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Les éléments et
principes de la
  conception
Les éléments de la
   conception
Les éléments de la
conception
Les éléments sont les composants de base de tout travail à 2
et 3 dimensions. Ils sont le vocabulaire visuel utilisé à fin de
créer des œuvres d’art complexes.

La connaissance des éléments nous permet de pénétrer
l’apparance de l’oeuvre pour comprendre sa structure.

Les éléments de la conception touchent l’aspect visible
de la composition. C’est-à-dire: Les choses qui font partie de
la peinture, le dessin, la conception, etc.
Élément #1 – La ligne
La ligne est le trajectoire d’un
point qui bouge a travers
l’espace.

  La ligne de contour définit la
  forme

  Les lignes répétées font la
  texture ou le modélisme

  Les lignes convergentes
  (comme l’image a droite)
  donnent l’illusion de l’espace.
Élément #1 – La ligne
Les lignes peuvent être émotives; les lignes géométriques sont
tendues et mécaniques, les lignes organiques sont fluides et
naturelles.
Élément #1 – La ligne
Les lignes peuvent être considérées de Dans cet image, Leonardo
deux façons: les marques linéaires      da Vinci a employé une
faites avec un stylo ou un pinceau, ou  ligne douce et sensible
le bord créé quand 2 formes se             pour créer un effet
touchent.                                      gracieux.

La ligne est une marque sur une
surface qui décrit une forme ou un
contour.

Les types de lignes incluent: actuelle,
impliquée, verticale, horizontale,        Leonardo da Vinci - “Angel for the
diagonale et de contour.                  Madonna of the Rocks” c. 1383-85
Élément #1 – La ligne

Cet image représente le
même sujet que l’image de
Leonardo da Vinci vu sur l’
écran précédent …
Cependant, l’artiste Willem
de Kooning a créé un
sentiment très différent en
employant les lignes
épaisses et gestuelles.
                              “Woman 1” by Willem de Kooning
                                  1950-52 - Oil on canvas
Élément #1 – La ligne
           Le visage de la femme dans cet image
           est créé avec une ligne mécanique, qui
           crée l’effet d’un sentiment détaché.

           Bien que le sujet dans les derniers 3
           œuvres est le même, les différences
           dans la qualité de la ligne ont créé les
           œuvres avec des impact très différents.

           Comment vous utiliserez la ligne est
           une des décisions les plus importantes
           dans la création de votre art.
Éléments #2 et #3 – la
forme à 2 et 3 dimensions
La forme à 2 dimensions est
crée par un contour définitif
de ligne, couleur, texture, ou
valeur qui la sépare de
l'arrière-fond.                  Un cercle est une forme à 2D,
                                 une sphère est une forme à 3D.
La forme à 3 dimensions est le
volume créé par la texture, la
couleur, ou la valeur.
Quel poisson démontre la
 forme à 2D versus 3D?
Éléments #2 and #3 – La
forme à 2 et 3 dimensions

Les formes dans limage à droit sont
clairement définies. L’image semble être
à 3D grâce à la perspective et les ombres.




Par contre, cette peinture folklorique
semble être simple parce qu’il dépend
sur les formes simples pour nous
montrer l’image.
Élément #4 – La texture
La texture réfère à la surface de l’objet,
naturelle ou fabriquée. Il y a 3 types:

Simulée (visuelle) – un interprétation
ou un photographe réaliste de la
texture

Actuelle (tactile) – La sensation sentie
en touchant la surface de l'objet

Inventée – Une texture inventée, faite       La texture = la qualité de la surface
par l’artiste avec des outils ou des
médias qui forment un motif
Élément #4 – La texture
 La texture est l’ élément
 dominant de l’ œuvre. Cet
 œuvre profite de nos
 attentes de comment la
 texture devrait être
 employée: la fourrure est
 un plaisir à toucher mais
 elle dégoute la langue! Une     Meret Openheim – Object (Paris 1936)
 tasse et une cuillère, bien              Ceci est une
 sur, sont faites à être mises             sculpture
 aux lèvres.                              surréaliste!
Élément #5 – La couleur
                                                 Les couleurs ont des associations
                                                 symboliques et émotives aussi. Ces
                                               associations sont a base culturelle. (i.e.
Phénomène induit par la réaction de l’œil le rouge=la colère, Le bleu=la tristesse,
humain à l’énergie et la fréquence de la
                                                   le blanc = la pureté)‫‏‬
lumière. La capacité de notre cerveau de
trier cette information nous permet de
percevoir les couleurs qui embellissent
notre environnement. La couleur est
décrite en discutant: la teinte (hue), la
valeur et l’intensité. Elles peuvent être
employées en combinaisons qui s’appellent
les harmonies: monochromatique,
complémentaire ou analogue.
Untitled by Christine Taylor
  Sunflowers by Vincent Van Gogh   Barlett Pears by John Olin Gardner




