Atelier 1 / Collège Delarbre (Vernoux-en-Vivarais)
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Atelier 1: Atlasmuseum, un exemple d'usage documentaire du numérique
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- 1. www.atlasmuseum. net www.atlasmuseum. org Un projet de cartographie contributive des œuvres d'art dans l'espace public Présentation de Virginie Pringuet, doctorante en Esthétique et Humanités numériques à l’Université Rennes 2. Atelier en ligne sur : www.atlasmuseum.org
- 2. art + espace public ?
- 3. Art dans l’espace public L'art public est un terme générique décrivant une œuvre d'art conçue et exécutée pour être placée dans un espace public. L'art public est de façon générale l'art, dans n'importe quel technique, planifié et exécuté dans l'intention d'être présenté sur l'espace public : principalement en extérieur et accessible à tous, mais également parfois à l'intérieur d'édifices ouverts au public. Les monuments et les statues sont sans doute les formes les plus anciennes et les plus visibles d'art public officiellement approuvées, mais le terme peut englober le mobilier urbain, les graffiti ou même des objets non-physiques comme la danse, les processions ou le théâtre de rue. Les œuvres destinées à l'espace public sont souvent construites en matériaux durables et faciles d'entretien pour éviter les effets des éléments et du vandalisme ; certaines œuvres, temporaires, peuvent être constituées de matériaux plus éphémères. Les œuvres pérennes sont parfois intégrées dans la création et la rénovation des édifices et des sites. Certains artistes dans cette discipline en profitent pour réaliser des œuvres de très grandes dimensions, trop grandes pour une exposition classique. Par exemple, The Path is the Place in the Line est une œuvre de Richard Long consistant en une randonnée de trois semaines. Des artistes comme Christo et Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell ou Antony Gormley réagissent ou incorporent leur environnement.
- 4. Tatzu Nishi, Cordemais Anish Kapoor, Chicago Pierre Soulages, Conques Huan Yong Ping, Saint-Brévin Felice Varini, Saint-Nazaire Tadashi Kawamata, Lavau Invader, Paris Robert Smithson, Utah
- 5. Le sentiers des lauzes Découvrez les paysages de la Vallée de la Drobie; ponts, grangettes , terrasses et béalières, série d'œuvres d'art crées pour les lieux, dans une relation entre Art et Paysages. Rando en boucle, au départ de St Mélany :15km, 5 à 6h , dénivelé de 520m. Chemin d'art en Paysage dans la vallée de la Drobie pour les amateurs de randonnées , d'art ou simplement de nature, " Sur le Sentier des Lauzes ", structure culturelle dans la vallée de la Drobie, propose un Chemin d'Art en Paysage ; une balade permettant de découvrir les paysages merveilleux de la Vallée, ses magnifiques, ponts, grangettes , terrasses et béalières, mais également une série d'œuvres d'art crées spécifiquement pour les lieux, dans une étroite relation entre Art et Paysages. Le sentier des Lauzes, qui forme une boucle sur les communes de Saint-Mélany et de Dompnac, et a des ramifications sur 4 autres communes de la vallée (Sablières, Beaumont, Saint-André-Lachamp et Ribes). Il est jalonné d'œuvres de Domingo Cisneros, Akio Suzuki, Christian Lapie, Gilles Clément, Ivo provoost et Simona Denicolai. Chaque année, la Vallée s'enrichi d'œuvres produites dans le cadre d'une résidence à l'Atelier-Refuge, espace de résidence d'artistes que vous croiserez également sur votre chemin. L'Association organise également des événements : balades spectacles, concert, rencontres. Renseigner vous sur le site ou à l'Office de Tourisme su Pays Beaume Drobie. Au Café de St Mélany, Le Bon Port, vous trouverez le plan du sentier ainsi qu'un livret vous permettant d'en savoir plus sur les œuvres d'art. Vous pouvez également trouver de nombreuses d'informations sur www.surlesentierdeslauzes.fr. Nous vous conseillons de prévoir la journée pour faire la boucle complète. Pensez à vous munir du plan ou à consulter les panneaux, ne jetez pas vos déchets dans la nature et respectez les artistes en résidence si l'atelier est occupé ! Bonne promenade !
