008 Tirage pigmentaire sur papier archival 60 x 80 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi On parle beaucoup et l’on voit souvent les fameuses scènes émergentes que représentent celles de la Chine, du Brésil ou de l’Inde. Pourtant existe-t-il une réalité identitaire ou géographique derrière ces appellations ? Pourrait- on également évoquer, telle que l’on la nommait autrefois une école du nord de l’Europe ? Entretiens avec Jérôme Poggi, Emilia Stocchi, Jeannette Zwingenberger et Caroline Smulders art &géographie 22 L’appel du nord
  23. 23. art &geographie 23
  24. 24. Knut Asdam,Tripoli, 2011, Archival Pigment Print, 160 cm x 280 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi 24 art &géographie
  25. 25. Isabelle de Maison Rouge : Tu réalises une exposition sur les artistes norvégiens, d’où vient cette idée ? Jérôme Poggi : Ce projet s’est construit à partir d’un travail mené depuis plusieurs années sur les écrits de Munch, à travers lequel je m’intéresse à une dimension de son œuvre pour révéler une autre facette de sa personnalité, qui s’éloigne de l’image quelque peu caricaturale et réductrice du peintre mélancolique du Cri, frappé dès son plus jeune âge par la maladie et la mort. Dans certains de ses écrits, on ressent une ferveur impressionnante, une foi dans la vie qui s’exprime à travers une vision mystique et cosmogonique du monde, qui est peut-être typiquement norvégienne. Pour Munch, la vie est en tout. Il la trouve même dans la pierre inerte, l’infiniment grand se retrouvant dans l’infiniment petit, etc. IMR  : Pourquoi  s’intéresser à ce que l’on nomme actuellement la scène artistique du Nord ? JP  : Depuis ses débuts, ma galerie est associée à des artistes du nord de l’Europe, notamment Kees Visser, originaire des Pays Bas, qui a vécu aussi en Islande. J’ai constaté que toute une génération d’artistes français s’était installée dans le Nord de l’Europe, en Belgique ou à Berlin, car les conditions de travail pour les artistes y sont très favorables et parce qu’il y existe une scène institutionnelle très féconde. Par ailleurs, de nombreux collectionneurs importants sont implantés dans des pays protestants de l’Europe septentrionale, qui a connu une développement économique très important ces dernières années. C’est le cas de la Norvège, qui était l’un des pays les plus pauvres d’Europe jusqu’à ce que l’on y découvre du pétrole et des ressources naturelles gigantesques. En l’espace de quelques décennies, la Norvège est devenu l’un des pays les plus riches au monde, possédant un taux de chômage très peu élevé. Ces conditions permettent le développement d’une économie de l’art et la possibilité, pour les institutions, de se renouveler énormément. Par exemple, tous les musées déménagent dans de nouveaux lieux imaginés par les plus grands noms de l’architecture contemporaine, tel l’Astrup Fearnley Museum, l’un des plus importants musées privés d’art contemporain nordiques, qui sera abrité dans un bâtiment construit par Renzo Piano. Les pays du nord sont très en phase avec leur temps. Je dis toujours en riant que les changements climatiques à venir vont faire qu’Oslo, Bergen et la vallée des fjords seront la nouvelle Riviera européenne d’ici quelques décennies …Mais ce n’est peut-être pas si insensé que cela ! De nouvelles voies de transport maritimes vont s’ouvrir là-bas au fur et à mesure que les glaces fondent. On découvre des ressources naturelles insoupçonnées qui en font un pays économiquement fort. Le fonctionnement démocratique y est assez contemporain avec une notion plus participative liée à la qualité de vie. Les préoccupations environnementales des norvégiens sont très en amont des nôtres. Chez nous, le lien avec la nature s’est quelque peu atrophié alors que les pays nordiques et scandinaves évoluent au sein d’une civilisation encore très naturelle. La nature étant à mon avis un des enjeux fondamentaux du millénaire à venir, les enjeux qui lui sont liés se répercutent à tous les niveaux économiques, politiques, écologiques et artistiques… art &geographie 25 Entretien avec Jérôme Poggi Propos recueillis par Isabelle de Maison Rouge
  26. 26. Peder Balke, Sans Titre, peinture à l’huile sur toile, 31x37cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi IMR : Retrouve-t-on ces préoccupations dans les travaux des artistes du nord en général ? JP : Oui, dans une certaine mesure. Je reprends l’exemple de Kees Visser, qui, comme beaucoup d’artistes de sa génération, s’est interrogé sur le devenir de la peinture géométrique abstraite dans les années 80. Tandis que certains artistes tels John Armleder et ses Furniture sculpture par exemple y ont répondu par des solutions d’ordre plutôt culturel, Kees Visser a renouvelé sa vision de la peinture par son expérience de la nature islandaise, en arpentant son territoire aux côtés des plus grands artistes contemporains comme Richard Serra, Richard Long, Daniel Buren ou Roni Horn dont il était le guide en Islande. En se nourrissant de l’histoire de l’art moderniste et du contact direct à la nature et au paysage, Kess Visser a ouvert de nouveaux champs de recherche dans sa pratique picturale et trouvé des solutions singulières aux questions que se sont posés les artistes de sa génération. IMR : L’art de la Norvège est peu connu, mais la figure de Munch est omniprésente. JP :C’estvrai,EdvardMunchestsansdoutelepremierpeintre norvégien à avoir connu une telle notoriété internationale. Mais après lui, plusieurs artistes ont également conquis une place sur la scène de l’art internationale. Je pense à des artistes comme Anna-Eva Bergman dont on redécouvre aujourd’hui l’importance et la modernité, ou à Knut Asdam, Per Barclay, AK Dolven ou Vibeke Tandberg qui, dans les années 90, ont acquis une notoriété bien au-delà de leurs frontières. IMR : A quoi, l’attribues-tu, en dehors de bonnes conditions matérielles? JP : C’est un peuple de voyageurs, un peuple de vikings, donc d’explorateurs. Sur le plan linguistique, forcément, ils sont très ouverts. Ils sont obligés car leur langue est peu parlée. Je suis surpris quand je voyage à Oslo de voir dans le tramway que tous les jeunes norvégiens lisent directement en anglais, sans pour autant renier leur langue. C’est un peuple de voyageurs depuis la nuit des temps, qui, sur leurs drakkars fendaient les mers et partaient à la découverte du monde dans des bateaux fascinants, aussi fragiles que performants. L’idée de partir à la découverte du monde est quelque part intrinsèque à la culture norvégienne. Les artistes norvégiens ont tous énormément voyagé. 26 art &géographie