Les combinaisons harmonieuses de la couleur: Pouvez-
                vous les distinguer?
   Monochromatique? Complémentaire?
              Analogue?
La peinture faite par Phyllis
        Bramson (à gauche) a des
            couleurs intenses et
           complémentaires qui
       communiquent des émotions
      fortes mais en conflit. L’autre
          œuvre, « Zodiac » par
      Alphonse Mucha (1860-1939),
      utilise les couleurs atténuées et
         analogues pour créer un
         sentiment très différent.




L’usage de la couleur
Élément #6 – La Valeur

La valeur – La luminosité et l’obscurité relative.

La luminosité et la manque de contraste en général
dans l’image à gauche transmet un sens de spiritualité
et d’harmonie. Ceci est un œuvre de valeur claire.
             L’humeur dramatique de « Paradise Lost » par
             Gustave Dore (1866) est créé par l’haut contraste de
             la luminosité et de l’obscurité. Ceci est un œuvre de
             valeur sombre.
Élément # 7 – L’espace

L’espace est crée en
employant les autres
éléments et principes de la
conception.

Dans l’art, l’espace est réel
(comme dans l’architecture)
ou une illusion (comme dans
la perspective).
Élément # 7 – L’espace
Un artiste peut créer
l’illusion de la profondeur
en employant la
superposition, la grandeur
qui diminue, la perspective
atmosphérique, la
perspective linéaire, les
couleurs chaudes ou           Raphael's School of Athens - 1509

froides, et l’emplacement
vertical des objets.
L’espace positive / négative
Les artistes peuvent employer l’espace
vide (appelée l’espace « négative »)
pour créer des œuvres intéressants.


                    Healthy Living Ad




                                         View of the Pyramid. Louvre, Paris.
Élément # 7 – L’espace


                                                 Bien que son usage de la
                                                 perspective linéaire n’est
                                                 pas précis, cette peinture
                                                 par Vincent Van Gogh
                                                 transmet quand même
                                                 l’illusion de l’espace et de la
                                                 profondeur.

The Bedroom at Arles, c. 1887 Vincent Van Gogh
Les principes de la
    conception
Les principes de la conception
  Quand deux éléments ou plus sont employés dans une
  composition, ils commencent à interagir. La capacité de
  contrôler cet interaction est la tâche principale de l’artiste.

  Les principes de la conception sont les lois qui gouvernent la
  manière dont la ligne, la couleur, ou d’autre éléments se
  combinent pour créer certains effets émotifs ou esthétique.

  Par comparaison, les éléments de la conception sont les
  composants de la conception eux-mêmes, les objets à être
  arranger.
Pourquoi est-ce que ce
bâtiment est si renommé?




          Bonnano de Pisa. Bell Tower of the
            Cathedral at Pisa. Begun 1174.
Principe #1: L’ équilibre
 L’ équilibre peut être physique ou visuel. Il y a trois types
 principaux en art:       formel (symétrique),

                                informel (asymétrique)

                                radial
Notre sens de l’ équilibre est inné; comme enfants, nous
développons ce sens dans nos corps and dans le monde qui nous
entoure. Une manque d’ équilibre nous perturbe. L’ équilibre rend
un œuvre d’art plus confortable pour le visiteur. En faisant
l’analyse de l’ équilibre, nous supposons qu’il y a un axe vertical.
Typiquement, nous attendons voir un équilibre également
distribue aux deux côtés de cet axe.
L’ équilibre symétrique




  Axe vertical     Axe horizontal
Symétrique vs. asymétrique




  Le deuxième image démontre de l’ équilibre parce que les
  couleurs vives sont plus lourdes dans le sens visuel que les
  couleurs foncées – ainsi, ca prend 2 carrés foncées de la
  même grandeur pour équilibrer une carré rouge de la
  même grandeur.
L’ équilibre informel
 Cette peinture démontre l’ équilibre
 asymétrique ou informel – les
 objets ne sont pas exactement
 similaires sur les deux cotés, mais
 l'oeuvre semble être équilibré grâce
 aux poids égaux à gauche et à
 droite dans le sens visuel.