- 7. Des milliers d’œuvres, de sites, d’artistes Des multitudes d’histoires mais pas d’historiographie Quelques livres mais pas de données Constat de départ (2011)
- 8. De la cartographie à l’atlas http://www.atlasmuseum.net
- 9. Auteur(s): Thème: Peinture & Sculpture Parution: 05/05/2008 Format: 21.8x28.8x2.5 cm Prix: 46,00 € EAN: 9782081206038 Depuis 1983, grâce à l'impulsion donnée par le ministère de la Culture et les collectivités locales, plus de 700 commandes publiques ont été réalisées en France par plus de 400 artistes. Pour la première fois, un ouvrage réunit l'ensemble de ces oeuvres. Riche de près de 1 000 reproductions et de plusieurs essais, ce livre est un outil inédit pour appréhender la création contemporaine. Les oeuvres d'art dans l'espace public, pérennes ou éphémères, situées au coeur de la ville comme en pleine nature, contribuent à l'aménagement et à la transformation de notre territoire. Ouvrage publié sous la direction de Caroline Cros et de Laurent Le Bon, préface d'Olivier Kaeppelin, avec les contributions de Paul Ardenne, Valérie Bussmann, Nadine Gomez, Anne-Laure Zini et des conseillers pour les arts plastiques : Jacques Bayle, Chantal Creste, Françoise Dubois, Sébastien Faucon, Laurent Innocenzi, Sandrine Mahieu et Isabelle Manci.
- 10. Cent 1% Philippe Régnier Collection "Hors collection" Sélection de 100 œuvres parmi les 12 300 réalisées. Des artistes prestigieux : de Matisse à Picasso, de Boltanski à Othoniel.
- 11. Thésaurus Design/architecture des données BDD & logiciels Saisie & Récolte & structuration des données Fichier excel images Fichier excel œuvres Fichier excel artistes Cartographie, collections et notices sémantisées Script d’importation
- 13. De la cartographie à l’atlas sémantique des œuvres http://www.atlasmuseum.net
- 14. De la cartographie à l’atlas https://www.sfmoma.org/experience/artscope/#r=64
- 15. De la cartographie des données à la « data visualisation » http://zone47.com/crotos/callisto/
- 16. De la cartographie des données à la « data visualisation » http://zone47.com/crotos/callisto/
- 17. Présentation du "1% artistique" Depuis plus de 60 ans, le "1% artistique" permet de soutenir la création contemporaine et de construire le patrimoine de demain. Près de 12 500 œuvres créées par près de 4 000 artistes confirmés ou émergents sont ainsi exposées en France métropolitaine et ultramarine. Ces œuvres constituent aujourd'hui une étonnante collection à ciel ouvert, témoin des évolutions artistiques de notre pays. Initialement limité aux bâtiments relevant du ministère chargé de l'éducation nationale, le "1% artistique" a progressivement été élargi à d'autres lieux d'exposition. Il s'applique aujourd'hui à la plupart des bâtiments publics de l'État et à ceux des collectivités territoriales, dans la limite des compétences qui leur ont été transférées par les lois de décentralisation. Le ministère en charge de l'éducation nationale est ainsi fortement représenté au sein de l'inventaire historique des 1% réalisés.
- 18. Activité 1. S'interroger sur ses représentations Faites le point sur votre relation aux œuvres d’art.
- 19. Activité 2. Analyser des œuvres du 1 % artistique pour en dégager la spécificité Regardez les extraits vidéo qui montrent quatre œuvres relevant du 1 % artistique. Sur votre carnet de bord, relevez leurs points communs. Pour les identifier, vous pourrez vous aider du tableau figurant sur votre carnet de bord.
- 20. Le 1% artistique (extraits) Un court film pour découvrir le 1% artistique à partir de 4 œuvres très différentes : d’un vitrail d’Henri Matisse à des sculptures de Matali Crasset https://magistere.education.fr/cndp/course/view.php?id=173&pageid=1895
- 21. Pour identifier ces spécificités, vous pouvez vous aider du tableau ci-dessous.
- 23. Qu'entend-t-on par "Patrimoine culturel"? Le patrimoine culturel dans son ensemble recouvre plusieurs grandes catégories de patrimoine : Le patrimoine culturel : le patrimoine culturel matériel : le patrimoine culturel mobilier (peintures, sculptures, monnaies, instruments de musiques, armes, manuscrits) le patrimoine culturel immobilier (monuments, sites archéologiques) le patrimoine culturel subaquatique (épaves de navire, ruines et cités enfouies sous les mers) le patrimoine culturel immatériel : traditions orales, arts du spectacle, rituels Le patrimoine naturel : sites naturels ayant des aspects culturels tels que les paysages culturels, les formations physiques, biologiques ou géologiques. Le patrimoine culturel en situation de conflit armé La notion de « patrimoine » Source: UNESCO
- 24. Le petit patrimoine Le Petit Patrimoine est représenté par l'ensemble des monuments (par exemple les tours, cadrans solaires, gargouilles, fours à pain , moulins, cabanes, fontaines, lavoirs, puits, chapelles etc.) qui ne sont pas classés comme Monuments Historiques. Le petit patrimoine est représenté par tout témoignage, d'hier et d'aujourd'hui, d'une civilisation et qui n'est pas classé comme patrimoine national. Les Petits Patrimoines sont ces monuments qui n'ont pas comme certains châteaux ou cathédrales, la possibilité de devenir des édifices protégés en étant classés comme Monuments Historiques.