  27. 27. IMR : Peux-t-on parler d’un art norvégien ? JP  : Mettre en avant l’identité de la Norvège dans l’art n’a pas beaucoup de sens. Il n’y a pas, en dehors de ces considérations que l’on vient de soulever, un art norvégien immédiatement identifiable. Je repense cependant à un texte de Jean Clair qui disait que les lieux dans lesquels on est élevé ont forcément une empreinte sur notre façon d’être au monde. À moins d’être totalement nomade et sans attaches, on est quand même marqué par le territoire auquel on appartient. Mais il convient de bien distinguer l’idée de territoire et celle la nation. IMR  : Dans ta galerie tu consacres une exposition aux artistes norvégiens mais pas uniquement contemporains ? JP : En effet, elle démarre avec le grand peintre Peder Balke (1804-1887) à qui Louis Philippe avait acheté une série de peintures qui sont aujourd’hui au Louvre. Lors de son exil en 1795, Louis-Philippe a fait un long voyage en Norvège où il a été énormément marqué par la beauté des paysages et la force de la nature. Lorsque Balke voint à Paris quqlues années plus tard et sollicité une audience auprès du Roi, ce dernier le rencontra immédiatement, toutes affaires cessantes, pour passer trois jours avec lui à évoquer ses souvenirs du Grand Nord. C’est un peintre fantastique recherché par les plus grands amateurs d’art. Nous présentons une de ses peintures à l’huile des années 1870, provenant d’une collection privée anglaise, en regard d’une installation vidéo d’Anne-Katrine Dolven, l’une des grandes représentantes de l’art contemporain norvégien. Un des traits de la modernité en Norvège est qu’il y a eu beaucoup de femmes reconnues en tant qu’artistes. Je ne saurai dire à quoi c’est dû, peut-être une société plus libre. Peut-être est-ce lié à la fameuse Bohême de Christiania (ancien nom d’Oslo), plus libertine, plus libertaire, plus tolérante. Nous présentons également des œuvres d’Anna-Eva Bergman, autre artiste femme très reconnue même si on l’a longtemps perçue dans l’ombre de son mari, Hans Hartung. Ces figures historiques dialoguent avec cinq artistes contemporains de plusieurs générations (50 ou 35 ans), dont trois ont représenté leur pays à la Biennale de Venise : Per Barclay, Knut Åsdam et Per Maning. IMR : Si l’on reste sur une vision caricaturale basée sur des idées reçues, la Norvège apparaît comme un pays où il se passe peu de choses, pourtant elle a été le terrain d’une tuerie qui s’y est déroulée récemment et nous a tous choqué. JP  : Ce pays, qui ne connaît pas de difficultés sociales manifestes a en effet été le théâtre d’une immense tragédie, qui témoigne de ce qu’aucun pays ne peut se croire à l’abri de la barbarie et des tremblements qui agitent la société mondialisée. En même temps lorsque j’ai vu les photograhies dans la presse de ce criminel, j’ai pensé à une série de tableaux que Munch a peint, représentant un meurtrier hagard, faisant face au spectateur. Au-delà des clichés associés au rapport fondamental que les norvégiens entretiendraient avec la nature, de nombreux artistes font également preuve d’une attention particulière à la société dans toutes ses composantes humaines, psychologiques, sociales et politiques. Je pense à Knut Åsdam, qui aborde la question du paysage, loin d’être des images naïves, bucoliques liées à la représentation d’un Eden primitif. Son travail est très orienté sur l’architecture, l’urbanisme, les relations humaines. Il travaille souvent sur la jeunesse, représentée dans l’exposition par une photographie d’un baiser entre deux jeunes, un métis et une norvégienne, devenue une icône de l’art norvégien contemporain. Cette image évoque le fameux baiser de Munch, ce qui la rend certainement très emblématique, mais elle témoigne aussi de la violence et de la tension contenue dans les relations humaines, notamment multi-culturelles. IMR  : Cela correspond-il à quelque chose de précis dans la démarche que tu mènes avec d’autres acteurs de l’art, à un besoin de jeter un coup de projecteur sur une scène européenne moins connue, une sorte de «  norsk connection », comme une alternative aux scènes chinoise, russe, indienne ou brésilienne que l’on découvre et nous présente depuis peu comme des pays émergents? JP : Il est vrai qu’il y a eu ces importations, un peu massives parfois, un peu caricaturales, parce que précipitées, de scènes artistiques entières révélées dans quelques expositions phares. Mais, il faut bien le dire, ce sont des continents tellement énormes qu’il faudrait bien plus de temps pour les voir avec un peu de discernement, notre regard reste très occidental sur ces productions. On peut, avec plus de circonspection, regarder ce qui se passe aussi en Europe. Il y a eu par exemple ces dernières années un travail d’exploration de la scène artistique de l’Europe de l’Est, qui a révélé beaucoup d’artistes très intéressants. Je suis persuadé que le même travail doit être fait avec la Scandinavie et l’Europe du Nord. Pour ma part, cela fait longtemps que j’ai fait mienne la devise de ce grand pionnier écologue rêne Dubos, « think globally, act locally ». Il y a tout un renouvellement de la scène institutionnelle, comme de l’économie de l’art dans ces pays et je crois qu’au-delà de ces aspects, les pays scandinaves sont très en phase avec leur temps. 27 art &geographie
  28. 28. Per Barclay, Rue Visconti 11 (Paris) Tirage photographique de la Rue Visconti, Courtesy Rue Visconti & Galerie Jérôme Poggi, Paris 28 art &géographie
  29. 29. entre Nord et Sud est complémentaire et indispensable parce qu’il se nourrit de ces différences. Je ne mesure pas en terme de volume de pourcentage la représentation et le taux de présence dans les collections des pays du sud des artistes du nord et vice versa, mais il me semble que se serait intéressant de pousser cette étude. Mais je pense que toutes ces différences s’estompent un peu. Un artiste d’origine du nord qui vit à Londres, par exemple, conserve- t-il des influences de son pays de naissance ? Peux-t-on, à travers leur travail, repérer des caractéristiques communes à ces artistes pour comprendre leurs origines  ? Si on cherche bien on va en trouver, mais cela ne saute pas aux yeux à priori. C’est vrai qu’aujourd’hui ces questions de géographie sont plus ténues… IMR : Il semble qu’aujourd’hui l’on se pose des questions à caractère géographique : à quoi correspond un pays ? Est- ce en terme de frontières nationales ou plutôt sur la notion de territoire ? Je suis frappée par l’expression actuelle de « scène artistique », l’on entend tout le temps prononcée cette formulation de scène française, scène européenne… ES  : Effectivement, ce rapport au sol est pertinent, à quel pays appartient-on si l’on regarde toutes ces transformations dues aux flux migratoires. Je suis italienne vivant en France, je n’ai jamais payé d’impôts dans mon pays, mais je ne vote pas dans le pays où je vis… L’histoire est différente avec les générations qui se suivent. Ce n’est pas mon cas, mais je suis entourée d’amis qui sont d’origine italienne, mais nés en France, ou de parents marocains ou tunisiens ou algériens et qui se considèrent comme complètement français. Mais en même temps ils ne le sont pas uniquement parce que leur culture est constituée d’un mélange intrinsèque. Dans le monde de l’art, si je prends l’exemple des biennales, l’ensemble est devenu totalement Isabelle de Maison Rouge : Dans le cadre de l’exposition Norsk que vous présentez conjointement avec la galerie Jerôme Poggi, je voudrais vous interroger sur le sens d’un questionnement géographique dans l’art ? Emilia Stocchi : Je suis italienne, donc du Sud de l’Europe, mais en Italie déjà on sent le contraste entre Nord et Sud et au sein de mon éducation je l’ai vraiment senti. En tant qu’italienne