                    Giotto. Madonna Enthroned.
                     C. 1310. Uffizi, Florence.
L’ équilibre Symétrique /
formel

Cette peinture abstraite
renommée est
parfaitement symétrique. Il
s’appelle aussi, « l’équilibre
formel. » Pouvez-vous
placer la ligne de symétrie
sur la peinture?
                                  Frank Stella. Gran Cairo. 1962.
                                 Whitney Museum of American Art
                                            New York.
L’ équilibre radial
Avec l’ équilibre radial, tous
les éléments rayonnent ou
encerclent un point central.
Il est fréquemment employé
en architecture mais
seulement parfois dans la
peinture parce que son
point de fuite est trop          Photo of the coffers on Pantheon ceiling - Rome
évident.
Principe #2: L’emphase
L’emphase est la création de l’importance visuelle ou un centre
d’intérêt.

L’emphase est souvent créé en contrastant un des élément, par
exemple, la couleur. Il est employé pour guider les yeux du
spectateur ou pour communiquer une action ou un émotion.
Pour créer de l’emphase:
Arrangez la plupart des éléments
de façon horizontale et insérez
quelques formes verticales.

Arrangez la plupart des éléments
dans votre dessin comme formes
ou lignes régulières et
géométriques et insérez une forme
organique, comme dans l’image de
Frank Miller à droit.

                                    Frame of “Sin City” by Frank Miller
Pour créer de l’emphase:

                    Créez un œuvre où la
                    majorité des objets sont
                    approximativement de la
                    même grandeur, et où un
                    est beaucoup plus grand.




             “Earth” Jeff Soto
Pour créer de l’emphase:
Faites un œuvre d’art dans
lequel la majorité des
formes naturelle sont
déformées, mais où il y a
une section facilement
reconnaissable.




                   Lucas Samaras
                Photo-Transformation
                 November 22, 1973
Pour créer de l’emphase:
Créez un œuvre d’art dans
lequel la majorité des
couleurs sont foncées, et
contrastez-les avec des
couleurs vives.




                            Lucas Samaras
                  Large Drawing #45. 1966.
          Museum of Modern Art, New York.
Principe #3: Le rythme
 Le rythme est la fluidité ou le
 mouvement dans la
 conception, communiqué à
 travers des motifs, l’espace, la
 répétition, ou l’accentuation
 d’un des éléments.

 Dans l’art, le rythme est lié au
 mouvement. Comme principe
 de conception, il est basé sur la
 répétition.
Principe #3: Le rythme
 La répétition dans cette
 peinture crée un sens de
 mouvement.




                               Marcel DuChamp
              Nude Descending a Staircase, No. 2.
               1912. Philadelphia Museum of Art.
Les motifs font le rythme
 Le rythme peut toujours être crée en employant les motifs. Les
 artistes peuvent employer les motifs exactement répétés pour
 créer le rythme.




 Andy Warhol.
                                          ‘Marilyn', Andy Warhol. 1961
 Campbell’s Soup Cans. 1962.
Principe #4: L’unité


L’unité arrive quand un ou
plus des éléments sont
similaires à travers la
conception. Elle donne
l’impression de la dignité et
de la cohésion.
Un technique efficace à
développer l’unité...
Pour faire les éléments disparates sembler comme ils vont
ensemble – employez la proximité, ou plus simplement,
mettez ces éléments l’un à côté de l’autre.
Considérez: dans le couloir à midi, pouvez-vous voir quels
groupes de gens sont amis (unifiés) dans la façon qu’ils
s’assoient ou se tiennent debout ensemble?




                           Audrey Flack. 1977-78.
                            Wheel of Fortune.
L’unité
L’unité est réalisé par la répétition

Dans cette peinture, les spectateurs peuvent voir l’unité dans la
répétition des formes. Les rectangles, les triangles, et les cercles
répètent, et de plus, on peut voir un nombre incroyable de
diagonaux parallèles.