- 25. Peu importe leurs âges, leurs tailles et leurs créateurs, ce qui compte c'est l'intérêt que vous portez à ces monuments. Il s’agit de participer à la mémoire collective de ce Petit Patrimoine. Entendons-nous bien : le qualificatif "petit" n'est pas péjoratif. Etroit est son lien avec l'authentique, c'est-à-dire le vécu de nos devanciers et de nos contemporains. Il est l'expression sous toutes ses formes de ceux qui font le pays (voire les pays), parlant l'Histoire, et qui savent trop l'éphémère pour prétendre à la gloire. Sont donc concernés : - l'habitat - tout aménagement lié aux activités quotidiennes - toute construction relevant d'une activité professionnelle - tout édification motivée par les croyances, rites ou commémoration - toute production artistique Bref tout ce qui témoigne du génie humain au sens large, du pratique au créatif en passant par le religieux et les coutumes diverses dont l'élaboration est inhérente à toute vie en société. Dans ce cadre, on retiendra comme "petit patrimoine" ce qui répond aux critères de caractère et/ou d'esthétique. Le petit patrimoine, c'est aussi la richesse naturelle de notre environnement : tout paysage qu'ont modelé le temps et les éléments, voire les hommes, tout élément de ce paysage, dont on désire faire partager l'intérêt géologique ou la beauté.
- 27. Le catalogue regroupe plus de 500.000 notices d'objets de toute nature (archéologie, beaux-arts, ethnologie, histoire, sciences et techniques...) valorisées par des parcours thématiques, des zooms et des expositions virtuelles. Joconde est le fruit d'un partenariat constant entre le bureau de la diffusion numérique des collections du service des musées de France et les musées participants. L'espace professionnel propose de nombreuses fiches de conseils consacrées à l'informatisation et à la numérisation des collections. La rubrique "Musées en ligne" offre une sélection des ressources numériques muséales du monde entier (bases de données, expositions virtuelles, sites remarquables). http://www.culture.gouv.fr/documentation/joconde/fr/pres.htm http://www.culture.gouv.fr/documentation/joconde/fr/partenaires/AIDEMUSEES/iconograp
- 28. Dix éléments pour analyser une œuvre d'art Une analyse d’œuvre d’art, même modeste, doit être faite à votre niveau d’abord. Voici quelques éléments méthodologiques pour vous aider, mais rien ne doit être figé, immuable. Une œuvre c’est du sens mis en formes sensibles. On peut donc l’aborder par le sensible. L’interaction de ces deux aspects enrichit l’analyse, qui ne peut être exhaustive. Se mêlent forcément une résonance universelle et un écho tout personnel. Le mouvement doit logiquement être percevoir, comprendre connaître, apprécier. Ne pas commencer par le « j’aime/ je n’aime pas », qui peut fermer les portes. La critique devient possible dès lors que l’on approfondit. Éviter de ne choisir que des oeuvres que vous aimez (aime-t-on le programme de géographie ou de maths ? la question ne se pose pas ? pas plus en histoire des arts !).
- 30. RDV le 12 mai! • Consultez le site atlasmuseum.org (Atelier 1) pour retrouver l’intégralité de cette première séance • Choisissez avec votre enseignante une œuvre / élément du petit patrimoine et aller à sa rencontre sur site • Photographiez, documentez…
Notes de l'éditeur
- Financement L'art public est en général installé avec l'autorisation ou la collaboration du propriétaire ou de l'administrateur de l'espace. Certains gouvernements encouragent activement la création d'art public, par exemple en prévoyant un financement pour les œuvres de nouveaux bâtiments, en mettant une place une politique budgétaire dédiée. Attribuer 1 % du coût de la construction à l'art est un standard, mais les montants varient fortement suivant les lieux. En France, la disposition du 1 % artistique est instituée en 1951 pour financer des œuvres liées à la création architecturale publique. Au Québec, le budget de tout édifice publiquement financé doit mettre de côté 1 % pour l'art. À New York, au moins 1 % des premiers 20 millions de dollars (et un demi pourcent au delà) doit être alloué aux œuvres dans tout édifice public appartenant à la ville2. À Toronto, la loi requiert qu'au moins 1 % de tout budget de construction soit destiné à l'art public. Au Royaume-Uni, le montant est laissé à la discrétion des autorités locales. La disposition légale française dite « du 1 % artistique » (ou parfois « 1 % culturel » ou encore « 1 % décoratif ») institue la création d’œuvres d’artistes-plasticiens actuels associés à la création architecturale publique1. Depuis sa mise en place en 1951, le 1 % artistique a permis de financer environ 12 300 œuvres2. La commande publique est la manifestation de la volonté de l’État, ministère de la Culture et de la Communication - Direction générale de la création artistique, associé à des partenaires multiples (collectivités territoriales, établissements publics ou partenaires privés), de contribuer à l’enrichissement du patrimoine national et du cadre de vie, par la présence d’œuvres d’art en dehors des seules institutions spécialisées dans le domaine de l’art contemporain.