vivant en France depuis 20 ans, je suis plutôt sensible à ces questions de géographie, et particulièrement dans le sens Nord/ Sud…Toutefois, il me semble que cette question Nord/Sud s’est déplacée depuis 10 ans plutôt vers la question du centre. Je pense qu’il y a plusieurs centres et qui se déplacent, d’ailleurs. Pour nous pays du Sud, ceux de l’extrême Nord et notamment les pays scandinaves sont assez mal connus. Déjà, on peut se poser la question de leur rattachement à l’Europe puisque cela ne passe pas par le truchement de la monnaie. De plus, leurs artistes voyagent beaucoup, mais ils restent très attachés à leurs pays. Je constate que nous sommes poussés par la curiosité de partir à leur découverte. Nous sommes séparés d’eux par des eaux, par la langue, les traditions. Pourtant dans l’histoire de l’art il y a toujours eu des échanges entre la peinture du nord et celle du sud, et particulièrement sur la recherche de la lumière. Cet échange se poursuit à travers le temps. Effectivement on a cette attirance vers cette culture différente. IMR  : En effet sur le plan visuel, peut-on se poser la question de cette différence entre la production artistique du Nord de l’Europe ou du Sud, cette question a-t-elle du sens, est-elle pertinente ? ES  : Oui, il me semble important de réfléchir à cette influence sur les arts visuels, de la question de la vision, liée à l’implantation géographique. Je pense que cet échange 29 art &geographie Entretien avec Emilia Stocchi Propos recueillis par Isabelle de Maison Rouge
  30. 30. international. Celles-ci s’enclavent dans différents pays et organisent cette circulation et des passerelles plus faciles d’une culture à l’autre. Dans le même temps, on sent un mouvement de balancier à cette ouverture, on sent une peur, un désir de ne pas oublier d’où l’on vient, où se trouvent ses frontières, ses racines…. C’est toujours un mélange entre les deux, cette envie de nuancer et dépasser les frontières (par les biennales, foires internationales, résidences d’artistes à l’étranger) mais les pays se posent aussi des questions sur la reconnaissance de leur scène nationale à l’étranger. Ce questionnement par rapport aux origines, par rapport à la formulation de ce qui fait la scène d’un pays se pose encore toujours. On voit en effet dans les pays du Nord un soutien très fort de leurs états qui donnent énormémentdeboursesàleursartistespourlesaideràavoir un rayonnement international. Il existe une ambivalence par le fait que la question de l’identité s’estompe en partie à travers ces scènes artistiques par ce qu’elles sont de plus en plus mélangées, mais il y a toujours cette recherche de devenir une entité face aux autres. On parle en effet en ce moment d’une scène européenne qui veut se distinguer des scènes asiatiques, africaines, sud-américaines, on réfléchit de plus en plus en terme de continents…Le nom de scènes « émergentes » me pose toujours beaucoup de problèmes. Il est d’usage, il a son sens, mais le mot émergent que signifie-t-il vraiment ? Il indique peut-être qu’à un moment donné, il y a un ensemble de recherches communes, une dynamique… C’est un terme à manipuler avec des pincettes s’il est appliqué à l’âge ! Cela m’échappe un peu, je l’avoue, même s’il est très employé par tous les ministères ou toutes les entités culturelles et politiques. Ces réflexions me portent à constater l’émergence (pour le coup…) de ce que l’on nomme actuellement une scène européenne, mais qui existait déjà, mais peut-être est-ce une volonté de prise de conscience face à ces grands blocs asiatiques ou autres, et correspond à un besoin de se fédérer en Europe pour garder une certaine place sur l’échiquier artistique. IMR  : De même que le mot  «  scène  » n’est employé que depuis peu pour qualifier ces regroupements géographiques. On constate des transformations dans le vocabulaire utilisé dans l’art contemporain international, des glissements sémantiques…. ES  : Oui, vous avez raison, c’est intéressant. Le mot scène veut préciser quelque chose qui est de l’ordre de la représentation et est lié à des volontés gouvernementales ou para-étatiques d’un pays. Cela a des avantages et des inconvénients, en tout cas, là aussi cela a toujours existé Edvard Munch, Mélancolie (Etude de rochers et bord de mer), circa 1896-1902, pastel sur papier, 25 x 35,5 cm Courtesy Galerie Jérôme Poggi 30 art &géographie
  31. 31. sauf que l’on l’appelait autrement. Mais c’est vrai, si l’on parle d’une scène européenne, toutes les disparités Nord/ Sud, mais aussi Est/Ouest vont peu à peu se gommer et l’on parlera plutôt de zones géographiques moins liées à l’hémisphère, mais avec des grands blocs, comme l’Asie au sens large, l’Afrique, l’Inde, le Brésil, et le Moyen Orient… qui sont des zones culturelles. IMR : On pense le monde selon une autre géographie, et qui plus est qui n’est pas figée ? ES : En effet, les curseurs se déplacent de tous points de vue, même économiquement. Ces questions Nord/ Sud sont à envisager différemment. Je pense que l’Equateur se dématérialise de plus en plus. La géographie, avec ses fuseaux horaires et ses données traditionnelles de coordonnées et emplacements du Pôle Nord ou du Pôle Sud reste, mais les frontières changent, la grille de lecture évolue. IMR : C’est donc un point de vue aussi bien géographique qu’historique ? ES : Oui, c’est aussi un changement de mentalités et de générations, on sent une ouverture à d’autres langues qui est inévitable. On verra de manière tangible ces transformations. Le changement de visions des découpages géopolitiques va se faire sentir très vite, avec un grand nombre de départs à la retraite dans les centres d’art, les comités d’achat, les ministères et l’on verra arriver une génération plus sensible à ces préoccupations. Cela viendra par des initiatives telles que fédérer en Europe les principaux lieux d’expositions de l’art contemporain, monter des résidences d’artistes ou dans le domaine de l’éducation… IMR : A l’heure où les frontières paraissent raccourcies, grâce à l’évolution technologique et la démocratisation des transports, cela permet une plus grand mobilité des objets mais aussi des gens, des acteurs de l’art et des pensées. Mais finalement, lorsque l’on regarde l’histoire cela a toujours existé, ce n’est pas nouveau, l’artiste a toujours été très mobile, à la renaissance, il circulait de cour en cour. La place de l’artiste et de l’art est donc au cœur de ces questions contemporaines ? ES : Oui, tout à fait, l’artiste se déplace pour présenter sa culture, mais aussi pour s’imprégner d’une autre et c’est vrai que cela s’est fait de tout temps, mais maintenant c’est plus simple et plus rapide effectivement, ne serait-ce que pour pouvoir se parler à distance via internet et mettre en place des conférences. Cette année, j’ai participé à un colloque à l’Unesco autour de l’art public et je pense que ce type de sujet de définitions de zones géographiques sont intéressantes à aborder dans des colloques parce qu’ils croisent des acteurs de l’art, mais aussi des urbanistes, des sociologues …des gens différents sont donc réunis autour de ces sujets. Les visions de pays différents sur les mêmes thématiques dans ce