                                           Pablo Picasso.
                                           The Studio. 1927-28.
L’unité de forme
Des exemples de l’unité réalisé à travers la répétition et la
superposition




                                             Audrey Flack.
                                             Crayola.
                                             1972-73.
L’unité de couleur




L’unité est créé ici en   “Red Sings the Blues” by Andrea Lyon


employant les couleurs
analogues (similaires).
Principe #5: La variété

 La variété arrive quand les
 changements dans les
 éléments sont employés
 afin de créer de l'intérêt.

 Les différences donnent à
 la conception de l’intérêt
 visuel et conceptuel.          Salvador Dali. The Temptation of St. Anthony. 1946.

 Souvent, la variété est
 évident dans le contraste,    Les Surréalistes employaient
 la grandeur, ou la texture.        souvent la variété!
Principe #6: La proportion
La proportion est le rapport entre les parties de l’oeuvre entier ou
entre un objet et un autre. La proportion fait référence à la
grandeur relative, la grandeur mesurée contre un norme (mental)
standard.




Le peintre surréaliste , René Magritte a
tellement changé la proportion ici pour
créer de l’intérêt.


                                           Rene Magritte. La Chambre D’Ecoute.
La proportion
                       Il y a des œuvres qui sont
                       connus en particulier pour
                       leur grandeur exagéré.




     Mount Rushmore.
                        Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen

                          Spoonbridge and Cherry, 1985-1988
La proportion
Les personnes ont une idée générale des
proportions du corps humain.

La plupart de ces idées au sujet de la
proportion ont été établi il y a presque
2500 années, dès la période classique en
Grèce. Bien qu’aucune figure n’ était
considéré parfait, le rôle de l’artiste était
de créer la perfection non pas trouvé
dans la nature.         Polyclitus. The Spear Carrier.
                             Roman copy of Greek original.
                          450-440 BC. National Museum, Naples.
Jouez avec la proportion
                                      Dans « The Old Guitarist » par
                                      Picasso, les proportions du corps
                                      humain sont déformés.

                                      Le vieil hommes est allongé avec
                                      des bras et jambes minces, et un
                                      corps, des pieds, et des mains
                                      élargis. Ces déformations, en
                                      combinaison avec la couleur,
                                      deviennent une expression
                                      émotive sur les effets débilitants de
  Picasso. The Old Guitarist. 1903.
                                      l'âge.
     The Art Institute of Chicago.
Comment pouvez-vous employer
 vos connaissances des éléments
  et principes de la conception
 pour changer et améliorer votre
               art?

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Les elements et principes de la conception