- L'art public est un terme générique décrivant une œuvre d'art conçue et exécutée pour être placée dans un espace public. L'art public est de façon générale l'art, dans n'importe quel technique, planifié et exécuté dans l'intention d'être présenté sur l'espace public : principalement en extérieur et accessible à tous, mais également parfois à l'intérieur d'édifices ouverts au public. Les monuments et les statues sont sans doute les formes les plus anciennes et les plus visibles d'art public officiellement approuvées, mais le terme peut englober le mobilier urbain, les graffiti ou même des objets non-physiques comme la danse, les processions ou le théâtre de rue. Les œuvres destinées à l'espace public sont souvent construites en matériaux durables et faciles d'entretien pour éviter les effets des éléments et du vandalisme ; certaines œuvres, temporaires, peuvent être constituées de matériaux plus éphémères. Les œuvres pérennes sont parfois intégrées dans la création et la rénovation des édifices et des sites. Certains artistes dans cette discipline en profitent pour réaliser des œuvres de très grandes dimensions, trop grandes pour une exposition classique. Par exemple, The Path is the Place in the Line est une œuvre de Richard Long consistant en une randonnée de trois semaines. Des artistes comme Christo et Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell ou Antony Gormley réagissent ou incorporent leur environnement. 2 procédures principales : CP et le 1% artistique
- https://www.youtube.com/watch?v=S20EBL1apLg
- Musée et Atlas, survivance de mythes revigorés à l’ère du numérique Le Musée et l’Atlas se présentent a priori comme deux notions relativement opposées; le premier désigne un univers construit, ordonné, architecturé alors que le second, entre abstraction et représentation, renvoie au monde dans toute son hétérogénéité, sa multitude et son incommensurabilité. Mais le Musée et l’Atlas partagent aussi à travers leurs mythes fondateurs, des polarités dynamiques, entre ordonnancement et chaos, entre ciel et terre, qui ouvrent, et c’est là l’une des hypothèses de départ de ce travail de recherche, un nouveau potentiel de lisibilité des images de l’art, une nouvelle source d’images dialectiques. « Musée, selon l’étymologie classique du terme, renvoie à une petite colline, lieu des Muses. La généalogie traditionnelle du musée évoque volontiers le témoignage de Pausanias, qui dans sa Description de la Grèce, parle d’un portique sur l’agora d’Athènes qui était une sorte de musée en plein air, ainsi que la Pinacothèque des Propylées sur l’Acropole. Pline l’Ancien cite de même l’exposition publique de sculptures à Rome dans l’Histoire naturelle (particulièrement dans ses livres XXXV et XXXVI) ». Ainsi l’origine même du Musée apparait liée à la présentation de l’art dans l’espace public. Atlas quant à lui dans la mythologie grecque, est un Titan, fils du ciel et de la terre. Ante dieu, croulant sous le poids du monde et de la connaissance, c’est un survivant transformé en chose, un territoire prenant la forme d’une montagne, qui fait ici écho à la colline des Muses. Le mont Atlas, s’élève dans le désert et côtoie aussi bien l’orbite lunaire que l’océan. Au sens de Walter Benjamin, permettant la réémergence d’éléments du passé dans le présent. Dominique Poulot, Musée et Muséologie [1] Des extraits ont été publiés dès 1946 en une du numéro 22-23 du journal Labyrinthe édité et diffusé par Albert Skira. [2] En écho à la phrase de Maurice Denis pour qui la peinture est accumulation de couleurs en un certain ordre assemblé. [3] Cf bibliographie p. 42
- http://www.whoozart.tv/1-artistique-le-film-77.html Henri Matisse né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le 3 novembre 1954 à Nice, est un peintre, dessinateur, graveur et sculpteur français. Figure majeure du XXe siècle, son influence sur l'art de la seconde partie du siècle est considérable par l'utilisation de la simplification, de la stylisation, de la synthèse et de la couleur comme seul sujet de la peinture aussi bien pour les nombreux peintres figuratifs ou abstraits qui se réclameront de lui et de ses découvertes. Il fut le chef de file du fauvisme. De Pablo Picasso, qui fut son ami et le considérait comme son grand rival2, à Andy Warhol qui « voulait être Matisse3 », tous les peintres du XXe siècle