genre de réunions font vraiment mûrir le sujet et permettent de passer à un stade supérieur. Cela a l’avantage de s’interroger à un autre niveau, sur des questions telles que : que signifie le nom scène européenne ? est-ce uniquement des pays situés dans la zone euro qui aujourd’hui connaît des bouleversements ? ou comment penser la présence de tous ces turcs en Allemagne, par exemple, qui se considèrent comme des allemands à part entière ? ou même, la population belge qui reçoit sur son sol le siège européen et vit elle-même une séparation politique entre flamands et wallons et qui a accueilli quantité d’émigrés…Le sujet art & géographie mérite en effet d’organiser un colloque international, et est vraiment pertinent au moment d’une actualité importante. Il ferait prendre conscience que l’Europe est constituée à la fois de tout un pan de Méditerranée et de, peut-être, toute cette mer Baltique, donc deux mers qui représentent des zones importantes et qui astreignent à des conditions géographiques mais qui en sont des composantes géopolitiques, les enjeux ne sont pas les mêmes. Je pense que l’on vit la fin d’un système, les limites en ont été atteintes et cela correspond à ces redistributions de cartes géographiques. J’ai lu dans un article récemment une phrase de Philippe Stark qui disait que notre génération va connaître la pauvreté. Il faut donc que l’on revoit, reformule, redéfinisse nos besoins. Notre époque n’est pas simple mais très enrichissante, car nous sommes obligés de laisser un peu de côté de nos identités pour aller vers plus de solidarité en réseaux européens. Cela peut–être intéressant de regrouper les forces et les ressources aussi bien culturelles que celles du sol. Nous en sommes arrivés à un moment naturel et inévitable de se souder. Une crise est toujours finalement un moment important pour l’art qui a toujours son rôle qui est de fédérer. Je crois beaucoup à cela. Emilia Stocchi, directrice de la structure Primo Piano, lieu privéàbutnonlucratifsoutenantlacréationcontemporaine C’est toujours un mélange entre les deux, cette envie de nuancer et dépasser les frontières (par les biennales, foires internationales, résidences d’artistes à l’étranger) mais les pays se posent aussi des questions sur la reconnaissance de leur scène nationale à l’étranger. 31 art &geographie
  32. 32. La pièce à conviction de Michel François qui semble être une vitre brisée, est en fait, vue de près une photographie en trompe l’œil, collée sur le mur. La brisure du choc sur la vitre est saisie en instantané comme un arrêt sur image. 32 art &géographie
  33. 33. Isabelle de Maison Rouge  : Revenons sur l’exposition que tu as organisé avant l’été sur la scène artistique belge contemporaine à la fondation Hippocrène. Comment a-t- elle été reçue ? Jeanette Zwingenberger : Elle a été très bien accueillie car on pouvait y retrouver des artistes célèbres de Belgique, comme Ann Veronica Janssens et Michel François, qui ont représenté la Belgique lors de la Biennale de Venise en 1999, et ont également été deux acteurs importants au Festival d’Avignon cet été. Ou encore Johan Creten, très célèbre aussi en France. Mais les visiteurs ont aussi pu faire des découvertes. IMR  : Pourquoi avoir choisi de montrer les œuvres d’artistes de ce pays ? JZ : Tout d’abord, parce que la fondation Hippocrène, qui m’a invité, réalisait la dixième rencontre intitulée Propos d’Europe autour d’expositions d’artistes européens qui marque la spécificité de cette organisme, dont les locaux se situent dans un endroit magnifique qui est l’ancienne agence de l’architecte Mallet-Stevens. Et puis, surtout, parce que je suis la scène belge depuis longtemps. Il y a deux choses, d’une part pour des raisons fiscales de nombreux collectionneurs habitent en Belgique, mais aussi parce contrairement à la France, se sont plus des initiatives privées qui portent l’art en Belgique. On y trouve des acteurs privés très dynamiques, des collectionneurs qui achètent et qui ouvrent les portes de leurs collections et il existe de grandes galeries, et les artistes eux-mêmes sont dynamiques et savent faire bouger les collectionneurs. Il faut souligner aussi que les différentes entités fédérées par l’État belge ont déployé un des tissus institutionnels et privés les plus développés en Europe. Des centres d’art, des musées, des galeries et des collectionneurs encouragent alors une vitalité qui se développe avec des artistes qui viennent de toute l’Europe. IMR  : Penses-tu que cet exemple pourrait donner des envies et susciter des désirs en France ? JZ : Il y a en France une sorte de refus de la peinture et du dessin, mais qui commence à changer. La Belgique est un pays d’une immense diversité et d’une grande vitalité artistique. Paradoxalement, le Royaume de Belgique, pays qui accueille dans sa capitale, Bruxelles, les principales institutions de l’Union Européenne (le Conseil européen, le Conseil de l’union européenne et la Commission européenne), vit un déchirement politique entre ses deux principales communautés linguistiques, la Communauté flamande, d’expression néerlandaise, et la Communauté française de Belgique. Au niveau politique et géopolitique il existe une lutte, un conflit très violent. L’histoire nous a appris que dans la difficulté se forge souvent une scène artistique importante, en alerte et active. Toutes ces diversités de langues et de cultures se retrouvent dans l’art contemporain qui témoigne d’une grande liberté. Ainsi se rencontrent simultanément forme et informe, rigueur et spontanéité, mais également un dialogue avec l’histoire qui enrichit les oeuvres. L’engagement personnel, toujours en dialogue avec la richesse culturelle de ce pays, et une grande solidarité entre les artistes, ainsi qu’un goût pour la fête, caractérisent la scène belge. Dominique Païni, commissaire de l’exposition ABC pour Art Belge 33 art &geographie Entretien avec Jeanette Zwingenberger Propos recueillis par Isabelle de Maison Rouge
  34. 34. Ci-dessous : Cette pièce d’Ann Veronica Janssens fait référence à une histoire personnelle. En l’an 2000, elle se rend compte qu’elle est absente de l’annuaire téléphonique, bien qu’elle vive toujours à Bruxelles. Dans ce livre des habitants de sa ville, elle devient un trou noir. Durant la nuit Johan Creten se promène dans le métro parisien avec cette langue qui date de 1986, elle devient un objet qui le protège, une arme, une référence érotique ou un enfant… Contemporain, au Fresnoy en 2010, soulignait que «  la Belgique est probablement un des rares pays au sein duquel cohabitent en s’influençant mutuellement deux tendances généralement tenues comme contradictoires dans l’art après 1945 : un courant conceptuel et minimaliste, et un courant post-dadaïste parfois potache, au risque de l’idiotie burlesque ». Aujourd’hui la peinture et le dessin représentent une grande scène internationale. IMR :Penses-tuquecelaaitdusensdeparlerdegéographie de l’art ? Est-ce que les scènes nationales existent encore ou bien avons nous basculé dans un art international ? JZ  : Cette fameuse phrase «  think global, act local  » (Patrick Geddes), penser globalement et agir localement, m’intéresse. Je suis