  • 1. Les éléments et principes de la conception
  • 2. Les éléments de la conception
  • 3. Les éléments de la conception Les éléments sont les composants de base de tout travail à 2 et 3 dimensions. Ils sont le vocabulaire visuel utilisé à fin de créer des œuvres d’art complexes. La connaissance des éléments nous permet de pénétrer l’apparance de l’oeuvre pour comprendre sa structure. Les éléments de la conception touchent l’aspect visible de la composition. C’est-à-dire: Les choses qui font partie de la peinture, le dessin, la conception, etc.
  • 4. Élément #1 – La ligne La ligne est le trajectoire d’un point qui bouge a travers l’espace. La ligne de contour définit la forme Les lignes répétées font la texture ou le modélisme Les lignes convergentes (comme l’image a droite) donnent l’illusion de l’espace.
  • 5. Élément #1 – La ligne Les lignes peuvent être émotives; les lignes géométriques sont tendues et mécaniques, les lignes organiques sont fluides et naturelles.
  • 6. Élément #1 – La ligne Les lignes peuvent être considérées de Dans cet image, Leonardo deux façons: les marques linéaires da Vinci a employé une faites avec un stylo ou un pinceau, ou ligne douce et sensible le bord créé quand 2 formes se pour créer un effet touchent. gracieux. La ligne est une marque sur une surface qui décrit une forme ou un contour. Les types de lignes incluent: actuelle, impliquée, verticale, horizontale, Leonardo da Vinci - “Angel for the diagonale et de contour. Madonna of the Rocks” c. 1383-85
  • 7. Élément #1 – La ligne Cet image représente le même sujet que l’image de Leonardo da Vinci vu sur l’ écran précédent … Cependant, l’artiste Willem de Kooning a créé un sentiment très différent en employant les lignes épaisses et gestuelles. “Woman 1” by Willem de Kooning 1950-52 - Oil on canvas
  • 8. Élément #1 – La ligne Le visage de la femme dans cet image est créé avec une ligne mécanique, qui crée l’effet d’un sentiment détaché. Bien que le sujet dans les derniers 3 œuvres est le même, les différences dans la qualité de la ligne ont créé les œuvres avec des impact très différents. Comment vous utiliserez la ligne est une des décisions les plus importantes dans la création de votre art.
  • 9. Éléments #2 et #3 – la forme à 2 et 3 dimensions La forme à 2 dimensions est crée par un contour définitif de ligne, couleur, texture, ou valeur qui la sépare de l'arrière-fond. Un cercle est une forme à 2D, une sphère est une forme à 3D. La forme à 3 dimensions est le volume créé par la texture, la couleur, ou la valeur.
  • 10. Quel poisson démontre la forme à 2D versus 3D?
  • 11. Éléments #2 and #3 – La forme à 2 et 3 dimensions Les formes dans limage à droit sont clairement définies. L’image semble être à 3D grâce à la perspective et les ombres. Par contre, cette peinture folklorique semble être simple parce qu’il dépend sur les formes simples pour nous montrer l’image.
  • 12. Élément #4 – La texture La texture réfère à la surface de l’objet, naturelle ou fabriquée. Il y a 3 types: Simulée (visuelle) – un interprétation ou un photographe réaliste de la texture Actuelle (tactile) – La sensation sentie en touchant la surface de l'objet Inventée – Une texture inventée, faite La texture = la qualité de la surface par l’artiste avec des outils ou des médias qui forment un motif
  • 13. Élément #4 – La texture La texture est l’ élément dominant de l’ œuvre. Cet œuvre profite de nos attentes de comment la texture devrait être employée: la fourrure est un plaisir à toucher mais elle dégoute la langue! Une Meret Openheim – Object (Paris 1936) tasse et une cuillère, bien Ceci est une sur, sont faites à être mises sculpture aux lèvres. surréaliste!
  • 14. Élément #5 – La couleur Les couleurs ont des associations symboliques et émotives aussi. Ces associations sont a base culturelle. (i.e. Phénomène induit par la réaction de l’œil le rouge=la colère, Le bleu=la tristesse, humain à l’énergie et la fréquence de la le blanc = la pureté)‫‏‬ lumière. La capacité de notre cerveau de trier cette information nous permet de percevoir les couleurs qui embellissent notre environnement. La couleur est décrite en discutant: la teinte (hue), la valeur et l’intensité. Elles peuvent être employées en combinaisons qui s’appellent les harmonies: monochromatique, complémentaire ou analogue.
  • 15. Untitled by Christine Taylor Sunflowers by Vincent Van Gogh Barlett Pears by John Olin Gardner Les combinaisons harmonieuses de la couleur: Pouvez- vous les distinguer? Monochromatique? Complémentaire? Analogue?