ont été confrontés à la gloire et au génie de Matisse. Le fauvisme (ou les Fauves) est un courant de peinture du début du XXe siècle qui émerge en France en 1905 et se termine vers 1910. Le mot « fauve » provient d'une expression du journaliste Louis Vauxcelles qui l'identifie historiquement à l'automne 1905, lors du Salon d'automne qui créa scandale, pour s'achever moins de cinq ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marque néanmoins tout l'art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme est Henri Matisse, mais d'autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck, Auguste Chabaud ou encore Georges Braque en ont fait partie. Dans un article intitulé « Le Salon d'automne » publié dans Gil Blas le 17 octobre 1905, Louis Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment « Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. […] Au centre de la salle, un torse d'enfant et un petit buste en marbre, d'Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l'orgie des tons purs : « Donatello chez les fauves. »1 Le fauvisme est caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres ont recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquent un art fondé sur l'instinct. Ils séparent la couleur de sa référence à l'objet, afin d'accentuer l'expression, et réagissent de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l'impressionnisme : ce courant est donc à rattacher à celui de l'expressionisme. Olivier Debré, né le 14 avril 1920 à Paris où il est mort le 1er juin 1999, est un peintre français représentant majeur de l’abstraction lyrique. L'abstraction lyrique se réfère à deux mouvements, liés mais distincts, de la peinture moderne d'après-guerre : L'abstraction lyrique européenne ainsi baptisée par le critique Jean José Marchand et le peintre Georges Mathieu en 1947, dont le courant initial et principal, le tachisme, a été défini à partir de 1951 par les critiques Pierre Guéguen, Charles Estienne et Michel Tapié, lequel inclura ces deux notions dans l'art informel en 1952. L'abstraction lyrique américaine, un mouvement décrit en 1969 par Larry Aldrich (en), fondateur de l'Aldrich Contemporary Art Museum (en) à Ridgefield Connecticut. Origines de l'abstraction lyrique Bien avant que le terme soit défini, la tendance à l'expression directe de l'émotion individuelle, cette liberté du langage plastique, s'est déjà brièvement manifestée chez Wassily Kandinsky dans sa première période (1910-1914)1, avec ses « improvisations » et ses « compositions ». Il devait s'en détacher rapidement. C'est avec Hans Hartung que la volonté d'expression pure et libre s'affirme de nouveau, avec ses premiers dessins et aquarelles (1920-1922), puis, dès 1925-1927 avec Joan Miró2. Miró détestait les théories sur l'art et il se tenait toujours en marge des courants quels qu'ils soient. Dès 1925, il développe de surprenantes recherches plastiques dans divers sens, avec une profusion de symboles qui font de lui le précurseur du lyrisme abstrait contemporain3. Selon Jacques Dupin : « Miró a abouti, vingt ans avant Pollock à la création d'un espace extrêmement suggestif par la confusion de la texture et de la structure, qui ouvrira une voie scandaleusement nouvelle à la génération qui suit4. »
- L'Organisation des Nations unies pour l'éducation, la science et la culture (en anglais United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization, UNESCO2) est une institution spécialisée de l'Organisation des Nations unies créée le 16 novembre 1945 à la suite des dégâts et des massacres de la Seconde Guerre mondiale.
- http://www.petit-patrimoine.com/
- En linguistique, le signifié et le signifiant sont les deux faces complémentaires du concept de signe linguistique développé par Ferdinand de Saussure1 et à sa suite par l'école structuraliste. Le signifié désigne la représentation mentale du concept associé au signe, tandis que le signifiant désigne la représentation mentale de la forme et de l'aspect matériel du signe. On distingue le signifié d'un signe de son référent, l'objet (ou ensemble d'objets) désigné par le signe. Au sein du signifié, on peut distinguer dénotation et connotation, la dénotation étant plus ou moins le sens littéral (qu'un dictionnaire cherche à définir) et la connotation l'ensemble des sens figurés potentiels ou dans un contexte donné.