allemande d’origine et j’ai fait ma thèse d’histoire de l’art sur Holbein le jeune, et je vis à Paris depuis 20 ans. Je pense que chaque culture, chaque langue possède en elle-même une certaine approche, une certaine perception du monde. C’est cela que je montre dans cette fondation Hippocrène tournée vers les expressions européennes. On trouve des spécificités. Dans l‘art belge, cela se perçoit au niveau des langues, un certain humour, la traduction de la BD, Tintin notamment, la dérision … tous ces éléments en sont des caractéristiques. Il n’est pas question de parler de nationalisme, mais il convient d’en souligner la spécificité. IMR : Peux-t-on parler à ton avis d’une scène européenne qui serait face, mais pas en concurrence à une scène américaine, russe ou indienne ou chinoise par exemple ? JZ : Je suis, comme Dante dans son exil a été le premier à l’écrire, une citoyenne du monde, mais il y a une histoire et des questions européennes que je défends parce qu’elles sont importantes et qu’il ne faut pas les gommer. Ainsi, par exemple, Johan Creten développe un vocabulaire plastique qui va de l’art flamand à l’art nouveau, cet entourage et ces traditions, les artistes s’en nourrissent et il faut en parler. IMR : On revient à la notion de cannibalisme que tu avait montré dans une exposition à la Maison Rouge ? JZ  : Oui, parce que c’est important d’abord de dire d’où l’on est, d’où l’on vient pour expliquer ensuite où l’on veut aller. Le vocabulaire, la spécificité belge avec Rubens, James Ensor, Broodthaers indique un humour et une dérision sur soi-même qui leur est bien particulier. IMR : A la renaissance on assiste à de véritables influences mais aussi conversations et échanges entre école du Nord, école Flamande et école du Sud, école italienne, penses- tu que ces regards croisés existent toujours ou bien est-ce complètement dépassé ? JZ  : Il existe certains endroits comme à Berlin où les échanges sont très nombreux. Pour moi Berlin est le New Yorkd’aujourd’hui.Bruxellesl’estaussi,etaétéàunmoment ce lieu d’échanges, mais à cause de l’Union européenne, elle est devenue une ville très chère. C’est un peu moins le cas aujourd’hui, mais il y 10 ou 20 ans c’était un milieu culturel intense, le carrefour de l’Europe. IMR  : Et penses tu que l’on puisse continuer de penser selon un modèle Nord/Sud ? JZ : Oui, géographiquement, climatiquement, les endroits peu accueillants et un peu frustes comme le nord ou en Allemagne, Essen et Düsseldorf, sont des grandes métropoles d’art, comme une sorte de compensation. Quand le climat est clément, on est plus dans une culture de jardins paysagés qui a sa raison d’être, alors que le nord est plus propice à l’art et aux collectionneurs. Il y a vraiment un dynamisme industriel qui soutient l’art. IMR : Pourrais-tu qualifier cette vitalité de la scène belge ? JZ : Les belges voyagent beaucoup, parlent beaucoup de langues et savent qu’ils ne peuvent compter que sur leur propre énergie. En Belgique, les scènes actuelles sont Bruxelles, Anvers et Gand avec toutes ses richesses. La scène institutionnelle belge est actuellement en grande difficulté, mais elle est palliée par un fort dynamisme privé. Lors de la foire de Bruxelles, les collectionneurs ouvrent leurs portes aux autres collectionneurs, aux critiques d’art et ils prêtent, de manière très généreuse, leurs œuvres. Ce que j’ai constaté également chez les artistes belges, c’est une solidarité, par exemple Ann Veronica Janssens va régulièrement voir des jeunes artistes et les soutient, ce qui n’est pas forcément le cas en France. On sent une grande entraide et un échange intergénérationnels. Jeanette Zwingenberger est docteur en histoire de l’art et commissaire d’exposition indépendante. 34 art &géographie
  35. 35. Avec cette nouvelle interprétation plastique, l’artiste Benoît Platéus crée un trouble dans l’univers de la BD en déjouant sa lecture habituelle, en y introduisant des accidents. 35 art &geographie
  36. 36. Vues de l’exposition Pearls of the North au Palais d’Iéna. Crédit photographique : Rebecca Fanuelle Tous droits réservés aux artistes : (image du haut) Jacques Charlier, Kelly Schacht, The Plug ; (image du bas) Vera Cox, Lili dujourie 36 art &géographie
  37. 37. Isabelle de Maison Rouge : Pourquoi le nord ? Caroline Smulders : Parce que j’en suis. Le point de départ de l’exposition Pearls of the North était très bête et 1° degré, j’avais envie depuis 25 ans que je suis en France de faire un projet sur cette notion totalement éculée et complètement oubliée du Bénélux, qui est une notion géographique, historique et économique dont j’ai entendu parlé durant toute mon enfance et qui a été engloutie dans l’Europe et qui n’existe plus. Mais, même jusqu’au moment où les gens ne savent plus que ce c’est que le Bénélux. La raison pour laquelle cela s’est cristallisé cette année, c’est, qu’avec tous ces remaniements cette année à la FIAC où de nombreuses galeries n’ont pas pu trouver de place, j’avais justement envie de montrer que l’on pouvait monter un projet collégial qui échappait complètement au marché, c’est à dire, faire quelque chose d’autre, d’accrocher différemment. La raison pour laquelle cela s’est passé dans le palais d’ Iéna, c’est que au moment où je suis entré dans cette salle hypostyle je me suis dit « cela ressemble au nord…Il y a un côté du nord, il y a une couleur du nord, il y a une froideur du nord…  ». Il y avait quelque chose qui correspondait totalement à ce que je rêvais de trouver depuis des années. Tout à coup je me suis dit on va le faire. Après, les ennuis commencent : comment trouver 150 000 € ? Et comment motiver tout le monde alors qu’on est déjà en juillet au moment où tout le monde partait en vacances en France, mais grâce à Dieu il y a eu des décalages de calendrier, car les belges et les hollandais rentraient de vacances ce qui a fait que j’ai toujours eu des interlocuteurs pendant tout l’été. Mais c’est vraiment un projet collégial, ce n’est pas un ou deux directeurs artistiques qui ont une liste très établie d’artistes, la liste on l’avait évidemment mais elle regroupait 250 artistes et la manière dont on a travaillé, c’est vraiment de s’associer à une vingtaine de personnes qui ont quasiment tous été acteurs dans ce projet avec de véritables décision collégiales qui consistaient à se poser les questions suivantes : « qu’est-ce que vous pensez de untel et si on montrait tel artiste et telle œuvre de tel artiste est-ce que vous seriez d’accord ? En fait, c’est comme si on s’était contraints à se donner des libertés, jusqu’à se contraindre à montrer un artiste qu’on n’aurait jamais trouvé et qui nous a été présenté par un des parrains. On s’est laissé la liberté de montrer un artiste qui ne vient pas d’une galerie repérée et n’est pas passé par les musées ou centre d’art X ou Y., pourtant ce n’était pas du tout le vilain petit canard, au contraire, il était très bien intégré…La seule obligation de cette exposition était géographique : des artistes du Nord, ou issus ou résidents dans le nord de l’Europe. IMR : Est-ce que cela se présentait comme un souvenir de l’école du Nord prodigieuse qui a existé dans le passé ? Y a-t-il une