  • 16. La peinture faite par Phyllis Bramson (à gauche) a des couleurs intenses et complémentaires qui communiquent des émotions fortes mais en conflit. L’autre œuvre, « Zodiac » par Alphonse Mucha (1860-1939), utilise les couleurs atténuées et analogues pour créer un sentiment très différent. L’usage de la couleur
  • 17. Élément #6 – La Valeur La valeur – La luminosité et l’obscurité relative. La luminosité et la manque de contraste en général dans l’image à gauche transmet un sens de spiritualité et d’harmonie. Ceci est un œuvre de valeur claire. L’humeur dramatique de « Paradise Lost » par Gustave Dore (1866) est créé par l’haut contraste de la luminosité et de l’obscurité. Ceci est un œuvre de valeur sombre.
  • 18. Élément # 7 – L’espace L’espace est crée en employant les autres éléments et principes de la conception. Dans l’art, l’espace est réel (comme dans l’architecture) ou une illusion (comme dans la perspective).
  • 19. Élément # 7 – L’espace Un artiste peut créer l’illusion de la profondeur en employant la superposition, la grandeur qui diminue, la perspective atmosphérique, la perspective linéaire, les couleurs chaudes ou Raphael's School of Athens - 1509 froides, et l’emplacement vertical des objets.
  • 20. L’espace positive / négative Les artistes peuvent employer l’espace vide (appelée l’espace « négative ») pour créer des œuvres intéressants. Healthy Living Ad View of the Pyramid. Louvre, Paris.
  • 21. Élément # 7 – L’espace Bien que son usage de la perspective linéaire n’est pas précis, cette peinture par Vincent Van Gogh transmet quand même l’illusion de l’espace et de la profondeur. The Bedroom at Arles, c. 1887 Vincent Van Gogh
  • 22. Les principes de la conception
  • 23. Les principes de la conception Quand deux éléments ou plus sont employés dans une composition, ils commencent à interagir. La capacité de contrôler cet interaction est la tâche principale de l’artiste. Les principes de la conception sont les lois qui gouvernent la manière dont la ligne, la couleur, ou d’autre éléments se combinent pour créer certains effets émotifs ou esthétique. Par comparaison, les éléments de la conception sont les composants de la conception eux-mêmes, les objets à être arranger.
  • 24. Pourquoi est-ce que ce bâtiment est si renommé? Bonnano de Pisa. Bell Tower of the Cathedral at Pisa. Begun 1174.
  • 25. Principe #1: L’ équilibre L’ équilibre peut être physique ou visuel. Il y a trois types principaux en art: formel (symétrique), informel (asymétrique) radial Notre sens de l’ équilibre est inné; comme enfants, nous développons ce sens dans nos corps and dans le monde qui nous entoure. Une manque d’ équilibre nous perturbe. L’ équilibre rend un œuvre d’art plus confortable pour le visiteur. En faisant l’analyse de l’ équilibre, nous supposons qu’il y a un axe vertical. Typiquement, nous attendons voir un équilibre également distribue aux deux côtés de cet axe.
  • 26. L’ équilibre symétrique Axe vertical Axe horizontal
  • 27. Symétrique vs. asymétrique Le deuxième image démontre de l’ équilibre parce que les couleurs vives sont plus lourdes dans le sens visuel que les couleurs foncées – ainsi, ca prend 2 carrés foncées de la même grandeur pour équilibrer une carré rouge de la même grandeur.
  • 28. L’ équilibre informel Cette peinture démontre l’ équilibre asymétrique ou informel – les objets ne sont pas exactement similaires sur les deux cotés, mais l'oeuvre semble être équilibré grâce aux poids égaux à gauche et à droite dans le sens visuel. Giotto. Madonna Enthroned. C. 1310. Uffizi, Florence.
  • 29. L’ équilibre Symétrique / formel Cette peinture abstraite renommée est parfaitement symétrique. Il s’appelle aussi, « l’équilibre formel. » Pouvez-vous placer la ligne de symétrie sur la peinture? Frank Stella. Gran Cairo. 1962. Whitney Museum of American Art New York.
  • 30. L’ équilibre radial Avec l’ équilibre radial, tous les éléments rayonnent ou encerclent un point central. Il est fréquemment employé en architecture mais seulement parfois dans la peinture parce que son point de fuite est trop Photo of the coffers on Pantheon ceiling - Rome évident.
  • 31. Principe #2: L’emphase L’emphase est la création de l’importance visuelle ou un centre d’intérêt. L’emphase est souvent créé en contrastant un des élément, par exemple, la couleur. Il est employé pour guider les yeux du spectateur ou pour communiquer une action ou un émotion.
  • 32. Pour créer de l’emphase: Arrangez la plupart des éléments de façon horizontale et insérez quelques formes verticales. Arrangez la plupart des éléments dans votre dessin comme formes ou lignes régulières et géométriques et insérez une forme organique, comme dans l’image de Frank Miller à droit. Frame of “Sin City” by Frank Miller