raison d’être encore à cette vision ou bien est-ce totalement obsolète à l’heure actuelle ? CS  : J’avais envie de contredire l’idée de limites géographiques et de montrer que les artistes sont universels et traversent bien sûr les frontières, mais tout en donnant la possibilité au visiteur de remarquer que l’on trouve quand même beaucoup d’œuvre post-surréalistes et aussi beaucoup d’œuvres qui viennent certainement de toute l’abstraction géométrique de Hollande, de l’abstraction du début du siècle et qu’il y a beaucoup d’artistes qui viennent de là et qui ont tous énormément regardés Mondrian entre autres mais qui sont dans une idée beaucoup plus baroque en fait de l’abstraction. Mais on sent tout de même une identité géographique, mais qui s’universalise, c’est à dire que se sont des artistes qui ont évidemment tous regardé beaucoup la peinture allemande, qui sont pour la plupart extrêmement sophistiqués mais qui gardent au fond de leur cœur une appartenance à un côté totalement belge réaliste. Même dans leur conception conceptuelle on retrouve un côté post-broodthaersien qui est très étonnant et qui m’intéresse beaucoup. Mon envie était aussi de pouvoir dire à ces artistes, vous êtes dans un pays, mais vous en êtes 37 art &geographie Entretien avec Caroline Smulders Propos recueillis par Isabelle de Maison Rouge
  38. 38. sortis aussi. Une autre dimension qui m’a toujours intéressé est un côté très nationaliste d’un marché comme celui-la, qui est extrêmement soutenu par son propre pays et dont les artistes ne sont absolument pas connus dans le pays voisin, puisque mon pari était que personne, même les plus grand spécialistes ne connaissent pas tous les artistes et j’ai réussi, car effectivement aucun des visiteurs ne connaissaient tous les artistes, chacun faisait des découvertes. IMR : A l’heure où l’on parle toujours de mondialisation et même de globalisation, est-ce que ce projet ambitionnait aussi de faire une sorte de pendant européen du nord à toutes ces scène de pays émergents que l’on voit très régulièrement ? CS : J’avais envie de remettre à l’honneur des artistes plus âgés, puisque j’ai présenté presque 3 générations qui sont les piliers de la Hollande de la Belgique. Nous avons choisis volontairement 3 artistes qui ont plus de 70 ans, très importants mais extrêmement peu connus ici. J’avais envie de donner des sortes de pistes pour peut-être entraîner de grandes expositions de Lili Dujourie pourquoi pas , ou consacré à Ger Van Elk , ou Jacques Charlier, expositions qu’ils mériteraient d’avoir…Et j’ai remarqué que même les collectionneurs très sophistiqués étaient un peu perdus, ils avaient très vaguement vus leurs œuvres dans une ou deux expo à Paris, je sentais bien que leurs connaissances dans ce domaine étaient très vagues. Cela m’intéressait particulièrement de remettre quelques points historiques, en pointillé sans aucune volonté d’historienne d’art, je ne voulais pas du tout dresser un panorama de l’art actuel du Bénélux… Au contraire, j’ai brouillé les cartes, j’ai préféré renverser le panier, faire quelque chose de volontairement très aléatoire, pour retrouver quelques bases et quelques routes de départ et dire aux gens, si vous vous intéressez à tel artiste allez donc voir tel musée ...etc. C’est donc plus une invitation à la découverte et à creuser en profondeur et surtout ne pas être dans la globalisation. IMR  : Le public français a été surpris parce qu’il connaissait peu cette scène artistique, mais en revanche as tu pu faire venir beaucoup de personnes du Bénélux ? CS : Les collectionneurs de ces pays étaient en effet tous là et ils venaient aussi pour soutenir leurs artistes, ravis de voir leurs artistes là dans ce lieu sublime. Ces trois pays se sont vraiment mobilisés et ont beaucoup aidés leurs artistes. Les trois ambassadeurs étaient présents. L’ambassadeur du Luxembourg est même revenu voir l’exposition, car il était tellement content, je n’ai jamais vu ça ! IMR : Paris devenait à leurs yeux une place importante ? CS : Oui c’était pour eux un vrai enjeu, ils ont compris que c’était importantdefaireceprojetdurantlaFIAC,quelelieu était inédit et que le conseil économique et social qui n’avait absolument jamais ouvert ses portes à l’art contemporain auparavant n’est pas une boîte blanche et pour moi c’était primordialqu’ilpuisses’approprierleprojet.Ilétaitessentiel à mes yeux que les gens qui travaillent dans ce lieu non seulement ne soient pas dérangés par notre intervention, mais surtout qu’ils puissent s’y intéresser. Mon pari était, qu’au moins un employé, dise aux médiateurs : on voudrait Vue de l’exposition Pearls of the North au Palais d’Iéna Crédit photographique : Rebecca Fanuelle Tous droits réservés aux artistes : Kees Visser, Esther Tielemans 38 art &géographie
  39. 39. en savoir plus et pourquoi pas avoir quelque chose chez nous…Et nous l’avons gagné. Mon idée un peu utopique que j’ai toujours, c’est que ce type de projet peut ouvrir des portes, cela collait avec l’enjeu du président du CCE qui est faire de cet endroit un lieu ouvert à tous et convivial. Il a été notre plus grand défenseur pour remettre de la vie dans cet endroit. Les artistes aussi se sont beaucoup investis, ils sont venus, sont revenus, ont rendu cet endroit vivant. Je voulais surtout éviter que cela se fige et devienne un endroit pris dans la glace, c’était un lieu de vie. IMR : Il existe une grande différence entre les mentalités françaises et celles de la Belgique, la Hollande, le Luxembourg, mais aussi en Allemagne, sur la notion de collection ? CS : Les belges sont des gens très curieux. Je dis toujours que quand on a vécu avec Tintin et Babar on ne peut pas être pareil parce que l’on commence sa vie avec des notions qui sont totalement imaginaires, c’est la base de leur culture et peut être que c’est ce qui donne cette curiosité. Je crois que tous les petits pays sont toujours curieux. Pour les hollandais la dimension est encore différente parce qu’ils vivent dans la peur d’être inondés en permanence et il y a toujours cette référence à la précarité de la vie, avec un côté assezrigide,ilexisteunefroideur,maisquiestcomplètement contrebalancée par un humour qui m’enchante absolument et donc les collectionneurs ne sont pas les mêmes. Non seulement ils soutiennent de manière très active leurs artistes, parce qu’ils se rendent bien comptent qu’ils sont dans un tout petit pays et que s’ils ne le font pas, personne ne le fera à leur place. Mais ils vont aussi voir ailleurs, ce sont des gens qui bougent énormément, qui, comme il existe trois ou quatre langues dans leur pays, parlent un peu tout, se déplacent très facilement. Cette curiosité en effet domine et peut-être que l’art contemporain est plus normal, pour eux, que pour les français, qui sont quand même toujours assis sur leurs consoles XVIII° s (mais cela commence à bouger) avec une vraie culture littéraire qui n’aide pas à regarder, parce qu’étudier un texte et regarder une œuvre ce n’est pas la même chose. Il y a en France une non culture du voir, qui commence par l’enseignement, mais maintenant tout doucement on introduit une histoire des arts au collège, mais on n’en est pas au niveau des nordiques pour qui cela commence très tôt. IMR : Penses tu qu’il existe une différence de mentalité qui pourrait être liée à des origines religieuses très anciennes entre protestants et catholiques ? CS : Non parce que l’on est catholique en Belgique aussi. Non je ne pense pas, le système des commanditaires étaient le même. Mais ce qui est clair effectivement c’est qu’en France on n’ose pas montrer ce qu’on achète, en Belgique aussi et en Hollande plus ou moins…Ce ne sont pas des gens chez qui on entre facilement. IMR : Je pensais qu’en Belgique on avait beaucoup plus facilement accès à des collectionneurs qui montrent leur collection ? CS : Non je ne trouve pas tant que ça…je ne dirai pas ça. La peurdufiscestencoretrèsforte,ilsonttousuneattitudetrès étonnante vis à vis du fisc, on retourne dans Tintin. Dans mon expérience je n’ai pas eu ce sentiment, en revanche, j’ai plus eu la sensation que, comme il se trouve en Belgique et en Hollande, beaucoup de très grosses industries, ce sont des gens qui ont voyagés à travers le monde et sont de ce fait plus ouverts, parce qu’ils ont vus l’art sud américain… Ils ont achetés le premiers (notemment le Stedleck museum) ce sont eux qui ont achetés, avec les musées américains, les 1° œuvres des artistes pop, ici en France on était très en retard…En Belgique on trouve des œuvres très importantes dans les collections, même publiques, pas seulement dans les collections privées. IMR  : Et à côté de cela tu disais qu’ils soutiennent vraiment leurs artistes CS : Oui, c’est une chose très étonnante, la France a toujours été un gruyère dans le sens où l’on accueille très largement et volontiers tout le monde, et plus on est étranger, plus on a de chance de faire son trou en France, alors que la Belgique et la Hollande, c’est vraiment l’idée du petit pays qui regarde et qui soutient ses artistes, c’est presque un enjeu national. Dans le palais royal de Bruxelles, il y a eu plusieurs commandes passées à des belges, cela va jusque la. IMR  : En Hollande également, on voit de nombreuses collections d’entreprises qui ont dans leur collection un énorme fonds d’artistes hollandais ? CS  : Oui absolument et les fondations aussi. Cette exposition c’est faite d’ailleurs comme cela à partir de tous mes souvenirs de visites de ces collections. IMR : Le bilan est positif, les français on vu ces artistes du nord CS  : Oui et j’en suis ravie car j’ai eu de nombreuses questions, telles que :comment faire pour revoir les œuvres de tel ou tel artistes. Je vois des ramifications se créer et c’était vraiment le but. J’ai donné une sorte de bouquet pour que les gens puissent ensuite creuser et faire vivre ce projet plus longtemps en lui donnant des racines. Mais j’adorerai que se soit le n°1 d’un feuilleton qui se poursuivrait. Caroline Smulders dirige une galerie mobile ILOVEMYJOB et a été directrice artistique de l’exposition Pearls of the North au Palais d’Iéna siège du conseil économique, social et environnemental, du 14 au 23 octobre 2011. http://www.ilovemyjob.eu J’avais envie de contredire l’idée de limitesgéographiquesetdemontrer que les artistes sont universels et traversent bien sûr les frontières. 39 art &geographie
  40. 40. Sandra Mulliez devant l’oeuvre de l’artiste Adrián Villar Rojas au jardin des Tuileries, Poem for Earthlings, réalisée grâce à la SAM art projects art &collection 40
  41. 41. Isabelle de Maison Rouge : à quel moment t’es-tu intéres- sée à l’art ? Sandra Mulliez : L’intérêt pour l’art remonte à mon enfance. Je dessinais, je dessinais beaucoup, je suivais des cours d’art et j’ai eu un prix très tôt, toute petite. Je regardais aussi des livres et des livres, de la collection Skira de mes grands -par- ents; je passais mon temps à ne faire que cela ! Mais collec- tionner c’est autre chose ... IMR : Justement, qu’est-ce qui t’as amené à collectionner ? SM : J’ai toujours aimé l’art et j’avais quelques œuvres d’art, peu; c’était essentiellement des copains qui me donnaient leurs œuvres au Brésil. En France, après, je faisais des docu- mentaires, je n’étais pas dans le milieu de l’art et je n’avais pas les moyens de m’acheter de l’art, c’est cher l’art ! Avec mon mari, on a commencé à collectionner, je pense qu’il est venu grâce à moi vers l’art plastique, mais il a réellement lui-même une âme d’artiste, il a toujours fait de la musique, du cinéma etc… mais les arts plastiques, il y est venu par moi. Et nous avons commencé à collectionner ensemble. Et collection amène engagement, nous nous sommes dit : il faut aller plus loin et c’est là que l’on a senti qu’il fallait deve- nir mécènes et créer une structure qui puisse aider la créa- tion de notre temps. Nous avons dans un premier temps décidé de créer une résidence pour accueillir deux artistes hors d’Europe par an, dans la Villa Raffet, puis nous avons créé dans la foulée un prix qui est remis chaque année à un artiste résidant en France et nous avons monté un dossier pour être acceptés en tant que fondation. Elle s’appelle SAM art projects, ce qui signifie Sandra et Amaury Mulliez, et a été lancée en avril 2009. IMR : Parce que tu as toujours considéré que la collection, vous la montiez à deux, puis la fondation s’est faite à deux aussi, c’est une aventure de couple… SM : Jamais je ne peux dire que c’est moi toute seule, c’est un vrai projet de couple et sans mon mari je ne pourrai pas le faire. Et ce n’est pas uniquement sur le plan financier, j’ai vraiment besoin de mon mari, parce qu’il a un regard dif- férent du mien et qu’il m’aide à voir plus clair. Je suis liée à mon mari et ce projet c’est un vrai projet à deux. Cela nous apporte beaucoup au quotidien, beaucoup d’engagement, beaucoup de travail aussi, mais ce n’est que du bonheur… Même quand c’est stressant, on sent qu’on avance, qu’on tra- vaille pour la bonne cause et ce sentiment d’aller vers l’avant chaque jour dans l’aide à la création et aux artistes, cela me procure le bonheur le plus absolu du monde et à mon mari également, même s’il est moins visible que moi. IMR : Il reste moins visible parce qu’il souhaite ne pas l’être ? SM : C’est son choix personnel et je le respecte, et moi j’assume la visibilité parce que je suis comme cela et voilà… chacun son tempérament ! Je suis brésilienne… et notre projet c’est ça : les liens Nord/Sud et nous y sommes fidèles. art &collection 41 Collectionner l’art contemporain ne veut pas dire accumuler les œuvres. C’est un véritable engagement pour soutenir l’art de son époque. Avec le SAM Art Projetcts, Sandra Mulliez va plus loin. Portrait d’une dynamique et originale mécène. Entretien avec Sandra MulliezPropos recueillis par Isabelle de Maison Rouge Photographies par Valerie Broquisse