  • 33. Pour créer de l’emphase: Créez un œuvre où la majorité des objets sont approximativement de la même grandeur, et où un est beaucoup plus grand. “Earth” Jeff Soto
  • 34. Pour créer de l’emphase: Faites un œuvre d’art dans lequel la majorité des formes naturelle sont déformées, mais où il y a une section facilement reconnaissable. Lucas Samaras Photo-Transformation November 22, 1973
  • 35. Pour créer de l’emphase: Créez un œuvre d’art dans lequel la majorité des couleurs sont foncées, et contrastez-les avec des couleurs vives. Lucas Samaras Large Drawing #45. 1966. Museum of Modern Art, New York.
  • 36. Principe #3: Le rythme Le rythme est la fluidité ou le mouvement dans la conception, communiqué à travers des motifs, l’espace, la répétition, ou l’accentuation d’un des éléments. Dans l’art, le rythme est lié au mouvement. Comme principe de conception, il est basé sur la répétition.
  • 37. Principe #3: Le rythme La répétition dans cette peinture crée un sens de mouvement. Marcel DuChamp Nude Descending a Staircase, No. 2. 1912. Philadelphia Museum of Art.
  • 38. Les motifs font le rythme Le rythme peut toujours être crée en employant les motifs. Les artistes peuvent employer les motifs exactement répétés pour créer le rythme. Andy Warhol. ‘Marilyn', Andy Warhol. 1961 Campbell’s Soup Cans. 1962.
  • 39. Principe #4: L’unité L’unité arrive quand un ou plus des éléments sont similaires à travers la conception. Elle donne l’impression de la dignité et de la cohésion.
  • 40. Un technique efficace à développer l’unité... Pour faire les éléments disparates sembler comme ils vont ensemble – employez la proximité, ou plus simplement, mettez ces éléments l’un à côté de l’autre. Considérez: dans le couloir à midi, pouvez-vous voir quels groupes de gens sont amis (unifiés) dans la façon qu’ils s’assoient ou se tiennent debout ensemble? Audrey Flack. 1977-78. Wheel of Fortune.
  • 41. L’unité L’unité est réalisé par la répétition Dans cette peinture, les spectateurs peuvent voir l’unité dans la répétition des formes. Les rectangles, les triangles, et les cercles répètent, et de plus, on peut voir un nombre incroyable de diagonaux parallèles. Pablo Picasso. The Studio. 1927-28.
  • 42. L’unité de forme Des exemples de l’unité réalisé à travers la répétition et la superposition Audrey Flack. Crayola. 1972-73.
  • 43. L’unité de couleur L’unité est créé ici en “Red Sings the Blues” by Andrea Lyon employant les couleurs analogues (similaires).
  • 44. Principe #5: La variété La variété arrive quand les changements dans les éléments sont employés afin de créer de l'intérêt. Les différences donnent à la conception de l’intérêt visuel et conceptuel. Salvador Dali. The Temptation of St. Anthony. 1946. Souvent, la variété est évident dans le contraste, Les Surréalistes employaient la grandeur, ou la texture. souvent la variété!
  • 45. Principe #6: La proportion La proportion est le rapport entre les parties de l’oeuvre entier ou entre un objet et un autre. La proportion fait référence à la grandeur relative, la grandeur mesurée contre un norme (mental) standard. Le peintre surréaliste , René Magritte a tellement changé la proportion ici pour créer de l’intérêt. Rene Magritte. La Chambre D’Ecoute.
  • 46. La proportion Il y a des œuvres qui sont connus en particulier pour leur grandeur exagéré. Mount Rushmore. Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen Spoonbridge and Cherry, 1985-1988
  • 47. La proportion Les personnes ont une idée générale des proportions du corps humain. La plupart de ces idées au sujet de la proportion ont été établi il y a presque 2500 années, dès la période classique en Grèce. Bien qu’aucune figure n’ était considéré parfait, le rôle de l’artiste était de créer la perfection non pas trouvé dans la nature. Polyclitus. The Spear Carrier. Roman copy of Greek original. 450-440 BC. National Museum, Naples.
  • 48. Jouez avec la proportion Dans « The Old Guitarist » par Picasso, les proportions du corps humain sont déformés. Le vieil hommes est allongé avec des bras et jambes minces, et un corps, des pieds, et des mains élargis. Ces déformations, en combinaison avec la couleur, deviennent une expression émotive sur les effets débilitants de Picasso. The Old Guitarist. 1903. l'âge. The Art Institute of Chicago.
  • 49. Comment pouvez-vous employer vos connaissances des éléments et principes de la conception pour changer et améliorer votre art?