  42. 42. Le bureau où Sandra Muliez conçoit ses projets les plus fous dans sa fondation à la Villa Raffet. Oeuvres visibles : la colonne noire et blanche est de Chourouk Hriech, les trois photographies de Laurent Pernot, les casques sérigraphiés d’Adrian Villar Rojas, la sculpture en essuie-glaces de Camille Henrot, les documents encadrés de Dalas et la sculpture en verre partiellement visible sur la cheminée de Matti Braun IMR : Justement, penses-tu que c’est parce que tu es brési- lienne que tu as pu, en France, faire tout ce que tu as monté ? SM : Ah, ça c’est drôle comme question, parce que étant fran- çaise j’aurai eu une meilleure compréhension sur comment faire ici ! En tant que Brésilienne je pars avec un handicap ! Donc je ne vois pas comment cela pourrait être un avantage ? IMR : Parce que tu pars sans idées reçues, en France on est plutôt cadré ou cartésien… SM : Peut-être… IMR : Tu as poussé plus facilement certaines portes parce que tu ne savais pas qu’elle pouvaient être fermées ? SM : Possible… tu as raison et d’ailleurs parfois je sais qu’elles sont fermées, mais cela ne me dérange pas, je les ouvre. IMR : Dans ce cas, c’est également dans ton tempérament de prendre des risques, dans ta façon d’être, dans ta culture brésilienne, tu es toujours très spontanée et chaleureuse? SM : Oui sûrement. Je vois les choses plus simplement, peut- être. En France on complique un peu les choses parfois. J’ai une vision plus droite, je vois exactement là où je vais, parfois c’est dur d’y arriver, mais je sais où je veux aller. IMR : Et dans ce cas tu te débrouilles pour trouver les moyens pour y parvenir…. SM : Je fais tout ce que je peux et parfois je dois m’adapter parce que je ne suis pas seule. Et heureusement que je ne suis pas seule, parce que je pense qu’il y a beaucoup de gens qui m’ont beaucoup aidé et j’en suis très heureuse ! IMR : Il y a beaucoup de gens pour t’aider, mais y a-t-il aussi beaucoup de gens pour te solliciter sans arrêt ? SM : Oui, mais c’est normal qu’ils me sollicitent, et c’est nor- mal que je leur dise non ! IMR : Mais tu ne leur dis pas toujours complètement non, parfois tu trouves même des idées originales pour les aider… SM : J’ai un projet, et mon projet a besoin de moi et de mes moyens. Je ne peux pas m’éparpiller partout. IMR : Mais avec l’école des Beaux Arts de Cergy Pontoise, par exemple, tu proposes non pas de leur donner les fonds, mais tu leur a trouvé une solution amusante et innovante pour trouver leur financement ? SM : Absolument, j’ai proposé que l’artiste Jean-Charles Hue réalise des photos en mettant à nu quelques figures embléma- 42 art &collection
  43. 43. tiques du monde de l’art pour un calendrier artistique pour l’année 2012, et il a été mis en vente en édition limitée lors de la dernière FIAC en octobre au profit de l’école. IMR : Comme pour Beaubourg, pour l’exposition Paris- Dehli-Bombay, tu as mobilisé ton énergie, tes connais- sances parmi les collectionneurs pour mener à bien l’idée et produire les œuvres d’ORLAN et de Philippe Ramette… SM : Oui, parce que je crois qu’il faut le faire, sinon le projet est en danger ! IMR : C’est aussi ta façon d’être très inventive, et tu réalises ainsi des choses qui ne se pratiquent pas forcément ailleurs ! SM : C’est vrai, mais cela vient de mon passé où je faisais des performances; j’étais un peu dans la mouvance artistique de Sao Paolo des années 80. Je pense que tout ça est resté et je l’utilise aujourd’hui pour trouver des façons créatives pour aider. IMR : En même temps, tu dis toujours: ce sont les artistes qui comptent, tu veux toujours les mettre en avant. SM : Oui, c’est tout à fait normal, parce que ma tronche, ce n’est pas très intéressant… je suis juste une bonne femme qui veut aider et je mobilise beaucoup d’énergie… mais si les artistes ne sont pas là on n’y est pas non plus ! On est tous là, parce que eux nous proposent une autre vision du monde, et grâce à eux on peut le voir autrement. Et pour moi, tout tourne autour des artistes, sinon j’arrête tout. Rien n’est inté- ressant pour moi, si ce n’est les artistes. IMR : Et c’est ce que tu veux transmettre à tes enfants ? Sûrement … SM : Oui bien sûr, mes enfants rencontrent tout le temps des artistes et sont toujours en demande de les rencontrer et pour eux c’est très naturel et ils sont très contents. IMR : Quels sont tes projets en cours ? SM : Déjà il y a l’exposition de Laurent Pernot (lauréat du prix en 2010) au Palais de Tokyo le 1° décembre. Le 15 décembre on remet la 3° édition du prix. Et puis, je publie chaque fois un livre pour l’artiste primé, ainsi que pour les artistes en résidence, pour la pérennité du projet. IMR : Et pour toi c’est effectivement très important… SM : Pérenniser un projet est fondamental, je crois au livre encore, je crois à la page, au papier … je suis vieux jeu … mais je crois encore au livre ! IMR : Chaque année, tu reçois pour plusieurs mois deux ar- tistes en résidence de pays non-européen et chacun d’eux, à l’issue, réalise un projet dans un musée parisien, tu le loges dans un atelier où il peut travailler, dans la fondation SAM Art Projetcts à la Villa Raffet ? SM : Oui, en ce moment c’est Eko Nugroho qui est l’artiste accueilli en résidence depuis septembre 2011. Originaire d’Indonésie, il prépare une exposition au Musée d’Art Mod- erne de la Ville de Paris à partir du 12 janvier 2012. IMR : Et tu remets également chaque année un prix à un autre artiste ? SM : Oui, et cette fois cela concerne un artiste de la scène française, quelque soit sa nationalité, s’il vit et travaille en France et qu’il a un projet à destination d’un pays non euro- péen, il peut envoyer son dossier qui, peut être, sera primé. En 2009, c’était Zineb Sedira, Laurent Pernot donc pour 2010. On donne 20.000 euros, on fait un livre et on monte une exposition au Palais de Tokyo. L’argent pour pouvoir faire le projet, le livre pour le pérenniser, l’exposition pour lui donner une visibilité. Ce sont trois volets indispensables pour soutenir le projet de l’artiste. Et je compte poursuivre ce prix tant que je peux. IMR : Et pour ce faire tu t’es entourée de grands spécial- istes internationaux de l’art contemporain et ce sont eux qui te choisissent l’artiste en résidence. Et grâce à ce comité scientifique, par exemple, tu as reçu Adrián Villar Rojas, qui, pendant son séjour à la fondation a appris qu’il allait représenter son pays l’Argentine à la Biennale de Venise… SM : Oui, c’était une proposition d’un des membres de no- tre comité qui est Hans Ulrich Obrist . Et nous avons fait avec cet artiste un très beau projet dans le jardin des Tuiler- ies : Poem for Earthlings (« Poème pour les Terriens »), un obélisque couché à terre… IMR : Tu préfères faire appel à des références dans le do- maine artistique plutôt que choisir seule ? SM : On décide ensemble, chacun propose. Moi aussi je fais des propositions et après on vote et donc l’artiste sera choisi ensemble avec le comité. Le comité est constitué de : Hans Ulrich Obrist, donc, d’Anne-Pierre d’Albis-Ganem, Fabrice Hergott, Hervé Mikaeloff, Jean-Hubert Martin, Marc Pot- tier et Marc-Olivier Wahler. C’est cela qui donne une grande légitimité, parce que si moi, je commence à avoir des vellé- ités de curator … Je ne suis pas ça, je suis juste une personne qui aime l’art, mais je suis super ouverte à mon comité, parce que ce sont eux les pointures. Moi je veux surtout qu’ils me fassent connaître des artistes. Ce n’est surtout pas à moi art &collection 43 On est tous là parce que [les artistes] nous proposent une autre vision du monde, et grâce à eux on peut le voir autrement.

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